Mirar adentro

TRABAJO FIN DE GRADO GRADO EN BELLAS ARTES UNIVERSIDAD DE SEVILLA CURSO 2018-2019 MIRAR ADENTRO AUTORA: CARMEN JARA SÁNCHEZ MONTILLA TUTOR: DANIEL BILBAO PEÑA Vº.Bº.DEL'TUTOR: Contenido 1.DOSSIER .................................................................................................................12 2.INTRODUCCION .................................................................................................. 31 3.OBJETIVOS. .......................................................................................................... 33 4.ANTECEDENTES. ................................................................................................ 35 4.1. Sobre la luz y la sombra. ................................................................................. 35 4.1.1. Sobre el manierismo y barroco. ............................................................... 35 4.2. Sobre lo fotográfico. ....................................................................................... 40 4.3. Sobre la danza. ................................................................................................ 43 4.3.1. Sobre el flamenco. ................................................................................... 43 4.4. Entrevista a Francisco Perujo. ........................................................................ 47 5.JUSTIFICACIÓN. .................................................................................................. 53 6.METODOLOGÍA. .................................................................................................. 57 7.PROPUESTA DE INTEGRACIÓN PROFESIONAL. .......................................... 63 8.CONCLUSIÓN. ...................................................................................................... 67 9.BIBLIOGRAFÍA. ................................................................................................... 69 9.1. Libros. ............................................................................................................. 69 9.2. Páginas web. ................................................................................................... 69 9 10 17 Figura 4. Carmen Jara Sánchez Montilla. 3456 x 5184px. 2018. 18 19 Figura 5. Carmen Jara Sánchez Montilla. 3456 x 5184px. 2018. 20 21 Figura 6. Carmen Jara Sánchez Montilla. 3456 x 5184px. 2018. 22 23 Figura 7. Carmen Jara Sánchez Montilla. 3456 x 5184px. 2018. 24 25 Figura 8. Carmen Jara Sánchez Montilla. 3456 x 5184px. 2018. 26 3.OBJETIVOS. El arte en general es la forma de expresión que se usa para contar algo. En este caso he enfrentado dos disciplinas concretas: el baile y la fotografía. La intención de un mensaje directo mediante pocos elementos con un alto contraste entre figura y fondo que le aporta tenebrismo y dramatismo tanto al gesto que el espectador va a percibir como a la imagen resultante. Busco la fuerza y crear estímulos en el público, ya que la combinación de movimiento, magnitud y peso que ejerce a su vez la figura en el soporte, recordándonos a las esculturas del antiguo arte Barroco italiano, ofrece la emoción que nos provocan esas figuras, pero mediante una técnica actual como la fotografía. Demostrando así, que con los materiales que disponemos actualmente, podemos nutrirnos de conceptos del arte antiguo y reinterpretarlos para darle un nuevo discurso. Crear un conjunto artístico con una línea concreta y un discurso común, que a su vez mezclen la disciplina del baile y la expresión corporal junto con la fotografía. Se trata de un reto personal ya que busco ordenar mis ideas y hacer de ellas algo que me identifique pero que guarde limpieza, presencia y sobre todo profesionalidad. Así que más adelante veremos que los aspectos tanto técnicos como filosóficos estarán bastante cuidados y argumentados. El mensaje de lo oculto, la opresión, lo que llevamos dentro, lo que no mostramos. Lo que somos hoy a través de las circunstancias y experiencias vividas a lo