Bailarte promesa

Trabajo Fin de Grado Junio 2017 Alumna Nazaret Urdiales Borrás Tutora Silvia López Bailarte promessa TFG 2017 Nazaret Urdiales Borrás “La oscuridad es mi materia prima tal como un escultor necesita su arcilla, el tallista su madera, yo tallo mi teatro de la oscuridad...” JOSEF SVOBODA RESUMEN Y PALABRAS CLAVE IDEA TRABAJOS PREVIOS PROCESO DE INVESTIGACIÓN PLÁSTICA PROCESO DE INVESTIGACIÓN TEÓRICO-CONCEPTUAL CRONOGRAMA PRESUPUESTO CONCLUSIONES BIBLIOGRAFÍA ANEXO: OBRAS ÍNDICE 5 6 7-8 9-13 14-21 22 23 24 25 26-44 RESUMEN PALABRAS CLAVE Espacio, Instalación, Luz, Escenografía, Expresión corporal, Danza, Tiempo, Oscuridad. “Bailarte promessa” es un proyecto que trata sobre el mundo de la danza, donde se muestra no solo como forma de expresión corporal artística sino que se aporta una visión desde mi propia experiencia personal como bailarina. El proyecto consta de tres piezas multidisciplinares: Corpo es una serie de fotografías donde el cuerpo se hace presente a través de la luz y el movimiento, surgiendo de la oscuridad y registrando el movimiento coreográfico y creando un cuerpo “fantasma”. Impronta muestra mediante la pintura sobre cristal un dolor físico asociado a los ligamentos, que se centra especialmente sobre el cuello en concreto la lengua, cortando la respiración y provocando la sensación de ahogo. Por último disperazione es una instalación compuesta por 12 piezas de pintura negra sobre tabla, donde las marcas, huellas del bailarín han quedado registradas sobre la superficie pintada, a modo de instrucciones de baile para adentrarse en la oscuridad. 5 LA IDEA La danza, como el arte y todas sus manifestaciones son expresiones del interior del artista. La danza es una expresión artística en la que el artista o bailarín puede reflejar con claridad el sentimiento que acumula en su interior. Así el propio bailarín se convierte en catalizador de la energía creativa y material artístico, modelando el cuerpo con pasos y golpes, dependiendo de lo que este quiera expresar, logrando transmitir diversas sensaciones al público. Podría decir que este discurso parte desde el concepto de mi propia experiencia como bailarina de danza urbana. En este proyecto se intenta mostrar la belleza sensual de los movimientos corporales en el espacio pero también un lado oscuro de esta disciplina que impregna mi experiencia personal con la misma. Existe una enfermedad llamada Hiperlaxitud del ligamento que consiste en el aumento exagerado de la movilidad de las articulaciones, por ello el tejido conjuntivo del organismo, presenta en ligamentos, tendones, vasos sanguíneos, piel y en otras muchas localizaciones, más elasticidad de lo normal, pero también más fragilidad, de manera que se producirían pequeñas lesiones con mayor facilidad y con traumatismos o movimientos relativamente livianos. Esto me hace acercarme al mundo de la danza desde dos vertientes contrapuestas, por un lado el de la belleza de un arte que transforma el espacio, el tiempo y el propio cuerpo del bailarín, y por otro lado, el sacrificio físico que supone dedicarse de forma profesional a esta disciplina, al que se suma el miedo y los temores que suponen tener la enfermedad que comentaba anteriormente. 6 TRABAJOS PREVIOS Al tratarse este proyecto de una línea de investigación, que comenzó en el 3 curso de grado en Bellas artes, estuve trabajando en paralelo en varias asignaturas, con una temática similar, el baile, en las cuales he ido encontrando una serie de hallazgos que han enriquecido este proyecto. En Proyectos Artísticos I realice un trabajo escultórico, en el cual reflejo mi experiencia de años como bailarina, mediante pinturas narrativas sobre cristal, basadas en fotografías reales de mi grupo de baile. Donde el protagonista es el sentimiento que trasmite cada una de las figuras representadas. Estas esculturas tienen como peculiaridad que están realizadas en cristal, por la técnica del tiffani. En Proyectos Artísticos II trabaje con la idea de paisaje mental, utilizando la misma técnica y concepto de la anterior asignatura. En este caso plasmando sobre pinturas recuerdos vividos en