Del jazz con público al jazz como creación artística en Galicia : Sumrrá y el álbum 6 mulleres (2018)

Trabajo de Fin de Grado Universidad de Santiago de Compostela Facultad de Geografía e Historia Grado en Historia del Arte Del jazz con público al jazz como creación artística en Galicia: Sumrrá y el álbum 6 mulleres (2018) Autora: María Mercedes Montenegro García Tutor: Francisco Javier Garbayo Montabes Curso 2022–2023 Resumen El presente trabajo consiste en un temprano esfuerzo académico por sintetizar la historia del jazz en Galicia, así como de formalizar un análisis de la propuesta musical de los artistas de jazz gallegos. Para ello se estudiará el recorrido del género desde inicios del siglo XX, con un notable desarrollo a partir de los años setenta, teniendo en cuenta los diversos métodos de difusión a los que se recurre para su consolidación (locales, escuelas, festivales y medios de comunicación). El estudio historiográfico pretende asimismo aportar una visión clara y objetiva del género dentro del contexto contemporáneo. Con respecto al análisis artístico, se orientará hacia el caso concreto del trío compostelano Sumrrá, con especial atención en aspectos esenciales como su trayectoria artística, proceso creativo,influencias musicales y relación con el arte conceptual y la performance. De entre su amplia propuesta musical, estudiaremos el álbum 6 mulleres (2018) por ser significativo en cuestión de perspectiva de género y ejemplo de la inclusión del discurso feminista en el arte y el jazz. Palabras clave: Jazz. Galicia. Sumrrá. Historia de la música. Arte conceptual. Resumo O presente traballo consiste nun temprano esforzo académico por sintetizar a historia do jazz en Galicia, así como de formalizar unha análise da proposta musical dos artistas de jazz galegos. Para isto estudiase o percorrido do xénero dende inicios do século XX, cun notable desenvolvemento a partires dos anos setenta, tendo en conta os diversos métodos de difusión aos que se recorre para a súa consolidación (locales, escolas, festivais e medios de comunicación). O estudo historiográfico pretende asemade aportar unha visión clara e obxectiva do xénero dentro do contexto contemporáneo. Con respecto á análise artística, oriéntase ao caso concreto do trío compostelán Sumrrá, con especial atención en aspectos esenciais como a súa traxectoria artística, proceso creativo, influencias musicais e relación co arte conceptual e a performance. De entre a súa amplia proposta musical, estudaremos o álbum 6 mulleres (2018) por ser significativo en cuestión de perspectiva de xénero i exemplo da inclusión do discurso feminista no arte e no jazz. 2 Palabras chave: Jazz. Galicia. Sumrrá. Historia da música. Arte conceptual. Abstract This present work consists of an early academic effort to summarize the history of jazz in Galicia, as well as to formalize an analysis of the musical proposal of Galician jazz artists. To this end, the genre’s path will be studied from the beginning of the 20th century, with a remarkable development since the 1970s, taking into account the various methods of dissemination incurred for its consolidation (venues, schools, festivals and mass media). The historiographical study also aims to provide a clear and objective view of the genre within the contemporary context. Regarding the artistic analysis, it will focus on the specific case of the Compostelan trio Sumrrá, with special attention to essential aspects such as their artistic career, creative process, musical influences and relationship with conceptual art and performance. From its broad musical proposal, we will study the album 6 mulleres (2018), for being meaningful in terms of gender perspectives and an example of the inclusion of feminist discourse in art and jazz. Key words: Jazz. Galicia. Sumrrá. History of music. Conceptual art. 3 A miña familia, especialmente a Narf, inspiración da miña muller salvaxe nesta vida de pasaxen. A Sebastián, pola túa invitación inesperada a un concerto de jazz en Compostela. 4 Índice 1. Introducción …………………………………………………………………… 6 2. Metodología …………………………………………………………………… 7 3. Breve historia del jazz en Galicia …………………………………………….. 7 3. 1. Contexto histórico del jazz en Galicia …………………………………… 7 3. 2. Jazz hecho en Galicia ………………………………………………..…... 11 3. 3. El fenómeno de los festivales de jazz …………………………………… 14 3. 4. Presencia en los medios de comunicación ………………………………. 15 3. 5. Formación educativa: Escuelas y seminarios …………………………… 16 3. 6. La ambigüedad del principios del siglo XXI ……………………………..16 4. El caso de Sumrrá …………………………………………………………….. 20 4. 1. Bajo una mirada estética ………………………………………………… 21 4. 2. La improvisación y la vanguardia artística ……………………………… 23 4. 3. El papel del espectador “en vivo” ……………………………………….. 27 4. 4. Estilo e influencias ………………………………………………………. 29 4. 5. El álbum de 6 mulleres (2018) …………………………………………... 32 - Proceso creativo ………………………………………………………. 33 - Frida Kahlo …………………………………………………………… 35 - Malala Yousafzai …………………………………………………….. 36 - Rosa Parks ……………………………………………………………. 38 - Qiu Jin ………………………………………………………………... 39 - Nawal El-Saadawi ……………………………………………………. 41 - Rosalía de Castro …………………………………………………….. 42 5. Conclusiones ………………………………………………………………… 44 6. Agradecimientos y entrevistas ………………………………………………. 46 7. Bibliografía ………………………………………………………………….. 46 8. Hemerografía ……………………………………………………………….. 47 9. Audiovisual ………………………………………………………………….. 48 10. Webgrafía ……………………………………………………………………. 48 5 1. Introducción El jazz en Galicia es un género que actualmente goza de su propio núcleo de aficionados e intérpretes de gran calidad. Para estudiar su recorrido, conviene reconocer la naturaleza variable que posee el desarrollo del género en nuestra geografía desde sus inicios. Aunque consolidado con cierta demora con respecto al resto de la península, desde principios del siglo XX el jazz ha tenido sus seguidores en algunas ciudades y pueblos gallegos gracias a medios de comunicación como la radio o el cine y a algunas de las bandas locales que versionaron este tipo de música. Con la dictadura franquista esta práctica se verá mermada hasta la llegada de la Transición democrática, con una mayor apertura cultural al resto del mundo que mejorará la situación notablemente. El jazz como música propiamente creada en Galicia, original de intérpretes gallegos, cobrará cada vez más importancia. Aparecerán los primeros grupos pioneros y músicos autodidactas, junto con la progresiva apertura de escuelas, locales especializados y sellos discográficos, así como la organización de festivales, seminarios y cursos relacionados con el género. Esta tendencia se multiplicará rápidamente hasta la actualidad, unida al crecimiento exponencial del número de grupos de jazz gallegos. Del mismo modo, estudiaremos el caso particular de Sumrrá, grupo compostelano nacido en el año 2000, conformado por Manuel Gutiérrez, Xacobe Martínez y Luis Alberto Rodríguez Legido. Su propuesta musical será analizada artística y estéticamente, con especial atención en el aspecto creativo, las influencias artístico–musicales, la relación de su música con el arte de vanguardia, la importancia del papel del espectador, la interpretación en vivo y la improvisación. Para analizar su propuesta musical se ha seleccionado como ejemplo el álbum de 6 mulleres (2018), debido a su interesante e innovadora propuesta conceptual y aportación en cuestión de género. El álbum es reconocido por los músicos como uno de sus mejores proyectos, protagonista de numerosas interpretaciones en el extranjero y parcialmente responsable del crecimiento y popularidad que el grupo ha ganado en los últimos años. 6 2. Metodología Para la elaboración del trabajo