El entorno artístico sevillano generado en torno a los años 2000-2015: J. M. Pereñíguez, Fernando Clemente, Rubén Guerrero y Miki Leal

El entorno artístico sevillano generado en torno a los años 2000-2015: J. M. Pereñíguez, Fernando Clemente, Rubén Guerrero y Miki Leal Carlos Guerrero García Facultad de Bellas Artes de Sevilla Universidad de Sevilla Curso 2020/2021 El entorno artístico sevillano generado en torno a los años 2000-2015: J. M. Pereñíguez, Fernando Clemente, Rubén Guerrero y Miki Leal Tutor – Paco Lara-Barranco Carlos Guerrero García Facultad de Bellas Artes de Sevilla Universidad de Sevilla Curso 2020/2021 En Sevilla, 2021 Trabajo de fin de grado El presente Trabajo Fin de Grado pretende poner en valor la trayectoria de un grupo de cuatro artistas, Miki Leal, Fernando Clemente, Rubén Guerrero y José Miguel Pereñíguez, que iniciaron y desarrollaron su labor en el ámbito de las manifestaciones artísticas en la provincia de Sevilla en los años comprendidos entre el 20002015. Años decisivos que, a la postre, fueron cruciales para la evolución de sus trayectorias artísticas y por el reconocimiento del contexto artístico regional y nacional (galería de arte, coleccionismo, crítica de arte especializada) que sobre las mismas está produciendo. La importancia de esta investigación estriba en desarrollar, conocer y dar visión de la gran riqueza creativa de estos artistas: inquietudes, motivaciones de sus inicios, espíritu vanguardista, transformando y reescribiendo todo aquel momento cultural en el que coincidieron. Transcurrió el periodo necesario para darse las circunstancias precisas para compartir el espacio, el tiempo y el apoyo mutuo, estableciendo un diálogo entorno a creaciones en la que existía un intercambio de percepciones sobre la realidad, pero sin dejar al margen la personalidad intrínseca de cada uno. Asimismo, con esta investigación, hemos constatado de qué forma la influencia de los estilos de Leal, Clemente, Guerrero y Pereñíguez se ha convertido en un valioso referente y se deja evidenciar en mis creaciones plásticas. This Final Degree Project aims to highlight the trajectory of a group of four artists, Miki Leal, Fernando Clemente, Rubén Guerrero and José Miguel Pereñíguez, who began and developed their work in the field of artistic manifestations in the province of Seville in the years between 2000 and 2015. Decisive years that, in the end, were crucial for the evolution of their artistic trajectories and for the recognition of the regional and national artistic context (art gallery, collecting, specialized art criticism) that is producing on them. The importance of this research lies in developing, knowing and giving vision of the great creative richness of these artists: concerns, motivations of their beginnings, avantgarde spirit, transforming and rewriting all that cultural moment in which they coincided. The necessary period elapsed to provide the necessary circumstances to share space, time and mutual support, establishing a dialogue around creations in which there was an exchange of perceptions about reality, but without leaving aside the intrinsic personality of each one. Also, with this research, we have seen how the influence of the styles of Leal, Clemente, Guerrero and Pereñíguez has become a valuable reference and is evident in my artistic creations. Investigación – Análisis – Vanguardia – Contemporáneo - Pintura Research - Analysis - Avant-garde - Contemporary - Painting Resumen Abstract Palabras claves Key words Introducción 5 Justificación 5 Objetivos 6 Metodología 6 Grado de innovación 7 1 - Marco teórico 8 1.1. Ambiente pictórico sevillano en el periodo 2000-2015 8 1.2. José Miguel Pereñíguez 10 1.3. Fernando Clemente 30 1.4. Rubén Guerrero 46 1.5. Miki Leal 100 1.6. Similitudes y diferencias 115 2 - La influencia del panorama artístico sevillano 117 2.1. Proceso de investigación 117 2.2. Procedimiento artístico 119 Conclusiones 144 Fuentes consultadas 145 Índice 5 Sugiero un arranque que deje claro de qué va nuestra investigación: El presente Trabajo Fin de Grado (TFG) ha centrado su estudio en un grupo de jóvenes artistas emprendedores con nuevas formas de expresión, cuyo trabajo se ha desarrollado en la capital de Sevilla entre los años 2000-2015. El rasgo más diferenciador que ha caracterizado a este grupo de jóvenes artistas ha sido el de la innovación. En sintonía en la que convivían de forma anónima, comenzaron siendo un grupo que, sin ninguna intencionalidad, de forma inconsciente avanzaban y se enriquecían personal y artísticamente. Animados a participar en exposiciones tanto individuales como colectivas, convivían en sintonía ahondando en la estética del momento e incorporando novedades de gran atractivo. Sus nombres comenzaron a sonar hace tiempo en todos los círculos de arte contemporáneo: Miki Leal, Fernando Clemente, Rubén Guerrero y José Miguel Pereñíguez. Sus piezas entraban de forma casi grotescas en galerías, colecciones y ferias de arte. Introducción Justificación La joven generación de artistas que se generó en el entorno sevillano del año 2000 se caracterizaba por ser muy inquieta, curiosa, vinculada a la nueva realidad, y, sobre todo, crítica con los años anteriores y consigo mismos. Tenían un aire de renovación al panorama andaluz, y actualmente se tratan de figuras consolidadas en el mercado del arte. Donde estriba la verdadera justificación de este proyecto es en demostrar el permanente interés de un conjunto de artistas en contribuir en la creación artística, que comenzaron siendo jóvenes valores y que intentaban acercar el mundo del Arte a los ciudadanos. Como valor añadido a todo ello, fueron los notables vínculos humanos que se fueron engendrando entre ellos, no sólo los unió la pintura sino también sus relaciones interpersonales. Un dato relevante de esta investigación es la escasez de estudios y publicaciones que se han desarrollado hasta el momento de este grupo de artistas sevillanos en el periodo seleccionado. Y, por otro lado, un motivo fundamental que anima a afrontar esta investigación es describir cómo éstos han influido y determinado mi obra artística, directa e indirectamente. 6 Objetivos Metodología — Analizar y definir las ideas claves que han determinado la evolución creativa de los pintores J. M. Pereñíguez, Fernando Clemente, Rubén Guerrero y Miki Leal, durante el período 2000-2015. — Estudiar la influencia del contexto artístico sevillano (período 2000-2015) en mi obra personal reciente. La metodología empleada para abordar el presente TFG ha sido de carácter analíticocomparativo, al tiempo que hemos empleado el método de la entrevista para la obtención de fuentes de primera mano. El proceso seguido para la realización de la investigación ha sido el siguiente: –– Se recopiló información de la época que comprendía del año 20002015 de los artistas seleccionados: biografía, obras, exposiciones, catálogos, entrevistas, artículos de prensa, reportajes, ... –– Un método fundamental fue las entrevistas personales, con el fin de recabar datos de primera mano —como hemos indicado arriba. –– Posteriormente se realizó un análisis detallado de cada artista, y una comparación entre sus características más generales. –– Se recopiló, se analizó y estudió detalladamente la información sobre los artistas para poder compararla con mi obra. Para ello: –– Se hizo una recopilación de mis piezas artísticas que tuvieran relación con el proyecto hasta la fecha, y se ordenó cronológicamente. –– Se relacionó a nivel formal cada una de las piezas con los artistas mencionados. 7 Grado de innovación El grado de innovación de este proyecto en concreto está en la temática elegida, por tratarse de un estudio riguroso de un grupo de artistas actuales y que, hasta la fecha, no han sido estudiados en profundidad, en el que se les relacione los unos con los otros. También, cabe destacar que se trata de una investigación rigurosa al estar fundamentada en numerosa información obtenida de entrevistas y opiniones directamente de los artistas con el proyecto. Igualmente es interesante mencionar la documentación gráfica contenida en este trabajo, ya que muchas de las obras no se han hecho públicas por encontrarse en colecciones privadas. Lo cual hace que este proyecto sea sumamente enriquecedor y atractivo, ya que la información desarrollada es prácticamente exclusiva y novedosa. 