diferentes etapas de mi vida, creando una especie de autobiografía. En ambos trabajé sobre experiencias personales, apareciendo figuras humanas y objetos necesarios para su lectura. Me interesaba seguir utilizando un material como es el cristal, ya que potenciaba la idea de mostrar de forma transparente y sin tapujos, mi propia experiencia y secretos más íntimos, desnudándome hacia el espectador. Bill Viola fue un referente fundamental en estas piezas, marcando una forma de trabajo que me interesaba particularmente en ese momento y a partir del cual ha evolucionado mí forma de investigar. Fig.1: Nazaret Urdiales Borrás, Que te baile el alma (2016) Pintura sobre cristal 72 x 44,4x 12 cm Fig.2: Nazaret Urdiales Borrás, Mindescape (2016) Pinturas sobre cristal 11 piezas 20 x 20 cm 7 También cabe a destacar el periodo de aprendizaje en la asignatura de Escenografía, en la cual realice diversas maquetas escenográficas, basadas en los cuentos de Julio Cortazar “ Historias de cronopios y famas” donde realicé un hallazgo de gran ayuda para mi obra, que podemos ver reflejado en este proyecto, haciéndose destacar con mucha fuerza. A demás de las maquetas realizadas en escala, trasladé una de ellas a escala real, presentada mediante vídeo. Su fín era recrear una escena teatral, que unía un espacio abierto con elementos escenográficos y la danza. Uno de los trabajos que comenzó en la asignatura de Grabado y nuevas tecnologías del 4 curso de grado en Bellas Artes, forma parte de este TFG. Con una continuación del concepto y un nuevo enfoque sobre el material. Recreando y aumentando la serie de este trabajo Pressione. El tema principal que abarca, es la presión que nos ahoga cuando nos sumergimos en un problema. Todo esto lo transmito mediante una serie de cuatro fotograbados, con una fotografía de mi misma, sumergida en agua, la cual comienza muy oscurecida con tonos crises y negros, y va aclarándose con blancos que se apoderan poco a poco de la fotografía. Con esta de base, acentúo la presión con ayuda de una mancha creada por barias plantillas de diferentes tamaños, que va agrandándose y tomando forma durante la serie. Fig.3: Nazaret Urdiales Borrás Pressione (2017) Fotograbado Serie de 4 fotograbado A3 8 PROCESO DE INVESTIGACIÓN PLÁSTICO Para comenzar con el proceso de investigación plástico, inicie por recopilar algunas ideas y hallazgos de trabajos que he mostrado en el apartado anterior. Tenía claro que quería continuar y avanzar en la investigación sobre la danza y todo lo que conlleva crear una escenografía, donde actúan varios factores. No quería decantarme por uno solo, por ello me decidí a dividir el proyecto por partes, y que cada una de ellas estuviese realizada por una técnica y material diferente para enriquecer el conjunto de piezas. Una vez tenía claro el corazón del proyecto, comencé por pararme a pensar sobre la narración de cada una de las obras que formarían el conjunto, captando la esencia para llegar al espectador y que este pudiera compartir la experiencia con migo. Me decante por continuar el trabajo que realicé en la asignatura de grabado y nuevas tecnologías, Pressione pero en este caso no relataría el procedimiento de un problema emocional, si no físico. La mancha que podemos observar en la serie, la cual crece, pasaría a hablar de un problema físico personal, que se llama hiperlaxitu del ligamento la cual padezco de nacimiento. Esta es la enfermedad que a veces no me deja respirar y empieza por la contracción de la lengua llevándola hacia atrás y dejándome sin respiración, esto ocurre cuando realizo un esfuerzo superior, como es entrenar diariamente para continuar con una de mis grandes pasiones que es el baile. Por ello quería que formara parte de este proyecto. Empecé por hacer una serie de pruebas de color, con la pintura especial para restauración que utilizo en todas mis pinturas sobre cristal. A continuación probé con diferentes grosores de punzón y técnicas de rayado, similares a las que pueden hacerse en la técnica de grabado llamada punta seca sobre una plancha de cinc. El material que utilizo es el cristal de 3 milímetros de