se ha recurrido a una combinación de fuentes de diversos formatos, entre los cuales se encuentran: libros, capítulos de libro, artículos de investigación, publicaciones y revistas científicas, noticias de prensa, prosa, poesía, artículos web, vídeo–documentales, entrevistas grabadas, programas de televisión, radio y podcast. Es necesario aclarar que el escaso tratamiento académico que existe sobre el jazz en Galicia ha dificultado considerablemente la investigación. Para compensar la falta de fuentes que hemos detectado, se ha recurrido a entrevistas y conversaciones con personas formadas en el campo (artistas, periodistas y profesores), que han vivido en primera persona los períodos en cuestión. El trabajo no se podría haber llevado a cabo sin la colaboración de las siguientes personas, que desinteresadamente concedieron su tiempo, información y energía durante una serie de entrevistas realizadas por la autora. Con relación a la historia del jazz en Galicia, son significativas las conversaciones con Ramón Bermejo (profesor de la Escuela Estudio), así como con el periodista, escritor y músico Quinito López Mourelle. Por otro lado, la posibilidad de entrevistar a los integrantes de Sumrrá resultó de suma importancia para la elaboración del trabajo del que son protagonistas. 3. Breve historia del jazz en Galicia 3.1. Contexto histórico Durante la conjunción histórica de la Primera Guerra Mundial (1914 - 1918), España recibirá al jazz a través de su contacto con París y con la llegada de los músicos estadounidenses a la península. Según autores como Alfredo Papo1, es Barcelona la ciudad pionera en donde se crean estas primeras agrupaciones a modo de orquestas de swing, con piezas inicialmente norteamericanas que se convertirán posteriormente en composiciones originales. Poco después, en la década de los años veinte, el jazz llegará a las ciudades gallegas para asentarse ligeramente durante los años treinta. La favorable situación económica y la consecuente apertura de espacios como cines, teatros y locales favorecerá notablemente al género, que ocupará las atractivas programaciones diarias. Así como a inicios del siglo XX las “marching bands” estadounidenses habían 1PAPO, Alfredo (1985): El jazz a Catalunya. Barcelona, Ed. 62. 7 impulsado el jazz en su tierra natal2, en Galicia las bandas locales tuvieron un papel imprescindible en la difusión del género desde sus inicios. También conviene mencionar la importancia del cinematógrafo, que traerá a las salas y teatros proyecciones con bandas sonoras jazzísticas. Durante la Guerra Civil (1936–1939) el disfrute del jazz, como el de tantas costumbres populares y oferta de ocio, se verá perjudicado. Con la instauración de la dictadura franquista, se producirá el exilio de numerosos músicos y la llegada de la censura, que afectarán al panorama jazzístico especialmente en el sector público y medios de comunicación. Los repertorios de las orquestas se verán modificados, primando una música que podemos definir como tradicional, que mirará al pasado y al folklore español. Sin embargo, la actitud de la dictadura con respecto al jazz será incoherente y contradictoria, tolerando o persiguiendo el género por razones más circunstanciales que doctrinales. Las estrictas prohibiciones en la década de los cuarenta se limitaron a condenar las adaptaciones de las obras clásicas o a penar la difusión del género en las emisoras de radio, veto que se burló fácilmente con la utilización de eufemismos como “música moderna”. La situación duró apenas hasta finales de los años cincuenta, momento en el que España restablece la diplomacia con Estados Unidos, haciendo desaparecer casi por completo la dura crítica a la cultura estadounidense, jazz inclusive. Sin embargo, esto provocará el éxito abrumador del rock and roll, mientras que los salones de los años veinte y el swing se convertirán en un recuerdo lejano. El público gallego aficionado al jazz será sustituido por un escaso grupo de intelectuales e intérpretes, que dejarán mucho que desear en número si los comparamos con ciudades más afortunadas que se permitirán el lujo de abrir algún local de música en directo durante la década de los sesenta. La apuesta por el jazz en directo comenzó a brotar en la geografía gallega a la par que cerraban dos emblemáticos locales españoles: el Jamboree en Barcelona (1969) y el Whisky Jazz en Madrid (1971), obligando a los músicos a recurrir a la enseñanza y a la 2Término en inglés (“bandas que marchan”) para referirse a las agrupaciones de músicos que tocan sus instrumentos mientras marchan, por entretenimiento o competencia. 8 música comercial para subsistir. Por aquel entonces apenas algunos afortunados podían permitirse vivir exclusivamente del jazz. Mientras tanto, de manera esporádica pero pronta, el folclore gallego hacía sus primeras apariciones en el jazz internacional: Miles Davis lo utilizó en su álbum Sketches of Spain (1959 - 1960), en donde la obra “The Pan Piper” se inspiraba en una pieza gallega de Alan Lomax, “Alborada de Vigo”. Durante la década de los setenta, con la llegada de la Transición democrática surgirán numerosos grupos y orquestas dentro de un extenso abanico de estilos y repertorios, cargados de nuevas influencias, frescura e innovación. Galicia siempre gozó de poseer una cultura de fiestas populares, con un gran número de músicos entre la población y una abundante demanda de orquestas de baile. Estos intérpretes, en su mayoría jóvenes, serán quienes sin abandonar la música clásica o popular, se adentren en los estilos llegados del extranjero como el jazz. Un incipiente e inquieto núcleo de aficionados se abrirá cada vez más camino, algunos músicos conseguirán incluso cierto apoyo extraoficial por parte de asociaciones privadas, como la Asociación Abuña Jazz de Ourense, la Asociación de Jazz Compostelana o el Colectivo de Compositores Coruñeses Contemporáneos (C4). Se trata de una historia romántica y marginal3, en palabras de Mourelle, en la que los protagonistas son unos escasos amantes del género, intérpretes autodidactas, emprendedores y hosteleros con ilusión, coleccionistas apasionados y periodistas melómanos. Una primera generación encargada de iniciar el camino que más tarde asentará definitivamente el jazz como género en Galicia. Simultáneamente, la pronta eclosión y auge de las discotecas, así como del pop, el punk oelrock; perjudicarán tanto al jazz como a la música en vivo, que tendrán que esperar pacientemente su momento. El aperturismo del panorama artístico dará lugar a fenómenos como la Movida Madrileña o, más cercano a lo que nos atañe, la Movida Viguesa, que se gestará a finales de la década de los años setenta. Entre 1975 y 1982 el público gallego situará al rock como su género predilecto, con un apoyo especial al punk vigués en 1981 y su éxito absoluto en 1984. Como se predijo, el jazz desaparecerá como fenómeno social, las orquestas y el swing dejarán de existir como complemento 3MOURELLE LÓPEZ, Quinito (2008): Facer Jazz en Galicia. Revista Gallegos nº 4, Ed. Ézaro. 116. 9 periodistas como Rui Eduardo Paes o José Carlos Santos, con su programa Só Jazz en la radio Rum. 3. 