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Form und Struktur im Werk Philipp Jarnachs

vorgelegt von

Arne Jähner

geb. in Hamburg

von der Fakultät I – Geistes- und Bildungswissenschaften

der Technischen Universität Berlin

zur Erlangung des akademischen Grades

Doktor der Philosophie

– Dr. Phil. –

genehmigte Dissertation

Promotionsausschuss:

Prof. Dr. Susann Fegter

Prof. Dr. Christian Martin Schmidt

Vorsitzende

Gutachter:

Gutachter: Prof. Dr. Volker Scherliess

Tag der wissenschaftlichen Aussprache: 13. November 2015

Berlin 2019

Inhalt

Einleitung 5

I. Die Musikästhetik Philipp Jarnachs 10

I.1 Die ‚junge Klassizität‘ Ferruccio Busonis und

ihre Rezeption durch Philipp Jarnach 11

I.2 Busonis Ästhetik 12

I.3 Jarnachs Ästhetik 19

I.3.1 Allgemeines 19

I.3.2 Über Busoni 20

I.3.3 Stil 22

I.3.4 Ausdruck 24

I.3.5 Vom Einfall zur Form 26

I.3.6 Technisches 28

II. Sonatine für Flöte und Klavier op. 12 (1919) 36

II.1 Einleitung 36

II.1.1. Zeitgenössische Rezensionen 37

II.2 Analyse 38

II.2.1 Analyse – Überblick 38

II.2.2 Detaillierte Analyse 39

II.3 Zusammenfassung 59

II.4 Nachtrag: Ferruccio Busonis Albumblatt für Flöte und Klavier 61

III. Sonate für Violine allein op. 13 (1922) 63

III.1 Einleitung 63

III.1.1 Zeitgenössische Rezensionen 64

III.2 Analyse 65

III.2.1 Analyse 1. Satz: Andante sostenuto 65

III.2.1.1 Zusammenfassung op. 13, 1. Satz 73

III.2.2 Analyse 2. Satz: Prestissimo 75

III.2.2.1 Zusammenfassung op. 13, 2. Satz 81

III.2.3 Analyse op. 13, 3. Satz: Allegro deciso 82

III.2.3.1 Zusammenfassung op. 13, 3. Satz 87

III.3. Jarnach – Hindemith – Krenek: eine Zusammenfassung 89

IV. Fünf Gesänge op. 15 (1922) 93

IV.1 Einleitung 93

IV.1.1 Zeitgenössische Rezensionen 95

IV.2 Analyse Lied vom Meer (Rilke) 96

IV.2.1 Zusammenfassung op. 15 Nr. 1 99

IV.3 Analyse Ich hört ein Sichlein rauschen (Wunderhorn) 100

IV.3.1 Zusammenfassung op. 15 Nr. 2 107

IV.4 Analyse Rückkehr (George) 108

IV.4.1 Zusammenfassung op. 15 Nr. 3 115

IV.5 Analyse Der wunde Ritter (Heine) 116

IV.5.1 Zusammenfassung op. 15 Nr. 4 124

IV.6 Analyse Aus einer Sturmnacht (Rilke) 125

IV.6.1 Zusammenfassung op. 15 Nr. 5 132

V. Streichquartett op. 16 (1923) 134

V.1. Einleitung 134

V.1.1 Zeitgenössische Rezensionen 135

V.2 Analyse erster Satz: Un poco sostenuto 138

V.2.1 Zusammenfassung op. 16, 1. Satz 157

V.3 Analyse zweiter Satz: Allegro molto e con fuoco 158

V.3.1 Zusammenfassung op. 16, 2. Satz 179

VI. Drei Klavierstücke op. 17 (1924) 181

VI.1 Einleitung 181

VI.1.1 Zeitgenössische Rezensionen 182

VI.2 Analyse op. 17 Nr. 1: Ballabile 182

VI.2.1 Zusammenfassung op. 17 Nr. 1 192

VI.3 Analyse op. 17 Nr. 2: Sarabande 192

VI.3.1 Zusammenfassung op. 17 Nr. 2 207

VI.4 Analyse op. 17 Nr. 3: Burlesca 208

VI.4.1 Zusammenfassung op. 17 Nr. 3 219

VII. Sonatina für Klavier op. 18 (1924) 221

VII.1 Einleitung 221

VII.1.1 Zeitgenössische Rezensionen 222

VII.2 Analyse erster Satz: Allegretto vivace 223

VII.2.1 Zusammenfassung op. 18, 1. Satz 237

VII.3 Analyse zweiter Satz: Concitato 239

VII.3.1 Zusammenfassung op. 18, 2. Satz 245

VII.4 Analyse dritter Satz: Sostenuto assai quasi largo

e con summa espressione 246

VII.4.1 Zusammenfassung op. 18, 3. Satz 253

VII.5 Auswertung: Op. 17 und 18 und die ‚Junge Klassizität‘ 255

VIII. Drei Rhapsodien für Violine und Klavier op. 20 (1927) 259

VIII.1 Einleitung 259

VIII.1.1 Zeitgenössische Rezensionen 259

VIII.2 Analyse Rhapsodie Nr. I: Moderato, liberamente e rubando 260

VIII.2.1 Zusammenfassung op. 20 Nr. 1

VIII.3 Rhapsodie Nr. 2: Andantino dolce e grazioso 274

VIII.3.1 Zusammenfassung op. 20 Nr. 2 279

VIII.4 Rhapsodie Nr. 3: Con moto misurato 280

VIII.4.1 Zusammenfassung op. 20 Nr. 3 291

IX. Zusammenfassung 293

IX.1 Satzgefüge 293

IX.1.1 Satzstrukturen 293

IX.1.2 Harmonik 298

IX.1.2.1 Das Akkordrepertoire und seine Wandlungen 298

IX.1.2.2 Die Verwendung von Quartenakkorden 298

IX.1.2.3 Mischklänge, Bi- und polytonale Klänge,

autonom dissonante Klänge 302

IX.1.2.4 Typische harmonische Verbindungen 303

IX.2 Thematik und Motivik 305

IX.2.1 Die thematische Gestaltungsebene 305

IX.2.1.1 Periodische Themen 308

IX.2.1.2 Der Satz-Typus 309

IX.2.1.3 Der Fortspinnungs-Typus 309

IX.2.1.4 Freie Themenformen 310

IX.2.1.5 Musik ohne Themen 312

IX.2.2 Die motivische Gestaltungsebene 313

IX.2.3 ‚Natürliche‘ Varianz und explizite

Variantenbildung in den Themen Jarnachs 315

IX.3 Die Form in der Musik Philipp Jarnachs 319

IX.3.1 Der Umgang mit traditionellen Formen 320

IX.3.1.1 Die ABA-Form: der kleinste Nenner 320

IX.3.1.2 Das Rondo: der Ausnahmefall 322

IX.3.1.3 Der Sonatenhauptsatz: gespannte Verhältnisse 322

IX.3.2 Die Etablierung eigener Formgesetze 324

IX.3.2.1 Symmetrische Formen 324

IX.3.2.2 Die zerbrochene Form 324

IX.3.2.3 Die ungebundene Reihungsform

mit traditionellen Elementen 325

IX.3.2.5 Formale Eigenheiten: Die Codas bei Jarnach 326

IX.3.3 Harmonik und Form 326

IX.3.4 Thematik und Form 327

X. Schluss 329

Einleitung

„Der Busoni-Schüler Philipp Jarnach [...] hinter-

ließ einige Klavierstücke von bemerkenswerter

Kultur, welche den ererbten Formensinn mit neu-

romantischer Gefühlswelt harmonisch vereinigen:

Sonatina (Romancero I) op. 18, Drei Klavierstücke

op. 17, ...“1

Philipp Jarnach war in den zwanziger Jahren einer der Protagonisten der neuen Musik. Die

Dürftigkeit der oben wiedergegebenen Zeilen aus dem Reclam-Klaviermusikführer reflek-

tiert demgegenüber die Tatsache, dass die Musik dieses Komponisten aus den heutigen

Konzertprogrammen so gut wie verschwunden ist. Jarnachs kompositorisches Schaffen

war seit 1945 demselben Rezeptionsverhalten zum Opfer gefallen, das Ferruccio Busoni

bereits in den ereignisreichen Jahren nach dem Ersten Weltkrieg beklagt hatte und welches

vielleicht generell als symptomatisch für das 20. Jahrhundert angesehen werden kann: der

„Automatik vom Neuen zum Neueren“.2

Neben der unzureichenden Genauigkeit jener Charakterisierung aus dem Kammermusik-

führer frappiert auch ihr sorgloser Umgang mit inhaltlichen Klischees wie dem „ererbten

Formensinn“ oder demjenigen einer „neuromantischen Gefühlswelt“. Allzu wenig ist damit

gesagt – und bleiben nicht die wesentlichen Fragen zur Musik Philipp Jarnachs offen?

Um die Beantwortung dieser Fragen ist es allerdings nie besonders gut bestellt gewesen.

Selbst auf dem Höhepunkt seiner Karriere als Komponist wurden Jarnachs Werke kaum

angemessen besprochen. In den zahlreichen Konzertkritiken finden sich ganz überwiegend

vage, teilweise programmmusikartig aufgeladene Impressionen seiner Musik, die meistens

ebenso fehlgehen wie die (selten unternommenen) Beschreibungen formaler Eigenheiten.

Fast alle Rezensenten sind sich allerdings in dem Urteil einig, es bei Jarnach mit einem

„Formkünstler“3 zu tun zu haben. Worin die offenkundig hervorhebenswerte Formbehand-

lung in der Musik Jarnachs besteht, wird wiederum nirgends klar.

Nur etwas besser ergeht es dem nach Informationen Suchenden, der unter dem Stichwort

‚Jarnach‘ in Musiklexika nachschlägt: Auch dort finden sich eher knappe Artikel mit wenig

befriedigenden Aussagen wie diesen:

„Jarnach beweist als Erbteil seiner romanischen Herkunft eine sichere Formkraft als

selbstständige Fortsetzung der von Busoni erstrebten Klassizität.“4

„His work has a feeling for form and a clear relationship with thorough-going tonality

that recall Busoni.“5

Es bestätigt sich einmal mehr, dass die Kategorie der ‚Form‘ schon für eine nur ober-

flächliche Charakterisierung des Jarnachschen Schaffens bedeutsam ist. Gäbe es treffende

1 Reclams Klaviermusikführer, hg. von Werner Oehlmann. Stuttgart 1986, Bd. 2, S. 759f.

2 D. de la Motte: Philipp Jarnach. In: Zeitgenössische Musik in der Bundesrepublik Deutschland 1, hg. vom Deutschen

Musikrat (DMR 1001-3, 1981; Beiheft zur Schallplattenkassette).

3 Gerhard Tischer in der RMTZ 30/37-38 vom 2. November 1929, S. 406.

4 Art. ‚Jarnach, Philipp‘. In: Brockhaus / Riemann Musiklexikon in zwei Bänden, hrsg. von C. Dahlhaus und H. H. Egge-

brecht. Wiesbaden und Mainz 1979, Bd. 1, S. 605.

5 H. Wirth: Art. ‚Jarnach, Philipp‘. In: The New Grove Dictionary of Music and Musicians, ed. by Stanley Sadie. London

1980, Bd. 9, S. 558.

Schlagworte (gemeint sind präzisere als jenes von der „Klassizität“) für Jarnachs Art der

formalen Gestaltung, so wären sie wohl in jenen Artikeln anzutreffen. Dass man sie verge-

bens sucht, ist ein Indiz für Schwierigkeiten der historischen wie musikästhetischen Zuord-

nung, von der interessanterweise ja auch die Musik Ferruccio Busonis besonders betroffen

ist.

Was das Wissen über Philipp Jarnach angeht, so hat das Erscheinen der Monographie Die

Musik Philipp Jarnachs von Stefan Weiss aus dem Jahr 1996 vieles geändert. Die von

Weiss unternommene, in ihrem umfassenden Ansatz kaum zu überschätzende Arbeit ent-

hält als Hauptbestandteile ein mit allen auffindbaren Informationen versehenes Werkver-

zeichnis, eine sehr lesenswerte wie detaillierte Künstlerbiographie und, damit glücklich

verknüpft, punktuelle Analysen und überblicksartige Grobgliederungen ausgewählter

Kompositionen Jarnachs. Umfassende Analysen einzelner Werke können von solch einer

Gesamtdarstellung nicht erwartet werden.

Für das oben skizzierte, geradezu reziproke Missverhältnis zwischen Jarnachs einstigem

Ruhm und dem fast völligen Verschwinden seiner Musik konnte Stefan Weiss vor allem

solche Erklärungen liefern, die sich auf im weitesten Sinn Biographisches beziehen: Jar-

nachs Desinteresse an Bewerbung und Durchsetzung der eigenen Werke; das Sich-Fernhal-

ten von jeglichen Cliquen (ausgenommen die Nähe zum Busoni-Kreis, der allerdings auch

alles andere als eine ‚Schule‘ war); Jarnachs Rückzug in die innere Emigration während

der NS-Zeit; schließlich die künstlerische Resignation gegenüber einer Nachkriegsavant-

garde, die mit ihrer aggressiven Ideologie sowohl inhaltlich als auch im Stil ihrer Argu-

mentation all das symbolisierte, was Jarnach immer abgelehnt hatte.