largo de nuestra vida en momentos concretos o en general como resultado. Plasmar el sentimiento mediante el movimiento del cuerpo y que la dimensión de la obra conecte con la persona por las características con aspecto dramático y tenebrista que lo componen. La identidad es un tema que tratan la mayoría de los artistas: ¿Quién soy? ¿Qué quiero transmitir? Son las preguntas más frecuentes que nos planteamos a la hora de crear. En este caso la intención ha sido dar un giro a esas cuestiones y encontrar una forma más personal y conceptual de contestarme a mí misma ante el planteamiento de un nuevo proyecto. 33 34 4.ANTECEDENTES. Hay ciertos aspectos básicos que componen y definen la obra. Entre ellos mencionaremos diferentes atributos del arte manierista y barroco, por lo que trataremos el tenebrismo entre otros. En cuanto al ámbito de la fotografía, es inevitable mencionar las características compositivas, estas dos primeras características están íntimamente ligadas por el uso de la luz, clara protagonista de este trabajo. En último lugar hablaremos de lo que rodea a la expresión corporal y la danza relacionado con la intención del conjunto artístico. 4.1. Sobre la luz y la sombra. El uso que hacemos de la luz y la sombra son conceptos clave en la representación de una obra. Existen dos tipos de luces: Luz natural y luz artificial, con las cuales podemos interactuar por separado o relacionándolas entre sí, obteniendo a su vez la variedad de sombras correspondientes. En definitiva, la luz es una fuente de energía radiante. A continuación, hablaremos del uso de la luz con respecto a varios ámbitos: el histórico, el técnico y de forma fotográfica. 4.1.1. Sobre el manierismo y barroco. El manierismo surgió en el siglo XVI en Italia e incluía características muy ligadas con esta creación como son el uso de las posturas forzadas, exageradas y con aspecto final dramático. Fue el movimiento que precedió al Barroco que se desarrollaría hacia el año 1.600, dejando de lado el equilibrio de las formas y lo hierático y dando paso a lo trágico en cuanto a composición y expresividad de las formas. Se caracterizó por el deseo de efectos más emotivos, de mayor movimiento y contraste. Figura 1. Tintoretto, La última cena, 1592-1594, Venecia, Basílica de San Giorgio Maggiore. 35 El tenebrismo fue otro de los movimientos que preceden al Barroco y que comparte algunos rasgos con el conjunto del que hablamos. Se empieza a hablar de “La nueva luz”, que artistas como Rafael Sanzio y Caravaggio comienzan a tratar en sus obras donde la luz incide con fuerza sobre los cuerpos de sus pinturas sacándolos de una oscuridad profunda y así crear una alta distinción entre figura y fondo proporcionándole a la imagen un gran contraste, por lo tanto, a su vez la carga de dramatismo. Dicho movimiento tenía la intención de “Sacar a la luz” aspectos humanos que rechazaba la iglesia durante la Edad Media. El tenebrismo más que naturaleza fue considerado en un principio como un experimento que desemboca en el concepto de claroscuro definido entonces como la distribución y composición de luces y sombras en una obra. Caravaggio fue pionero en potenciar esta técnica, que ya se conocía, pero se usaba con cautela, fue la clave para aportarle la singularidad de la que hablamos al resultado final. A raíz del uso del claroscuro se le empezó a llamar “El señor de las tinieblas”. Entonces la forma de aplicarlo fue sobre fondos en los que no se intuía ningún espacio, y en contraste se realzaban violentamente las telas, rostros y figuras con un violento foco de luz que provenía de varios puntos del entorno o de uno en concreto. Así se creaba un juego lumínico que interactuaba con los resaltos y hendiduras del volumen protagonista. Se conseguía crear un ritmo interno en la composición total. Se dice que todo en Caravaggio será claroscuro, estudio de la luz y lección de tinieblas. Figura 2. Caravaggio, San Jerónimo Penitente, 1605, España, Museo de Monserrat. 