grosor, transparente porque es de fácil manejo, para recortarlo y pulirlo. Probé con varios formatos pero me quede con el de 20 x 20, por un sentido en concreto, lo íntimo y personas. Por ello no necesitaba un formato superior a este, dotando al dibujo de una serie de detalles y entramajes acompañado de texturas. Con una gama de grises que dan más volumen y movimiento a la obra, utilizando la transparencia del cristal como parte del dibujo. Fig.4: Kara Walker, Virginia’s Lynch Mob,(1998). Urgente, 41 Salón Nacional de Artistas en Cali. Algunos referentes con respecto a la tecnica del dibujo utilizada son: Fig.5: Peter Kogler untitled (2009) ink on paper 50 x 70 cm Fig.6: Dustin Yellin Black Heart (2008) Resina, acrílico y tinta. 9 Si cuento mi propia experiencia diría que tengo una ayuda extra para expresar y soltar todo aquello que me inquieta, sea bueno o no. Ya que desde pequeña pertenezco a un grupo de baile, de diferentes estilos, que me ha hecho superar mis miedos e inseguridades, en un lugar donde se lucha diariamente con mi propia sombra, el escenario. Por ello una de mis grandes referentes por romper los esquemas y dar un empujón a la danza contemporánea es Pina Bauch. Su obra es el intento de expresar con movimientos lo que ya no puede decirse con palabras, lo que Bauch ha hecho desde mediados de los años 70 ha recibido diversas etiquetas como: teatro danza, teatro movimiento, teatro total en sus obras el escenario no es la meta de la danza, si no el patio de contacto el gran teatro de una comunicación anhelada, lo que a ella le interesaba es lo que movía a la gente, no el como lo hacían. Manifestación teatral con plena autonomía. Su estilo es vanguardista, el cual resulta tan especial al mezclar diversos movimientos corporales, emociones, sonidos y escenografía. En la cual es pionera e influencia constante de generaciones posteriores. No podemos olvidar la fuerte conexión que existe respecto a su trabajo con la danza expresionista alemana: la Ausdruckstanz, que sobre todo tiene como fin mostrar un sentimiento de angustia humana y existencial, anónima y disocial. En una de sus obras más conocida, que la llevó al éxito, Café Muller, transmite una gran sensación de soledad, una lucha constante de angustia y desgarro emocional. Logrando transmitir lo que siente, traspasando sensaciones que hacen recordar las experiencias personales vividas. Es aquí donde nos damos cuenta del peso que recae sobre la escenografía, (decorado, accesorios), la iluminación o la caracterización de los personajes (vestuario, maquillaje, peluquería) ya sea la escenificación destinada a representación en vivo (teatro, danza), cinematográfica, audiovisual; ya que es la encargada de sumergir tanto al intérprete como al espectador en un mundo paralelo. Son todos estos elementos visuales que he tenido en cuenta a lo largo del proceso conceptual y estético en todo el desarrollo de este proyecto, en concreto en la serie de fotografías Corpus. En esta serie he pretendido buscar la belleza y el desgarro del movimiento a través del cuerpo. Ha sido el factor principal que narra cada una de las piezas, situándolas sobre un estado teatral, donde las emociones vividas desde mi persona hablan a través de cada una de las piezas. Fig.22: Pina Bausch Cafe muller (1978) Fig.23: Pina Bausch Still from Blaubart ( 1977 ) adaptation of Bartók’s opera 16 Esto me lleva a nombrar a Josef Svoboda escenógrafo, uno de mis referentes por la utilización del espacio escénico, creando mundos paralelos desde la absoluta obscuridad y el vacío, de un escenario. Debo destacar, su forma de dividir en el espacio las escenas que van a desarrollarse mediante la actuación, escenas que he querido dividir en mis propios proyectos personales. Se central en la luz, con ella separa secciones en el espacio y a partir de estas incluye elementos escultóricos que cobran vida con los focos, los cuales cambian según el carácter que va tomando la obra. Es a destacar la preparación que conlleva crear una escena, un mundo a través de la nada. Este trata el proceso de creación minuciosamente con gran detalle, dedicándole momentos