5. Formación educativa: Escuelas y seminarios A partir de la década de los ochenta, el jazz se tendrá cada vez más en cuenta en el ámbito educativo. Serán pioneras la mencionada B.A.I.O. Ensemble (1983) en Vigo, y la Escuela Estudio (1987) en Santiago de Compostela, dirigida por Suso Atanes. Esta última fue lugar de celebración del X Jazz Meeting de la IASJ (International Association of Schools of Jazz), proporcionando a Galicia un valor y reconocimiento internacionales. Durante la década de los noventa, de la Escuela Estudio también saldrá toda una generación de músicos de gran prestigio. Será el caso de Abe Rábade, Terela Gradín, Paco Charlín, Xacobe Martínez (contrabajista del grupo Sumrrá) y Pablo Castaño entre otros. Actualmente, entre los docentes de la escuela se encuentran Manuel Gutiérrez y L.A.R. Legido (pianista y batería de Sumrrá). A principios del siglo XXI, Galicia ya cuenta con un significativo abanico de escuelas que ofrecen la especialidad de jazz. En 2001, nacerá el Seminario Permanente de Jazz de Pontevedra (SPJP) de la mano de Luís Carballo, actualmente impartido por Abe Rábade y Paco Charlín. Mientras que en 2006, el Conservatorio de A Coruña se convertirá en el primer conservatorio en proporcionar la especialidad de jazz en su formación superior. Algo por lo que recibiría numerosas críticas debido a la falta de transparencia durante el proceso de instauración del grado.16 3. 6. La ambigüedad de principios del siglo XXI En cuanto a número y diversidad, se ha hablado de un florecimiento sin precedentes desde el año 2000 con respecto al jazz en Galicia. Aparecen cada vez más artistas y formaciones musicales, se publican infinidad de discos, proliferan festivales, salas y centros de estudio. Según Mourelle, es aquí cuando por fin comenzamos a 16 PÉREZ REY, José Manuel (17/02/2011): Abe Rábade: “Siento el piano como una prolongación natural de mí”. Distrito Jazz: http://www.distritojazz.com/entrevistas-jazz/3653. Consultado el 12/02/2022. 16 valorar en serio el jazz que se hacía en Galicia y a escuchar con atención qué se nos proponía17. En 2011, Abe Rábade comentaba lo prometedora que era la situación: Cada vez existen más iniciativas en forma de jornadas, festivales y programaciones estables para el género. En lo referente a jóvenes talentos, el panorama es muy saludable. Bateristas como Iago Fernández o Max Gómez, pianistas como Xan Campos, guitarristas como Virxilio da Silva, saxofonistas como Toño Otero y Pablo Castaño, trompetistas como Xabier Pereiro conforman una de las canteras más sólidas de la Península Ibérica. El futuro va a ser aún mejor.18 La situación favorable se debió en parte a la sensibilización de la población hacia el género, gracias a una mayor variedad de oferta y al cansancio que supuso la desgastada música comercial. La red de festivales y la proliferación de locales especializados harán que se multipliquen las oportunidades para tocar en directo. Además, los músicos gallegos se dedicarán cada vez en mayor número al jazz gracias a la difusión mediática y propuesta educativa, que conseguirá llamar la atención de las nuevas generaciones. Con respecto a las corrientes estilísticas, el jazz de las primeras décadas del siglo XXI se caracteriza por su diversidad; es por ello que los profesionales en el ámbito consideran inadecuado hablar de “jazz gallego”. En su opinión, la escasa homogeneidad y el minifundismo tradicional hacen que lo correcto sea definirlo como “jazz hecho en Galicia”. Rábade advierte que hemos de evitar afirmar que existe el jazz gallego exclusivamente debido a la incorporación del folclore: … (afirmar que existe el “jazz gallego”) sería caer en el “lecho de Procusto”, sería un error tomar los estilos o formas musicales e intentar que entren en un formato predefinido. Las etiquetas y las conceptualizaciones de los hechos 18 PÉREZ REY, J. Manuel (11/03/2011): Abe Rábade: Estoy en un momento en el cual encuentro una identificación personal muy fuerte con la música que estoy haciendo. Distrito Jazz: http://www.distritojazz.com/entrevistas-jazz/abe-rabade-estoy-en-un-momento-en-el-cual-encuentro-una-i dentificacion-personal-muy-fuerte-con-al-musica-que-estoy-haciendo. Consultado el 12/02/2022. 17 Entrevista a Quinito L. Mourelle por la autora del trabajo (marzo de 2023), vía correo electrónico. 17 artísticos vienen a posteriori. Ojalá en algún momento podamos hablar de algo que es seguido por tanta gente, en el caso concreto de Galicia, que comience un movimiento homogéneo y no sean solamente individuos aislados o fenómenos minoritarios. De todas formas, hablar de un sonido característico propio de un lugar dentro del jazz es duro, creo que los músicos de cada lugar, si tienen un mínimo de sensibilidad, van a integrar esos elementos autóctonos. Pero esto no puede llevarnos al relativismo cultural extremo (...). El maridaje tiene que darse de una forma libre, (...) todo es lícito, pero creo que hay una forma más natural de hibridar y otra más forzada.19 La variedad de estilos es tal que nos encontramos con que algunos músicos interpretan el folclore en clave jazzística mientras, coetáneamente, los más fieles a la tradición estadounidense se decantan por los modelos clásicos. No faltan los innovadores que, en busca de nuevos resultados, se atreven con la vanguardia y el jazz moderno. Antonio Peña, director y guitarrista de la Unión Costa Oeste Jazz Band de Ferrol, ya había vislumbrado en la década de los ochenta esta diversidad de estilos y propuestas: Galicia puede aportar cosas interesantes al jazz español. Aquí no existen tendencias muy marcadas como existen en las ciudades “monstruo” (Barcelona, Madrid, París o Londres). Quizás tengamos menos prejuicios. (...) están saliendo muchas propuestas desde Galicia, el tiempo dirá.20 Actualmente, el jazz ya no es un gran desconocido para el público gallego, y la música creada en Galicia goza de un cierto reconocimiento, resultado del esfuerzo y entusiasmo de los amantes de este estilo. Desgraciadamente, este éxito no es el que cabría esperar o debería ser. Como ya apuntaba Nani García, el jazz continúa recibiendo un escaso apoyo por parte de las instituciones (cuando no nulo), sobre todo en temas de 20 (1985) Jazz gallego, Jazz entre amigos. RTVE: https://www.rtve.es/play/videos/jazz-entre-amigos/jazz-gallego-27-11-1985/5908660/. Consultado el 30/09/2022. 19 BESADA, Adrián (09/10/2019): Me gusta mucho bucear en la lengua hablada porque me parece que tiene una riqueza brutal. Distrito Jazz: http://www.distritojazz.com/entrevistas-jazz/abe-rabade-me-gusta-mucho-bucear-en-la-lengua-hablada-po rque-tiene-una-riqueza-brutal. Consultado el 05/03/2023. 18 promoción y difusión en el extranjero. Aunque la población se haya familiarizado con el género, el jazz en vivo no es tendencia, y sus largas improvisaciones tampoco. Anticuado para su época, se encuentra en un momento en el que debe luchar para adaptarse y encontrar su propio canal de comunicación para llegar al público. Teniendo en cuenta que hablamos de ciudades de reducido tamaño y de formaciones musicales poco estables y “promiscuas” (los músicos tienden a mezclarse entre sí constantemente para formar grupos), es posible que el público se muestre a veces cansado de encontrar siempre lo mismo, considera Mourelle21. En ocasiones, esta escasez de oportunidades hace que los artistas recurran al extranjero para desarrollar su carrera artística. Respecto a la venta de discos, continúa siendo escasa. Sin embargo, podemos decir que se goza de un público estable, ligeramente en aumento, desde los últimos años. Un considerable número de discográficas lanzarán al mercado los proyectos de varios músicos gallegos. Nacen casas gallegas como Audia Records, Xingra.com, Madame Mir o Free Code. Mientras que otros artistas preferirán recurrir a empresas internacionales. La pronta decadencia del disco junto con la irrupción de las redes sociales, alejarán al público de la música en vivo y de la costumbre de escuchar CDs o vinilos completos. No obstante, se democratiza el acceso a la música de intérpretes gallegos, que aprovecharán los nuevos medios de comunicación para adquirir difusión. En 2021, Manolo Gutiérrez22 comentaba la cantidad de nuevas propuestas y músicos de gran formación que había en Galicia: una generación que sufre de un tejido industrial “no muy potente”,con grandes dificultades a la hora de encontrar espacios en donde presentar sus proyectos. Según el músico, la única solución viable parece ser el “apuntar más alto” y hacerse eco internacionalmente, para lo cual se necesitaría un mayor apoyo de las instituciones. Medidas que no solo deberían aplicarse al jazz con un claro referente gallego, sino al jazz hecho por músicos gallegos. En consonancia, Mourelle opina: 22 (03/05/2021) Entrevista al grupo Sumrrá. Radio Ateneo: https://ateneodesantiago.gal/radio/programas/6/entrevistas/podcasts/147/entrevista-ao-grupo-sumrra. Consultado el 28/03/2023. 