36 Este concepto de “Sacar a la luz” resulta interesante, ya que al igual que en la obra presentada se pretende contar las cosas mediante características más poéticas, pero a la vez dramáticas al igual que en tenebrismo que marca aspectos claves del arte precedente al Barroco. Está presente la influencia del claroscuro, aunque hablemos de un ámbito fotográfico, se pretende que las luces y las sombras dibujen los pliegues de la tela que dejan entrever mediante el volumen que la mueve y la levanta, la figura interior. El modelado que se crea de la figura está compuesto por la gradación de la luz sobre la figura. La idea de lo oculto, expresada por el simbolismo. La forma en la que están utilizados los elementos y la idea general están estrechamente ligados por el discurso. Artemisa Gentileschi que consigue entrar en la Academia de Bellas Artes de Florencia, misma institución donde estudió Miguel Ángel, usó dichos recursos para darle fuerza a su obra feminista de entonces. Buscaba la protesta a partir de una violación que sufrió allá por el año 1.611. Aspectos como el claroscuro y el dinamismo de la figura aportaron personalidad, impacto y agresividad a las pinturas que realizó. Figura 3. Artemisa Gentileschi, La conversión de la Magdalena, 1615-1616, Florencia, Palacio Pitti. 37 4.1.1.1. Sobre lo escultórico. La escultura barroca era una representación de una acción congelada y a su vez con gran expresividad. Estaban formadas por diagonales y las llamadas serpentinatas, así como el uso de una pose oblicua y el escorzo que en conjunto creaban un gran dinamismo. Se deja atrás el hieratismo de la forma. Podemos decir que se conservan características del renacimiento, pero son llevadas al siguiente nivel. Es decir, le aportó flexibilidad y un sentimiento desbordante, lo que ayudó a que interactuasen aún más con el espectador de una forma sobrecogedora, dejando atrás el concepto de equilibrio renacentista. Las esculturas se empiezan a proyectar hacia el exterior al igual que sus ropajes. A veces, como si de un baile se tratase, la figura es dinámica y se agita en actitud exagerada y dislocada sobrecogiendo a veces a la persona que la observa. Al igual que la obra que se presenta, el uso de los ropajes con grandes y acusados pliegues tendría una gran importancia, puesto que aporta gran expresividad y dinamismo. Estas telas dinámicas dan un aspecto pictórico y fotográfico a su vez, así se consigue acercarse a una apariencia más que a una realidad convencional. Destaca la importancia a lo expresivo y a veces surrealista llegando a ser sobrecogedora e la mayoría de los casos. No podemos cerrar este apartado sin mencionar la obra de Miguel Ángel, esculturas que expresan la variedad de las pasiones en los cuerpos que plasma, al igual que en el flamenco, cada imagen transmite distintos tipos de sensaciones. Desde la ira y el caos hasta la templanza o la pena. En este caso usando el concepto de glorificación a través de la fe y despojando el bloque de mármol todo “residuo” restante para dejar salir la idea en forma de figura. Figura 4. Miguel Ángel Buonarroti, Piedad del Vaticano, 1498-1499, Ciudad del Vaticano, Basílica de San Pedro. 38 Las “Figuras veladas” de la capilla Sansevero de Nápoles es un conjunto escultórico compuesto por figuras que contienen las características anteriormente mencionadas con el añadido de la delicadeza del ropaje que en algunas ocasiones deja entrever la figura que contiene. Al igual que el Cristo Velado de Giuseppe Sanmartino, un claro ejemplo de expresividad y dinamismo total compuesto por la figura y la tela o velo como principales protagonistas de esta impresionante obra. Figura 5. Giuseppe Sanmartino, Cristo Velado, 1753, Nápoles, Capilla Sansevero. 