Wenn die vorliegende Arbeit sich analytisch mit der Musik Philipp Jarnachs beschäftigt, so

hofft der Verfasser jene Fragen beantworten zu können, deren Klärung in der Musik selbst

zu finden ist:

Was hält die Musik Jarnachs im Inneren zusammen? Gibt es eine analytisch zu er-1.

schließende Entsprechung zu der oft zitierten Ansicht, Jarnachs Musik habe, wenn

schon stilistisch nicht an vorderster Front der Avantgarde stehend, doch immerhin in

Fragen der Form Neues zu sagen?

In welchem Verhältnis stehen die Kompositionen Jarnachs zur ‚Jungen Klassizität‘ Bu-2.

sonis?

Wie ist Jarnachs Musik historisch zu verorten? Welche Stellung nimmt sie in den stil-3.

pluralistisch geprägten, allerorten neue Formkonzepte hervorbringenden 1920er Jahren

ein?

Was die Auswahl der in dieser Arbeit zu untersuchenden Kompositionen Philipp Jarnachs

angeht, so habe ich mich von mehreren Überlegungen leiten lassen. Deren wichtigste war

die Bestrebung, die ‚Hauptschaffensphase‘ des Komponisten einzugrenzen und möglichst

gut abzubilden. Um die unvermeidliche Bewertung eines Gesamtschaffens nicht allzu will-

kürlich geraten zu lassen (und im Fall Jarnachs fehlt jeder Konsens über die ‚Hauptschaf-

fensphase‘), habe ich mich an folgenden Kriterien orientiert:

•Stil: Jarnach hatte sich bereits in den frühen 1910er Jahren stilistisch (vor allem

formal durch die Adaption von Fuge und Sonate) an deutsche Traditionen an-

genähert, dabei aber in der Klangsprache sein französisches Erbe nicht aufge-

geben. Die Sonatine fürFlöte und Klavier op. 12 (1919) ist die letzte Komposition

mit noch hörbar impressio-nistischem Einschlag – ein Übergangswerk also, formal

bereits höchst eigenständig und innovativ. Mit der Sonatine op. 12 setzt in Jarnachs

Œuvre eine rasante stilistische Entwicklung ein, die über den ‚Meilenstein‘ des

Streichquartetts op. 16 (1923) bis zu den Drei Rhapsodien op. 20 (1927) führt. Mit

den Rhapsodien hatte Jarnach zu einem über weite Strecken atonalen Idiom

gefunden, das sich zudem formal nur noch sehr schwer fassen ließ – und schließlich

nur sehr wenige Befürworter fand. Mit dem Vor-spiel für Orchester I (1929) vollzog

Jarnach eine stilistische Kehrtwende, hin zu klare-ren Strukturen, einer wieder

tonaleren Harmonik, prägnanteren Themengestalten und einer deutlicher

artikulierten Form.

•Quantität: Ein zumindest ambivalenter Parameter. Bei einem so skrupulös und be-

dächtig arbeitenden Komponisten wie Philipp Jarnach, der überdies längst nicht alle

seiner Werke veröffentlichen ließ, gewinnt das Quantitative aber eine Aussagekraft

über die Qualität. Das mag nicht unbedingt für die frühe und fruchtbare Liedpro-

duktion gelten, mit Sicherheit aber für die Zeit nach der entscheidenden Begegnung

mit Ferruccio Busoni. Die zurückgehende Produktivität in den dreißiger und vier-

ziger Jahren (es mehrten sich in dieser Zeit auch Revisionen und Bearbeitungen)

hatte natürlich mehrere Ursachen; nach dem Zweiten Weltkrieg aber fand Jarnach

als Komponist erst recht keinen Anschluss mehr. Die letzte veröffentlichte Kompo-

sition Jarnachs datiert von 1955.

•Ruhm: Wird einem Künstler in der öffentlichen und professionell kritischen Wahr-

nehmung ein hoher Grad an Reife und Individualität zuerkannt, so sollte dieses

Moment (in Abgleich mit anderen Kriterien) ernst genommen werden.

Eine Evaluation dieser Kriterien hat mich dazu gebracht, folgende Werke Philipp

Jarnachs zum Gegenstand der analytischen Untersuchung zu machen:

-Sonatine für Flöte und Klavier op. 12 (1919)

-Sonate für Violine allein op. 13 (1922)

-Fünf Gesänge op. 15 (1918–1922)

-Streichquartett op. 16 (1923)

-Drei Klavierstücke op. 17 (1924)

-Sonatina für Klavier op. 18 (1924)

-Drei Rhapsodien für Klavier op. 20 (1927)

Den Kern der vorliegenden Arbeit bilden natürlich die Analysen. Jedes der Analysekapitel

enthält ein Opus Jarnachs, die Anordnung insgesamt folgt der Chronologie. Am Ende jeder

Komposition beziehungsweise jedes abgeschlossenen Satzes (oder Liedes aus dem Zyklus

op. 15) erscheint eine im Wesentlichen werkimmanent ausgerichtete Zusammenfassung. In

einer abschließenden Zusammenfassung (Kapitel IX) werden die Kompositionen Jarnachs

unter den Gesichtspunkten Satzstruktur, Harmonik, Thematik/Motivik sowie Form zuein-

ander in Beziehung gesetzt. Auf diese Weise lassen sich Entwicklungszüge und Konstanten

im Werk Jarnachs herausarbeiten.

Die Annäherung an die ausgewählten Werke Philipp Jarnachs wird diejenige der formalen

Analyse sein, schließlich formulierte der Komponist selbst in einem an Busoni gerichteten

Brief, dass die Form erster und entscheidender Vermittler zwischen dem Werk und seinem

Zuhörer sei.6 Natürlich kommt keine Formanalyse ohne eine Beschäftigung mit den Para-

metern Harmonik, Rhythmik, Satzstruktur und Melodiebildung aus. Quasi nebenbei erlau-

ben die hier gewonnenen Erkenntnisse auch Aussagen über stilistische und gattungsbezo-

gene Gegebenheiten der Kompositionen Jarnachs.

Es hat sich gezeigt, dass in den unternommen Analysen traditionelle Kategorien wie ‚The-

ma‘, Motiv‘, ‚Durchführung‘, ‚Periode‘ oder ‚Variante‘ ihre Gültigkeit mit nur wenigen

Einschränkungen behaupten können. Gleiches gilt für die bekannten Analysekriterien har-

monischer Phänomene: Jarnachs Akkordbildung ist selbst in stark dissonanten Passagen

dem Dreiklang oder alternativ der Quartenschichtung verpflichtet. Bei alldem ist dem Ver-

fasser bewusst, wie gefährlich das Ansinnen ist, mit traditionellen Analysebegriffen an eine

Musik heranzutreten, die sich anschickt, neue Ausdrucksbereiche zu erschließen. „Die Idee

einer voraussetzungslosen Deskription ist ein Phantom“7; ein Sachverhalt, der im Rahmen

der Analysen an den gegebenen Stellen reflektiert werden wird.

Ein mühsames Unterfangen sind die Analysen Jarnachscher Musik dennoch und dazu

eines, dessen Arbeit nicht immer durch einen größeren Erkenntnisgewinn entlohnt wird.

Allzu oft steht hinter einer schlichten Aussage wie etwa derjenigen, dass in dem aktuellen

Untersuchungsgegenstand etwa eine submotivische Durchbildung nicht zu erkennen sei,

die Arbeit vieler Stunden. Jarnachs Musik ist (und dies ist selbstverständlich kein qualita-

tives Kriterium) gegenüber der analytischen Herangehensweise mitunter ‚undankbar‘, weil

ihre freien Formen sich der strukturierenden Beschreibung entziehen. Damit ist immerhin

Jarnachs häufig geäußerte Abneigung gegenüber jeglicher Systembildung auch analytisch

einwandfrei verifizierbar.

Für die Verortung des Jarnachschen Schaffens geben die zwanziger Jahre einen überaus

interessanten Rahmen ab: 1919 vollzieht Igor Strawinsky mit Pulcinella eine Wendung

zum Neoklassizismus; vom Anfang der zwanziger Jahre datieren so unterschiedliche Kom-

positionen wie Hindemiths Suite für Klavier 1922 und Arnold Schönbergs Klaviersuite op.

25 (1921–1923), Kurt Schwitters Ursonate (ab 1922) oder Alban Bergs Kammerkonzert

(1923–1925). Mit seinem dritten Streichquartett (1927) festigt Béla Bartók seinen kom-

positorischen Rang, während Kurt Weill mit der Dreigroschenoper (1928) nicht auf den

Beifall seines ehemaligen Lehrers Philipp Jarnach hoffen durfte. Es ließe sich noch eine

ganze Reihe epochemachender Kompositionen anführen – hier sollte es nur darum gehen,

die musikhistorische Situation anzureißen, in der Jarnach die meisten seiner Hauptwerke

schrieb.

Im Rahmen seiner Tätigkeiten als Vorstands- und Jurymitglied der IGNM (ab 1922), als

künstlerischer Leiter der ‚Melos-Gemeinschaft‘ (ab Oktober 1923, zusammen mit Heinz

Tiessen), als Gründungsmitglied der Musiksektion der ‚Novembergruppe‘ (vermutlich ab

1922) und nicht zuletzt als Konzertkritiker des ‚Berliner Börsen-Couriers‘ (1925–1927)

hatte Jarnach einen ausgezeichneten Überblick über die jeweils neuesten Strömungen in

der Musik. Bestens vertraut also mit den Phänomenen des Neoklassizismus, der seriellen

Schreibweise, mit künstlerischen Anverwandlungen der Folklore, vertraut vermutlich auch

mit den Versuchen, Viertel- und Sechsteltöne kompositorisch nutzbar zu machen oder ver-

schiedene Kunstgattungen zu verschmelzen. Aus Gründen, die im Einzelnen hier nicht un-

6 Vgl. Weiss, S. 12.

7 Dahlhaus 1970, S. 16.

tersucht werden können, haben diese Anregungen in keinem Werk Philipp Jarnachs einen

Niederschlag gefunden. Letztendlich scheint es für den Wahldeutschen Jarnach bloß einen

Fixstern gegeben zu haben – und das war Ferruccio Busoni. In seinen schriftlichen Äuße-

rungen vermag sich Jarnach kaum von der Musikästhetik seines Mentors zu lösen, seine

Kompositionen aber verraten alles andere als ein auf Busoni bezogenes Epigonentum.

Um die verschiedenen Grade von Abhängigkeit und Abgrenzung der Musik Jarnachs vor

allem gegenüber Busonis Konzept der ‚Jungen Klassizität‘ ermessen zu können, ist den

Analysen das Kapitel ‚Musikästhetik‘ (Kapitel I) vorgeschaltet. Neben einer Aufbereitung

der Busonischen Ästhetik werden hier vor allem ihre Rezeption durch Jarnach sowie des-

sen eigene musikästhetische Standpunkte beleuchtet, wie sie sich aus den gesammelten

Schriften Jarnachs ergeben. Um nicht eine jede Analyse mit dem Abgleich von Theorie und

‚komponierter Praxis‘ zu belasten, wird die Evaluation dieser Beziehung in deren ausführ-

licher Zusammenfassung (Kapitel IX) vorgenommen.

Mein Dank gilt Prof. Christian Martin Schmidt von der Technischen Universität Berlin,

der diese Arbeit betreute. Wertvolle Anregungen verdanke ich einigen Gesprächen mit der

Tochter des Komponisten, Ulrike Jarnach, sowie Prof. Stefan Weiss – ohne dessen Ver-

öffentlichung über Die Musik Philipp Jarnachs wäre meine Arbeit in dieser Form nicht

vorstellbar gewesen. Ich danke Martin Demmler und besonders Kathrin Kiesele für die

intensive und anregende Korrektur der Arbeit. Schließlich danke ich meiner Frau für ihre

Zuversicht, Geduld und liebevolle Unterstützung.

DIE MUSIKÄSTHETIK PHILIPP JARNACHS

„Alles zerfällt, doch bildet es sich neu,

verwandelt sich unendlich, geht über in

verschiedne Formen und Gattungen“8

Es gibt leichtere Aufgaben als diejenige, sich Klarheit über die musikästhetischen Überzeu-

gungen Philipp Jarnachs zu verschaffen. „Jarnach gehörte zu jenem Typus des gelegentlich

Essays schreibenden Komponisten...“9, und er hat sein Leben lang keine Anstrengungen

unternommen, das Gelegentliche oder das unverbindlich Essayistische seiner Ausführun-

gen zu sammeln, zu präzisieren oder gar zu systematisieren.

Immerhin konnte die Sammlung dann doch noch geleistet werden. Verantwortlich dafür

zeichnet der Pianist und Jarnach-Schüler Wilhelm Hecker; die schließlich 1994 erschiene-

nen Schriften zur Musik hat der Musikwissenschaftler Norbert Jers als Herausgeber be-

treut.10 Nun bestehen die ‚Schriften‘ Jarnachs größtenteils aus Aufsätzen und Vorträgen, die

nicht explizit auf ein Fachpublikum ausgerichtet waren. Die unter anderem daraus folgen-

de Nonchalance Jarnachs in terminologischer Hinsicht erschwert den inhaltlichen Ab-

gleich der Texte erheblich.

Stefan Weiss hat in seinem Kapitel ‚Von der Logik des Gefühls: Jarnachs Musikanschau-

ung zwischen 1921 und 1933‘11 eine Systematisierung der Hauptgedanken Jarnachs zu

leisten versucht, auch er allerdings ist sich der dünnen Argumentationsgrundlage bewusst.