21 Entrevista a Quinito L. Mourelle por la autora del trabajo (marzo de 2023), vía correo electrónico. 19 El músico de jazz debe luchar para adaptarse a esta situación e insistir para encontrar un canal de comunicación con el público. Debe demandarse a las instituciones un apoyo decidido, con una dotación presupuestaria correspondiente, para dar a conocer en el extranjero el jazz que se hace en Galicia, desde las formaciones más pequeñas hasta las grandes orquestas.23 Son escasos los casos de músicos gallegos que gozan de un reconocimiento internacional. Es en parte por ello que estudiaremos la excepción que confirma la regla. Debido a la permanencia y solidez de su carrera musical, su atractiva e interesante propuesta artística, además del alcance y repercusión en la escena jazzística internacional, el trío de Sumrrá es protagonista de este trabajo. 4. El caso de Sumrrá Sumrrá es un grupo compostelano nacido en el año 2000, compuesto según el formato clásico de los grandes tríos de jazz europeos (piano, contrabajo y batería). Sus integrantes son el pianista Manolo Guitérrez (1963), el contrabajista Xacobe Martínez Antelo (1976) y el baterista Luís Alberto Rodríguez Legido o “L.A.R” Legido (1975). Sumrrá es uno de los grupos más longevos y productivos dentro del panorama jazzístico gallego, una sólida trayectoria que se une a una proyección internacional que les sitúa entre los referentes actuales de jazz moderno y de vanguardia. La música de Sumrrá se define a menudo como densa, compacta, evocadora de paisajes imaginarios, sugerente, de estilo rápidamente reconocible y distintivo, que destaca por el poder y claridad de sus brillantes melodías y nuevos conceptos rítmicos. El grupo ha demostrado gran relevancia a través de su conjunción, ya que no solo ha hecho coincidir la trayectoria de tres artistas individualmente extraordinarios, sino que con su encuentro se ha permitido reflejar la historia del jazz en Galicia. En la figura de Manolo Gutiérrez encontramos aquella primera generación autodidacta de la década de los ochenta, que hace emerger el jazz en Galicia. Xacobe Martínez encarna la prometedora década de los noventa, con el desarrollo en educación y la generación de 23 Entrevista a Quinito L. Mourelle por la autora del trabajo (marzo de 2023), vía correo electrónico. 20 músicos aprendices de la Escola Estudio. Mientras que la relación e influencia con el resto de la península se encuentra en la participación del vallisoletano L.AR. Legido. Los músicos explican que se decantaron por el nombre “Sumrrá” debido a la sonoridad de la palabra, propuesta creativamente por Legido, que la define como “una composición de letras”. 24 Los cuatro primeros álbumes del grupo marcaron la consolidación de su trayectoria inicial: Sumrrá (2003), Sumrrá II (2006), Ao vivo (2008) y 4.0 (2010), un proceso creativo que se vio paralizado durante cinco años por un breve silencio discográfico que finalizó con la llegada del álbum 5 journeys (2015), que marcó un punto de inflexión en la propuesta artística del grupo. A partir de este momento, Sumrrá se orientará hacia lo conceptual, creando nuevos proyectos hilados por una serie de títulos que harán referencia a una única idea, contenida en el título del disco. Una organización del discurso que pasará a definir su música a partir de entonces, con la posterior llegada de los álbumes 6 mulleres (2018) y 7 visions (2021). Durante los últimos años, esta desviación hacia la propuesta conceptual parece haber calado en la producción gallega de jazz, con artistas como Abe Rábade y su álbumes Sorte (2021). Como se comentó en la introducción, orientaremos el análisis artístico y estético de la música de Sumrrá hacia el estudio de su proceso creativo, su relación con otros tipos de arte, su interpretación en vivo y relación con el espectador; por ser estos elementos clave en su arte. 4. 1. Bajo una mirada estética Los integrantes de Sumrrá definen el propósito del grupo como una cuestión vital, un objetivo que se construye con motivo de reconocer lo que cada uno de sus integrantes es como individuo, así como lo que sienten que la música les solicita. La composición y grabación de álbumes vendría motivada por este deseo de crear y transmutar lo que cada uno de los integrantes alberga en su interior, con el fin de comunicarlo, especialmente en directo. La importancia reside en el enfoque de tres 24 Entrevista por Carlos Pérez Cruz (20/04/2023). CDJ TV // En la cama con Sumrrá. El Club del Jazz: https://www.patreon.com/posts/cdj-tv-en-la-con-81775894?utm_medium=clipboard_copy&utm_source=c opyLink&utm_campaign=postshare_fan&utm_content=join_link. Consultado el 20/04/2023. 21 personalidades, la música que potencialmente pueden generar los tres como conjunto; así como en el compromiso que establecen con una estética, forma y sonido único, original y propio. Destaca su intención de reconocerse como tres individualidades, tres seres independientes, que conjuntamente deciden agruparse y conformar un modo único y personal de ver la música, tan personal como colectivo. Todo lo demás, como lo define Martínez, es “maravillosamente accesorio”25. En sintonía con el pensamiento abstracto, Gutiérrez lo expresa como “una vía de comunicación que no se halla en otros caminos”, existe un sentimiento implícito de querer transmitir un mensaje al oyente, de llegar a él. En línea con pensadores como Arthur Schopenhauer (1788–1860), la música es considerada como la voluntad misma, capaz de expresar mediante sonidos aquello a lo que el lenguaje ordinario o la palabra no tienen la posibilidad de acceder. Sumrrá también hereda del pensamiento romántico su voluntad por alcanzar la libertad y expresarla. Lo hace mediante un lenguaje autónomo, que se comunica con su entorno a través de una “llave”, correspondiente al título de la canción, un concepto determinado. La música se convierte para ellos en una vía que permite comunicar ideas tan abstractas como concretas. A este objetivo de expresar una visión personal se le suma la importancia de la libre interpretación del oyente, el cual a través de sus propios medios adquiere una experiencia totalmente única de la pieza musical. Sumrrá recurre al discurso del arte conceptual, de manera que el concepto pasa a ser el punto desde el que tomar perspectiva a la hora de abordar la escucha, en sintonía con artistas como Rábade, que define el jazz como “un concepto, más que un estilo”26. El título–concepto se convierte así en un “cristal” desde el que mirar, que envuelve el disco filtrando musicalmente el paisaje (la obra), en donde los detalles pueden ser entendidos de maneras diferentes según el oyente. Un título, un compás, una melodía, proporcionan el prisma que permite entender cada pieza. Con su discurso, Sumrrá dibuja un continuo 26 BESADA, Adrián (09/10/2019): Abe Rábade: “Me gusta mucho bucear en la lengua hablada porque me parece que tiene una riqueza brutal”. Distrito Jazz: http://www.distritojazz.com/entrevistas-jazz/abe-rabade-me-gusta-mucho-bucear-en-la-lengua-hablada-po rque-tiene-una-riqueza-brutal. Consultado el 05/03/2023. 