8 Un grupo desenmascarado de creadores marcados por la libertad interpretativa y formal surge en 1999 en Sevilla. Un grupo joven que son directos con sus ideas, sin pudor alguno, y que pretenden dar un gran vuelco al panorama artístico del momento en esta ciudad. Los une a gran parte de ellos lazos de amistad, y la finalización de la licenciatura en la facultad de Bellas Artes de Sevilla en los años 1999 y 2001. (Marín-Medina, 2000) A finales de los 90 y principios de los 00s coincide en Sevilla una crisis doble: Por un lado, la crisis post-expo del 92, y a nivel cultural son años que cuenta con una generación de artistas que apuestan por híbridos o fotografías frente a la tradición. En ese momento hay un cambio en el ambiente artístico, pues aparece una generación de un grupo de artistas que se aferran a la pintura principalmente por ir contracorriente, haciendo distintas propuestas 1 - Marco teórico 1.1. Ambiente pictórico sevillano en el periodo 2000-2015 9 y cada uno resaltando sus características individuales. Entre ellos podemos mencionar a Fernando Clemente, Ramón David Morales, Rubén Guerrero, Cristóbal Quintero, Miki Leal, David López Panea, Javier Parrilla o José Miguel Pereñíguez entre otros. (D’acosta, 2019) En aquella época estaba bastante consolidada como aglutinante común en el panorama cultural, una definición de pintura o escultura diferente a la actual. Los pintores o escultores pasaron a llamarse artistas. Pero esta joven generación estaría empeñada en la recuperación de la pintura en sus varios niveles y en los aspectos del soporte, de los medios de expresión y del lenguaje artístico. Será en Sala de eStar (un espacio alternativo que surgió en Sevilla en el año 2001, y acogió exposiciones propuestas por los propios artistas que gestionaban la sala hasta el año de su cierre en 2007) donde el grupo, aunque no se reconociera como tal, compartirían una teoría, líneas de trabajo y trayectorias muy similares, manteniendo características reconocibles entre ellos. Entre otras ideas, se preocupaban por soportes, lenguajes, materiales, las nuevas tecnologías y el porvenir contemporáneo. Todos tenían esas líneas generales comunes, pero contaban con una marca individual destacable en cada uno. Todos ellos se nutrían de grandes referentes comunes. Entre otros, siempre hubo algo de Dubuffet, de Pollock o de Kline…. Absorben sin descanso las fuentes artísticas y el procedimiento en el que adaptan toda esa información a sus obras, es de una forma única, incluso en ocasiones lo realizan casi sin pudor. O incluso también podían llegar a utilizar sin modestia alguna, los complejos recursos de anónimos artistas que transitan por el grafiti, el cómic, el naif… Pero todo esto no lo utilizarían como una finalidad, sino como un apoyo sobre el que dar el pistoletazo de salida de sus carreras profesionales. Fruto de aquella efervescencia creativa, fresca, con gran desparpajo estilístico y procedimental, surgen los nombres de Miki Leal, Fernando Clemente, Rubén Guerrero y J. M. Pereñíguez. A continuación, nos adentramos en las poéticas que a cada uno de ellos les caracteriza. 16 José Miguel Pereñíguez Es en 2004 cuando comienza a definir el estilo conceptual que formará a su propia figura. A nivel formal se mantiene en la línea de trabajo, manteniendo los soportes y técnicas utilizados hasta el momento. Pero ahora busca representar ciertas historias o paradojas desvelando lo mínimo posible, simplemente a través de la sugerencia de pequeños elementos, cuando en realidad representa la gran complejidad de un relato literario. Será poco después el momento en el que descubre lo que definirá los elementos que compondrán su obra, con un hallazgo que, como dice el autor: «Se pueden mostrar las consecuencias de un hecho, o se pueden representar las cosas dispuestas como si algo fuese a suceder, pero en una imagen parada, incluso el gesto más violento corre el riesgo de ser confundido con la fijeza de una pose» (Pereñíguez J. M., 2007). Sus narrativas comenzarán a tener aspectos menos legibles, pero más comunicativas. Según el diseñador David Carlson, no se puede confundir la legibilidad con la comunicación, y esto es algo que a José Miguel en aquella época le preocupaba especialmente. Es por ello por lo que tuvo que adaptar no solo su concepto, sino su procedimiento artístico, a esta nueva forma de expresar. Adoptó la disciplina del dibujo como principal y como la más certera según sus objetivos. Esto lo podemos ver en sus dibujos (ilustraciones 10-13) de esos años en los que, a través de un lenguaje muy poético, intenta conversar con el espectador, siendo prácticamente una conversación unidireccional por parte del artista hacia el espectador. Ilustración 10 - José Miguel Pereñíguez, Ánima, 2007 Carbón y lápiz sobre cartón, 100x70cm. Fuente: Catálogo La Obra en Negro, 2007 17 José Miguel Pereñíguez Ilustración 11 - José Miguel Pereñíguez, El principe constante, 2007 Carbón y lápiz sobre cartón, 100x70cm. Fuente: Catálogo La Obra en Negro, 2007 Ilustración 12 - José Miguel Pereñíguez, Sin título, 2007 Carbón y lápiz sobre cartón, 72x52,5cm. Fuente: Catálogo La Obra en Negro, 2007 18 José Miguel Pereñíguez A raíz de aquí, y durante los siguientes años, decide profundizar en esta corriente conceptual que, de una forma teatral, define de forma muy concreta sus intenciones (ilustraciones 14-16). A nivel técnico se puede ver un gran avance hacia la búsqueda de la perfección, con una metodología muy diferente a la de sus inicios. Ilustración 14 - José Miguel Pereñíguez, Kunak, 2011 Pasta de modelar y acuarela, 7x18cm y 7x12,5cm. Fuente: José Miguel Pereñíguez Ilustración 13 - José Miguel Pereñíguez, Mundus III, 2010 Carbón y lápiz sobre cartón, 100x70cm. Fuente: José Miguel Pereñíguez 19 José Miguel Pereñíguez Es en torno al año 2010 cuando decide que la geometría sería la forma más directa de alcanzar la perfección que estaba buscando en sus trabajos anteriores. Recurre a través de diferentes tratados e investigaciones a retícula geométrica muy marcada y premeditada, para representar elementos humanos normalmente, como retratos o figuras ecuestres. Pero esto no supone el abandono del dibujo que estaba tratando de perfeccionar en los años anteriores, de hecho, en 2012 para la galería Rafael Ortiz, presenta una serie de dibujos con una mayor simplificación de las formas, apelando puramente a lo conceptual, como podemos ver en las imágenes. Trabaja combinando ambas líneas de trabajo, geometría y abstracción. (Pereñíguez J. , 2016) Ilustración 16 - José Miguel Pereñíguez, Tiaso satiro joven, 2012 Carbón sobre papel, 29,7x21cm. Fuente: José Miguel Pereñíguez Ilustración 15 - José Miguel Pereñíguez, Soma, 2012 Carbón sobre papel, 35x50cm. Fuente: José Miguel Pereñíguez 20 José Miguel Pereñíguez Sus piezas nunca están inacabadas, y todo lo que las compone está previamente estudiado y anotado muy cuidadosamente. Su metodología de trabajo es constante, precavida, detallada y perfeccionista. Esto lo podemos comprobar en los acabados de los dibujos sobre figuras geométricas con bajos relieves del año 2013 (ilustración 17). No genera grandes volúmenes, ni perspectivas especialmente profundas, simplemente crea una serie de bajorrelieves que, de alguna forma, al igual que Rubén, engañan al ojo para crear sensaciones ópticas ciertamente enigmáticas. Es a partir de su adentramiento pleno en la geometría cuando decide que para poder expresar de una forma más clara su concepto, debía de cambiar el soporte. Las figuras geométricas tienen un impacto visual muy concreto dependiendo del soporte y técnica que estén presentado. En esta búsqueda que José Miguel persigue se encuentra con las tablas de madera, las cuales le permiten presentar su trabajo tan minucioso, de la forma más precisa encontrada hasta el momento. Ilustración 17 - José Miguel Pereñíguez, Teatro persa, 2013 Tinta sobre papel japonés, 30x42cm. Fuente: José Miguel Pereñíguez 21 José Miguel Pereñíguez Ilustración 18 - José Miguel Pereñíguez, Shamil y miurids (rompecabezas), 2013 Lápiz sobre papel, 70x100cm. Fuente: José Miguel Pereñíguez 22 José Miguel Pereñíguez A través de estas piezas escultóricas en madera presentadas entre 2013 y 