Besonders bedauerlich, so Weiss, sei die Erkenntnis, „dass Jarnach nirgendwo […] wirk-

lich Substantielles zu einzelnen Werken zu sagen weiß“12 – das gilt für die Musik Anderer

wie für seine eigenen Kompositionen.

Gerade in den wenigen Beschreibungen eigener Werke tritt eine Nachlässigkeit des Kom-

ponisten zutage, die recht schwer begreiflich ist und zu einiger Verwirrung geführt hat.

Jarnachs offenkundig geringe Neigung, seine musikästhetischen Gedankengänge zu syste-

matisieren, hängt sowohl mit den Eigenschaften seiner Kompositionen als auch mit seiner

Biographie zusammen. Jarnach bezeichnete sich zeitlebens als kompositorischer Autodi-

dakt, und es gibt wenig Grund, diese Behauptung anzuzweifeln. 15-jährig zog Jarnach

nach Paris, um am dortigen Conservatoire national Klavier bei Edouard Risler zu studie-

ren. Daneben schloss er sich einer Klasse des Musiktheoretikers Albert Lavignac

(1846–1916) an – von explizitem Kompositionsunterricht ist bis dahin nichts bekannt.

8 Der ‚Naturgelehrte‘ in der Oper Doktor Faust Ferruccio Busonis (2. Bild, ‚Schenke in Wittenberg‘).

9 Weiss, S. 186.

10 Jarnach: Schriften zur Musik. Mit Einführungen und Werkverzeichnis. Hg. von Norbert Jers. Kassel 1994.

11 Siehe Weiss, S. 185–201.

12 Weiss, S. 200.

I.1 Die ‚junge Klassizität‘ Ferruccio Busonis und ihre

Rezeption durch Philipp Jarnach

Die alles überragende Gestalt in Philipp Jarnachs Werdegang als Komponist war Ferruccio

Busoni. Dessen Bekanntschaft hatte Jarnach 1915 im Züricher Exil bewusst und hartnäckig

herbeigeführt, und seit diesen Jahren verband die beiden Komponisten eine enge Freund-

schaft, die bis zu Busonis Tod 1924 andauerte. Bemerkenswerterweise ist die Beziehung zu

dem fast 30 Jahre älteren Busoni nicht zu einem gewöhnlichen Lehrer-Schüler-Verhältnis

geworden:

„Busonis Einstellung zur Kunst ist für mich das entscheidende Erlebnis geworden,

mehr noch als das fachliche Beispiel. Denn wenn ich auch als sein Schüler gelte, so

habe ich doch nie an einer einzigen Unterrichtsstunde teilgehabt. Indessen habe ich

das Gefühl, dass ich ihm alles verdanke, was ich geworden sein mag.“13

Das Vorbild Busonis leitet sich weder für Jarnach, noch für dessen andere Schüler aus

dessen Kompositionen ab; entscheidend war vielmehr sein Einfluss in allgemeinen ästhe-

tischen Fragen. Ferruccio Busoni wurde Freund und Mentor Jarnachs, er verschaffte dem

Jüngeren berufliche Möglichkeiten in Zürich und später in Berlin; am stärksten wirkte

er auf Jarnach aber durch seine künstlerische Weltanschauung. Busonis ästhetische und

stilistische Liberalität war sprichwörtlich, gleichzeitig aber, so erinnert sich Hans-Heinz

Stuckenschmidt, war er „der strengste Formalist in allen Fragen des kompositorischen

Handwerks.“14

Für den noch nicht einmal 25-jährigen Philipp Jarnach wurden die musikästhetischen Posi-

tionen Busonis zum Credo. Dass Jarnach sich dabei von jeglichem Epigonentum fernzuhal-

ten suchte, reflektiert ein Brief an Busoni vom März 1918:

„Es ist Ihnen vielleicht etwas befremdend, dass ich mich Ihrem Einfluss nicht restlos

unterwerfe, nachdem ich durch Sie so vieles begriffen, lieben oder ablehnen gelernt. -

[...]; ich will Sie nicht kopieren; ich will Ihre hohe Persönlichkeit besser ehren, verste-

hen und deuten: ich bemühe mich, Ihrem Beispiel zu folgen, dem Beispiel des unab-

hängigen, streng eigendenkenden Künstlers - und wenn mir das gelingt, so werde ich,

mit mehr Berechtigung als irgend jemand, mich mit dem Titel Ihres Schülers adeln

können.“15

Aufgrund der übergroßen Bedeutung der Person Ferruccio Busonis sowie seiner musik-

ästhetischen Konzepte für Jarnachs Musikanschauung scheint es mir angezeigt zu sein,

zunächst die wichtigsten Positionen der Busonischen Schriften darzustellen und dann aus-

führlich auf die Rezeption derselben durch Jarnach zu sprechen zu kommen.

13 Jarnach: Das Beispiel Busonis (1956). In: JS, S. 189.

14 Stuckenschmidt 1981, S. 169.

15 Zitiert nach Weiss, S. 56.

I.2 Busonis Ästhetik

Ferruccio Busoni war zwar schon in den 1890er Jahren mit Aufsätzen und Schriften an

die Öffentlichkeit getreten; sein erster als gewichtig wahrgenommener Beitrag zur Musik-

ästhetik aber datiert von 1907: Der Entwurf einer neuen Ästhetik der Tonkunst hat viel

Staub aufgewirbelt, zu heftigem Widerspruch gereizt und – so bedauerte der Autor später,

„... durch tendenziöse Deutung in Schützengräben manche [junge Komponisten; Anm. d.

Verf.] missleitet.“16

Der Entwurf einer neuen Ästhetik der Tonkunst ist zuallererst ein bewusst visionäres Do-

kument, in dem die elektronische Musik vorhergesagt wird und von Sechsteltonskalen die

Rede ist, mit denen die als verbraucht angesehene Harmonik eine Frischzellenkur erhalten

könne. Busonis absichtsvoll diffuse, teilweise poetische Sprache, seine wiederholten Ex-

kurse in die Lyrik und vor allem die Metapher der Musik als eines Kindes, welches über-

haupt erst noch erwachsen werden muss, waren einigen Lesern zu viel – allen voran Hans

Pfitzner, der 1917 mit seiner Schrift Futuristengefahr zu einem polemischen Gegenschlag

ausholte.

Pfitzner hatte den von Busoni stark akzentuierten Begriff der ‚Freiheit‘ in der Musik miss-

verstanden und die Gefahr einer ‚anarchischen Freiheit‘ oder ‚Formlosigkeit‘ heraufbe-

schworen. Busoni erwiderte, er sei ganz im Gegenteil ein „Anbeter der Form“17, einer

Form allerdings, die auf organische Weise aus der jeweiligen Idee erwachse und nicht die

Starrheit der Allgemeingültigkeit besitze. Neue Formgesetze entstünden nämlich stets ab-

sichtslos und würden erst im Nachhinein von den Gesetzgebern rekonstruiert.

Busonis Kritiker übersahen, dass hier Äußerungen über eine zukünftige Musik absichtsvoll

vage gehalten worden waren. Schließlich war eine Hauptmotivation bei der Abfassung der

Ästhetik die „Sehnsucht“ nach dem „Ungeahnten“.18

In den darauffolgenden Jahren konkretisierte Busoni seine ästhetischen Ansichten mit

Schriften zu stärker umgrenzten Themenfeldern. Die neue Harmonik19 ist das Thema eines

Zeitungsartikels von 1911, in dem der Verfasser fünf ‚Wege‘ zur Harmonik anführt. Einer

dieser Wege beschreibt die Harmonik als Ergebnis einer ‚extremen‘ Polyphonie. Busonis

Begeisterung für diesbezügliche Experimente, die von zwei deutschen Musikern in Chica-

go unternommen und theoretisch untermauert worden waren, mündete bereits 1910 in den

Artikel Die Gotiker von Chicago.20

Als griffigste und trotz ihrer argumentativen Knappheit weitreichendste der musikästheti-

schen Schöpfungen Ferruccio Busonis kann diejenige der ‚Jungen Klassizität‘ gelten. Dies-

mal war der Rahmen weder Aufsatz noch Zeitungsartikel, sondern ein vom Januar 1920

datierender Brief an den Musikschriftsteller Paul Bekker.21 Spürbar noch wirkt der Streit

mit Pfitzner nach; der Brief diente Busoni vornehmlich der Präzisierung seiner Gedanken

16 Busoni: Zum Zeitgeschehen. In: Busoni: Wesen und Einheit der Musik. Neuausgabe der Schriften und Aufzeichnungen

Busonis, revidiert und ergänzt von Joachim Herrmann. Berlin 1956, S. 65 (von nun an abgekürzt durch ‚WEM‘).

17 Busoni: Von der Zukunft der Musik – an Hans Pfitzner (Juni 1917, veröffentlichter Brief in der Vossischen Zeitung).

In: WEM, S. 33.

18 Ebenda.

19 In: WEM, S. 39ff.

20 WEM, S. 194–198. „Die gotische Kunst besteht vielleicht in diesem Kerne: ein Gefühl, eine Stimmung und eine Idee

durch Kontrapunkte auszudrücken.“ In: WEM, S. 196.

21 Der Brief wurde am 7. Februar 1920 in der Frankfurter Zeitung abgedruckt.

gegenüber Bekker, dessen 1920 verfasste Schrift Impotenz – oder Potenz? allerdings auch

schon eine Verteidigung Busonis gegenüber Pfitzner enthielt.

Die erstrebte künstliche Verjüngung der Musik wurde dabei in der sprachlichen Verknüp-

fung der (überhistorischen) Kategorien ‚Klassizität‘ und ‚jung‘ angedeutet – und der be-

reits mehrfach belegte Begriff des ‚Klassizismus‘ geschickt gemieden. Busoni formulierte

bereits im April 1919 in einem Brief an Hermann Draber folgende, als gedankliche Hinlei-

tung zur ‚Jungen Klassizität‘ führende Ansicht:

„Die meisterliche Gestaltung und Spielfreudigkeit müssten wieder zu ihrem Rechte ge-

langen. Des Grübelns und Tiefsinn‘s [sic] und des Subjektivismus ist zu viel gewesen.

Auch der unnötigen Geräusche. Man sollte – sagt Schopenhauer – Ungewöhnliches

mit gewöhnlichen Worten sagen und nicht umgekehrt.“22

Hier entsteht die Vision einer erneuerten klassischen Kunst als dritter Weg zwischen Avant-

garde und spätromantischem Konservativismus. Der folgende, im Zusammenhang mit dem

Konzept der ‚Jungen Klassizität‘ meistzitierte Satz aus dem Brief an Bekker bedeutet einen

wichtigen Schritt auf dem Weg zu einer Konkretisierung und liest sich wie die Präambel

eines Verfassungstextes:

„Unter einer ‚jungen Klassizität‘ verstehe ich die Meisterung, die Sichtung und Aus-

beutung aller Errungenschaften vorausgegangener Experimente: ihre Hineintragung in

feste und schöne Formen.“23

Das ist ein anderer Ton als derjenige der Ästhetik. Mit dem expliziten Traditionsbezug und

den „festen“ Formen scheint sich Busoni gegenüber den am häufigsten geäußerten Kritik-

punkten absichern zu wollen. Nur wenig später konkretisiert er sein Gedankengebäude und

nennt die Voraussetzungen dieser neuen Kunst. Busoni nennt drei Bedingungen einer ‚Jun-

gen Klassizität‘24:

Die Einheit der Musik: „die Idee, daß Musik an und für sich Musik ist, und nichts1.

anderes, und daß sie selbst nicht in verschiedene Gattungen zerfällt.“25

Der „definitive Abschied vom Thematischen und das Wiederergreifen der Melodie2.

[...] als Trägerin der Idee und Erzeugerin der Harmonie, kurz: der höchst entwickel-

ten (nicht kompliziertesten) Polyphonie.“

Die „Abstreifung des ‚Sinnlichen‘ und die Entsagung gegenüber dem Subjektivis-3.

mus […]. „Menschliches Empfinden – aber nicht menschliche Angelegenheiten –

und auch dieses in den Maßen des Künstlerischen ausgedrückt.“

Soweit sich die ‚Präambel‘ und drei ‚Paragraphen‘ noch nicht gegenseitig erläutert haben,

soll dies nun geschehen. Mit den auszubeutenden „Errungenschaften“ sind nicht fertige

Formmodelle, sondern Techniken auf subformaler Ebene gemeint: Am Beispiel seiner Fan-

tasia Contrappuntistica (1910) erläuterte Busoni die Synthese verschiedener technischer

Errungenschaften schließlich sehr anschaulich:

22 Zitiert nach Ficarella 2004, S. 179.

23 Busoni: Junge Klassizität. In: WEM, S.34–38. Zitat auf S. 36f.

24 WEM, S. 36f.

25 Ein Jahr später ist der Aufsatz Von der Einheit der Musik entstanden, welcher als Teil eines Vorwortes zur Partitur des

Doktor Faust konzipiert war (nun WEM, S. 10ff.). Hier findet sich eine ausführliche Argumentation um die ideelle „Ein-

heit“ der Musik. Im Verlauf dieses Textes erklärt Busoni die Oper als „in Zukunft die oberste, nämlich die universelle,

einzige Form musikalischen Ausdrucks und Gehalts“ (WEM, S. 15), weil sie das ideale Gefäß für eine Sammlung aller mu-

sikalischen Gattungen darstelle. Gleichzeitig müsse die Musik der Oper (dem – in Abgrenzung zu Wagner – „musikalischen

Gesamtkunstwerk“ [WEM, S. 17]) aber auch ohne die Dichtung bestehen können, also ein eigenständiges Werk sein.