25 Entrevista al grupo Sumrrá por la autora del trabajo. Santiago de Compostela (26/03/2023). 22 tránsito entre personajes, ciudades o visiones, que hace del álbum un producto concreto abierto a la libre interpretación, poniendo la técnica al servicio de la expresividad. Un discurso sincero que se materializa mediante una música llena de cuerpo, peso y nítida interpretación. Sin enturbiar el mensaje con un virtuosismo innecesario o arreglos pomposos, mensaje y sonido son transmitidos claramente como lo más importante. A favor de esta perspectiva, Sumrrá rechaza igualmente un discurso excesivamente explícito o didáctico y ofrece en su lugar una música sugerente y evocadora. 4. 2. La improvisación y la vanguardia artística El jazz es considerado como una expresión exacerbada de individualidad, por ello, su naturaleza tiene como elemento fundamental la improvisación. Tanto músicos como aficionados al género, consideran este factor el responsable de que existan tantos estilos como intérpretes. La improvisación ofrece unicidad y subjetividad al discurso musical, su importancia se debe a su carácter singular, espontáneo, personal e irreproducible; una manera de hacer música que se construye en el momento, de modo prácticamente intuitivo. La música de Sumrrá se encontraría así a medio camino entre la composición y la improvisación, conceptos que el propio Wassily Kandinsky (1866–1944) utilizó para el arte pictórico: la composición es considerada como una expresión del sentimiento interior, formada lenta y pacientemente, mediante la razón y la conciencia; mientras que la improvisación, es una expresión en gran parte inconsciente, espontánea y súbita, de carácter interno y de naturaleza no material (es decir, espiritual)27.La fuente de ambas es el interior del sujeto, mientras que lo variable es el proceso de obtención del sonido. Más sencillo, en palabras del saxofonista Wayne Shorter (1933–2023), improvisar es componer rápido y componer es improvisar despacio.Con la misma claridad define Gutiérrez la música de Sumrrá: una serie de temas que se crean a través de una melodía, unos acordes y un tempo (composición), a los que se les une una parte improvisada. En la improvisación cobra importancia el momento presente, lo inesperado (incluso para el propio intérprete), una búsqueda ambiciosa de lo espontáneo, natural e irreflexivo. Un espacio de libertad que existe 27 KANDINSKY, W. (1979): De lo espiritual en el arte. Ed Premia: 119. 23 encuadrado en una estructura que domina la pieza e interesa respetar28. Así pues, la música de Sumrrá se crea a medio camino entre la matemática y el azar. Se trata de una estética que cobra importancia en el límite, por ser éste todavía desconocido. El propio Legido lo define como ponerse en el precipicio, con un pie en el borde y otro en el aire, una situación vital, de entrega con la búsqueda del presente absoluto, un momento en el cual no sabes lo que va a pasar, y todo tu espíritu, corazón y fuerza están puestos ahí. (...) No vale el conocimiento adquirido previamente. En el momento de la verdad, está todo por construir. 29 Kandinsky denominaría “necesidad interior” a aquel principio íntimo, impulso responsable de crear la obra. Según el pintor, no existe el “sonido feo” o la “disonancia” en la música y la pintura, cualquier sonido y combinación de sonidos es bello (idóneo) cuando brota de la necesidad interior30. En el caso del jazz, este tipo de creaciones espontáneas forman parte de la pieza de naturaleza integradora. Algo que Herbie Hancock (1940) explicó de modo similar: no existe tal cosa como una nota incorrecta, cualquier músico de jazz siempre debe tratar de convertir cualquier cosa que suceda en algo de valor31. Este pensamiento remite a un proceso de creación y búsqueda de una composición horizontal, en sintonía con otros músicos como Jacob Collier (1994): Puedes conseguir que cualquier nota funcione con cualquier acorde, no es cuestión de lo “correcto” o “equivocado”, se trata de decisiones fuertes y decisiones débiles (...), es más acertado decir que una nota “todavía no ha encontrado su consecuente”, o “que existe en un contexto inadecuado” (...). No 31 MasterClass (2018): Herbie Hancock: No such thing as a wrong note https://www.youtube.com/watch?v=C-GrRIgdmW8. Consultado el 03/04/2023. 30 KANDINSKY, W. (1979), op. cit: 97. 29 Revolución Pasiva en Compostela (2016): Entrevista a L.A.R. Legido (Baterista de Sumrrá) https://www.youtube.com/watch?v=nOn4TLpXYPM. Consultado el 03/04/2023. 28 A excepción de aquellos casos en los que la cacofonía y total ausencia de organización es intencionada, como acontece con el free jazz. 24 deberíamos descartar una nota en un acorde sin antes haber probado todas las soluciones posibles a ese acorde. 32 Del mismo modo, Sumrrá rechaza la concepción estrecha y uniforme del sonido musical e incorpora a sus creaciones toda clase de posibilidades sonoras, incluso aquellas consideradas en ocasiones despectivamente como “ruido”. Al igual que valora significativamente el silencio y la pausa, elemento muy presente tanto en su estilo minimalista como en sus improvisaciones. Cualquier fuente de sonido (o la ausencia de éste) se convierte en una posibilidad musical. Aunque en su mayor parte la música de Sumrrá es producida por tres instrumentos, en numerosas ocasiones se recurrirá a otro tipo de “artilugios”, en busca de nuevas texturas y sonidos, bien de un modo más convencional a través de la reverberación o distorsión mediante un pedal (como hará Martínez con el contrabajo); o bien de un modo menos habitual. Este último merece la pena tratarlo en relación a las vanguardias de mediados del siglo XX: la música aleatoria, el expresionismo abstracto y el arte conceptual. Legido será el responsable de crear toda clase de efectos sonoros, incorporando a la percusión objetos de diversa naturaleza como globos de aire, muñecos de feria, vajilla metálica, legumbres, tuercas, cinta adhesiva, sudor o la propia saliva. A la cuestión de si existe una diferencia entre ruido y música, Legido considera que todo es válido siempre y cuando esté en el lugar adecuado, como veíamos con Collier, no existen malas decisiones, solo contextos menos favorables. Ya anteriormente, John Cague (1912–1992) había empleado diversos instrumentos de percusión para generar nuevos sonidos, como las conchas y las latas33. Dentro del jazz, Steve Turre (1948) fue famoso por utilizar las caracolas marinas en sus emblemáticas improvisaciones de carácter latino. Mientras que Ray Anderson (1952) había utilizado para sus solos los cantos de pájaro, artilugios metálicos, gruñidos y gritos. En la misma 33 Se recomienda la visualización de The Third Construction (1941), de John Cage: https://www.youtube.com/watch?v=j27UIdYJZ0o. Consultado el 28/03/2023. 32 George Collier (2012): That´s not a wrong note, you just lack confidence (Jacob Collier) https://www.youtube.com/watch?v=meha_FCcHbo. Consultado el 03/04/2023. 25 las escuchas de Gutiérrez. Artistas como Alban Berg, Erik Satie o Arnold Schonenberg, aparecerán claramente reflejados en sus interpretaciones pianísticas. Aplicables al jazz de Sumrrá estarían asimismo la utilización de armonías disonantes y rítmicas más irregulares, en busca de nuevas texturas y dinámicas musicales; así como el orden, balance y claridad en la presentación de las piezas. 4. 