de estudio a cada teatro o espacio escénico, donde creara posterior mente un mundo mágico. Se le caracteriza por ello, ya que su estudio previo se encuentra en las maquetas que realiza, probando materiales, distribución de luces, el movimiento de los actores, midiendo así cada rincón del escenario, dando lugar a una obra, como puede considerarse la propia maquetación. Polyecran, es una de las obras que me gustaría destacar, donde crea una pared con 112 cubos sobreponiéndolos entre ellos, y moviéndolos constante mente hacia detrás y hacia delante. En cada cubo coloca un carrusel de Kodak, lo que hace que el cambio de imagen en cada cubo, un total de 15 mil fotos en un espectáculo de 11 minutos. Cada foto tiene tres posiciones distintas, dando un efecto tridimensional y maravilloso, controlado por 756 comandos. Desde mi experiencia como bailarina, la luz tiene el poder de dar vida, con su alumbramiento, la misma palabra lo indica. Es imprescindible para dar color, forma y sentido a lo que se está representando. No apreciamos su valor ya que es un elemento cotidiano que siempre nos rodea durante el día, y en pocas ocasiones le damos valor. Fig.25: Josef Svoboda Polyecran (1967) [...] “Cuando me siento solo en un teatro y miro en el espacio oscuro de su escena rio vacío, a menudo soy preso del miedo que ésta vez no lograre penetrar en él, y siempre espero que este miedo nunca me abandone. Sin una interminable búsqueda de la clave del secreto de la creatividad, no hay creación, es necesario siempre volver a empezar. Y eso es bello” Josef Svoboda citado en CALVINO, Italo, (1980) Si una noche de invierno un viajero, Bruguera, Barcelona. 2 2 17 Fig.24: Josef Svoboda Racek (1960) La iluminación en el escenario es muy teatral, es como un lenguaje y si sabemos manejarla ella misma nos aumentara la magia que queremos crear. Para ello hay que pararse a conocerla, y observar cómo cambia, hay que dejar que cree sombras, ritmos, presencias, texturas y sensaciones. Podríamos decir que la sombra que percibimos es la luz que no vemos. En un lugar tan mágico como el escenario ella tiene un gran papel el cual es dar protagonismo al intérprete, ayudarlo tanto a él como al espectador en integrarse y sumergirse en la historia, que las luces se apaguen y enciendan nuestra imaginación, que el artista se impregne y pueda convertirse en lo que realmente sea. La disposición de la iluminación puede ser posterior, frontal, lateral y equilibrio de colores. Desde mi experiencia como bailarina, la luz tiene el poder de dar vida, con su alumbramiento, la misma palabra lo indica. Es imprescindible para dar color, forma y sentido a lo que se está representando. No apreciamos su valor ya que es un elemento cotidiano que siempre nos rodea durante el día, y en pocas ocasiones le damos valor. He querido trasladar la forma de iluminar un escenario a mi propio proyecto. Comenzando por la instalación, donde la oscuridad es el receptor de las huellas, producidas por una coreografía creada desde la absoluta oscuridad del movimiento, dejando una impronta de luz sobre las tablas. Esta coreografía es una réplica del espectáculo coreográfico que realizo junto a mi propio grupo de baile durante esta temporada, con la que recorremos diversos lugares y escenarios. La escogí al ser un sentimiento reciente, trasladando a una de las piezas que conforman el proyecto, título, un trocito del suelo representativo de todos los escenarios que he pisado. En estas el espectador se sumerge en la narración, a modo de espejo, ya puede reflejarse sobre el fondo negro, gracias al juego reflectante que produce la luz con el barniz, aplicado en cada una de las tablas. El negro es la oscuridad, el asomarse ante un abismo, la sensación que personalmente siento en cada actuación. Si hablamos del movimiento en concreto, las pisadas cambian constantemente de forma, la causa es la postura que va adoptando mi cuerpo durante los cambios coreográficos. La huella es el resultado de formaciones grupales que incluimos, para lograr más dinamismo en el escenario, ya que es conveniente que un bailarín, por muy pequeñito que sea se haga grande