„Zu diesen altehrwürdigen Mitteln aus der Rüstkammer der Schule [gemeint ist der

Kontrapunkt] brachte ich noch aus eigenem Vorrat die Alteration der Intervalle, des

Rhythmus‘ und die Variation der Themas.“26

Eine weitere Abgrenzung eines technischen Aspektes gegen ein Formmodell zeigt eine an-

dere Äußerung Busonis, die von seinem Schüler Wladimir Vogel überliefert wurde:

„... die Fuge ist eine Form. Als solche ist sie zeitgebunden, ‚vergänglich‘. Dagegen ist die

Polyphonie keine Form, sondern ein Prinzip und als solches zeitlos und solange Musik ge-

schaffen wird, ‚unvergänglich‘.“27 – Hier liegt eine (zumindest theoretisch) entscheidende

Abgrenzung zu einem Neoklassizismus, wie er bei Satie, Strawinsky oder Prokofjew zu

beobachten ist.

Kaum Probleme bereitet der erste Paragraph der Busonischen ‚Bedingungen‘: In den Er-

läuterungen zur „Einheit der Musik“ führt Busoni beispielhaft aus:

„Es gibt keine ‚Kirchen‘-Musik an und für sich; sondern absolut nur Musik, der ein

kirchlicher Text unterlegt oder die in der Kirche aufgeführt wird. […] Spielen Sie den

ersten Satz der ‚Eroica‘ zu einem amerikanischen Indianerfilm, und die Musik wird

Ihnen bis zur Unkenntlichkeit verwandelt erscheinen.“28

Paragraph zwei der ‚Jungen Klassizität‘ dürfte auch durch die Rezeption von Ernst Kurths

1917 erschienenen Grundlagen des linearen Kontrapunkts beeinflusst sein; mit dem „Wie-

derergreifen der Melodie“ spielt Busoni seinen einzigen konkret kompositionstechnischen

Aspekt aus. In einem anderen Brief präzisiert Busoni den Zusammenhang von Melodie

(der Horizontale) und Harmonik:

„Die neue Harmonik aber könnte nur auf Grund einer äußerst kultivierten Polyphonie

natürlich (d. h. vollends absichtslos) entstehen und eine Berechtigung ihres Erschei-

nens dokumentieren: dieses fordert eine strenge Schulung und eine überlegene Beherr-

schung der Melodik.“29

In der Betonung einer melodischen „Schulung“ zeigt sich Jarnachs Kurth-Lektüre. Sehr

aufschlussreich ist auch die (offenbar zu dieser Zeit kaum umstrittene) Verkoppelung der

Begriffspaare ‚Subjektivismus‘ – ‚harmonisch‘ und ‚Objektivismus‘ – ‚polyphon‘. Paul

Bekker bestätigt diese Sichtweise in einem Aufsatz von 1921 mit nur geringfügig modifi-

ziertem Vokabular:

„Die Waage des Gefühls senkt sich wieder nach der anderen Seite: vom harmonischen

Individualismus zum polyphonen Kollektivismus. […] Es handelt sich […] um einen

neuen, elementar bedingten Durchbruch der polyphonen Musikauffassung, die als sol-

che der vorklassischen Zeit nähersteht als der klassischen.“30

Die Dringlichkeit eines „definitiven Abschieds vom Thematischen“ (immer noch Para-

graph 2 der ‚Jungen Klassizität‘) ist nur zu verstehen, wenn man Themen an sich als vor

allem auch harmonisch determinierte, abgeschlossene Einheiten versteht, welche die Ent-

26 Busoni: Selbst-Rezension (Zeitschriftenartikel vom Februar 1912). In: WEM, S. 74.

27 WEM, S. 69ff. Hervorhebungen durch Vogel. Es ist bezeichnend, dass die Schüler Busonis die erste Exegese der teils

mehrdeutigen Texte des Lehrers vornahmen. Diesbezügliche interpretatorische Übereinstimmungen etwa zwischen Vogel

und Jarnach stärken die Glaubwürdigkeit ihrer Ausführungen.

28 Busoni: Junge Klassizität. In: WEM, S. 36.

29 Busoni: Über die Harmonik (Brief Busonis an den Herausgeber der Musikzeitschrift ‚Melos‘ Fritz Windisch vom

Januar 1922). In: WEM, S. 41.

30 Paul Bekker: Deutsche Musik der Gegenwart (1921), zitiert nach Scherliess, S. 157.

faltung der horizontalen Ebene behindern.

Schließlich pointiert Paragraph drei aus Busonis ‚Junger Klassizität‘ die „Abstreifung des

Sinnlichen“. Nicht Unsinnlichkeit ist gemeint – etwas weiter unten im Text präzisiert Bu-

soni, es gehe um

„die Wiedereroberung der Heiterkeit (Serenitas): nicht die Mundwinkel Beethovens,

und auch nicht das ‚befreiende Lachen‘ Zarathustras, sondern das Lächeln des Weisen

[…]. Nicht Tiefsinn und Gesinnung und Metaphysik; sondern: Musik durchaus ...“31

Zahlreiche Kompositionen Busonis zeugen von dieser ästhetischen Haltung – von den Kla-

viersonatinen bist zur Oper Doktor Faust, die nach Busonis Tod im Jahr 1924 von Philipp

Jarnach vollendet wurde.

Eine Schwierigkeit, die ‚Junge Klassizität‘ Busonis inhaltlich genau zu umgrenzen, besteht

in ihrer unmittelbarer Nähe zum Begriffsfeld des Neoklassizismus‘. Scherliess32 und Danu-

ser33 fassen die ‚Junge Klassizität‘ als eine der vielen Spielarten des Neoklassizismus auf

– angesichts der von beiden zugestandenen definitorischen Weite des Begriffs ein nachvoll-

ziehbarer Schluss. Eine inhaltliche Lokalisierung des Busonischen Konzeptes innerhalb

dieses Feldes ist nicht mit wenigen Worten zu leisten und doch an dieser Stelle unverzicht-

bar.

Unter den neuen Tendenzen, die in den ersten zwei Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts die

musikalische Moderne begründeten, war der Neoklassizismus eine der wirkungsvollsten,

erfolgreichsten und umfassendsten. Seine ideelle Grundlage ist in der Bestrebung zu sehen,

die Ausdrucksästhetik der musikalischen Romantik mit ihren metaphysischen und psycho-

logisierenden Begleiterscheinungen zu überwinden. Dabei scheint die Idee, im Zuge dieser

Neuorientierung möglichst weit in der Musikgeschichte zurückzugehen, in der Luft gelegen

zu haben – so äußerte der in musikalischen Dingen äußerst feinfühlige Thomas Mann in

seiner persönlichen Wagner-Abkehr von 1911:

„Denke ich aber an ein Meisterwerk des 20. Jahrhunderts, so schwebt mir etwas vor,

was sich von dem Wagner‘schen sehr wesentlich, und, wie ich glaube, vorteilhaft

unterscheidet, – irgend etwas ausnehmend Logisches, Formvolles und Klares, etwas

zugleich Strenges und Heiteres, von nicht geringerer Willensspannung als jenes, aber

von kühlerer, vornehmerer und gesunderer Geistigkeit, etwas, das seine Größe nicht

im Barock-Kolossalischen und seine Schönheit nicht im Rausche sucht, – eine neue

Klassizität, dünkt mich, müßte kommen.“34

Bemerkenswert an diesem Textausschnitt ist das Fehlen jeglicher auf den musikalischen

‚Ausdruck‘ abzielender Vokabeln – das Wort von der „Willensspannung“ kann hier allen-

falls als zusammenfassendes Substitut gelten (Busonis Forderung nach der „Abstreifung

des Sinnlichen“ fügte sich hier nahtlos an).

Der Komponist Ernst Krenek hielt den Neoklassizismus auch noch in der Rückschau für

eine durchaus progressive Erscheinung,

31 Busoni: WEM, S. 37.

32 Scherliess, S. 154ff.

33 Danuser 1984, S. 149ff.

34 Thomas Mann: Über die Kunst Richard Wagners (1911). In: Reden und Aufsätze II, Frankfurt am Main 1965, S. 695.

Zitiert nach Scherliess, S. 154.

„denn er wurde zum Zwecke der Beseitigung von Romantizismen der vergangenen

Generation eingeführt, zu denen Schönbergs Expressionismus im Verhältnis einer eher

altmodischen Fortführung zu stehen schien.“35

Verärgert über den vermeintlich leichten Erfolg der Neoklassizisten, komponierte Arnold

Schönberg 1925 die Spottkantate Der neue Klassizismus, in deren Anfangsversen es heißt:

„Nicht mehr romantisch bleib‘ ich,

Romantisch haß‘ ich;

von morgen an schreib‘ ich

nur reinstes Klassisch!“36

Angesichts dieser Polemik muss eine wichtige Trennungslinie im Gebilde ‚Neoklas-

sizismus‘ gezogen werden. Ich folge gern der von Danuser37 getroffenen begrifflichen

Unterscheidung zwischen dem ‚substantialistischen‘ und dem ‚formalistischen‘ Neoklas-

sizismus, denn sie trägt dazu bei, die beiden unterschiedlichen Strömungen samt ihrer Aus-

gangspositionen und Konsequenzen zu klären.

Mit dem ‚substantialistischen Neoklassizismus‘ ist eine überwiegend deutsch geprägte

Linie gemeint, deren Ausgangspunkt im neobarocken Historismus Regerscher Prägung zu

sehen ist. Dieser Spielart des Neoklassizismus fehlt die explizite Abwendung von der

jüngsten klassisch-romantischen Ästhetik; vielmehr wurde in der Musik Johann Sebastian

Bachs der Beginn einer Traditionslinie gesehen, an die es erneut anzuknüpfen galt. Hand-

werkliche Tadellosigkeit, eine der Genieverklärung abholde Bescheidenheit und die Beto-

nung struktureller und formaler Innovation waren das Erbe der Vergangenheit und Funda-

ment zukünftiger Bestrebungen zugleich. Die kontrapunktischen Verfahrensweisen in den

zwölftönigen Werken Schönbergs sind ein starker Ausdruck dieses Vergangenheitsbezugs

(unbestreitbar gibt es im Werk Schönbergs im weitesten Sinne neoklassizistische Elemen-

te).

Von dieser Warte aus lässt sich die zweite, ‚formalistische‘ Variante des Neoklassizismus

gut kritisieren. Bedient sie sich des historischen Materials doch ‚lediglich‘, um sich mittels

Verfremdung und Parodie von ihr abzustoßen38 – dabei spielt die genaue Herkunft der

‚Wirtsmusik‘ keine entscheidende Rolle. In dieser Gleichgültigkeit ist das Moment des

Traditionsbruchs besonders stark, die Antiromantik deutlich forciert.

Anreger dieser Richtung des Neoklassizismus' waren die Franzosen Erik Satie und Jean

Cocteau gewesen; die Schlagworte aus ihrem Umkreis waren die ‚simplicité‘ aus Cocteaus

Schrift Le coq et l‘arlequin (1918) und der (allerdings erst später geprägte) Begriff von der

‚musique dépouillée‘.39 Bereits in den frühen zehner Jahren war Igor Strawinsky in Berüh-

rung mit den Arbeiten Cocteaus gekommen, später wurde er zu einem der Protagonisten

der Bewegung. Theodor W. Adorno reagierte mit einer umfassenden Abrechnung auf

Strawinsky: Die beiden Hauptkapitel der Philosophie der neuen Musik sind recht wenig

subtil mit „Schönberg und der Fortschritt“ sowie „Strawinsky und die Reaktion“ über-

35 Ernst Krenek: Horizont abgesteckt. In: Österreichische Musikzeitschrift 1976, S. 5f.

36 Der neue Klassizismus ist die dritte der drei Chorsatiren op. 28.

37 Danuser 1992, S. 148.

38 Adorno schrieb über Strawinsky: „Seine Musik blickt stets auf andere hin, die sie durch Überbelichtung ihrer starren

und mechanistischen Züge ‚verzerrt‘.“ Philosophie, S. 167.

39 R. Chalupt: Quelques souvenirs sur Erik Satie. In: La Revue musicale 214 (1952), S. 45.

schrieben. In jedem Absatz der brillant argumentierenden Schrift wird die grundsätz-

liche Differenz Strawinskys zur zweiten Wiener Schule betont; hier mag ein kurzer Aus-

schnitt genügen:

„Ihn [Strawinsky] zieht es dorthin, wo Musik, hinter dem entfalteten bürgerlichen

Subjekt zurückgeblieben, als intentionslose fungiert und körperliche Bewegungen an-

regt anstatt noch zu bedeuten: dorthin, wo die Bedeutungen so ritualisiert sind, dass sie

nicht als spezifischer Sinn des musikalischen Akts erfahren werden. Das ästhetische

Ideal ist das des unbefragten Vollzugs.“40

Wie anhaltend stark Adornos Abneigung gegenüber dem Neoklassizismus war, zeigt ein

noch 1942 entstandener Aufsatz:

„Entscheidend dabei ist der vorindividualistische und vorbürgerliche Charakter der

beschworenen Modelle, die der subjektiven Dynamik, der Psychologie, dem funktio-

nalen Übergang so wenig Raum lassen wie einem ‚feuchten‘ Klang einer leittönigen

Harmonik und jeglicher Transzendenz der musikalischen Gestaltung. Hervorgehoben

wird der Spielcharakter der Musik“41

Damit wären die beiden äußersten Pole in der Auseinandersetzung über den Neoklassizis-

mus abgesteckt; die Position Busonis bewegt sich im weiten Zwischenraum, wobei seine

schriftlich formulierte Ästhetik von der konkreten kompositorischen Umsetzung unter-

schieden werden sollte.