39 4.2. Sobre lo fotográfico. -fotografía De fotoy -grafía. f. Procedimiento o técnica que permite obtener imágenes fijas de la realidad mediante la acción de la luz sobre una superficie sensible o sobre un sensor. La luz es el principal protagonista en el ámbito de la fotografía. El artista compone su obra mediante los elementos o elemento que aparecen el ella y la forma en la que incide la luz sobre los mismos. Po demos elegir la forma en la que la luz incide sobre el volumen según convenga. La luz es la estrecha banda de radiación electromagnética a la cual es sensible el ojo humano. La gama de luz visible no tiene límites exactos, ya que la sensibilidad de cada persona es distinta. Una forma de convierte en un sólido gracias a las luces y las sombras. Una sombra fija el objeto sólido a un plano y realza la ilusión tridimensional en la imagen bidimensional de la fotografía. (David Präkel, 2007: 11) Fotógrafos como el retratista de famosos Yousuf Karsh, el cual tuvo gran influencia en el siglo XX dominaba a la perfección las luces de estudio, lo que le hizo destacar en la época. Mediante los focos y la captación del gesto adecuado creaba obras únicas que destacaban del resto llegando a ser comparadas con la pintura barroca. Perfeccionaba la técnica llegando a definir o difuminar las partes que más le interesaba con los distintos focos, enfatizaba la parte, dramática, la dulzura o la seriedad del personaje según la personalidad de cada uno. Figura 6. Yousuf Karsh, Jean Sibelius, 1949, The Estate of Yousuf Karsh. 40 André Brito, fotógrafo portugués de moda, desnudo y publicidad era experto en el uso de altos contrastes entre la luz y la sombra. Su fotografía destacaba la forma que creaba la luz sobre el cuerpo de tal forma que a veces rozaba la abstracción. Le llamaba la atención la curva de la mujer con la cual creaba imágenes elegantes con su especial toque de erotismo. Figura 7. Andre Brito, No title 26, 2016, Bélgica. Con respecto a la transmisión de la emoción mediante el uso de la fotografía, hay que mencionar al artista autodidacta Pierre Gonnord. Sus personajes son escogidos para fotografiarlos con tiempo y dedicación, siempre pertenecen a un colectivo o grupo social concreto (Personas de etnia gitana portuguesa, de la comunidad afroamericana o mineros del norte de España). Transmite la emoción en obras con fondos oscuros y de gran formato. Realiza su trabajo valiéndose de un único punto de luz, pero esta vez hablamos de una luz natural. Su estilo es comparado con el claroscuro de artistas españoles como Zurbarán por la delicadeza y la fuerza en el uso de la luz y la sombra. 41 “La cámara fue para mi como un chaleco salvavidas, una oportunidad de ir hacia los demás, de acercarme al otro, de superar los límites de la timidez, de mi soledad, de mi condición y también de mis tabúes.” Pierre Gonnord Figura 8 y 9. Pierre Gonnord, Konstantina y María, 2007 y 2006, Galería Juana de Aizpuru. Se pretendía que los protagonistas de estas series formasen parte del mismo espacio en la fotografía, aunque se hubiesen tomado en lugares diferentes, así creaba una línea en la que obliga al espectador a contemplar única y exclusivamente al rostro que aparece, siendo así testigos de una experiencia. La pluralidad de los rostros que muestra el artista representa a todos los “yo” que habitan en el mismo y de este modo muestra su mundo interior. 42 embrionarios y están poco desarrollados aún los estudios, investigaciones y tesis doctorales que pongan en común el flamenco con las artes plásticas. El estudio es el kilómetro cero para deshilachar los prejuicios, desterrar los estereotipos y generar un conocimiento que ponga en valor las cosas. Creo que no son suficientemente conocidas porque no han sido suficientemente abordadas, estudiadas y divulgadas. Al reconocimiento se llega desde el conocimiento. - Hablando del flamenco como vanguardia y figura estética artística. ¿Qué personajes y qué aspectos destacarías principalmente? Para mí Farruco, Caracol, Carmen Amaya, la Niña de los Peines, Antonio Chacón, Niño Ricardo, Paco de Lucía, Manolo Sanlúcar, Enrique Morente o Camarón fueron revolucionarios en su tiempo. Tradición y vanguardia se dan la mano en el flamenco. Quien fue rompedor en un tiempo es