2015 (ilustraciones 18-20), tratadas como si de una pieza de diseño industrial se tratase, el artista comienza a retratar relatos e historias de León Tolstói, entre otros novelistas. Teniendo muy en cuenta grandes referentes para esta serie de piezas, como lo son Adolf Loos, Heinrich Tessenow y Peter Behrens. Y en esta fina línea entre el dibujo, la artesanía, el objeto, y el maquinismo, él consigue expresar de una forma muy clara su búsqueda constante de profundas teorías conceptuales sobre la idea de perfección, normalmente disfrazándolas con relatos literarios. Será a partir de este momento que comenzará a trabajar prácticamente de forma exclusiva sobre madera, o a través del dibujo, utilizando esta técnica y los soportes para expresar su concepto principal (ilustraciones 21-32). Ilustración 20 - José Miguel Pereñíguez, Heinrich Tessenow - Cómo nos va y como nos debería ir, 2013 Mobiliario, 4 unidades, 162,4 x 85 x 28 cm c.u. Fuente: José Miguel Pereñíguez Ilustración 19 - José Miguel Pereñíguez, Máquinas en Estilo Moderno Peter Behrens para AEG, 2013 Medidas variables. Fuente: Exposición Lo otro, en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla 23 José Miguel Pereñíguez Ilustración 21 - José Miguel Pereñíguez, Acteon, 2014 Carbón sobre papel, 29,7x21cm. Fuente: José Miguel Pereñíguez Ilustración 22 - José Miguel Pereñíguez, Sisifo, 2014 Carbón sobre papel, 29,7x21cm. Fuente: José Miguel Pereñíguez 24 José Miguel Pereñíguez Ilustración 23 - José Miguel Pereñíguez, Lo otro, 2014 Vista general. Fuente: Exposición Lo otro, en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla Ilustración 24 - José Miguel Pereñíguez, Zeus y Titan, 2014 Carbón sobre papel, 29,7x21cm. Fuente: José Miguel Pereñíguez 25 José Miguel Pereñíguez Ilustración 25 - José Miguel Pereñíguez, 2014 Pizarra y madera, 26,4x18x0,6 cm c.u. y 1 estuche de madera y chapa de palisandro, 30,4x22x2cm. Fuente: José Miguel Pereñíguez 32 Fernando Clemente Ilustración 35 - Fernando Clemente, Souvenir, 2003 Lápiz sobre papel, 46x32cm. Fuente: Catálogo Los Chicos del Maíz, 2003 Él suele estar muy influenciado por la música, algo muy característico en sus círculos cercanos, no solo en el estudio de trabajo, sino también por artistas como Luis Gordillo, que le marca de forma directa. Algo sobre lo que Fernando es muy consciente desde sus inicios es la idea: Es por ello, por lo que él se mueve en una línea de artistas sevillanos que simplemente pintan, disfrutando de lo que hacen. Los pintores, siendo artistas visuales, se les exige argumentos, con palabras, que expliquen lo que hacen. Como si a los bailarines les exigiesen que le expliquen por qué bailan de cierta forma, o a los propios músicos por qué tocan algunas composiciones. Esta exigencia existe en la pintura, pero no en otros ámbitos artísticos. Parece que en general está penalizado pintar, como si se necesitara de una justificación. (Clemente F. , 2021) 33 Fernando Clemente Ilustración 36 – Fernando Clemente, Souvenir, 2003 Lápiz sobre papel, 46x32cm. Fuente: Catálogo Los Chicos del Maíz, 2003 Ilustración 37 - Fernando Clemente, Horses, 2002 Óleo sobre lienzo, 105x81cm. Fuente: Catálogo Los Chicos del Maíz, 2003 Es en 2003 en la exposición de Los Chicos del Maíz presentó cuatro piezas (ilustraciones 35-38) que tenían mucho parentesco a la iconografía de Miki y Pereñíguez. Un aire de elementos cotidianos, pero con algo de misterio. En cambio, no se acercaba a la línea de Rubén ya que éste estaba entonces comenzando a tender hacia las abstracciones más planas. 34 Fernando Clemente Ilustración 38 - Fernando Clemente, Quiero y no puedo, 2003 Óleo sobre lienzo, 100x81cm. Fuente: Catálogo Los Chicos del Maíz, 2003 35 Fernando Clemente El primer encuentro conceptual que tiene con el diseño en sus cuadros son una serie del 2005 que le dedica al arquitecto Alvar Aalto (ilustraciones 41-43), unos dibujos en los que él estudiaba la fibra de la madera. Es a partir de aquí que comienza a estar especialmente interesado por la seducción de la forma. Trata de pintar como la «fotografía concreta”, no se centra en enfocar perfectamente, sino en equilibrar la tensión creada en el cuadro. La abstracción para Fernando es ineludible, y la pintura para él es parte de su ser. Esta combinación le da una gran potencia a su geometría especialmente vibrante (ilustración 40). No termina de abandonar la iconografía de sus inicios, pero su estilo pictórico y su procedimiento evolucionan hacia un tratamiento de la obra de forma más metódica y menos «urbana”. Esto lo podemos ver en piezas como S/T de 2005, (Ilustración 39) en la que comienza a valorar la idea de que un plano dimensional puede rechazar la primacía de cualquier punto de vista frontal al valorar todo a partir de relaciones de proporción. Pero en aquel entonces Fernando no era consciente de esta búsqueda que estaba realizando. Para él, simplemente a veces buscaba un detalle que le justificara poder seguir haciendo lo que estaba haciendo: pintar y seguir pintando. Ilustración 39 – Fernando Clemente, Sin título, 2005 Óleo sobre lienzo, 42x36cm. Fuente: Fernando Clemente 36 Fernando Clemente Ilustración 40 – Fernando Clemente, Sin título, 2005 Óleo sobre lienzo, 88x70cm. Fuente: Fernando Clemente Ilustración 41 – Fernando Clemente, Sin título (Serie Alvar Aalto), 2005 Óleo sobre lienzo, 33x31cm. Fuente: Fernando Clemente Ilustración 42 – Fernando Clemente, Sin título (Serie Alvar Aalto), 2005 Óleo sobre lienzo, 27x36cm. Fuente: Fernando Clemente 37 Fernando Clemente Ilustración 43 – Fernando Clemente, Sin título (Serie Alvar Aalto), 2005 Óleo sobre tabla, 70x40cm. Fuente: Fernando Clemente Ilustración 45 - Fernando Clemente, Pico negro, 2005 Óleo sobre lienzo, 38x32cm. Fuente: Fernando Clemente Ilustración 44 – Fernando Clemente, Sin título, 2005 Óleo sobre lienzo, 38x32cm. Fuente: Fernando Clemente 38 Fernando Clemente En el estudio de pintura siempre está presente la música (ilustración 44). Y en su obra siempre lo estuvo, pero es a partir del año 2008 aproximadamente donde tomará un especial protagonismo. Él siempre ha dicho que: «prefiere aprender de la música de sus compañeros de estudio». Presume de codearse junto a grandes interesados por la música culta, y esto generará una línea de creación que abarca hasta el día de hoy. Llega decir: «que él pinta para los demás». Como algo generoso, que le gusta a él, pero que le puede gustar o seducir a los demás. Su constante contacto con sus compañeros en el estudio y fuera de él, se puede ver reflejado en la simplificación de las formas y los símbolos que comienza a depurar en aquella época, como podemos ver en la imagen de Pico negro (ilustración 45) de 2005. Ilustración 46 – Fernando Clemente, El ladrillo, 2007 Óleo sobre lienzo, 67x47cm. Fuente: Fernando Clemente 39 Fernando Clemente Cabe destacar que Fernando comienza a decantarse definitivamente por esa rama geométrica de la pintura, y se mueve en una ciudad donde esta palabra recuerda al cálculo, a las medidas y a las líneas limpias (ilustraciones 46-48). Pero en sus cuadros siempre hay una gran parte humana, se mueve en el error, en lo natural y en lo imperfecto. Aunque haya formas y estructuras que se repiten, o que están perfectamente trazadas, estas se mueven por sus cuadros como inquietudes externas a estos. En él hay un valor importante relacional y es que el taller de pintura, siempre ha sido espacio compartido con otros artistas, un espacio relacional. Esto es muy importante para Fernando, porque es muy poroso junto a los artistas con los que comparte experiencias. También, ocurría lo mismo en las personas con las que Fernando se relacionaba, éste dejaba huella, por su carácter y su búsqueda constante de justificación. Ilustración 47 – Fernando Clemente, Dentro de la pared, 2011 Óleo sobre lienzo, 47x67cm. Fuente: Fernando Clemente Ilustración 48 – Fernando Clemente, Big trak, 2011 Óleo sobre lienzo, 80x105cm. Fuente: Fernando Clemente 40 Fernando Clemente Tiene inquietudes externas al cuadro, y recoge muchísimos elementos visuales que acaban en los mismos. Las marcadas influencias del diseño en él, se puede entender que es un pintor que trabaja con la mirada. «El diseño tiene algo de seducción y atractivo que me interesa comunicar» (a partir de una entrevista con el artista en 