Ferruccio Busoni sah wie viele seiner Zeitgenossen im expressionistisch42 überhöhten Sub-

jektivismus ein vergiftetes Erbe des 19. Jahrhunderts, welches nicht zuletzt auch für die

Katastrophe des Ersten Weltkrieges verantwortlich zeichnete.43 Richard Wagner war nicht

nur Reizfigur der ‚Groupe des six‘ oder Debussys – auch für Ferruccio Busoni waren hier

viele verhängnisvolle Entwicklungen auskristallisiert: seine extrem leittönige Harmonik,

das Konzept eines Gesamtkunstwerks; das Bemühen um eine musikalisch totalitäre moti-

vische Integration und die starke Psychologisierung der Musik führten nach dieser Denkart

zu einer Überdeterminierung der Musik.

Als Gegenmittel sprach sich Busoni für die Wiederbelebung der klassischen Ästhetik aus.

Ausgewogenheit der Proportion, Objektivität, vornehme Einfachheit, Licht und Klarheit

– mit einem Wort: Latinität. „Die klassische Ästhetik des autonomen Kunstwerks [...] wur-

de unter den Bedingungen des Krieges zu einem Glaubensbekenntnis und kulminierte in

dem, was er [Busoni] die ‚Einheit der Musik‘ nannte.“44 „Utopische Substanz“45 als Reakti-

on auf die Barbarei, die Konzeption der ‚Jungen Klassizität‘ als „reinste[r] Ausdruck einer

idealistischen Musikphilosophie“46

Anders als Prokofjew in der Symphonie Classique, Satie in der Sonatine bureaucratique

oder Strawinsky mit Pulcinella kehrt Busoni allerdings zu keinem Zeitpunkt zur Klangwelt

40 Adorno 1992, S. 131.

41 Adorno: Neunzehn Beiträge über neue Musik. In: Gesammelte Schriften, Bd. 18 (Musikalische Schriften V), Frankfurt

am Main 1984, S. 83.

42 Mit dem Terminus ‚expressionistisch‘ sei hier nicht auf die Epoche, sondern auf eine künstlerische Haltung verwiesen.

43 Siehe dazu auch R. Stephan: Die Musik der Zwanzigerjahre. In: Dieter Rexroth: Erprobungen und Erfahrungen,

Mainz 1978, S. 12.

44 Tamara Levitz: Erziehung zum Menschentum. Busonis ‚Junge Klassizität‘ und die Schweiz. In: Felix Meyer (Hrsg.):

Klassizistische Moderne, Winterthur 1996, S. 221.

45 Ficarella 2004, S. 177.

46 Ebenda, S. 178.

des Barock oder der Frühklassik zurück, um diese mit gezielt eingestreuten Irregularitäten

oder ‚falschen‘ Harmonien zu hintertreiben. Ihm ist theoretisch auch nicht daran gelegen,

die traditionellen Formengehäuse wie Sonate, Fuge oder Suite mit ‚neuer Musik‘ zu füllen,

nur um zu beobachten, wie sie eine solche Operation aushalten. In dieser Hinsicht ist Bu-

sonis ‚Junge Klassizität‘ keine Variante eines ‚formalistischen‘ Neoklassizismus. Mit ihm

verbindet sie nur die explizit antiromantische Haltung.

Auf der anderen Seite hält sich Busoni in gebührender Distanz zu einer Ästhetik der Sach-

lichkeit, in der die Betonung des Handwerklichen in einer so bodenständigen wie unkünst-

lerischen Zünftigkeit zu münden droht. Busonis aristokratisch-elitäres Kunstkonzept wäre

mit der Zurschaustellung kompositionstechnischer Gediegenheit auf der Grundlage sofort

nachvollziehbarer Form- oder Stilmittel kaum kompatibel, und seine Musik ist in der Tat

auch nicht danach geraten.

Busonis in der ‚Jungen Klassizität‘ projektierte Art des Rückgriffs spielt sich weniger an

der Oberfläche ab, ist versteckter und dennoch ganz konkret. Nicht Formhülsen oder stili-

stische Entlehnungen, sondern kompositionstechnische Grundelemente sollen ‚gesichtet‘

und eingesetzt werden. Im Gegensatz zu Schönberg, der etwa die Dreiklangsharmonik

tabuisiert, ist Busoni nicht dogmatisch in der Wahl der Mittel. Dass seine prinzipielle Of-

fenheit gegenüber allen „Errungenschaften“ der Vergangenheit oder die Forderungen wie

das „Wiederergreifen der Melodie“ oder die „Abstreifung des Sinnlichen“ noch keinerlei

stilistische Festlegung nach sich ziehen, ist eher eine Stärke denn eine Schwäche der ‚Jun-

gen Klassizität‘.

Vornehme Zurückhaltung im Ausdruck und eine charakterliche Ausgeglichenheit schließ-

lich sind die hervorstechenden Merkmale von Busonis eigener Musik. Seine ästhetische

Haltung zwischen visionärer Avantgarde und einer Spielart des Konservativismus resultiert

in Kompositionen, deren schwebende Stimmung manch heutigen Hörer nachhaltiger ver-

stört als eine zwölftönige Gavotte Schönbergs.

Ferruccio Busoni glaubte an die vornehme ‚Heiligkeit‘ der Kunst, und er begriff sich als

Teil einer Künstleraristokratie (eine Haltung, die er ganz offensichtlich an Jarnach weiter-

vererbte). Seine Meisterklasse an der Akademie der Künste in Berlin war ein privilegierter

Kreis von Eingeweihten und Busoni seine verehrte Zentralfigur. Die Bedeutung des Leh-

rers Busoni kann kaum überschätzt werden. Wenn es eines Beweises bedürfte, in wie viele

verschiedene Farben das Spektrum der Busonischen Musikästhetik auftrennbar wäre, sei an

die unterschiedlichen Entwicklungen der Busoni-Schüler Philipp Jarnach, Kurt Weill und

Edgar Varèse erinnert.

I.3 Jarnachs Ästhetik

„Was in dieser Welt ist denn nicht problema-

tisch? – Und die unabweisbare Antwort wäre:

nur das Unbedeutende.“47

„Wer Revolutionen machen will, muss ein

guter Geschichtskenner sein.“48

I.3.1 Allgemeines

Als eine Grundvoraussetzung jedes Künstlertums begreift Philipp Jarnach „den Sinn für

Vollendung als Sehnsucht nach dem Absoluten und die Hingabe an die Sache“.49 In seinen

Augen erfüllten unter den zeitgenössischen Komponisten nur Arnold Schönberg und Fer-

ruccio Busoni diese Voraussetzung.

Beim ersten Kontakt mit den überlieferten Zeugnissen Jarnachscher Musikästhetik ist man

geneigt, ihren Autor lediglich als Epigonen Busonis zu betrachten. Allzu nah scheinen die

theoretischen Konzepte beider Komponisten beieinanderzuliegen, zu ähnlich sind die For-

mulierungen bis in kompositionstechnische Details hinein.

Ein zweiter Blick lohnt indes: Jarnach, daran besteht kein Zweifel, ist in hohem Maße

durch Busonis Ästhetik beeinflusst, zeigt aber bei zentralen Aspekten wie demjenigen des

‚Ausdrucks‘ durchaus abweichende Vorstellungen. Darüber hinaus ist die deutliche Pro-

noncierung des Begriffs von den ‚ewigen Gesetzen‘50 beispielsweise eine verbale Zuspit-

zung Jarnachs, die Busoni wohl nicht ohne Weiteres goûtiert hätte.

Zunächst einmal, und damit sind die Züricher sowie die frühen Berliner Jahre gemeint,

war die Auseinandersetzung Jarnachs mit der Person, der Musik und der Ästhetik Busonis

von großer Verehrung gekennzeichnet. Das Bild des Älteren nimmt „in Jarnachs enthusia-

stischer Zuwendung beinahe übermenschliche Züge an“, wie Norbert Jers, Herausgeber

der Jarnach-Schriften, konstatiert.51 In der Tat finden sich in den Schriften Jarnachs einige

Absätze, die über eine bloße Umformulierung Busonischer Aussagen kaum hinausgehen.

Anhand einiger der insgesamt elf Aufsätze Jarnachs, die sich mit Busoni befassen, soll zu-

nächst versucht werden, seine Rezeption der ‚Jungen Klassizität‘ und anderer Anschauun-

gen Busonis zusammenzufassen.

47 Jarnach: Kleine Rede auf Arnold Schönberg (1951). In: JS, S. 108.

48 Jarnach: Alt und Jung in der Musik (1924). In: JS, S. 168.

49 Norbert Jers: Philipp Jarnach als Musikschriftsteller. In: JS, S. 20.

50 Jarnach: Bemerkungen zur Kunst Busonis (1932). In: JS, S. 44: „Die Gesetze sind ewig die gleichen, aber je klarer wir

sie zu erkennen vermögen, desto unendlicher erscheint die Zahl ihrer möglichen Konsequenzen.“

51 Norbert Jers: Philipp Jarnach als Musikschriftsteller. In: JS, S. 19–29.

I.3.2 Über Busoni

Es ist interessant, in den Schriften Jarnachs einmal nach den direkten Reflexen der Busoni-

schen Musikästhetik zu suchen. Dazu bieten nicht nur die im Titel auf Busoni verweisen-

den Texte eine Möglichkeit – Jarnach nutzte auch Gelegenheiten wie die Abhandlung über

Die zeitgenössische Musik in Deutschland und Österreich (1924), um auf Busoni und seine

Musikvorstellungen einzugehen.

In einem Vortrag zu einem 1932 veranstalteten Busoni-Konzert findet sich eine noch sehr

am Original orientierte Interpretation von Busonis ‚Junger Klassizität‘:

„Was aber Busoni damit meinte, war nicht die Bevorzugung irgendeines Stiles, son-

dern: das Wiederergreifen der Musik an ihrer Quelle, welche die Melodie ist, die Ent-

sinnlichung der Kunst und der Weg zur Objektivität, ein Bemühen um den geläuterten

Ausdruck, der die Zeitwandlungen überdauern kann.“52

In dieser Beschreibung fehlen der „Abschied vom Thematischen“ sowie das Konzept der

Melodie als „Erzeugerin der Harmonie“; die „Entsagung gegenüber dem Subjektivismus“

ist von Jarnach durch den „Weg zur Objektivität“ ersetzt und das „menschliche Empfin-

den“ durch den „geläuterten Ausdruck“.53

Eines der Hauptmotive in Jarnachs Äußerungen über Busoni ist die Feststellung, der Mei-

ster sei verschiedentlich missverstanden worden. Der Jüngere will hier unbedingt richtig-

stellen und aufklären. Dass dabei die oftmals vagen Formulierungen Busonis durch eine

sprachlich-inhaltlich nicht unbedingt konkretere Diktion abgelöst werden, ist bedauerlich:

„Wer ihn [Busoni] verstanden hatte, lernte die Form nicht als Gerüst, sondern als Er-

lebnis zu sehen, Ebenmaß der Proportion und Ökonomie im Ausdruck als Gefühl zu

werten.“54

Form als „Erlebnis“ eines Prozesses, in welchem das Material zu seiner ihm gemäßen Ent-

faltung kommt: das lässt sich verstehen. Im Folgenden aber das „Ebenmaß“ und die „Öko-

nomie“ als emotionellen Niederschlag zu begreifen, bedürfte einer weiteren Klärung. Es

scheint immerhin, als habe Jarnach die ihn möglicherweise zu sachlich dünkende Diktion

Busonis in seinem eigenen Sinn ‚nachbessern‘ wollen.