5. El álbum de 6 mulleres (2018) El álbum de 6 mulleres nace con la intención de los músicos de colaborar con la causa feminista contemporánea. El grupo decide llevar a cabo su aportación personal, definida por el propio Martínez como “totalmente inocente, libre y naif”,en consonancia con el espíritu de músicos como Nina Simone, que considera que un artista es responsable de reflejar los tiempos que vive. Durante el proceso de creación, los músicos llevarán a cabo una investigación de referentes femeninos, que les permitirá dar con los seis personajes históricos definitivos: Frida Kahlo, Malala Yousfaiz, Rosa Parks, Qiu Jin, Nawal El-Saadawi y Rosalía de Castro. Una selección tomada desde una perspectiva planetaria, incluyendo México, Pakistán, Estados Unidos, China, Egipto y Galicia. Estas mujeres con personalidad polifacética combinarán en una misma figura más de una profesión. Así pues, nos encontramos ante seis personajes que ejercen un activismo político simultáneo a sus carreras profesionales, entre ellas la pintura, la literatura, la poesía o la medicina. Este álbum marcará asimismo la entrada del grupo en el estudio de grabación. Hasta el momento, Sumrrá había grabado sus álbumes en conservatorios, salas de conciertos y teatros. Con 6 mulleres, grabarán por primera vez en Boom Studios, estudio de grabación portugués a cargo del sello neoyorquino Nolan & Associates Productions LLC, discográfica con la que trabaja desde su quinto álbum (2015). Después de haber grabado sus últimos tres discos en directo, el grupo recuperará la grabación sin público, aunque sin renunciar al control de calidad de éste, ofreciendo las piezas musicales en vivo para su perfeccionamiento, previas a la grabación final. Sumrrá define 6 mulleres como su primer álbum consolidado, hecho “con gran cariño”, conciso por ser el más breve de su discografía, en el que los solos serán concentrados frente a la interpretación 32 en vivo de mayor duración. Esta dinámica de grabación en estudio se repetirá con su siguiente álbum (2021), el primero emitido sin la interpretación previa en directo debido al contexto de pandemia por COVID-19. Proceso creativo El proceso creativo en Sumrrá se lleva a cabo de forma unitaria y orgánica. Para explicarlo los músicos recurren a una metáfora culinaria, en la que ellos “cocinan diversos ingredientes simultáneamente” y de la condensación generada por cocción se adquiere el resultado final, del cual Sumrrá no se reconoce del todo responsable, admitiendo no controlarlo. En el caso de 6 mulleres, el disco surge por el impulso de los músicos de intentar ver el movimiento feminista a través de una perspectiva jazzística, instrumental y abstracta. Sumrrá explica de modo metafísico cómo la “presencia” de estas mujeres estuvo durante el momento de creación, siendo ellas mismas las que deciden y se decantan por aquella pieza que casa más con su historia y personalidad. Un proceder alquímico y libre, a través del cual el grupo va estableciendo conexiones entre estas mujeres y sus canciones. Además de un posterior trabajo de arreglos, que pretende perfeccionar el resultado final de la pieza ajustando texturas, color, melodías y armonizaciones. Sumrrá comenta que se trata de un trabajo colaborativo entre los tres músicos, en el que estos iban aportando material (melodías, sonidos, texturas,...) en el estudio. Paulatinamente, algunas de estas ideas iban destacando sobre otras, adquiriendo fuerza, al tiempo que lo hacían los respectivos personajes históricos seleccionados. Para visualizarlo metafóricamente, Martínez comenta: Veíamos cómo Qiu Jin guiñaba un ojo con aquella música, o Kahlo sonreía ante una determinada melodía. Así pues, se establece un “juego de coherencias” instrumental y conceptual, orientado a la interpretación en directo, que anhela el reconocimiento y divulgación de estas mujeres, así como demostrar la capacidad del propio grupo de evocar imágenes y despertar paisajes mentales. Sumrrá lo considera “el único modo de trabajar posible”. Debido a la complejidad del mundo de la abstracción y la música instrumental, la relación con las mujeres (conceptos) se establece a través de la evocación de sensaciones o imágenes, 33 inicialmente por parte de los músicos, posteriormente por parte del público. Con respecto a las conexiones entre sonido y concepto, entre cada una de las mujeres y la emoción que provocan; Sumrrá añade que el detonante es difícil de explicar. Según Gutiérrez, nunca sabes por qué algo te lleva a determinados sitios. El porqué de estas asociaciones, el porqué su música evoca determinados escenarios, según los músicos, es complejo de determinar. Legido lo define como un lugar a través del cual acercarse al instrumento, una perspectiva desde la que pueden sonar como trío: En el viaje que se propone, existe un espacio que depende creativamente de los conceptos, esto provoca que se focalicen mucho más las posibilidades de trabajar con colores, sonidos o materiales. Se establece una forma, una actitud de abordar la relación con el instrumento o entre el trío. Los últimos álbumes tienden a trabajar en torno a la conceptualización porque nos ha parecido ésta una paleta rica y diversa donde crear y desarrollarnos. Un modo de tensar y destensar la cuerda todavía más, de aproximarnos como grupo a aquellas cosas que nos parecen importantes en nuestro tiempo.43 Sumrrá explica cómo, mediante los conceptos, la creación renuncia a los límites del lenguaje musical (la técnica, las escalas o los modos musicales). Los conceptos abstractos son el nuevo lenguaje compositivo. Estas mujeres y su historia se convierten en el medio para crear su música. Martínez explica que Es un proceso en el que la música está al servicio de lo importante, y nuestra mayor preocupación es ser capaces de alcanzar conceptos tan potentes, magnéticos y seductores; de organizar el material para generar nuevos mundos musicales. Al superar las limitaciones podemos acceder a lo importante y crear temas con su propio ecosistema, con su fauna, flora, hábitat y atmósfera. Cabe aclarar que quizás la experiencia y formación profesional juega a favor de los músicos, siendo en parte aquello que les proporciona una facilidad para crear con tanta 43 Entrevista al grupo Sumrrá por la autora del trabajo. Santiago de Compostela (26/03/2023). 34 libertad a través de este tipo de dinámicas más abstractas. En 2021, Martínez44 definía los discos de Sumrrá como un escenario en el cual se propone una narrativa estimulante, sin intentar sistematizar el proceso de creación rigurosamente o tratarlo según términos academicistas. En su lugar, los músicos recurren a conceptos tan sugerentes como prácticos. Un entorno que definen como “caos de estímulos”, con gran libertad de expresión, experimentación y evasión. Através de este método de trabajo, Sumrrá crea proyectos “plásticos y cinematográficos”, en donde cada uno de los músicos se sitúa desde un lugar distinto frente al mismo objeto.45 Frida Kahlo “Frida Kahlo” encabeza el álbum como primera pieza dedicada a la pintora mexicana (1907–1954). La obra consiste en la alternancia entre melodías vivaces y oscuras, intrépidas y melancólicas. Una naturaleza dual que se repetirá a lo largo del álbum con la intención de reflejar el carácter doble de estas mujeres: su trayectoria artística–profesional y su vida personal. El inicio de esta pieza consiste en la presentación de un tema claro y sencillo, que da paso a una pronta improvisación de piano y posterior contrabajo. Estas improvisaciones se organizan mediante fraseos que nos recuerdan al scat 46 propio de los artistas vocales, junto con un estilo similar al de los tríos jazzísticos de la década de los ochenta anteriormente mencionados. El cierre de la pieza se produce con la reaparición del tema inicial, dotándola de una estructura circular que se repetirá constantemente a lo largo del álbum. La musicalidad de la obra pretende transmitir el espíritu propio de la artista: una mente inquieta e insaciable de dinámico movimiento interior, que a su vez es presa de un 46 El scat en jazz es un tipo de improvisación vocal que utiliza palabras y sílabas sin sentido, a menudo en tono divertido y alegre, para llevar a cabo melodías y ritmos. Desarrollado especialmente por artistas como Ella Fitzgerald. 