hoy un clásico. Chacón (del que se cumple este año 150 años de su nacimiento) es un ejemplo. Encontramos ese doble vector en el baile de Israel Galván, de Eva la Yerbabuena o de Rocío Molina, en el cante de Arcángel, de Rocío Márquez o de Miguel Poveda. En la guitarra de Vicente Amigo, de Gerardo Núñez o de José Quevedo El bolita. Quizás la tradición es un axioma menos rebatible en los artistas gitanos, más fieles a la tradición oral, a la herencia. En todo caso, no podemos acercarnos al flamenco sin dimensionar como se merece la excelsa y diferenciadora aportación del pueblo gitano al universo del arte flamenco. Me fascina la autenticidad, pero me rebelo contra la pureza. - ¿Consideras que, en el ámbito de la educación, al menos en Andalucía se le debería dar lugar al estudio de la cultura andaluza y todo lo que a ella envuelve? Es la gran batalla aún perdida. En la universidad andaluza hemos conseguido en 2018/19 arrancar con el primer título de máster oficial centrado en el estudio del flamenco: el Máster Interuniversitario en Investigación y Análisis del Flamenco, impartido por las universidades de Córdoba, Granada, Huelva, Pablo de Olavide y Cádiz y coordinado por esta última. Es empezar la casa por el tejado. Por debajo (en 49 Infantil, Primaria y Secundaria) no hay nada. Está todo por hacer. Los niños y niñas andaluces terminan la educación obligatoria sin un minuto en el currículo destinado a enseñar el patrimonio, la cultura y la música del flamenco. Debemos revertir esta situación de olvido estructural porque es inadmisible, pasar del salón de actos al aula, de la iniciativa voluntarista del profesorado a la enseñanza reglada. -Al observar una obra plástica, ¿Puedes llegar a relacionarla o crees que puede recordar a un palo del flamenco? y al escuchar un palo del flamenco, ¿puede recordarte a una obra plástica? Pues claro que sí. Una pintura negra de Goya o un cuadro tenebrista de Caravaggio pueden conducirlos al universo existencial de la seguiriya. La pintura de Frida suena a soleá por bulería y los cuadros de Touluse-Lautrec nos proyectan hacia a un final de fiesta por bulería. Y un paisaje de Constable a cante de trilla o serrana. Y así podíamos seguir hasta casi el infinito. 50 51 52 5.JUSTIFICACIÓN. Como ya hemos mencionado, el móvil de esta obra es la experiencia y el objetivo es la transmisión de un sentimiento. Inevitablemente estamos influenciados por el medio del que nos rodeamos y por consecuencia de la historia que lo compone. El arte en todas sus facetas surge de la necesidad de transmitir y contar algo que será percibido por el espectador. El resultado final de este trabajo recopila todos los aspectos mencionados en los apartados anteriores. Me valgo de diferentes símbolos tanto técnicos como literarios para mostrar la necesidad de expresión de una forma diferente cuidando el motivo de la estética a su vez para crear un todo armonioso y potente. Para potenciar el aspecto estético y enfatizar el drama, me inspiro en la fuerza de lo escultórico, recurriendo a una gran tela blanca que recuerda al color del mármol y a las “Figuras veladas” mencionadas en los antecedentes. Estas condiciones proporcionan a la obra la sensación de peso y presencia en el formato. Aprovechando que la representación sería fotográfica, había que ser cuidadoso con la luz. Tenía que beneficiar a la figura por lo que el claroscuro barroco y algunos fotógrafos de renombre me sirvieron de inspiración. Los focos se pusieron de forma estratégica marcando agresivos contrastes entre luces y sombras que interactuaban con las curvas de la figura femenina a la que envolvía. Así se obtiene lo bello, dramático y el toque sensual en el todo. Considero la obra como un retrato, una obra autobiográfica que cuenta lo que va por dentro de la persona y no la muestra a ella formalmente como en un retrato convencional. El trasfondo de los retratos de Yousuf Karsh o Pierre Gonnord era similar. La intención final era mostrar la personalidad o el