en la oscuridad y ocupe todo el escenario, llenándolo de emociones y dejando su huella para la eternidad. Desde otro aspecto la oscuridad adopta la sensación de enfermedad y agonía como metáfora en el interior de las pinturas sobre cristal de la pieza Título. Una oscuridad que va ocupando el lugar de la luz, apagando poco a poco la vida, apoderándose del aire que respiro. Representada en forma de mancha que va evolucionando durante la serie. Al utilizar un material como el cristal en esta obra, doy pie al espectador para introducirse en ella, y a la vez resulta un sentimiento contradictorio porque es un tema personal e íntimo, del cual no hablo y poca gente de mí alrededor sabe de su existencia. Por ello la transparencia del cristal me ayuda a ser transparente y mostrar mi enfermedad tal y como es, sin ningún tipo de tapujos pictóricamente. A nivel conceptual podríamos dividir este proyecto en tres conceptos fundamentales que lo definen, como son: La huella, el recuerdo del tiempo y el concepto de belleza y sensualidad en la fotografía. Comenzando por el concepto huella o impronta nos situamos en Carmen Parralo Aguayo de la universidad complutense de Madrid en su tesis (2006), Huella y fragmente dos constantes expresivas del artista contemporáneo ante la muerte: la angustia creadora. En la cual se centra en el concepto de huella “impronta” que representa un punto de partida para la reflexión de una serie de ideas: Ser y Entre, la presencia y lo presente. A través de la huella el hombre puede llegar a comprender todo lo que le rodea, puede construir su pasado para entender mejor a su presente. Desde el nacimiento del ser humano la huella toma un papel de suma importancia, ya que gracias a ella podemos construir nuestra historia. Cuenta el origen de la vida, del hombre o de una civilización concreta. Y poder interpretar el mundo del cosmos desde el punto de vista trascendente .La obra de arte formaría parte de la huella que deja el ser humano de sí mismo, constituye a esa repetición de series objetuales producidas en el espacio tiempo. 18 Continuando en este concepto Etual Ojeda, es un artista pionero en el arte del arenismo y activista político muy activo en Canarias. Sus obras están cargadas de un gran valor simbólico de protesta, mostrando sus inquietudes respecto a la sociedad, destacando lo político como tema central sin ningún tipo de tapujos. En su obra tiende al surrealismo y expresionismo cubista. De este me llamó bastante la atención la forma de representar la huella del hombre (políticos) sobre todas y cada una de las escenas que representa. A través de obras que perduran un cierto tiempo, el suficiente para captar la atención del espectador y transmitir el mensaje. Unido a no solo el concepto político, sino al paso del ser humano por la tierra, huellas que dejamos sobre la naturaleza, que harán mella en nosotros con el paso del tiempo, perjudicando nuestra salud y propia existencia de la raza humana. Fig.26: Judith Braun Finger Drawings (2012) Fig.27: Etual Ojeda La guerra como modelo económico (2011) 19 Me resultó bastante interesante el fragmento del ensayo del hisoriador del arte George Kubler. La configuración del tiempo: Observaciones sobre la historia de las cosas (1988). Donde expone su tesis sobre los objetos de arte y su relación con y el tiempo: [...]“Señales.-Los acontecimientos pasados pueden considerarse como una categoría de conmociones de magnitud variable cuya existencia se manifiesta a través de señales auto producidas, semejante a la energía cinética enreda en masas que no pueden caer. Estas energías experimentan varias transformaciones entre el acontecimiento original y el presente. La interpretación presente de cualquier acontecimiento pasado es, por supuesto, solo otra etapa en la particular se dirige, a la categoría de acontecimientos sustanciales; acontecimientos en los que la señal es transmitida por materia organizada en un modelo que todavía puede apreciase hoy. En esta categoría estamos menos interesados en las señales naturales de la ciencia física y biológica que en las señales de estos nos interesan menos los