2021). Esa parte de la mirada conviven en sus cuadros. Esto es algo que comparte con sus principales referentes artísticos como Alvar Aalto, mencionado anteriormente, Josef Albers o Pablo Palazuelo. A partir de 2011, comienza a reflexionar sobre lo ornamental. ¿Por qué la decoración está mal vista en el arte contemporáneo? y sobrevalorado lo conceptual. Fernando cree que lo decorativo está siendo desprestigiado, y esto es algo que generó una búsqueda en él por una posible respuesta a través de nuevas formas (ilustración 49). Es entonces cuando comienza a dar importancia a elementos en sus composiciones que no se había cuestionado hasta entonces. Principalmente serán las formas, pero también le dará importancia a la combinación «correcta”, desde su punto de vista, de colores. Los cuales comienzan a interactuar en su obra, se yuxtaponen armoniosamente, juegan con acentos cromáticos y los tamaños de las formas para lograr infinitas perspectivas únicas (ilustraciones 50-52). A veces tonos diferentes, y en otras ocasiones totalmente contrastados. Ilustración 49 - Fernando Clemente, Galería mecánica plan obra, 2011 Técnica mixta, 70x57cm. Fuente: Fernando Clemente 41 Fernando Clemente Artistas similares a él pueden ser Norman Ives, que menciona: «Ninguna parte de un símbolo se puede suprimir sin destruir la imagen que crea, ya que, como una Gestalt, el efecto psicológico de la imagen total es mayor que la suma de las partes.» (Ives, 1960, pág. 3) La condición de la pintura de Fernando es sobre todo ambiental, no se puede ver con un único punto de vista. Coquetea con nuestros límites visuales, jugando con nuestra mirada. El artista llega a la imagen buscando la percepción del espacio que se amplía. Sus pinturas, conforme avanzan los años, abrazan los márgenes para definirse a sí misma. Esto mismo lo denominará Pereñíguez como «Instancias duales”: diseño-arte pinturadecoración, superficie-profundidad, ejecución-especulación, familiaridad-extrañeza, con toda esta conjunción, algunos elementos nos distraen del otro. Esto es un lenguaje fragmentado, que no está del todo traducido. Y esto se verá impregnado en sus procedimientos y en su metodología de trabajo. Ilustración 52 – Fernando Clemente, Ateno, 2012 Óleo sobre lienzo, 47x69cm. Fuente: Fernando Clemente Ilustración 50 – Fernando Clemente, Microestructuras, 2014 Óleo sobre lienzo, 23x23cm. Fuente: Fernando Clemente Ilustración 51 – Fernando Clemente, Microestructura, 2014 Óleo sobre lienzo, 25x25cm. Fuente: Fernando Clemente 48 Rubén Guerrero Ilustración 61 - Rubén Guerrero, Sin título, 2001 Óleo sobre tabla, 78x54cm. Fuente: Catálogo Figuraciones de Sevilla Horizonte 2000 Ilustración 62 - Rubén Guerrero, Tela de araña, 2001 Óleo sobre tabla, 57x68cm. Fuente: Catálogo Figuraciones de Sevilla Horizonte 2000 49 Rubén Guerrero En el año 2002, presenta en Sala de eStar en Sevilla la exposición Somos el fango, junto a Pereñíguez, la cual José Marín-Medina añade al proyecto de ese mismo año Figuraciones – Arte Civil & Magicismos. Son 16 piezas de formatos muy dispares y, como estaban trabajando hasta la fecha, muy poco convencionales, siendo todos ellos obras creadas por los dos artistas (ilustraciones 63-67). Eran piezas en las que, constantemente iban pasando de las manos de uno al otro. En este conjunto se ve la admiración de Rubén por el temple de José Miguel, y es en esta serie donde comienza a controlar su expresividad, buscando formas orgánicas menos matéricas, y más comunicativas. Ilustración 63 - Rubén Guerrero y José Miguel Pereñíguez, Corasón, 2002 Óleo sobre distintos soportes, medidas variables. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 64 - Rubén Guerrero y José Miguel Pereñíguez, imagen de la exposición Somos el fango en sala de eStar, 2002, Fuente: Catálogo Figuraciones: Arte civil y magicismos, 2003 50 Rubén Guerrero Ilustración 65 - Rubén Guerrero y José Miguel Pereñíguez, políptico del pintor, 2002 Óleo y esmalte sobre papel, 100x70cm. Fuente: Rubén Guerrero 51 Rubén Guerrero Ilustración 66 - Rubén Guerrero y José Miguel Pereñíguez, La sangre de otro, 2002 Óleo sobre lienzo y papel, dimensiones variables. Fuente: Catálogo Figuraciones: Arte civil y magicismos, 2003 Ilustración 67 - Rubén Guerrero, Serie pared de estudio, 2002 Óleo y esmalte sobre papel, 100x75cm. Fuente: Rubén Guerrero 52 Rubén Guerrero Son estos dos proyectos de figuraciones los que les darán notoriedad a nivel andaluz y nacional. Pero sus estilos artísticos empezarían a tomar caminos diferentes. En 2003 presenta en la exposición de Los Chicos del Maíz unas piezas que comenzarán a definir su trayectoria. El concepto tratado sigue siendo similar al de sus compañeros, pero en este caso son piezas con algo más de perspectiva, y con un gran manifiesto de su interés por lo inacabado (ilustraciones 68-70). Es aquí donde comienza a explorar los procedimientos pictóricos desechados, las piezas que se quedan apartadas para ser terminadas más tardes. Este será su principal interés dentro de la pintura. Ilustración 68 - Rubén Guerrero, Sin título, 2003 Óleo sobre papel, 70x100cm. Fuente: Catálogo Los Chicos del Maíz, 2003 Ilustración 69 - Rubén Guerrero, Sin título, 2002 Óleo sobre papel, 72x56cm. Fuente: Catálogo Los Chicos del Maíz, 2003 53 Rubén Guerrero Ilustración 70 - Rubén Guerrero, Sin título, 2003 Óleo sobre papel, 70x100cm. Fuente: Catálogo Los Chicos del Maíz, 2003 54 Rubén Guerrero En los años precedentes muestra una constante evolución en sus pinturas hacia pequeñas perspectivas (ilustraciones 71-83). Empieza a ser una característica de él la manera accidental de colocar los colores, pero que curiosamente parece estar previamente estudiada; estas creaciones de un determinado ambiente en el que el espectador cree reconocer elementos familiares como puertas, cajas, sábanas, tubos, muros o tablas, pero que no terminan de encajar entre ellos para conformar una imagen cómoda a las que estamos acostumbrados (Guerrero, 2006). Ilustración 71 - Rubén Guerrero, Sin título, 2003 Óleo sobre lienzo, 105x82cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 72 - Rubén Guerrero, Sin título, 2003 Óleo sobre lienzo, 100x70cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 73 - Rubén Guerrero, Silla de montar, 2004 Óleo y esmalte sobre papel, 100x70cm. Fuente: Rubén Guerrero 55 Rubén Guerrero Ilustración 74 - Rubén Guerrero, Sin título, 2004 Óleo sobre lienzo, 100x70cm. Fuente: Rubén Guerrero 56 Rubén Guerrero Ilustración 75 - Rubén Guerrero, Artesano, 2005 Óleo y esmalte sobre cartón, 130x92cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 76 - Rubén Guerrero, La trampa del ojo, 2005 Óleo y esmalte, díptico, sobre tabla, 29x195cm. Fuente: Rubén Guerrero 57 Rubén Guerrero Ilustración 77 - Rubén Guerrero, Sin título, 2005 Óleo y esmalte sobre papel, 130x92cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 78 - Rubén Guerrero, Sin título, 2005 Óleo y esmalte sobre tabla, 112x93cm. Fuente: Rubén Guerrero 64 Rubén Guerrero Ilustración 89 - Rubén Guerrero, MGM, 2006 Óleo y esmalte sobre papel, 100x70cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 90 - Rubén Guerrero, MGM, 2006 Óleo y esmalte sobre papel, 100x70cm. Fuente: Rubén Guerrero 65 Rubén Guerrero A partir de este momento comenzarían a surgir constantes proyectos en diferentes galerías por distintas ciudades no solo a nivel nacional, sino internacional, como Ciudad de México, Sao Paulo, Palermo, Roma, Miami, Shangai, San Juan, Lissone o Turín entre otras (ilustraciones 91-99). Ilustración 92 – Rubén Guerrero, Sin título (Serie Gruyere II), 2006 Óleo y esmalte sobre tabla, 182x122cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 91 - Rubén Guerrero, Sin título (Serie Gruyere V), 2006 Óleo y esmalte sobre tabla, 122x116cm. Fuente: Rubén Guerrero 66 Rubén Guerrero Ilustración 93 - Rubén Guerrero, Sin título, 2006 Óleo, esmalte y rotulador permanente sobre cartón, 100x70cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 94 - Rubén Guerrero, Sin título, 2006 Óleo, esmalte y rotulador permanente sobre cartón, 100x70cm. Fuente: Rubén Guerrero 67 Rubén Guerrero Ilustración 95 - Rubén Guerrero, Sin título, 2006 Óleo y esmalte, díptico, sobre lienzo, 292x192cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 96 - Rubén Guerrero, I wanna be black (Hendrix), 2006 Óleo y esmalte sobre cartón, 100x70cm. Fuente: Rubén Guerrero 68 Rubén Guerrero Ilustración 97 – Rubén Guerrero, Home sweet home, 2006 Óleo y esmalte sobre tabla, 500x220cm. Fuente: Rubén Guerrero 69 Rubén Guerrero Ilustración 98 - Rubén Guerrero, Montaje en Valencia, 2006 Fuente: Galería Luis Adelantado Valencia 70 Rubén Guerrero En torno al año 2006 comenzará a jugar con esas pequeñas perspectivas con las que coqueteaba en sus inicios, pero con un aire mayor de seriedad (ilustraciones 100-111). A diferencia de Fernando o Miki, no utilizará un abanico cromático especialmente amplio, sino que se mantendrá en una gama normalmente fría y con un gran predominio del negro, blanco y gris. Esta predilección es también muy utilizada por Pereñíguez en la misma época. Ilustración 99 - Rubén Guerrero, Sin título, 2006 Óleo y esmalte sobre cartón, 100x70cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 100 - Rubén Guerrero, Ojo compuesto, 2006 Óleo y esmalte sobre papel, 100x70cm. Fuente: Rubén Guerrero 71 Rubén Guerrero Ilustración 102 - Rubén Guerrero, Sin título (Caja de instrucciones), 2006 Óleo y esmalte, díptico, sobre cartón, 150x250cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 101 - Rubén Guerrero, Sin título (ACME II), 2006 Óleo, esmalte y rotulador permanente, díptico, sobre cartón, 100x70cm. Fuente: Rubén Guerrero 72 Rubén Guerrero Ilustración 104 - Rubén Guerrero, Sin título (La fiesta), 2006 Óleo y esmalte sobre cartón, 88x64cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 103 - Rubén Guerrero, Sin título (Antifaz), 2006 Óleo y esmalte sobre cartón, 80x60cm. Fuente: Rubén Guerrero 73 Rubén Guerrero Ilustración 105 - Rubén Guerrero, Sin título (ACME error de cálculo), 2006 Óleo, esmalte y rotulador permanente sobre cartón, 106x76cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 106 - Rubén Guerrero, Sin título (Serie Gruyere II), 2006 Óleo y esmalte sobre tabla, 122x80cm. Fuente: Rubén Guerrero 80 Rubén Guerrero Ilustración 116 - Rubén Guerrero, Sin título (Preview not avaliable), 2007 Óleo y esmalte sobre lienzo, 146x114cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 117 - Rubén Guerrero, Sin título (Preview not avaliable), 2007 Óleo y esmalte sobre lienzo, 146x114cm. Fuente: Rubén Guerrero 81 Rubén Guerrero Será a partir de este momento que su trabajo empezaría a tener motivos que se irían repitiendo, creando de esta forma una sensación de madurez. El proceso de creación sigue siendo el pretexto para su obra, pero cada vez más proyecta hacia una línea de investigación más profunda sobre la propia pintura (ilustraciones 119-132). Ilustración 118 - Rubén Guerrero, Sin título (Reconstrucción), 2007 Óleo y esmalte sobre cartón, 166x152cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 119 - Rubén Guerrero, Sin título, 2007 Óleo y esmalte sobre cartón, 250x200cm. Fuente: Rubén Guerrero 82 Rubén Guerrero Ilustración 120 - Rubén Guerrero, Sin título (Serie H.S.H.), 2007 Óleo y esmalte sobre cartón, 200x200cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 121 - Rubén Guerrero, Sin título (Subliminal), 2007 Óleo y esmalte sobre cartón, 130x110cm. Fuente: Rubén Guerrero 83 Rubén Guerrero Ilustración 122– Rubén Guerrero, Sin título (Warning slow down 2), 2007 Óleo y esmalte sobre lienzo, 100x70cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 123 – Rubén Guerrero, Sin título (Warning fragile), 2007 Óleo y esmalte sobre cartón, 152x165cm. Fuente: Rubén Guerrero 84 Rubén Guerrero Ilustración 125 – Rubén Guerrero, Sin título, 2008 Óleo y esmalte sobre lienzo, 195x162cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 124 – Rubén Guerrero, The end is near, 2007 Óleo y esmalte sobre papel, 100x70cm. Fuente: Rubén Guerrero 85 Rubén Guerrero Ilustración 126– Rubén Guerrero, Sin título, 2011 Óleo y esmalte sobre lienzo, 250x200cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 127– Rubén Guerrero, Sin título, 2011 Técnica mixta sobre tabla, 62x40cm. Fuente: Rubén Guerrero 86 Rubén Guerrero Ilustración 128 – Rubén Guerrero, Sin título, 2012 Óleo y esmalte, díptico, sobre lienzo, 250x150cm y 250x175cm. Fuente: Rubén Guerrero 87 Rubén Guerrero Ilustración 129 – Rubén Guerrero, Sin título, 2012 Óleo y esmalte sobre lienzo, 200x290cm. Fuente: Rubén Guerrero 88 Rubén Guerrero Ilustración 130 – Rubén Guerrero, Entre fraudes y hechos, 2013 Óleo y esmalte sobre lienzo, medidas variables. Fuente: Galería Luis Adelantado, México 89 Rubén Guerrero Ilustración 132– Rubén Guerrero, Entre fraudes y hechos, 2013 Vista general del estudio Ilustración 131 – Rubén Guerrero, Sin título (Buchi Trasversale), 2014 Óleo y esmalte sobre lienzo, 205x130cm. Fuente: Rubén Guerrero Rubén Guerrero Ilustración 143– Rubén Guerrero, Sin título (Pura apariencia neoplasticista P.M.), 2016 Óleo y esmalte sobre lienzo, 250x174,5cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 144 - Rubén Guerrero, El centro del centro, 2017 Óleo y esmalte sobre lienzo, 250x164cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 145 - Rubén Guerrero, Desde el margen, 2018 Óleo y esmalte sobre lienzo, 44x29,5cm. Fuente: Rubén Guerrero 97 Rubén Guerrero Este procedimiento lo mantendrá desde 2014, y se constituirá en dos fases: una creación de una maqueta a través de objetos encontrados, reusados o creados normalmente. Esta maqueta suele tener pocos elementos, y simples, ya que constituirá el esqueleto del cuadro. Tras su montaje, la fotografiará y pasará a la segunda fase, la edición digital. En este proceso surgen bastantes cambios, normalmente para su adaptación al lienzo (ilustraciones 147-150). Ilustración 146 - Rubén Guerrero, Asunto entre 5, 2020 Óleo y esmalte sobre lienzo, 210x120cm. Fuente: Rubén Guerrero 98 Rubén Guerrero Ilustración 147 – Rubén Guerrero, Sin título (PAF), 2020 Óleo y esmalte sobre lienzo, 240x166cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 148– Rubén Guerrero, Sin título (Cabecera y cierre), 2020 Óleo y esmalte sobre lienzo, 245x172cm. Fuente: Rubén Guerrero 99 Rubén Guerrero Ilustración 150– Rubén Guerrero, Sin título (Personaje suprematista), 2020 Óleo y esmalte sobre lienzo, 240x155cm. Fuente: Rubén Guerrero Ilustración 149 – Rubén Guerrero, Sin título (Tipologías), 2020 Grafito, carbón y lápiz sobre papel, 240x155cm. Fuente: Rubén Guerrero 100 Miki Leal (Sevilla, 1974) mostraba en sus exposiciones individuales, en torno al año 2000, una tendencia al grafismo más iconográfico e ideológico. A veces utilizaba imágenes del mundo del cómic, propiciando un aspecto más sintético y natural, ya que estos símbolos eran muy característicos en las piezas de esas generaciones, que se fundamentaban en el imaginario visual de lo urbano, de la posmodernidad, del ocio constante y del consumo (Ilustración 151, 152) (Marín-Medina, 2000). Siendo uno de los fundadores en ese mismo año del colectivo «The Richard Channin Foundation» (1999-2004) junto a Fernando Clemente, y a Juan del Junco, el artista comienza a codearse con jóvenes creadores que generaron en el ambiente artístico sevillano de esos años una gran actividad cultural, activando una serie de cuestiones psicológicas para toda su generación. La mayoría siendo alusiones metafóricas, irónicas y críticas de aquellas situaciones y elementos que les rodeaban a diario, jugando constantemente con elementos simbólicos. 