sentimiento del retratado más allá de lo estético. Siguiendo con el claroscuro, el tono del fondo negro como idea de espacio donde resurge y se pierde a la vez la figura. También le confiere un toque misterioso que no deja de interactuar con la figura, sino que la potencia. La filosofía en la época en que nace el claroscuro con respecto a la necesidad de evadir lo convencional y hacer que la obra grite por la fuerza de la luz es la misma que este trabajo, por lo que se recoge tanto la técnica como el argumento que interactúan entre sí. El flamenco me ha servido como método de expresión a la par que las artes plásticas, en concreto el baile, ya que lo practico desde los 4 años. Por lo que en la mayoría de mis obras ya sea de forma evidente o filosófica hay un matiz que recuerda al flamenco. El 53 desahogo y el contar algo mediante el uso corporal ha marcado momentos importantes en mi vida y en este caso convierto este aspecto en principal protagonista, que en combinación con el resto de las herramientas y símbolos que la componen, crean un todo que la define. Definirme, identificarme y contar lo que tengo en mi interior son mis prioridades y necesidades a la hora de crear. Siempre veo las cosas a través de mi experiencia al igual que cualquier otra persona, pero en mi caso intento adaptar los símbolos que me definen a cualquier trabajo o, mejor dicho, a cualquier ámbito. Siempre está presente el contraste de la elegancia y lo fino con lo directo y lo dramático. El cuidado en la gama cromática y la idea de identidad llevada a mi terreno según convenga. “El objetivo del arte es representar no la apariencia externa de las cosas, sino su significado interior.” Aristóteles 54 55 56 6.METODOLOGÍA. Un estudio fotográfico, una modelo, una cámara, un trípode y una tela han sido los materiales utilizados en la realización de este proyecto. Escogí la técnica de la fotografía porque permite captar un momento real, aunque sea creándolo intencionadamente. Pero en el mismo instante de la realización de las fotografías en todo momento de buscó que la modelo sintiese el ritual que creaba la música que sonaba en ese momento en conjunto con la iluminación y la libertad que le confería el hacer que su cuerpo solo interactuase solo con los tejidos Sonaban de fondo bulerías, soleares y tangos mientras el cuerpo se dejaba llevar por la música marcando movimientos según los iba sintiendo. Hice una selección de las poses más interesantes y con más fuerza con respecto a la unión del tejido y la modelo queriendo que en todo momento se fundieran formando un todo. Como ya se ha comentado, los focos se disponen de forma estratégica en la búsqueda de altos contrastes entre luces y sombras, pero sin que se perdiese en ningún momento la apreciación de los pliegues y la caída de la tela. Poses a veces estáticas y otras veces dinámicas, pero siempre dramáticas y cargadas de fuerza en general era lo que se iba persiguiendo en todo momento. Tras terminar con la sesión de fotografías se procede a la selección del conjunto que formarán parte del proyecto artístico. Estas nueve imágenes fueron las que mejor identificaban la intención e interactuaban con coherencia entre sí. No se necesitó de mucha edición posterior, ya que al contar con un buen estudio y el uso correcto de los parámetros de la cámara réflex (Canon 1.200D), solo hicieron falta algunos ajustes de contraste y brillo para disipar un poco más el fondo y recalcar la idea de que la imagen se perdiese en un espacio no definido. Finalmente, se plasmaría físicamente en un soporte de aluminio dibond, material compuesto por dos placas de aluminio unidas a un núcleo de polietileno sólido. Es un soporte que ofrece varias opciones de acabado, existe la opción de que se vean los cantos o que la imagen parezca flotar en la pared, se puede contar como mínimo con 3mm de grosor hacia adelante. O por otro lado añadirle la cantidad de grosor de canto 57 que convenga. En este caso contaríamos con un grosor de 3 a 5 