Nun mag die Undeutlichkeit in dem oben wiedergegebenen Zitat Jarnachs auch dem

Begriff des ‚Gefühls‘ geschuldet sein. Eine problematische Kategorie ist diejenige des

‚Gefühls‘ bereits bei Busoni, der diesen Terminus wohl aufgrund seiner erklärtermaßen

antiromantischen Haltung konsequent meidet. Mit der „Abstreifung des ‚Sinnlichen‘“ und

der „Entsagung gegenüber dem Subjektivismus“ ist immerhin thematisch Verwandtes an-

gesprochen. Jarnach, der – so wird sich zeigen – in seinen Kompositionen letztlich ganz

andere Ausdruckskonzepte verfolgt, verlegt seine Ansichten wie rückwirkend auf Ferruccio

Busoni. So etwa, wenn er behauptet, Busoni habe „immer und stets den Sieg des Gefühls

über jede spekulative Stil- und Formanschauung […] verkündet.“55

Des Weiteren, so Jarnach, habe die Kunst des Mentors niemals Formeln angeboten, „son-

dern das unverlierbare Beispiel einer Gestaltungskraft, die nur dem Ausdruck diente und

52 Jarnach: Bemerkungen zur Kunst Busonis (1932). In: JS, S. 45.

53 Die Zitate stammen aus Busoni: Junge Klassizität. In: WEM, S.34ff.

54 Jarnach: Bemerkungen zur Kunst Busonis (1932). In: JS, S. 44.

55 Jarnach: Bemerkungen zur Kunst Busonis (1932). In: JS, S. 43.

zugleich höchste Disziplin des Ausdrucks war.“56 Woher Jarnach diese das ‚Gefühl‘ und

den ‚Ausdruck‘ betreffenden Überzeugungen Busonis ableiten konnte, entzieht sich mei-

ner Kenntnis. Freilich muss ein Abgleich wie dieser ohne eine Kenntnis der mündlichen

Äußerungen Ferruccio Busonis auskommen, in denen selbstverständlich mehr und anderes

enthalten gewesen sein mochte als das, was schriftlich Niederschlag gefunden und daher

überliefert wurde. Eigene Akzente setzt Jarnach in seiner Busoni-Interpretation auch beim

Themenkomplex Formung:

„Die Freiheit, die er [Busoni] forderte, war nicht Willkür, sondern das Recht auf unbe-

fangene Deutung der Gesetze, die von Anbeginn das Kunstwerk regieren. Die Gesetze

sind ewig die gleichen, aber je klarer wir sie zu erkennen vermögen, desto unendlicher

erscheint die Zahl ihrer möglichen Konsequenzen.“57

Busoni hatte in dem Brief an Paul Bekker von „Errungenschaften“ gesprochen – nicht

von ‚Gesetzen‘. Es wird sich zeigen, dass das Wort vom ‚Gesetz‘, häufig mit dem Attribut

‚ewig‘ versehen, ein Schlüsselbegriff der Jarnachschen Musikanschauung ist. Hier zeigt

sich der Jüngere in Wort und Musik weitaus konservativer als sein Mentor.

Wie sehr Jarnach trotz allem zu den Kernaussagen der ‚Jungen Klassizität‘ Busonis neigt,

beweist folgender Ausschnitt:

„Es ist von Bedeutung, festzustellen, daß der Kampf zwischen Klassizismus und Ro-

mantismus auch im Innern eines jeden Geistes zum Austrag kommt. Und gerade aus

diesem Kampf soll das Werk entstehen. Das klassische Kunstwerk kündet den Sieg

der Ordnung und des Maßes über die innere Romantik. Das Werk ist um so schöner, je

ungebärdiger anfangs die unterdrückte Materie war.“58

Vielleicht drückt sich hier eine geistige Verwandtschaft aus, deren Grundlagen in der je-

weiligen romanischen Herkunft Busonis wie Jarnachs zu suchen sind. In der Forderung

nach „festen und schönen Formen“59 treffen sich Jarnach und Busoni auf jeden Fall.

Aufschlussreich ist schließlich eine von Jarnach bereits 1924 angestellte, kurze Gegenüber-

stellung der kompositorischen Prozesse bei Busoni und Schönberg:

„Während Schönberg darauf abzielt, ein Maximum an Ausdruck aus seinem Material

herauszuschöpfen, reduziert hingegen Busoni die eingesetzten Mittel auf das Äußer-

ste; er vergeistigt […] das Verfahren und gestaltet es mit Hilfe einer treibenden Idee,

von der die [kompositions-] technischen Elemente jedes Werkes strikt abhängen.“60

Wäre die zweite Hälfte der Aussage nicht ausdrücklich auf Busoni gemünzt, könnte man

auch sie als Beschreibung Schönbergschen Komponierens verstehen.

In den folgenden Kapiteln werden die musikästhetischen und kompositionstechnischen

Konzepte Philipp Jarnachs unter den folgenden Rubriken gebündelt:

1. Stil

2. Ausdruck

3. Vom Einfall zur Form

4. Technisches

56 Jarnach: Bemerkungen zur Kunst Busonis (1932). In: JS, S. 44.

57 Jarnach: Bemerkungen zur Kunst Busonis (1932). In: JS, S. 44.

58 Jarnach: Neue Klassizität (1949). In JS, S. 46.

59 Ferruccio Busoni: Junge Klassizität. In: WEM, S. 35f.

60 Jarnach: Die zeitgenössische Musik in Deutschland und Österreich (1924). In: JS, S. 141.

I.3.3 Stil

Es mag eigenartig anmuten, mit einer Kategorie zu beginnen, die nicht zum ‚aktiven Wort-

schatz‘ von Busonis Ästhetik gehört und auch nicht Bestandteil der von Jarnach intensiv

rezipierten ‚Jungen Klassizität‘ ist. Auch Weiss (S. 200) empfindet die ‚Junge Klassizität‘

Busonis als ‚Haltung‘ und nicht als ‚Stil‘.

Wenn Philipp Jarnach von stilistischen Angelegenheiten spricht, so ist niemals seine eigene

Musik Gegenstand der Betrachtung, auch werden Verweise auf konkrete Werke anderer

Komponisten in der Regel vermieden. All dies führt dazu, dass Jarnachs diesbezügliche

Äußerungen Ähnlichkeiten mit einem Film-Negativ haben: Aus den kritischen Bemerkun-

gen über stilistische Fehlentwicklungen der zwanziger Jahre muss erst ein aussagekräfti-

ges, den eigenen Standpunkt seines Verfassers beleuchtendes Bild elaboriert werden.

Sehr deutlich grenzt sich Jarnach gegenüber revolutionär gesinnten Zeitgenossen ab:

„Es gibt in der Kunst kein neues Beginnen, auch keinen Fortschritt im Sinne des Bes-

sermachens – Andersmachen wäre schon eher einer! – sondern nur Stilwandlungen,

neue Perspektiven zu gleichen Problemen.“61

Diese Probleme zu lösen, so Jarnach, gelänge niemals „ohne das Erlebnis der sogenannten

klassischen Musik“62 – und weiter:

„Solchermaßen ist die leidenschaftliche Auseinandersetzung mit den Werken der Mei-

ster nichts anderes als das eigentliche Werden neuer Kraft der Kunst.“63

Hier spricht Busoni durch Jarnach; der Jüngere leistet sich am Ende des vorliegenden Tex-

tes schließlich noch eine markige Ansicht:

„Für radikale Dogmatik ist kein Raum mehr, die Zeit der Experimente ist vorbei.“64

Gegen wen genau sich diese Worte richteten, ist nicht klar (Schönberg ist es auf keinen

Fall). – Nachdem im vorigen Kapitel eine Abgrenzung der ‚Jungen Klassizität‘ vor allem

vom ‚formalistischen‘ Neoklassizismus versucht wurde, dürfte aber auch die Ablehnung

dieser Variante des Vergangenheitsbezugs durch Jarnach nicht verwundern. Für ihn ist die-

se von Strawinsky geprägte Spielart des Neoklassizismus die

„... Folge einer stilistischen Unsicherheit, die in den überlieferten Formen eine tra-

gende Basis finden möchte. Wer den Geist dieser Formen lebendig empfindet, und aus

ihm die Anregung zu einem wirklich Neuen, Wandlungsfähigen schöpft, wird es nie

nötig haben, am Schema festzuhalten ...“65

61 Jarnach: Alt und Jung in der Musik (1924). In: JS, S. 168.

62 Ebenda.

63 Jarnach: Alt und Jung in der Musik (1924). In: JS, S. 168.

64 Jarnach: Alt und Jung in der Musik (1924). In: JS, S. 169.

65 Jarnach: Die Musik und die Völker (1927). In: JS, S. 152. Auf die knapp fünfzig Jahre später datierende Anfrage des

Musikwissenschaftlers Uwe Kraemer nach einer Einschätzung der Rolle Igor Strawinskys schrieb Jarnach: „Strawinsky

hat sich intensiv beschäftigt mit den musikalischen Formen und Stilen vergangener Zeiten und daraus Anregungen ge-

schöpft, deren Spuren man in vielen seiner Werke wieder findet – wie z. B. in Oedipus rex und Apollon musagète. Es fällt

aber in solchen Fällen auf, dass diese Einflüsse stets vollständig assimiliert und gleichsam Bestandteil seines eigenen Stils

erscheinen, so dass kein Bruch entsteht und sie nicht als Fremdkörper wirken.“ (Kraemer, S. 199f.). Es sind dies Äuße-

rungen aus einer Zeit, als die Bedeutung Strawinskys für die Musik des 20. Jahrhunderts nicht mehr anzuzweifeln war.

Jarnach machte allerdings keinen Hehl daraus, mehr Sympathie für Strawinskys Werke der russischen Phase zu empfin-

den.

Die von Jarnach zu Beginn der zwanziger Jahre diagnostizierte ‚Stilkrise‘ (man könnte im

positiven Sinn von einer ‚Stilpluralität‘ sprechen) kannte aber auch noch andere Folgen.

Wiewohl niemals direkt auf die Dodekaphonie Schönbergs zielend, formulierte Jarnach

seine Vorbehalte gegenüber kompositorischen Systemen:

„Es ist erklärlich, daß in Zeiten starker Reaktionen der allgemeine Sinn für künstle-

rische Realitäten verwirrt, die Formel überschätzt wird. Schöpferische Intuition aber

kennt keine Formeln; sie ertastet schrittweise die rationelle Ordnung der Mittel, schafft

technische Synthesen, keine Buchstabensymbolik.66

Jarnach wendet sich gegen alle Systemzwänge und verficht die von Busoni postulierte freie

Wahl der Mittel. Schönbergs dogmatische Behandlung besonders der Zusammenklänge ist

ihm bei aller Bewunderung für den Kollegen fremd; die Tabuisierung der tonalen Funktio-

nen nach der Emanzipation der Dissonanz bedeute, so Jarnach, auf der einen Seite zu ver-

lieren, was man auf der anderen Seite gewonnen hatte. Bereits für Busoni war Atonalität

nur ein weiteres neues Ausdrucksmittel gewesen, Schönberg dagegen formulierte auf ihrer

Grundlage eine neue Sprache. Wie Schönberg lehnte Jarnach den Begriff der ‚Atonalität‘

als unsinnig ab (um ihn dann gelegentlich trotzdem weiter zu gebrauchen). Eigentlich,

so formulierte Jarnach sechs Jahre später, sei ‚Atonalität‘ eine unglücklich bezeichnete

Schreibweise, die sich hauptsächlich auszeichne durch

„das Fehlen einer vorherrschenden Tonart, die Erhaltung der modulatorischen Schwe-

bung ein ganzes Stück hindurch, im Gegensatz zur tonalen Symmetrie, eine Schreib-

weise also, die nicht einmal die Dissonanz zur Voraussetzung haben müsste und sich

ebenso gut auf normale Dreiklänge beschränken könnte.“67

Es ist dies freilich eher eine Definition der ‚freien Tonalität‘, jener Spielart zeitgenössischer

Harmonik, die am besten auf Jarnachs eigene Musik zutrifft. Jarnach hatte bereits 1924 das

Phänomen der Atonalität als die Folge einer allgemeinen Stilkrise bezeichnet.68

Eine andere Konsequenz dieser von Jarnach diagnostizierten ‚Stilkrise‘ ist auf die junge

Komponistengeneration gemünzt, der sich der 1892 geborene Jarnach scheinbar selbst

nicht mehr zugehörig fühlte:

„Der heutige Musiker […] ringt noch um die Sprache, hat Mut und oft auch Kraft.

Solange er aber die inneren Gesetzte seiner Kunst nicht klar zu überschauen vermag

[…] wird er versucht sein, den unsicheren Ausdruck durch physischen Schwung zu

verdecken, die mechanische Gebärde für Humor auszugeben.“69

Wie immer, so wird Jarnach auch hier nicht konkret; Beschreibungen wie der „physische

Schwung“ lassen sich vielleicht mit der Musik Ernst Kreneks assoziieren, die „mecha-

nische Gebärde“ mit den Maschinenmusiken Antheils oder Honeggers. Mit ziemlicher

Sicherheit wird Jarnach auch die zahlreichen motorisch aktiven Hindemith-Sätze jener

Jahre im Ohr gehabt haben – denen er ein halbes Jahrhundert später allerdings „Energie der

Zeichnung“ sowie „Kühnheit und Vitalität“ attestierte.70

66 Jarnach: Die Musik und die Oper (1930). In: JS, S. 161.

67 Jarnach: Zur Interpretation der modernen Musik (1928). In: JS, S. 159.

68 Jarnach: Die zeitgenössische Musik in Deutschland und Österreich (1924). In: JS, S. 139.

69 Jarnach: Der Humor der jüngeren Generation (1924). In: JS, S. 157.

70 Jarnach: Paul Hindemith. In: Kraemer, S. 115f.

I.3.4 Ausdruck

„Dem Künstler ist nur das eine wichtig: unter der

Oberfläche abweichender Stileigentümlichkeiten

das Maß des Ausdrucks zu erkennen.“71

Der Konsequenzen einer auf Metaphysik und Ausdruckspathos gegründeten Kunstäs-

thetik eingedenk, kehrte in den zwanziger Jahren eine neue Nüchternheit ein. Vielerorts

verschrieb sich die Kunst der Realität, ‚Neue Sachlichkeit‘ und ‚Gebrauchsmusik‘ waren

Schlagworte. Mehr als das ‚l‘art pour l‘art‘ interessierte junge Komponisten das sensa-

tionell Neue und der Kunstbetrieb an sich. Philipp Jarnach, der sich – wie oben dargelegt

– als Dreißigjähriger schon nicht mehr zur Generation der ‚jungen‘ Komponisten zählte,

hatte sich immer gegen jedweden schnelllebigen Neuerungszwang gewandt. Keinesfalls

war Jarnach dazu bereit, sich in diesem Zusammenhang der vermeintlich überkommenen

Kategorie des ‚Ausdrucks‘ zu begeben.