1.5. Miki Leal Ilustración 151 - Miki Leal, Dialogo Funky con circulo verde, 2001 técnica mixta sobre papel, dimensiones variables. Fuente: Catálogo Figuraciones de Sevilla Horizonte 2000 Ilustración 152 - Miki Leal, Entre rejas, 2001 técnica mixta sobre papel, 50x70cm. Fuente: Catálogo Figuraciones de Sevilla Horizonte 2000 101 Miki Leal De esta forma, podríamos decir que en su primera etapa se centró, principalmente, en las subculturas y las formas de retratarlas. (Leal, 2013) Él se educa y aprende en una ciudad y una facultad con un gran peso clásico, y esto se ve reflejado en aquellas primeras muestras. Su forma de tratar las piezas ha sido especialmente respetuosa, aunque eso no supusiera obstaculizar su tratamiento y metodología creativa. Es en esta primera etapa donde definirá su manera de trabajar, manteniéndola prácticamente invariable hasta casi dos décadas después. Siempre ha creado, desde objetos que encuentra a su alrededor hasta ciertas historias recientes o inventadas por él en el momento de la creación, pero siempre partiendo desde cero. La base de todas sus piezas son el blanco, y sobre este, con algo de agua, comienza a crear. En sus inicios casi siempre hace alusión a objetos cotidianos de su generación fácilmente reconocibles, aunque no tardó mucho en desarrollar un gusto por la figuración abstracta. Su metodología creativa se basa en la asociación de elementos, con el objeto de poder hacer descubrimientos que se puedan desarrollar con fuerza y energía, ambas características de vital importancia en su pintura. Siempre ha trabajado sobre papel y desde un inicio vacuo (aspecto esencial en sus obras). Su forma de trabajo no toma el soporte como una limitación, sino como una ventaja en su metodología. Utiliza esa imposición propia para exponer su creatividad a posibilidades adversas a las que enfrentarse, y de esa forma resuelve de manera constantemente innovativa sus piezas pictóricas (Alonso Molina, 2008). Ilustración 153 – Miki Leal, Homenaje a Richard Prince, 2002 acrílico, carbón y bolígrafo sobre papel 150x200cm. Fuente: Catálogo Los Chicos del Maíz, 2003 Ilustración 154 - Miki Leal, La rana me pone negro, 2003 acrílico sobre papel, 150x200cm. Fuente: Catálogo Los Chicos del Maíz, 2003 Ilustración 155 - Miki Leal, s/t, 2003 acrílico y acuarela sobre papel, 150x200cm. Fuente: Miki Leal 102 Miki Leal El artista mencionaba en 2012 para la convocatoria de arte ART Situacions: Los temas tratados por el artista no tienen límite, ya que su metodología de investigación suele ocurrir de forma serendípica. Un momento destacado en su trayectoria fue en el 2003, en el que los lleva a reunirse y organizar una exposición colectiva denominada Los Chicos del Maíz (Ilustraciones 153, 154), en la Galería Icaria en Alcalá de Guadaira (Sevilla), donde se reúnen 11 jóvenes artistas de esta generación con propuestas innovadoras: Miki Leal, Fernando Clemente, Rubén Guerrero, José Miguel Pereñíguez, Manolo Bautista, Cristobal Quintero, Juan del Junco, Mª José Gallardo, Rafael Guerrero, Ramón David Morales y Felipe Palma. Esta supuso una toma de contacto donde tomaron conciencia de los trabajos que estaban realizando cada uno de ellos en esa fecha, con unas señas de identidad propia (ilustraciones 155-157). Un elemento de valor a destacar fue el respeto y admiración por cada una de las formas de trabajar. Ilustración 156 - Miki Leal, S/T, 2003 técnica mixta, dimensiones variables. Fuente: Miki Leal Ilustración 157 – Miki Leal, S/T, 2004 Acrílico y acuarela sobre papel, 150x200cm. Fuente: Miki Leal He pasado por diferentes procesos creativos, aunque siempre ha sido un proceso propio de pintor abstracto, ya que siempre parto del blanco. Lo importante es tirar del hilo hasta que se conforma algo que aluda a cosas que tienes en la cabeza, presentes en ese momento. 103 Miki Leal Ilustración 158 – Miki Leal, El atao, 2004 Acrílico y acuarela sobre papel, 156,6x209x5cm. Fuente: Catálogo Inicial/08, 2008 Ilustración 159 - Miki Leal, Santa Mónica Beach, 2007 Acrílico y acuarela sobre papel, 113x77cm. Fuente: Miki Leal A partir del 2005 será cuando comience a dar mayor importancia temática a las historias oníricas e invenciones propias, teniendo una constancia de elementos, como son: los paisajes, los iconos, los símbolos y los retratos de personajes (en ocasiones reconocibles y en otras, imaginarios). (Leal, 2018) Es a partir de este momento cuando comienza a buscar en su obra una idea, que sin tener que ser perfecta ni acabada, sea lo más próximo a una unión exacta entre el aglutinamiento del pensamiento puro de la pieza y la realización de esta misma (ilustraciones 158, 159). 104 Miki Leal En estos elementos mencionados se pueden observar la clara y constante influencia de músicos, directores de cine, artistas plásticos y literarios, los cuales en ocasiones llegaba a retratar, siendo sus principales referentes en la pintura Luc Tuymans, David Hockney, Wilhelm Sasnal o Luis Gordillo. Sobre el año 2004, ya es consciente de su estilo pictórico y de su diferenciación con respecto al resto de jóvenes sevillanos. (Leal, 2016) A partir de entonces, centra sus esfuerzos en perfeccionar no solo sus procedimientos sobre el papel, y sus técnicas acrílicas y acuarelistas, sino, sobre todo, su idea de creación desde su cotidianidad. Ilustración 160 - Miki Leal, Milano, 2008 Acrílico y acuarelas sobre papel, 120x90cm. Fuente: Miki Leal Ilustración 161 - Miki Leal, El coleccionista, 2009 Acrílico y acuarelas sobre papel, 215x152cm. Fuente: Miki Leal 105 Miki Leal Ya en 2008, la imagen icónica del artista comienza a cobrar mayor protagonismo, y la influencia del pop-art se apropia de una gran parte de sus piezas (Leal, 2013). Aunque en esa época aún se encuentran trazas de su indiferente apropiación de datos figurativos de todo el repertorio de imágenes de Miki Leal, encontrándonos con la constante conjunción aglutinante de la heterodoxa pintura del artista (ilustraciones 160-164). Ilustración 162 - Miki Leal, S/T, 2009 Acrílico y acuarelas sobre papel, 158x110cm. Fuente: Miki Leal Ilustración 163 – Miki Leal, Piscina, 2008 Acrílico y acuarela sobre papel, 160x120cm. Fuente: Miki Leal 112 Miki Leal Ilustración 175 - Miki Leal, El descanso de Lord Byron, 2017 Acrílico y acuarelas sobre papel, 220 x 304cm. Fuente: Miki Leal 113 Miki Leal Ilustración 176 – Miki Leal, Palomares, cerca de la laguna, 2019 Acrílico y acuarelas sobre papel, Tríptico 220 x 152cm c.u. Fuente: Miki Leal 114 Miki Leal Ilustración 177 – Miki Leal, El Punto Exacto, 2020 Acrílico y acuarelas sobre papel. 40 x 58cm. Fuente: Miki Leal 115 Es importante destacar las similitudes y diferencias entre Miki, Rubén, Pereñíguez y Fernando aun compartiendo el mismo contexto del arte de la ciudad, han ido derivando hacia objetivos paralelos respetando sus propias idiosincrasias. En la creación del carácter de los miembros del grupo tiene suma importancia, su modo de conectar los unos con los otros y su capacidad de adaptación para encontrar un lugar respetando a los demás. Miki Leal comparte con Fernando Clemente un gran afán por el ambiente puramente sevillano. Las relaciones generadas por ambos afectan de forma directa a sus obras, y esto se puede ver en la forma de representar los grupos de personas, o incluso en algunas de las temáticas tan sociales reproducidas por él. Los cuatro compartían las mismas inquietudes, afán de trabajo, juventud, ilusiones, … aunque cada uno tenía su propio carisma y por tanto su propio método y temática personal de trabajo. Las ideas daban igual por qué, cuándo o de dónde surgían, pero lo importante era que fluían hacia una reflexión madura y le daba más cuerpo a la obra. Cualquier energía era aprovechada para resaltar la creatividad. 1.6. Similitudes y diferencias Otra característica común del grupo era las vivencias en la capital sevillana, como eran los lugares de encuentro en inauguraciones, eventos, la música, … y la capacidad de convertir cualquier tema en un producto conceptual de peso para sus obras. Fueron madurando y fue definiendo el perfil de cada uno y de sus trabajos, de hecho, Miki se encauzó hacia una pintura desinhibida, suelta y fresca; en el caso de Pereñíguez, sus obras se orientaron hacia lo más racional, conceptual y sólida; Fernando se encaminó hacia el diseño espontáneo y directo; Rubén madura la idea antes de plasmarla y la desarrolla con agilidad fresca, de ejecución directa. Fernando coincide, entre otras muchas cuestiones con Miki, en que disfruta de lo que hace, es decir, pinta para disfrutar. No se cuestionan el por qué hacerlo, sino que directamente actúan según lo sienten. Algo que le diferencia mucho de Pereñíguez, ya que esa «intuición» sin reflexionar es el origen y no la encontraremos en la figura de José Miguel. También tiene en común con Rubén y Miki una gran influencia musical. No solo los tres han compartido muchos años juntos de relaciones, sino que también compartían gustos musicales, descubrimientos, comparaciones o incluso juegos conceptuales. Comentaba Fernando que, durante la realización de un mural en Mallorca, junto a Rubén, jugaban a enlazar grupos y músicos con artistas plásticos, para de esa forma entender y comprender el lenguaje que se usaba en la pintura y en la música, y la relación que tenían entre ellos. 