45 Como ejemplo audiovisual se recomienda el vídeo Sumrrá 7 visions: “Ra”: https://www.youtube.com/watch?v=Kl6esGqFK4g. Consultado el 10/03/2023. 44 (05/07/2021) BESADA, Adrián: Sumrrá: «nuestras experiencias y proyectos paralelos van enriqueciendo y modificando lo que hacemos». Más Jazz Digital: https://www.masjazzdigital.com/sumrra-nuestras-experiencias-y-proyectos-paralelos-van-enriqueciendo-y -modificando-lo-que-hacemos/. Consultado el 05/03/2023. 35 cuerpo físico atormentado por el dolor crónico, que se transmite mediante las partes más melancólicas e intimistas. Así como Kahlo unía realismo y fantasía en su pintura, pretende hacerlo Sumrrá al combinar la alegría y el colorido propio de las melodías latinas, con una profunda y arrolladora tristeza. Un reflejo del pintoresco y exótico mundo de la artista, reflexivo y personal por haberse gestado durante sus momentos de convalecimiento y enfermedad. Una emocionalidad que se encuentra presente en autorretratos como Las dos Fridas (1939), simultáneamente lleno de sufrimiento y colorido. La pintura de Kahlo transmite de forma soberbia una colisión entre sus ansias de felicidad y la amenaza de su destrucción. Una confrontación que la artista experimentaría en su propia vida, con sus esperanzas por encontrar el amor y la felicidad, frente a la traumática realidad de su dolor físico y emocional. Experiencias vitales que influenciaron en el proceso creativo de la pieza musical de Sumrrá. Al igual que Sumrrá, Kahlo desarrolló un vocabulario y estilo propios, de carácter simbólico y único, para tratar de expresar su complejo mundo interior y su propia visión del mundo exterior. Estos símbolos, que en Sumrrá aparecen como repetidas notas minimalistas que entonan una melodía, son elegidos tras una profunda reflexión consciente, gozan de un significado preciso y concreto y pretenden conformar un todo ordenado. Del mismo modo que el cromatismo pictórico de las obras de Van Gogh y Gustav Klimt influía en las composiciones musicales de Schönberg, el colorido del arte de Kahlo se transmite en la pieza de Sumrrá. Con su obra, Kahlo profundizó en sí misma y atravesó diversos estados de ánimo, así mismo lo hace Sumrrá oscilando entre sentimientos de esperanza, ánimo, sufrimiento, angustia, pasión firme y delicada introspección; con la intención de transmutarlos y liberarlos por medio del sonido. Malala Yousafzai “Malala Yousafzai” es una balada cuyo tema es presentado por el piano, acompañado únicamente por el sutil sonido de los platillos y las escuetas notas del contrabajo. La melodía oscura, de naturaleza casi sigilosa y tempo lento, se torna cada vez más compleja, invitando a la reflexión. Al igual que la historia de la activista pakistaní (1997), nos transmite una frustración latente, un llanto y angustia 36 existenciales, titubeante y con ansias de justicia. En algunos momentos este tono melancólico se torna dulce y libre, abandona el carácter oscuro por uno más colorido, de entonación similar a la de los discursos de Yousafzai: firme pero cauta. La pieza concluye con una sensación interrogante, suspendida hasta alcanzar el silencio en los últimos segundos. El carácter dual no se encuentra tan presente como en la anterior, sino que toda ella posee un mismo sonido de tempo pausado, sin cortes bruscos o estilos contrastados. El piano, único instrumento que improvisa durante la pieza, fluye de manera delicada y simple, con el sentimiento propio de algunas de las improvisaciones de Bill Evans en baladas como “I wish I knew”. La pieza representa una senda oscura, de paso lento y encubierto, similar a la que tuvo que recorrer Yousafzai, que desde temprana edad sufrió intentos de asesinato. Las complicaciones se ponen de manifiesto con la improvisación pianística, que parece entonar una valiente lucha. La pieza es un canto un tanto doloroso, que pretende realzar y honrar la trayectoria de la activista por los derechos civiles de las mujeres. Yousafzai fue criada en un entorno y geografía hostiles (el valle del río Swat), en donde el régimen talibán había prohibido la educación y asistencia escolar de las mujeres. La pieza interpreta el tono propio de la activista, que con dolor y necesidad latentes, posee la esperanza de avanzar hacia el cambio. Asimismo, transmite la labor de esta mujer, inicialmente en la sombra, sutil pero imperturbable, cauta pero imposible de acallar. El mejor modo de describir la pieza es su propio nombre: Malala (Malalai), “afligida”. Una voz solitaria en el desierto que se tornó cada vez más fuerte y se convirtió en símbolo de resistencia. Sumrrá narra instrumentalmente aquellos pasajes de su vida en la sombra, contados por ella misma en el blog de la BBC. Las entradas de Yousafzai confrontaban a partes iguales su indiscutible valentía con un profundo temor: Ayer tuve un sueño terrible, con helicópteros militares y talibanes. He tenido estos sueños desde el lanzamiento de la operación militar en Swat. Tenía miedo de ir a la escuela porque los talibanes habían emitido un edicto que prohibía a todas las niñas asistir a la escuela. (...) En mi camino de la escuela a casa escuché a un hombre decir: “te voy a matar”. Aceleré el paso... para mi total 37 alivio, estaba hablando por su teléfono móvil, debía estar amenazando a alguien más por teléfono.47 Rosa Parks La tercera pieza del álbum está dedicada a la activista estadounidense Rosa Parks (1913–2005), reconocida como madre y primera dama del movimiento moderno por los derechos civiles y la libertad. Esta mujer se asocia inmediatamente con la anécdota más destacada de su vida, en la que se negó a ceder su asiento del autobús a un pasajero blanco en Montgomery (Alabama) en diciembre de 1955. Después de ser arrestada, el episodio provocó una ola de protestas contra la compañía autobusera durante más de un año. Consecuentemente, la ley cambió y la comunidad negra adquirió el derecho a sentarse en donde quisiera en los autobuses. Aunque Parks no había sido la primera en resistirse a la segregación en los medios de transporte, debido a la repercusión de su hazaña y a su liberación tras el arresto, la Asociación Nacional para el Avance de la Gente de Color (1909) la consideró como la mejor candidata para representar el movimiento. Parks se posicionó como cabeza y símbolo de inspiración de la campaña contra la segregación racial. Por ello, Sumrrá selecciona a esta mujer como una de las protagonistas del álbum, además de como muestra de reconocimiento y admiración por toda la colonización cultural presente en el jazz. Rosa Parks es otra de las mujeres que aparece representada mediante una melodía segura y firme. Las notas iniciales del contrabajo, unidas a las del piano, entablan un discurso tenaz y conciso, escueto incluso, que presenta el tema de la canción en apenas un minuto. La claridad y firmeza corresponden al valiente acto que cambió el curso de la historia estadounidense. Los ocasionales redobles de la batería añaden tensión y dramatismo al tempo marcado por los otros dos instrumentos, hasta que la liberación de la estructura principal aparece por primera vez con la improvisación pianística. Ésta inicia cantarina y juguetona, con un estilo swing propio de las primeras décadas del 47 (10/10/2012) Malala Yousafzai: Portrait of the girl blogger. BBC: https://www.bbc.com/news/magazine-19899540. Consultado el 16/04/2023. 