„Was an Kraft des Erlebens in uns steckt, ob wir fähig sind, gefühlsmäßig Erschautem

bleibende Form zu geben; – darauf kommt es zuletzt doch an.“72

„In der Fähigkeit, die Materie dem Ausdruck gefügig zu machen, besteht das Wesen

der Meisterschaft ...“73

Beide Sätze entstammen demselben Text Alt und Jung in der Musik aus dem Jahr 1924 und

formulieren eine reziproke Dialektik. Bändigung und künstlerische Fixierung des Auszu-

drückenden einerseits, andererseits ein Gefügigmachen der (bereits vorhandenen?) Materie

im Sinne des (zu erzielenden?) Ausdrucks – es erscheint sinnvoll, diese beiden Aussagen

nicht als Widerspruch, sondern als die zwei Seiten derselben Medaille anzusehen. Es bliebe

lediglich zu fragen, welches das Primat sein soll: das musikalische Material oder das Aus-

zudrückende.

An anderer Stelle findet sich folgende kurze Passage, die das eben Gesagte auf einer ande-

ren Ebene kontrapunktiert:

„Alles Echte ist unabsichtlich; je weniger wir daran denken, unser Gefühl zu systema-

tisieren, desto überzeugender gibt es sich kund.“74

Verhielte es sich tatsächlich so, wäre bewusste Formgebung folglich ein zumindest po-

tenziell problematischer Akt. Gerade die bedächtig-skrupulöse, von vielen Revisionen

gekennzeichnete Langsamkeit des Jarnachschen Schaffens aber widerspricht einer solchen

Interpretation. Es ist möglich, dass sich Jarnach hier eher gegen die Tendenzen zur kom-

positionstechnischen Systematisierung wendet, wie sie sich etwa in der Dodekaphonie

Schönbergs darstellte.

So bruchlos sich die Umwandlung Busonischer Ästhetik in Jarnachs eigene Überzeugung

in vielen Bereichen auch vollzieht: Für einen in sich selbst ‚brüchigen‘ Teilbereich der

‚Jungen Klassizität‘ – die Rolle des ‚Gefühls‘ – gilt dies nicht uneingeschränkt. Die „Idee,

71 Jarnach: Das Romanische in der Musik (1924). In: JS, S. 171.

72 Jarnach: Alt und Jung in der Musik (1924). In: JS, S. 169.

73 Jarnach: Alt und Jung in der Musik (1924). In: JS, S. 168.

74 Jarnach: Das Romanische in der Musik (1924). In: JS, S. 170.

dass Musik an und für sich Musik ist, und nichts anderes“75, kontrastiert bereits bei Busoni

mit dem Begriff „menschlichen Empfindens“76 in der Musik. Es ging Busoni einerseits um

Musik bar alles „Sinnlichen“, um ‚absolute Musik‘ im Sinne Hanslicks (ohne dass dessen

Name je ausgesprochen würde); andererseits findet sich in seinen Schriften nirgends eine

Entschärfung oder Präzisierung des Begriffes von jenen „menschlichen Empfindungen“.

Während Busoni das Schlagwort vom ‚Ausdruck‘ also meidet, gerät es bei Jarnach zu ei-

nem Schlüsselbegriff, der allerdings mitunter rückwirkend auf Busoni projiziert wird: Jar-

nach fand in der Musik seines Mentors

„das unverlierbare Beispiel einer Gestaltungskraft, die nur dem Ausdruck diente und

zugleich höchste Disziplin des Ausdrucks war.“77

Stil, Technik und äußere Form, so Jarnach im Jahr 1927, seien zeittypische und daher

durchaus vergängliche Merkmale einer Komposition:

„Was sich am Kunstwerk als allgemein gültig herauskristallisiert, sein Ausdrucksge-

wicht, wird durch örtliche oder stoffliche Gebundenheit [...] kaum beeinflusst.“78

Ein Gefühl, die Kraft des Erlebens, mithin das Ausdrucksproblem steht am Anfang; in der

fertigen Komposition soll bei aller Versachlichung und Klärung das ‚Ausdrucksgewicht‘

(ein Terminus, welcher sehr gut auf Kompositionen wie die Sturmnacht op. 15, die Sara-

bande op. 17 oder den Schlusssatz der Sonatina op. 18 zutrifft) spürbar sein.

Jarnachs eigene Musiksprache ist viel expressiver als diejenige Busonis. Dessen leichter

Spielcharakter findet sich nur in wenigen Werken Jarnachs, so etwa in der Flötensonatine

op. 12, im Sichlein op. 15 oder zu Beginn der zweiten Rhapsodie op. 20. Andere Sätze der

spielerisch-motorischen Sorte geraten Jarnach durchaus eckig – dies mag für die Mittelsät-

ze der Sonate für Violine solo op. 13 und der Sonatina op. 18 gelten. Insgesamt scheint Jar-

nach in der Frage des Ausdrucks mehr mit Schönberg gemeinsam zu haben.79 Mit Schön-

berg argumentiert Jarnach auch gegen die analytische Beschäftigung mit der Technik (siehe

Abschnitt I.3.6 Technisches) sowie gegen die Reklame der Komponisten in eigener Sache.

Die folgende, ebenfalls die Kategorie des Ausdrucks thematisierende Passage ist auf die

Musik Beethovens abgestellt, könnte aber durchaus auch als Beschreibung Webernschen

Komponierens gewertet werden. Interessant ist sie aufgrund der dargestellten Kausalität

von „Empfindungen“ und „musikalischer Idee“ (‚Einfall‘):

„Der schöpferische Gestaltungsprozess vollzieht sich aber nur nach Voraussetzun-

gen, die durch das Wesen der musikalischen Idee an sich gegeben sind. Wie diese,

gleichsam als eine Kristallisation von Empfindungen entsteht, die Form als ihr Gesetz

durchbildet, sich in fernste Konsequenzen bestätigt und mit immer reicherer Kraft des

Ausdrucks erfüllt: Das ist das Geheimnis des Genies, das niemand Rede steht.“80

Jarnachs eigene Musik ist in ihrer schwach konturierten Thematik, mit dem daraus resul-

tierenden Verzicht auf thematisch-motivische Arbeit anders angelegt. In ihr die aus den

‚musikalischen Ideen‘ abgeleiteten Gesetzmäßigkeiten einwandfrei zu erkennen, ist nicht

75 Busoni: Junge Klassizität. In: WEM, S. 36.

76 Busoni: Junge Klassizität. In: WEM, S. 37.

77 Jarnach: Bemerkungen zur Kunst Busonis (1932). JS, S. 43.

78 Jarnach: Die Musik und die Völker (1927). In: JS, S. 151.

79 Vgl. Weiss, S. 188ff.

80 Jarnach: Beethovenstudie (1927). In: JS, S. 89.

leicht. Der folgende Abschnitt wird die diesbezüglichen Konzepte Jarnachs zumindest auf

theoretischer Ebene zu klären versuchen.

I.3.5 Vom Einfall zur Form

Jarnach war im Großen und Ganzen ein ‚Affinitätsschreiber‘: Er beschäftigte sich in seinen

Texten überwiegend mit Themen, die in einer Beziehung zu seinem eigenen Musikdenken

standen. Ob es nun um die Musik Beethovens, Strawinskys oder Schönbergs oder um die

Musikästhetik Busonis geht: Stets ist in diesen Texten der Autor Jarnach präsent, meistens

sogar wertend. Diese Anverwandlung fremden Gedankenguts zu eigenen argumentativen

Zwecken beginnt bereits bei der Interpretation kompositorischer oder theoretischer Sach-

verhalte. Objektivität darf hier nicht erwartet werden, schließlich schreibt Jarnach nicht als

Musikwissenschaftler. Für eine derartige, mindestens halbbewusst betriebene Amalgamie-

rung fremder und eigener Anschauungen spricht, dass Jarnachs Argumentationen insge-

samt sehr ähnlich verlaufen – ob er nun über Busoni oder Mozart, über die zeitgenössische

Musik in Deutschland und Österreich oder das ‚Romanische‘ in der Musik schreibt.

Wenn Jarnach im Folgenden mit dem ‚Einfall‘ den Ausgangspunkt eines Werkes be-

schreibt, wie er es bei Busoni beobachtet hatte, so wird die Definition auch auf sein eigenes

Komponieren zutreffen. Jarnach berichtet,

„dass der ‚Einfall‘ bei Busoni zunächst an keine bestimmte Klangvorstellung geknüpft

ist; diese ergibt sich von selbst durch intensive Konzentration, als natürlicher, voll-

kommen adäquater Ausdruck einer zum Erlebnis gesteigerten Empfindung.“81

Bemerkenswert an dieser Aussage ist, dass der ‚Einfall‘ als eine vormusikalische Kategorie

angesehen wird, deren erster Grund eine „Empfindung“ ist. Die Ausarbeitung des ‚Einfalls‘

erfährt in dem Zitat eine seltsame Paraphrase („...ergibt sich von selbst...“) und mündet wie

selbstverständlich in einem „vollkommen adäquaten“ Ausdruck. Von einer wirklichen Aus-

arbeitung, von Revisionen und Neuanfängen ist hier nicht die Rede. Festzuhalten bleibt

die aus dieser Beschreibung ableitbare chronologische Sukzession von ‚Empfindung‘ 

‚Erlebnis‘  (vormusikalischem) Einfall  Klangvorstellung. Eine solche stringente Kau-

salität

„führt naturgemäß zu einer strengeren Kontrolle des Einfalls; der gedankliche Kern

muss soviel Kraft besitzen, Thematik, Klang und Form als ein Ganzes gleichsam

auszustrahlen.“82

Diese Konzeption überträgt Jarnach in seiner Beethovenstudie von 1927 auf die Musik

Beethovens – ein weiteres Beispiel für die oben beschriebene Eigenart Jarnachs, relativ

unabhängig vom jeweiligen Gegenstand ähnliche Konzepte zu formulieren. Und so heißt

es in der Beethovenstudie:

„Der musikalische Einfall – nicht unbedingt mit dem Begriff des Themas zu identifi-

zieren – ist ein Einmaliges, das seine eigene Gesetzmäßigkeit in sich trägt, der Träger

einer extensiven Kraft, aus welcher ein Tongefüge organisch erwächst.“83

81 Jarnach: Das Stilproblem der neuen Klassizität im Werke Busonis (1921). In: JS, S. 36.

82 Jarnach: Bemerkungen zur Kunst Busonis (1932). In: JS, S. 44.

83 Jarnach: Beethovenstudie (1927). In: JS, S. 90.

Zwei Wendungen dieses kurzen Zitats seien hervorgehoben: zum einen die explizite be-

griffliche Trennung von ‚musikalischem Einfall‘ und ‚Thema‘ (einerseits wirkt hier der von

Busoni postulierte ‚Abschied vom Thematischen‘ nach, andererseits ist die Vermeidung

einer Festlegung auf den Begriff des Themas ein Zeichen für begriffliche Vagheit), zum

anderen die von Busoni ererbte Ansicht, dass der Einfall die zur Realisierung des erstrebten

Ausdrucks brauchbaren technischen Mittel selbsttätig auswählt. Dergestalt rücken „auch

technische Probleme noch in die Sphäre des Schöpferischen“84. Die Form ist somit die letz-

te Konsequenz eines Komponierens, das in jedem Augenblick auf eine Idee, den ‚Keim‘

zurückzuführen ist. Dieses ‚Organismusmodell‘ musikalischer Strukturen war in den zwan-

ziger Jahren gewissermaßen Allgemeingut, wie eine Äußerung des Musikwissenschaftlers

Hans Mersmann zeigt85 – und natürlich hatte es in der Wiener Schule eine grundlegende

Bedeutung.

Der Rekurs auf traditionelle Gestaltungsprinzipien ist für Jarnach auch aus einem anderen

Grund keine Lösung für formale Probleme:

„Die Form entspringt lebendigem Empfinden, sie ist ein Erlebnis, integrierender Teil

der Idee. – Will ich Musik gestalten, so darf ich nicht die formale Verantwortung auf

überlieferte Schemen schieben; sondern ich muß diese Verantwortung selber tragen.

[…] In der Musik gilt nur die Logik des Gefühls.“86

Wenn die Form integrierender Teil der Idee (und damit notwendige Konsequenz des Ein-

falls) ist, ist allein der Komponist für sie verantwortlich. Die „Logik des Gefühls“ dagegen

ist eine weitere rätselhafte Formulierung Jarnachs, die in weiteren Zitaten enthalten ist,

ohne sich jemals zu klären. Wenn das ‚Gefühl‘ aber als Oberbegriff für die Kategorien

‚Empfindung‘ und ‚Erlebnis‘ stehen sollte, dann besäße die Reaktionskette Erlebnis  Ein-

fall (als natürlicher Ausdruck desselben)  Form eine gewisse Stringenz.