116 Rubén es el único de sus compañeros que trabajará con maquetas para pasarlo al lienzo, aunque se podría comparar con Pereñíguez y su forma de trabajo con las tablas de madera. Ambos encuentran puntos comunes ahí, salvo que José Miguel no llevará sus construcciones a la pintura, sino que formará la obra con estas mismas. La primera gran diferencia que se puede observar en Pereñíguez frente al resto de los artistas aquí analizados es que decide apartar la técnica pictórica para dedicarse a otras que le permiten mayor rigurosidad. Pero su obra comparte algunas similitudes pictóricas y conceptuales con Guerrero que son más que obvias en sus inicios, ya que trabajaban juntos muy a menudo. Pero es en esta última parte donde podríamos ver unas claras referencias entre ellos, como si estuvieran manteniendo una conversación. Ambos recurren a un elemento muy característico de su generación en general, y es la representación del bocadillo exclamativo típico de la iconografía del cómic. Como podemos ver en la imagen de Pereñíguez, él lo utiliza para representar el caos, a diferencia de Rubén que lo utiliza para representar una figura compleja pero que no por ello le resta atractivo visual, simplemente busca el enganche del espectador a través de un símbolo fácilmente reconocible. Todos han sabido conjugar los elementos vivenciales del momento que compartían con los distintos procedimientos plásticos, llegando a desarrollar diferentes temáticas de un gran valor artístico. 117 2 - La influencia del panorama artístico sevillano 2.1. Proceso de investigación El proyecto cuenta con tres fases: La primera se dedicará al trabajo de campo, a partir de la recolección de los datos necesarios para identificar la obra de cada artista y en entrevistas. La segunda parte, a la investigación y análisis exhaustivo de las obras seleccionadas del periodo en cuestión a estudiar. La tercera fase, se trabajará en la realización de un estudio comparativo de los distintos autores y sus iconografías plásticas y cómo influyen éstas a su vez en mi trabajo artístico. De la recopilación de datos podemos extraer que, en los comienzos del grupo, ocurrieron acontecimientos que marcaron para siempre su estatus actual: coincidían en exposiciones colectivas y/o individuales, así como en propuesta de trabajos, en las que ya empezaban a establecer inconscientemente vínculos entre ellos. Tenían un apoyo grupal: un colectivo que pensaban igual, bebía de las mismas fuentes y se apoyaban. Posteriormente empezaron a compartir taller de trabajo. La experiencia de coincidir en el espacio y tiempo cuenta las dificultades que existían para identificar lo que constituyen puntos de acuerdo en relación de los unos con los otros. En este sentido se puede plantear ¿cómo trabajaban un conjunto de artistas con sus propios criterios en un mismo espacio? ¿cuáles eran sus puntos de acuerdo? Gracias a un clima y a unos intereses que han sabido 118 conjugar la amistad con la profesionalidad de cada uno en sus expresiones plásticas. Aun así, era inevitable no dejarse influenciar y compartir, ideas, inquietudes, motivaciones, estilos, gustos, sentimientos, actitudes, … Pasaron a ser un conjunto que se retroalimentaban entre sí. Pero a pesar de ello, las personalidades de cada uno se iban modulando, iban encontrando vías de investigación personales que terminaban siendo un reflejo de un lenguaje distintivo. En consonancia con esta idea y rememorando a Paul Valéry, afirma: «El artista vive en la intimidad de su arbitrariedad y en la espera de su necesidad.» (Valéry, P. Teoría poética y estética. Madrid. La balsa de la Medusa.1998 [pág. 62 y 102]). No existen publicaciones que hayan analizado la importancia de la coexistencia de este grupo de artista, más allá de algunas referencias en catálogos o apariciones esporádicas en prensa. Este estudio general que presentamos es la primera exposición que se realiza sobre ellos en el periodo concreto del año 2000 al 2015; una indagación sustentada, sobre todo, en recopilación de sus obras y en las entrevistas. De las entrevistas también se pueden extraer información relativa a cómo la presencia de Internet les abrió un campo en el que la combinación de las nuevas tecnologías y el arte eran posible conjugarlos. Les permitía explorar y extrapolar sus ideas ante un mundo que se abría para poder ampliar su visión. Esto es fundamental en mi obra, al igual que ellos utilizaban internet, muchas de mis piezas están muy apoyadas utilizando este recurso. Me permite plantearlas, analizarlas y estudiarlas hasta llegar a un posible resultado, que los utilizo como bocetos o ideas previas para plasmarlas posteriormente en mis cuadros, aunque los mismo no siempre terminan resolviéndose en el ordenador, sino que me veo obligado a recurrir a la plasticidad, porque es donde más cómodamente creo realizarme. Estas tres fases se desarrollaron a lo largo de los meses de febrero a junio, determinándose el tiempo que abarcaría cada una de ellas en estos períodos: –– Febreromarzo: planteamiento del trabajo a realizar; trabajo de campo e investigación. –– Abrilmayo: estudio y recopilación de información de los cuatro artistas y su posterior análisis de sus influencias en mi visión artística. –– Junio: se pulió toda la redacción del proyecto y se comprobaron todos los materiales generados para realizar la exposición final del trabajo. 119 2.2. Procedimiento artístico Para poder comprender ciertas cosas que estimo oportuno mencionarlas en este proyecto, es necesario remontarse a mi juventud. Tuve la suerte de crecer entre pintores, exposiciones, lienzos, pinceles, pinturas, conversaciones de los adultos sobre arte,... todo un mundo que se me ofrecía de una forma inocente en mi día a día, pero del cual me iba nutriendo. De una forma inconsciente me iba influenciando visualmente de este grupo de artistas en los que he centrado mi proyecto y aún más concretamente de la figura de Rubén Guerrero. El hecho de mi proximidad directa y complicidad con estos artistas, hizo que inevitablemente despertara en mí toda mi admiración y respeto hacia ellos y la sensibilidad latente hacia el arte que había dentro de mí. Es algo irónico creer que todo artista es solo producto de sus aprendizajes y resultado de su época. El artista va más allá, responde a sus inquietudes, deseos, actitudes, motivaciones, expectativas, emociones, ... pero además en algunos casos como es el mío, se vuelve poroso y se deja condicionar por las fuentes de las que se ha alimentado desde la niñez: asistía a sus inauguraciones, al taller de pintura, estaba presente en charlas amistosas, … inconsciente me estaba proveyendo visualmente de sus estilismos y crecía simultáneamente con su evolución. Ilustración 178 - Carlos Guerrero, sin título, 2017 Acrílico y espray sobre lienzo, 50x70cm. Fuente: Propia 120 Por ello estimé oportuno que el desarrollo de este proyecto debía ser alguien muy próximo a ellos, lo cual quedaba justificado por mi cercanía directa e indirecta y por mi aprecio hacia este grupo de artistas, que se fue intensificando a lo largo de los años. A lo largo de mi trayectoria en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla ha quedado perfectamente demostrada mi conexión con estos estilos pictóricos en mis obras desarrolladas. No fue hasta 2017 que comencé a desarrollar una obra propia que considero posiblemente influenciada por ellos. En esos inicios pictóricos no buscaba una pintura con concepto alguno, pintaba por el placer de pintar, sin buscar ninguna finalidad. En estos inicios muestro una gran admiración por la tipografía. Las fuentes, las familias, los glifos, las formas que lo construyen, los tipos de remates y los detalles de cada carácter es algo que me interesaba investigar. Encontré un atractivo visual a deformar estas letras y símbolos. Mi metodología de trabajo se ha visto muy influenciada por la era digital, y mi proceso previo al de creación se basa en la edición digitalmente de imágenes. Primero deformaría esos símbolos y glifos, los estiraría y expandiría hasta su pérdida de legibilidad, y con ellos, fusionándolo con imágenes, crearía pequeñas composiciones abstractas. En estas primeras piezas encuentro una influencia muy directa de las abstracciones geométricas que