documentos y los instrumentos que los artefactos menos útiles: las obras de arte. Todas las señales sustanciales pueden considerarse tanto transmisiones como conmociones iniciales. Por ejemplo, una obra de arte transmite una clase de comportamiento del artista y, a la vez, sirve como revelo (relai), como punto de partida de impulsos que usualmente alcanzan, en transmisiones posteriores, magnitudes extraordinarias. Nuestras líneas de comunicación con el pasado, por lo tanto, se originaron como señales que se convirtieron en conmociones que emitieron señales adicionales en una sucesión alternativa continua de: acontecimientos, señal, acontecimiento recreado, señal renovada, etcétera. Los acontecimientos celebres experimentan el ciclo millones de veces en cada momento a lo largo de su historia, como cuando se memora la vida de Jesús en las innumerables oraciones diarias de los cristianos. Para llegar a nosotros el acontecimiento original debe experimentar el ciclo al menos una vez en el acontecimiento original, su señal y nuestra agitación consecuente. El mínimo irreductible del acontecimiento histórico requiere, por lo tanto, solo un acontecimiento junto con sus señales y una persona capaz de reproducir las señale.” Podríamos decir que el tiempo no existe y en realidad es una construcción humana. Es una dimensión física que representa la sucesión de estados por los que pasa la materia. En el arte contemporáneo el concepto de tiempo está representado de diversas formas, dependiendo de qué queramos narrar el tiempo, como por ejemplo una acción en si o de una forma más esquemática y global. La obra de Álvaro Cassinelli Trata de abordar el control del tiempo de las imágenes en movimiento a través del arte virtual. Permite controlar el tiempo, manipulando la tela en la cual el autor proyecta una serie de imágenes, que acaban unidas y modificadas por la mano del espectador, obteniendo diferentes composiciones y resultados. Esto último mantiene cierta relación con mis piezas, ya que Cassinelli permite al espectador congelar ciertas imágenes, para crear un estado o momento propio. Al igual que en mis fotografías donde capto una serie de movimientos, los cuales dejan un rastro, en este caso no por la manipulación del espectador sobre la imagen, y no por el movimiento del cuerpo en sí, sino por la participación de la luz en la oscuridad, que deja un rastro del movimiento realizado en pocos segundos. Uniendo la dimensión de profundidad, con el concepto tiempo consigue tratar a este desde otro punto de vista y dejando a tras la representación clásica de tiempo a través del hecho histórico como tal acompañado de fechas y ubicaciones. Fig.28: Álvaro Cassinelli Khronos (2007) 20 3 3 Otro de los artistas que me ha influido, no solo en este proyecto, si no a lo largo de mi recorrido como artista es Bill Viola. El elemento principal que destaca en la obra del video artista es el tiempo ya que el acoge las últimas tecnologías para captar la belleza de la imagen manteniéndola en el tiempo. Captando así la representación de emociones como: el miedo, el dolor, la alegría, la ira y la soledad, que muestra el ser humano a través del rostro y el cuerpo. Esta forma de representar y captar las emociones es un factor que me ha motivado a la hora de crear, ya que podría decir que soy una persona muy visceral, y la carga emocional me mueve para poder expresar y transmitir al espectador lo que siento, sin ayuda de un texto. Un elemento a destacar es la utilización del fondo negro, convirtiendo la imagen corporal en la protagonista, sin que ningún elemento la entorpezca. Esto lo he llevado a cabo en dos de las piezas en las cuales he utilizado un fondo negro que simula la oscuridad, donde la luz radia con fuerza creciendo a partir del vacío. Fig.30: Bill Viola The mesenger (1996) Fig.29: Bill Viola Parque de la memoria (2013) 21 CRONOGRAMA Marzo Abril Mayo Junio Busqueda de referentes Investigación sobre materiales Investigación Investigación Teoríco Concentual Análisis de los Resultados Redacción de la memoria 22 PRESUPUESTO DE PRODUCCIÓN, MONTAJE Y TRANSPORTE Barniz 9 Piezas 40 € 3`50 € 