centímetros lacado en negro para darle continuidad con el fondo al igual que pasa con los clásicos lienzos. Este material según la calidad de la imagen que se plasme puede llegar a dar sensación de tridimensionalidad y es resistente a exteriores y fácil de limpiar en el caso de que fuese necesario con un trapo húmedo. No se dobla ni se deforma, por lo que a la hora de transportarlo correría menos riesgo, ya que estamos hablando de una obra que mediría unos 2 metros de alto por 1 y medio de ancho. Se eligen estas proporciones para aportar monumentalidad al igual que las grandes esculturas que consiguen envolver al espectador como si de grandes gigantes se tratase. Soporte de aluminio Dibond. 58 65 66 8.CONCLUSIÓN. Con respecto a la idea inicial planteada y el proceso de investigación posterior, podemos decir que se han cumplido los objetivos planteados antes de iniciar el proceso. Pero también hay que apuntar que la idea se fue madurando y completando y por consecuencia se mejoraron los primeros planteamientos. Una misma idea aplicable a cualquier técnica, siendo consciente de cuál es tu punto fuerte o qué le viene mejor a lo que se ha planteado. En este caso el uso de la fotografía y el resto de los materiales fueron bastante acertados. Podemos considerar que en este caso le beneficia por completo y que si se hubiese usado otra técnica probablemente el resultado hubiese sido totalmente distinto. Uno de los objetivos era plantear una serie de obras que cohesionaran y tuviesen un hilo común. También que el mensaje tuviese fuerza de una forma conceptual y basándose en los símbolos que componen las imágenes, todo de forma que la autora se viese reflejada. La parte estética fue bastante importante y podemos considerar que lo bello y el mensaje interactúan y cohesionan perfectamente. Se considera bastante importante el tamaño final de la obra, ya que, si este mismo trabajo contara con unas pequeñas dimensiones, no tendría el mismo sentido y no cumpliría los objetivos. El concepto de magnitud tanto en la inspiración escultórica como con el tamaño de la impresión se ha tenido muy en cuenta para que finalmente el espectador se sintiese envuelto. Durante los años de estudio la autora destaca que lo que más le ha servido para crear arte ha sido el aprender a mirar. Marcar una línea de trabajo y un discurso es un proceso que lleva tiempo y que se va madurando a lo largo del tiempo a base de trabajo, de errores y aciertos. Podemos decir que en este proyecto se ha iniciado una línea de trabajo con una base consistente para seguir creando nuevas obras, o seguir indagando por la misma línea. No hay una técnica concreta que defina a la autora. Según lo que necesite expresar y la forma en que quiera hacerlo elige el medio que más le convenga. Se trata de un camino complicado, pero la inquietud, las ganas y la autodisciplina son los principales factores de los que se vale la artista. 67 68 9.BIBLIOGRAFÍA. 9.1. Libros. Buck, S., & Hohenstatt, P. (2007). Rafaello Santi, llamado Rafael: 1483-1520. ln Tandem. AmayaGonnord, P. (. (2008). Pierre Gonnord: Testigos = witnesses = témoins. Salamanca: Universidad de Salamanca. Pr kel, ., artínez, F. . . luminación. Barcelona: Blume. Romero, P. G. (2016). l ojo partido lamenco, cultura de masas y vanguardias ientos y materiales para una corrección óptica a la historia del flamenco. Sevilla, España thenaica Ediciones niversitarias. Sommer, S. R., Smith, B. O., & Zielinski, M. M. (2016). Historia de la danza. Valencia: Mahali. 9.2. Páginas web. Villena, L. A. (2014). Carvaggio: Exquisito y violento. Barcelona: Cabaret Voltaire. (n.d.). Retrieved from http://www.rae.es/ Carmen Amaya Amaya, Carmen Amaya Amaya. (n.d.). Retrieved from https://flamenconau.com/carmen Danza, expresión de arte, cultura y sociedad. (2018, August 28). Retrieved from https://www.uniminutoradio.com.co/danza-expresion-de-arte-cultura-y-sociedad/ El origen del flamenco. (n.d.). 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