Fernando Clemente desarrollaría en sus pinturas. Ilustración 179 - Carlos Guerrero, sin título, 2017 Acrílico y espray sobre lienzo, 55x46cm. Fuente: Propia 121 Ilustración 180 - Carlos Guerrero, sin título, 2017 Acrílico sobre tabla, 40x52cm. Fuente: Propia Ilustración 181 - Carlos Guerrero, sin título, 2017 Acrílico y espray sobre tabla, 54x63cm. Fuente: Propia 128 Ilustración 192 - Carlos Guerrero, sin título, 2019 Acrílico sobre lienzo, 146x114cm. Fuente: Propia Ilustración 193 - Carlos Guerrero, sin título, 2019 Acrílico sobre lienzo, 146x114cm. Fuente: Propia 129 En algunos de los ejercicios, como la serie «esmaltes», puedo ver reflejado la geometría abstracta de Fernando y el correcto funcionamiento de las formas de Pereñíguez, pero todo tratado desde un concepto muy simple, la búsqueda de espacios sugerentes con los mínimos elementos posibles. Ilustración 195 - Carlos, sin título (esmaltes), 2019 Esmalte sobre cartón, 100x70cm. Fuente: Propia Ilustración 194 - Carlos, sin título, 2019 Acrílico sobre lienzo, 50x70cm. Fuente: Propia 130 Ilustración 196 - Carlos, sin título (esmaltes), 2019 Esmalte sobre cartón, 100x70cm. Fuente: Propia Ilustración 197 - Carlos, sin título (esmaltes), 2019 Esmalte sobre cartón, 100x70cm. Fuente: Propia 131 Ilustración 198 - Carlos, sin título (esmaltes), 2019 Esmalte sobre cartón, 100x70cm. Fuente: Propia Ilustración 199 - Carlos, sin título (esmaltes), 2019 Esmalte sobre cartón, 100x70cm. Fuente: Propia 132 Quizás fuese la complejidad de José Miguel o la simplicidad pictórica y directa de Rubén las que me influenciaron en los últimos años, pero sin duda el contacto directo con los miembros del grupo y de sus círculos de amistad, fueron una herramienta importante para aclarar muchas de mis inquietudes a nivel conceptual en mi obra. Ilustración 201 - Carlos Guerrero, sin título, 2020 Acrílico y esmalte sobre lienzo, 146x114cm. Fuente: Propia Ilustración 200 - Carlos Guerrero, sin título, 2020 Acrílico sobre lienzo, 30x40cm. Fuente: Propia 133 Ilustración 202 - Carlos Guerrero, sin título, 2020 Acrílico y carbón sobre lienzo, 90x130cm. Fuente: Propia Ilustración 203 - Carlos Guerrero, sin título, 2020 Acrílico y carbón sobre lienzo, 110x100cm. Fuente: Propia 134 Ilustración 204 - Carlos Guerrero, sin título, 2020 Acrílico sobre lienzo 114x195cm. Fuente: Propia Ilustración 205 - Carlos Guerrero, sin título, 2020 Acrílico sobre tabla, 110x81cm. Fuente: Propia 135 Un punto clave de inflexión en mi obra fue la exposición de Familias mínimas (rojo, amarillo y azul) de Rubén en 2017 en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga. A raíz de esa sala llena de color y cuadros cada uno con una idea muy clara y muy directa, decidí variar ligeramente mi procedimiento pictórico. Hasta este momento me había visto muy influenciado por el tecnicismo de la facultad y nunca había probado a utilizar colores prácticamente sin mezclar, directos del bote, para generar sensaciones cromáticas más puras. Ilustración 206 - Carlos Guerrero, sin título, 2020 Acrílico sobre tabla, 122x81cm. Fuente: Propia 136 Ilustración 207 - Carlos Guerrero, sin título, 2020 Acrílico sobre tabla, 122x81cm. Fuente: Propia Ilustración 208 - Carlos Guerrero, sin título, 2020 Acrílico sobre lienzo, 46x55cm. Fuente: Propia 137 También me decidí, no solo por la influencia de Rubén, sino también por las estructuras de Pereñíguez, a crear composiciones que mostraran construcciones en espacios limitados, pero sin crear composiciones simétricas, como había estado practicando hasta ese momento. El objetivo principal en cada pieza era buscar uno o dos colores principales que abarcaran la composición en toda su complejidad, colocar una estructura que siguiese una composición, pero sin cumplir las leyes de simetría, y por último, utilizar una gama cromática acorde a los colores anteriormente seleccionados. Ilustración 209 - Carlos Guerrero, sin título, 2020 Acrílico sobre tabla, 30x43cm. Fuente: Propia 144 Conclusiones Como ya se enunció al comienzo del presente TFG, el propósito de esta investigación se ha sustentado en el estudio y análisis de la obra de cuatro jóvenes artistas sevillanos en el periodo seleccionado del 2000-2015. Del trabajo desarrollado se desprenden las siguientes conclusiones: La primera conclusión evidencia el hecho de ser una de las justificaciones o principal «razón de ser» de este grupo (Leal, Guerrero, Pereñíguez y Clemente): el que sea la expresión artística la que les sirvió como puente de unión. Y al mismo tiempo, destaca la valentía de estos jóvenes que con muchas ganas de trabajar e ilusión, apostaron por nuevas formas pictóricas, llegando a ser reconocidos nacional e internacionalmente y que gracias a su generosidad han dejado un legado para futuras generaciones, consiguiendo que el arte contemporáneo adquiera en la nuestra sociedad el papel que justamente se merece. La segunda de las conclusiones viene a constatar la evidencia de haber influido la pintura de estos autores en mi desarrollo artístico, la cual ha ido calando de manera inconsciente en mi persona por el contacto directo e indirecto con ellos a lo largo del tiempo. Como consecuencia de la investigación desplegada en este trabajo, se han abierto perspectivas futuras de investigación que continuaremos desarrollando en nuestro futuro Trabajo Fin de Máster y con posterioridad en nuestra tesis doctoral. 145 Fuentes consultadas Partiendo de la escases de datos de la trayectoria conjunta de este grupo de artistas sevillanos en un periodo tan concreto como es del 2000 al 2015, la investigación se ha fundamentado en dos tipos de fuentes: - Directas: se ha obtenido gran parte de la información a partir de las entrevistas personales realizadas a los artistas estudiados. - Indirectas: se ha recopilado textos de prensa, artículos, catálogos y páginas web, que son indicados seguidamente. Alonso Molina, O. (2008). Inicial/08. Sevilla: Consejería de Cultura, Junta de Andalucía. Barro, D. (2013). «Arte español contemporáneo 1992-2013». En: R. Doctor Roncero, Arte español contemporáneo 1992-2013 (págs. 130-135). Madrid: La fábrica. Clemente, F. (2021). Encuentro con Fernando Clemente a propósito de Persuasive Painting. Conversaciones a3. (D. Barro, & S. D’Aosta, Entrevistadores) (4 mayo) Sevilla. Clemente, J. (2009). «Canvas in the place». El mundo. Sección El Cultural (2 septiembre), pág. 34. Clemente, J. (2014). Pintura oxigenada. El mundo, Sección El Cultural (3-9 octubre), pág. 31. D´Acosta, S., & Clemente, F. (2020). FERNANDO CLEMENTE. Málaga: Cac Málaga. [Catálogo de exposición] D’acosta, S. (2019). The Richard Channin Foundation. Sevilla: Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. [Catálogo de exposición] Francés, F., & de la Torre, I. (2017). Familias mínimas (rojo, amarillo y azul). Málaga: CAC Málaga. [Catálogo de exposición] Guerrero, R. (octubre/noviembre de 2006). Vídeo entrevista realizada con motivo del XLIII Certamen de Artes Plásticas Caja San Fernando celebrada en las Salas Imagen y Chicharreros. (J. Álvarez Reyes, Entrevistador) 146 Guerrero, R. (2014). «El futuro de la pintura: parte III». Revista Claves del Arte. Ives, N. (1960). Eight Symbols. Philadelphia: Norman S. Ives Foundation. Lara-Barranco, P., & Martín, J. (2005). Hacen lo que quieren. Sevilla: Edita Fundación Aparejadores. Leal, M. (2010). ArtSituations. Obtenido de www.artsituacions.com Leal, M. (2013). Gramática y bricolaje en la pintura de Miki Leal. (S. D’Acosta, Entrevistador) Leal, M. (3 de Febrero de 2016). El tema de mi obra es la pintura. (A. Arenillas, Entrevistador) Leal, M. (19 de Junio de 2018). Entrevista en LA MUY. (J. Gotor, Entrevistador) Marín-Medina, J. (2000). «Figuraciones de Sevilla Horizonte 2000». En: J. Fernandez Lacomba, Figuraciones de Sevilla Horizonte 2000. Madrid: Fundación Caja Madrid, pág. 116. Marín-Medina, J. (2003). Figuraciones: arte civil y magicismos. Madrid: Obra Social Caja Madrid. Pereñíguez, J. (2016). ACME galería Rafael Ortiz. Sevilla: Galería Rafael Ortiz. [Catálogo de exposición] Pereñíguez, J. M. (2003). Los chicos del maíz. Alcalá de Guadaíra: Galería Icaria. [Folleto de exposición] Pereñíguez, J. M. (2007). La obra en negro. Sevilla: Galeria Birimbao. [Catálogo de exposición]. Villa, M. (2006). Arte emergente en España. Madrid: Vaivén.