4 Botes 14 € Precio unidad Medición Total € Presupuesto de Producción Cristal Pintura Punzón 4 Precio unidad Medición Total € Presupuesto de Producción Tablas Pintura Precio unidad Medición Total € Presupuesto de Producción Instalación Impresión Fotográfica 1 4´44€ 3‘50 € 3`50 € Precio unidad Medición Total € Presupuesto de Expositivo Coste ficticio de envalaje y traslado 100 € Total presupuesto 255´15€ 57`50 € 9 Pinturas Fotografías Soporte Colgadores 0´45 € 6 Soporte para Gristal 1`50 € 9 13`50 € 5 € 630 € 2`70 € 38´15 € 5´40 € 0´90 € 6 32 € 12 3´82 € 3´25 € 13 €4 11 € 1 11 € 56 € Medición Cinta de Doble Cara 3´50 € 3´50 €1 23 17 € CONCLUSIONES Llegados al final de esta etapa de 4 años en la universidad de Bellas Artes Málaga, puedo decir que me encuentro bastante satisfecha por el recorrido de este largo camino. Que por último como factor sorpresa me esperaba con los brazos abiertos un proyecto de fin de grado, repleto de emociones, sentimientos encontrados, errores que te hacen crecer como artista plástico y hallazgos que te dan el empujón necesario para seguir con ilusión. Cuando comencé el TFG se me encendió el botón da auto exigencia, el cual me repetía una y otra vez, que debía sacar a flote todo aquello que había aprendido durante estos años. Y eso si escoger un tema que me incitara a descubrir, a indagar a disfrutar el proceso, por ello escogí la danza, que tanto me ha enseñado en esta vida y tantas veces ha consolado mi corazón. Gracias al desarrollo en la investigación plástica y conceptual, antes de comenzar me di cuenta de que personalmente tenía mucho que contar, y que por ello podría ser un proyecto multidisciplinar, en el cual cada apartado transmitiese un concepto por medio de diferentes técnicas, esto enriquecería todo el conjunto. Es difícil no perder la calma en un proyecto de gran envergadura, por ello una de las conclusiones a destacar es que se debe probar en el proceso plástico todo tipo de herramientas e ideas que te interesen, aunque luego no salgan como esperabas y tengas que parar a descansar y aclarar ideas y conceptos. A pesar de ello es muy enriquecedor, así como la búsqueda de referentes, que te van llevando por diferentes caminos, donde aprendes a situar tu obra. Termino este apartado agradeciendo en primer lugar a mi tutora Silvia López por el apoyo diario, las ganas de seguir avanzando en la investigación y el desarrollo de este TFG. Así como profesores que han confiado en mi obra y me han enriquecido el paso por la facultad. Y sobre todo a mi familia por el apoyo incondicional, en especial a mi madre que me ha enseñado a amar la danza, tema principal de este proyecto. 24 WEBS http://alfainstitut-expresioncorporal-danza.blogspot.com.es/ http://cmap.javeriana.edu.co/servlet/SBReadResourceServlet?rid=1HSWF4QWJ-260SB8K-1RP Artistas OLIVEIRA Henrique: http://vacioesformaformaesvacio.blogspot.com.es/2012/08/henriqueoliveira. html http://www.henriqueoliveira.com/portu/comercio_i.asp?flg_Lingua=1&c od_ Artista=1&cod_Serie=4 DONOVAN Tara: https://translate.google.es/translate?hl=es&sl=en&u=http://www.pacega llery. com/artists/111/tara-donovan&prev=search FUJIMOTO Sou: http://www.arquitecturaydiseno.es/creadores/sou-fujimoto_35 YAMASHITA Kumi: http://culturainquieta.com/es/arte/instalaciones/item/436-kumiyamashita-sabe-como-jugar-con-las-luces-y-las-sombras.html BAUCH Pina: https://www.danzaballet.com/el-trabajo-coreografico-de-pina-bausch/ http://www.danza.es/multimedia/biografias/pina-bausch https://vimeo.com/118644761 SVOBODA Josef: https://vestuarioescenico.wordpress.com/2014/11/12/josef-svoboda-la-dramaturgia-de-la-luz/ http://www.svoboda-scenograf.cz/en/works/ https://www.youtube.com/watch?v=qoCXgdrw4jA IRWIN Robert: http://www.pacegallery.com/artists/211/robert-irwin BIBLIOGRAFÍA BRENT Richards, fotografías de Dennis Gilbert, Traductor: Miguel Irribarren Berrade, Arquitectura de cristal. 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Dumont (2016) WENGROWER Hilda, Sharon Chaiklin, El arte y la ciencia de la danza en movimiento. Barcelona: Gedisa (2009) 25 DISPERAZIONE Pintura sobre cristal 9 piezas 22x22 cm c/u 2017