38 siglo XX, junto con el virtuosismo presente en los pianistas del bebop. Dos momentos clave en la historia del jazz se relacionan aquí con el mensaje de la pieza: la influencia afroamericana en el swing y la época del bebop, coetánea al acto de Parks. La improvisación boicotea al orden y al tempo marcados por el tema principal, convirtiéndose en un discurso parlanchín todavía más rico y cargado de matices. La melodía inquieta se establece en sintonía con el espíritu curioso e insaciable de la activista, así como la técnica se corresponde con la ejecución entusiasta y humilde propia de Parks. La posterior improvisación del contrabajo se establece en plena sintonía con el blues y el scat, y se irá oscureciendo mientras la batería vacila caótica con destemporalizar. Finalmente, el tema principal reaparecerá a modo de marcha en la que se unen todos los instrumentos, simbolizando el encabezamiento de Parks en una serie de protestas de gran repercusión social. Una interpretación todavía más trágica del tema principal marcará el final de la pieza. Qiu Jin La cuarta pieza aparece encabezada por un tema de naturaleza vivaz y aventurera, en la que las armonizaciones de un piano protagonista, con su ritmo sincopado, evocan un sonido oriental. El tema advierte un carácter elocuente y cargado de valentía, una narración intrépida que se irá transformando durante la improvisación pianística, mudando de un inicial estilo swing a una interpretación de armonía más oscura y difusa, de apariencia propia de la música clásica. Posteriormente, un arco comenzará a arañar las cuerdas del contrabajo, mientras unas arrastrantes cadenas caen sobre los tambores de la batería. Para salir de la improvisación, el ritmo se ralentizará hasta tal punto que la pieza tomará el aspecto de una marcha apocalíptica. Los redobles de la batería anunciarán un trágico final que se sentenciará con un silencio total y repentino. Es evidente la correlación entre la narrativa de esta pieza y la historia de Qiu Jin (1875 – 1907), escritora revolucionaria y feminista, nacida en Xiamen. Durante su etapa inicial, llena de curiosidad y confianza, la protagonista comienza a escribir sus primeros poemas y a poner en práctica la elocuencia de sus discursos. A ritmo precipitado, con 39 solo diecinueve años, se ve obligada a casarse y enfrentarse tanto a la soledad emocional como a su cónyuge, no tan partidario de sus ideas. En 1904, Jin abandona su hogar y huye a Japón en busca de estudios y justicia, encaminando un viaje audaz que se materializa en sus versos. En poemas como Preocupación (1904), Jin se lamenta de la desigualdad entre hombres y mujeres y de las injustas tradiciones, como el vendado de pies como símbolo de honor: El sol y la luna ya no tienen luz, la tierra está oscura; / Nuestro mundo de mujeres está tan hundido, ¿quién puede ayudarnos? / Joyas vendidas para pagar este viaje a través de los mares, / separada de mi familia dejo mi tierra natal. / Desatando mis pies, limpio mil años de veneno, / con el corazón encendido, despierto todos los espíritus de las mujeres. / Ay, este delicado pañuelo aquí está medio manchado de sangre y medio con lágrimas.48 Jin fue una elocuente oradora, fundadora de un periódico feminista, directora de una escuela para mujeres y fiel defensora de la libertad de éstas para casarse y recibir una educación. Desgraciadamente, su activismo político y el gran éxito que obtuvo le costarían su propia vida. En 1907, durante un alzamiento fallido, será apresada y torturada inhumanamente a cambio de información que jamás reveló. Con apenas treinta y un años, será decapitada públicamente. Todas estas etapas y vivencias están encarnadas en la pieza musical de Sumrrá: en el ritmo intrépido, perspicaz y luminoso del tema inicial; en la complejidad y oscuridad que aparece a lo largo de la interpretación; así como en el trágico desenlace. La improvisación pianística se resolverá con la reaparición del tema inicial, esta vez de carácter funesto y catastrófico. El silencio que cierra la pieza evoca aquel que quedaría después de que Jin fuera ejecutada, tras escribirle a su hermana a modo de despedida: estoy dispuesta a morir por la causa. Un silencio sobrecogedor que parece honrar la valentía y el pesar de aquellos versos que la poeta escribía recién llegada a Japón: 48 WONG, Jennifer (2016): Qiu Jin – The First Feminist Poet Of China. Stand Up and Spit: https://standupandspit.wordpress.com/2016/03/31/qiu-jin-the-first-feminist-poet-of-china/comment-page- 1/. Consultado el 01/04/2023. 40 No me digas que las mujeres / no están hechas de la madera de los héroes / yo sola cabalgué sobre vientos / a la Mar del Este durante diez mil leguas. / Mis pensamientos poéticos entonces se extendieron, / como una vela entre el océano y el cielo. / Avergonzada, no he hecho nada; / ninguna victoria a mi nombre. / Sólo hice sudar a mi caballo de guerra. / Contraída porque mi patria / me hace daño en el corazón. Así que dime; / ¿cómo puedo aprovechar mis días aquí? / ¿una invitada disfrutando las brisas de primavera? 49 Contrario a lo que Jin pensaba, si habría victorias a su nombre y China la convertiría en símbolo nacional de la independencia de la mujer. Nawal El – Saadawi Con la misma atmósfera trágica comienza la siguiente pieza: “Nawal El-Saadawi”, envuelta en una tonalidad y métrica propias de una mente analítica y científica. El piano advierte ante una pieza que se va complicando, con arpegios disonantes y naturaleza cíclica. A través de un tema repetitivo, el devenir dramático se acelera con el violento golpe de las cuerdas del contrabajo contra el mástil, así como con los redobles de batería y un pequeño muñeco de cuerda (un mono de plástico) que repica con sus baquetas un tambor. La tirantez de la encrucijada se manifiesta con la cinta adhesiva que el batería hace chirriar mediante largos tirones. El caos inunda la pieza con el estruendo de cadenas y vajilla metálicas que caen contra la batería, simulando el rechinar de utensilios cortantes que se afilan entre sí. El “gong” de un pequeño cuenco tibetano, sentenciante y delicado, marca el final de la pieza. Volvemos a encontrar una correlación directa entre la pieza musical y el personaje histórico que le da título. Nawal El–Saadawi (1931–2021), doctora médica, escritora y activista egipcia, dedicó gran parte de su vida a estudiar la cuestión de la mujer en la 49 Poema Rematando rimas con el Señor Shih Ching de la Tierra de las Raíces del Sol (refiriéndose a Japón, a menudo denominado como “la tierra del sol naciente”). WONG, Jennifer (2016): Qiu Jin – The First Feminist Poet Of China. Stand Up and Spit: https://standupandspit.wordpress.com/2016/03/31/qiu-jin-the-first-feminist-poet-of-china/comment-page- 1/. Consultado el 01/04/2023. 41 Revista digital Más Jazz Digital, Ed. Orfeo: https://www.masjazzdigital.com/ Hemeroteca digital de Distrito Jazz: http://www.distritojazz.com/ Hemeroteca digital de La Voz de Galicia: https://www.lavozdegalicia.es/hemeroteca/ Hemeroteca digital de El Correo Gallego: https://www.elcorreogallego.es/hemeroteca/ Biblioteca virtual Miguel de Cervantes: https://www.cervantesvirtual.com/ Hemeroteca digital Galiciana: https://biblioteca.galiciana.gal/pt/inicio/inicio.do Hemeroteca digital La Opinión (A Coruña): https://www.laopinioncoruna.es/hemeroteca Audiovisual: Jazz entre amigos. Archivo RTVE: https://www.rtve.es/play/videos/jazz-entre-amigos/ Notas de jazz. CRTVG, Radio Galega: https://www.crtvg.es/rg/programas/notas-de-jazz El Club del Jazz Radio: https://www.elclubdejazz.com/ Revolución Pasiva en Compostela (2016): Entrevista a L.A.R. Legido (Baterista de Sumrrá):https://www.youtube.com/watch?v=nOn4TLpXYPM. Consultado el 03/04/2023. 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