Der Begriff des ‚Gefühls‘ wird von Jarnach noch in ein verwandtes Verhältnis gesetzt:

„Wer ihn [Busoni] verstanden hatte [– und das nahm Jarnach sicherlich für sich in An-

spruch –], lernte die Form nicht als Gerüst, sondern als Erlebnis zu sehen, Ebenmaß

der Proportion und Ökonomie im Ausdruck als Gefühl zu werten.“87

Die „Form […] als Erlebnis“ ist eine inhaltlich elliptische Konstruktion, deren Komplettie-

rung wohl ‚Form als Konsequenz eines Erlebnisses‘ heißen könnte.

Einige Absätze früher war im gleichen Aufsatz zu lesen, Busoni habe

„... immer und stets den Sieg des Gefühls über jede spekulative Stil- und Forman-

schauung, den endgültigen Sieg der Melodie über jede noch so verfeinerte Kompositi-

onstechnik verkündet.“88

Die Kombination der Begriffspaare ‚Gefühl‘ – ‚Melodie‘ sowie ‚spekulativ‘ – ‚verfeinert‘

ist nicht selbsterklärend und scheint recht willkürlich. Wo steht schließlich geschrieben,

dass ein aus der Empfindung gespeister Einfall unbedingt in eine lineare Klagvorstellung

münden muss?

84 Jarnach: Bemerkungen zur Kunst Busonis (1932). In: JS, S. 44.

85 Vgl. Mersmann 1928, S. 47.

86 Jarnach: Das Romanische in der Musik (1924). In: JS, S. 172.

87 Jarnach: Bemerkungen zur Kunst Busonis (1932). In: JS, S. 44.

88 Jarnach: Bemerkungen zur Kunst Busonis (1932). In: JS, S. 43.

Ich habe in den vorigen Absätzen versucht, eine Genealogie der ‚Form‘, so wie Jarnach

sie versteht, nachzuzeichnen. Die dabei auftretenden Schwierigkeiten liegen vornehmlich

in der verschwommenen Sprache Jarnachs begründet, zum Teil aber auch in nicht immer

zwingend logischen Schlüssen. Bei Ernst Kurth liegen die Verhältnisse viel einfacher:

Form ist in Kurths Aufsatz Der musikalische Formbegriff von 1925 schlicht als Konse-

quenz des „inneren Formwillens“ beschrieben. Entscheidend könne dabei übrigens nicht

sein, ob sie regelmäßig gebaut sei:

„Künstlerische Vollendung der Form hat mit Regelmäßigkeit oder Unregelmäßigkeit

nichts zu tun; auch eine unregelmäßige kann als der einzig richtige Ausdruck der be-

sonderen Art jenes inneren Formwillens entsprechen.“89

Dem Komponisten Philipp Jarnach wurde seitens der Kritiker stets ein großes formales Ta-

lent nachgesagt; im ‚Schlepptau‘ solcher Zuschreibungen ist immer wieder der Verweis auf

Jarnachs spanisch-französische, mithin ‚romanische‘ Herkunft zu finden. Gebeten, über das

‚Romanische‘ Auskunft zu geben, zögert Jarnach ein wenig, die gemeingültige Bedeutung

des Begriffs zu bestätigen, später aber ist folgende Definition zu lesen:

„Dies ist das lateinische Symbol: das Prinzip einer Kunst, die das Leben unbefangen

wahrnimmt, es aber in die Maße harmonischer Synthesen einfängt, einer Kunst, die

technische Willkür, die Gebärde, Konvention und Übertreibung verwirft und danach

trachtet, alles subjektiv Empfundene mit plastischer Klarheit zu versinnbildlichen.“90

Fazit: Jarnachs Einlassungen zu Einfall und Form kommen nie ohne den Begriff des ‚Ge-

fühls‘ aus. Sie präsentieren in ihrer Gesamtheit eine chronologische wie kausale Kette

Empfindung‘/‚Gefühl‘  vormusikalischer ‚Einfall‘  musikalische ‚Idee‘  Form als

integraler, nun entfalteter Bestandteil des Einfalls. Daraus folgt das Bekenntnis zur indivi-

duellen, organischen und deshalb gerne auch unregelmäßigen Form, die nicht auf traditio-

nelle Schemata zurückgreift.

I.3.6 Technisches

„Das Wesen der Musik ist Offenbarung, es lässt sich

keine Rechenschaft davon geben, und die wahre mu-

sikalische Kritik ist eine Erfahrungswissenschaft.“91

Philipp Jarnach scheint sich mit dieser von ihm selbst zitierten Einschätzung Heinrich Hei-

nes gern identifiziert zu haben. Bereits drei Jahre früher formulierte er:

„Was wir Technik nennen, das Ergebnis einer langen, harten Auseinandersetzung mit

der Materie, ist eine persönliche Angelegenheit des Künstlers, die sein Verhältnis zur

Außenwelt nicht berührt.“92

89 Kurth 1925, S. 365.

90 Jarnach: Das Romanische in der Musik (1924). In: JS, S. 172f.

91 Heinrich Heine in einem Brief an August Lewald vom Mai 1837, zitiert nach Philipp Jarnach: Die zeitgenössische

Musik in Deutschland und Österreich (1924). In: JS, S. 139.

92 Jarnach: Das Stilproblem der neuen Klassizität im Werke Busonis (1921). In: JS, S. 35.

Diese Äußerung Jarnachs liest sich darüber hinaus wie ein Reflex des berühmten Schön-

berg-Wortes aus dem Brief an seinen Schüler, den Geiger Rudolf Kolisch:

„Ich kann gar nicht oft genug davor warnen, diese Analysen [gemeint sind hier Analy-

sen dodekaphoner Strukturen] nicht zu überschätzen, da sie ja doch nur zu dem führen,

was ich immer bekämpft habe: Zur Erkenntnis, wie es gemacht ist; während ich immer

zu erkennen geholfen habe: was es ist!“93

Tatsächlich verhält es sich mit der Chronologie andersherum: Jarnachs Zitat stammt aus ei-

nem Aufsatz über Busoni aus dem Jahr 1921; Schönbergs Verärgerung machte sich erst elf

Jahre später Luft. Anders als Schönberg, der die von ihm entwickelte Dodekaphonie – im-

merhin eine gewaltige kompositionstechnische Errungenschaft – ungern öffentlich thema-

tisiert wissen wollte, ist Jarnachs auf die Kompositionstechniken bezogene Auskunftsun-

willigkeit möglicherweise auf einen ‚Innovationsrückstand‘ zurückzuführen. Unmöglich

nämlich konnte Jarnach übersehen haben, dass zahlreiche seiner Kollegen systematisch

nach neuen musikalischen Ausdrucksmöglichkeiten und Verfahrensweisen suchten. In der

Dodekaphonie, der Beschäftigung mit Vierteltönen oder mit der Nutzbarmachung der Folk-

lore wurden fruchtbare Ansätze deutlich, manche von Ihnen machten gar Schule.

Gerade die Systembildung war Jarnach, der weder als Komponist noch als Kompositions-

lehrer je eine Schulenbildung beabsichtigte, suspekt. Zwar begrüßte er die Exploration und

Entwicklung neuer Mittel,

„... aber ihre systematische und alleinige Anwendung kann […] nur den Eindruck me-

chanischer Trivialität hervorrufen ...“.94

Diese Kritik aus dem Jahr 1924 war vor allem noch auf „Übertreibungen der Atonalität“

gemünzt, die „unvermeidliche Folge einer „Allgemeinen Stilkrise“95 seien. Drei Jahre spä-

ter konnte Jarnach Entwarnung geben: Die neue Musik habe „ihre Krise überwunden und

sich vom Spekulativen immer mehr entfernt.“96 In der Schrift Die Musik und die Oper von

1930 zog Jarnach eine Bilanz:

„Der krisenhafte Aufruhr der Musik verebbt. Lärmende Mitläufer sind verstummt und

‚Richtungen‘ erledigt, – dogmatische Intransigenz hat einem Entwicklungsbewusst-

sein Platz gemacht, das die Zusammenhänge weiterführen, nicht mehr auslöschen

will.“97

In Jarnachs von den zahlreichen Strömungen der Zeit scheinbar unbeeindrucktem Mu-

sikkonzept war Busoni der Fels in der Brandung. Bei ihm, so Jarnach, habe sich niemals

Technisches in den Vordergrund geschoben:

„Hier war keine ‚Richtung‘, keine Manier oder Formel zu finden, die man hätte nach-

bilden können, sondern das unverlierbare Beispiel einer Gestaltungskraft, die nur dem

Ausdruck diente und zugleich höchste Disziplin des Ausdrucks war.“98

93 Brief Schönbergs an Rudolf Kolisch vom 27.7.1932. In: J. Rufer: Das Werk Arnold Schönbergs. Kassel 1959, S. 131f.

94 Jarnach: Die zeitgenössische Musik in Deutschland und Österreich (1924). In: JS, S. 139.

95 Jarnach: Die zeitgenössische Musik in Deutschland und Österreich (1924). In: JS, S. 139.

96 Jarnach: Die Musik und die Völker (1927). In: JS, S. 151.

97 Jarnach: Die Musik und die Oper (1930). In: JS, S. 161.

98 Jarnach: Bemerkungen zur Kunst Busonis (1932). In: JS, S. 43.

Im Rückblick hat Philipp Jarnach die Bedeutung wenigstens der Dodekaphonie nicht mehr

leugnen können – schließlich hatte er selbst zahlreiche Versuche mit der seriellen Schreib-

weise unternommen. Noch die ganz späten, mit bereits zitternder Feder geschriebenen

Skizzen99 zeugen davon, dass Jarnachs Auseinandersetzung mit der Dodekaphonie nie in

einen abschließenden Negativbefund gemündet war.

Auf der anderen Seite hielt Jarnach diese Technik noch im Abstand von etwa vierzig Jahren

nach ihrer Vorstellung für problematisch:

„Die Dodekaphonie ist die Lehre vom Gleichgewicht der Klänge, und von der techni-

schen Seite gesehen wird sie immer eine sehr große Bedeutung behalten. Als absolutes

Kompositionsprinzip angewandt, gerät sie jedoch in Konflikt mit dem Problem der

Form, das sie nahezu unlösbar macht.“100

Jarnach erkannte allerdings nicht nur die Formproblematik der Dodekaphonie: In einem

seiner Skizzenheft findet sich eine Auseinandersetzung mit Arnold Schönbergs viertem

Streichquartett von 1936. Jarnach kommentiert abschließend mit rotem Kugelschreiber:

„Die Reihe wirkt nicht als Einfall (wie Schönberg fordert) sondern starr konstruiert,

und sie hat nur wenig gute akustische Möglichkeiten. […] Von wenigen Stellen abge-

sehen bringt das ganze Quartett keine Aufwärts-Entwicklung nach dem Bläserquintett.

[…] Der sensible Klangkünstler von ehedem hat hier jeden Klangausdruck einem ei-

gensinnig starren Prinzip geopfert – ohne jeden Gewinn!“101

In einem Text über Anton Webern von 1972 äußerte Jarnach seine Bewunderung für We-

berns frühe Miniaturen und bezeichnete sie als bedingungslose Ausdrucksmusik. Weberns

spätere Hinwendung zur strengen Dodekaphonie konnte er hingegen schwer nachvollzie-

hen:

„An Stelle reizvoller Klangbilder tritt jetzt vielfach öde Kombinatorik, ein freudloses,

phantasiearmes Spiel mit Intervallen, das nur selten Interesse erweckt und trotz der

Kürze der Sätze langweilig wirkt.“102

Aus all diesen Zitaten könnte der Eindruck hervorgehen, Jarnach habe gar keine eigenen,

kompositionstechnische Dinge betreffende Bestrebungen verfolgt. Dem ist nicht so – zu-

mindest nicht ganz, denn ein großes, von Busoni ererbtes Thema kennen seine Schriften

schon: Es ist die Wiedergeburt der Linie als Ausgangspunkt einer jeden Komposition. Bu-

soni hatte mit dem

„Wiederergreifen der Melodie [...] als Trägerin der Idee und Erzeugerin der Harmonie,

kurz: der höchst entwickelten (nicht kompliziertesten) Polyphonie“103

einen Grundsatz für zukünftiges kompositorisches Schaffen formuliert. Bei Jarnach fin-

det sich dieser Punkt fortgesponnen, wenn er Busoni als den Verkünder des „endgültigen

Sieg[es] der Melodie über jede noch so verfeinerte Kompositionstechnik“ beschreibt.104

99 Vgl. JD 72 (Kiste 7 des Nachlasses in der Staatsbibliothek Berlin), ‚Skizzenheft 4‘ (DIN A3, braun mit grüner Plastik-

ringbindung): Hier finden sich neben vielen Reihenaufstellungen auch eine Analyse der C-Dur-Fuge aus Mozarts Phanta-

sie Nr. 1 KV 394, ein zwölftönig vierstimmiger Satz über das BACH-Motiv sowie kurze Versuche mit Dreitonmotiven.

100 Jarnach: Arnold Schönberg (1971). In: JS, S. 115

101 Vgl. JD 72 (Kiste 7 des Nachlasses in der Staatsbibliothek Berlin), graues Skizzenheft DIN A4 mit roter Plastikring-

heftung.

102 Kraemer, S. 215f.

103 Busoni: Junge Klassizität, WEM, S. 35.

104 Jarnach: Bemerkungen zur Kunst Busonis (1932). In: JS, S. 43.

Auch der von Jarnach paraphrasierte Entwurf einer Schreibweise,

„in welcher die Harmonie nicht mehr bestimmend und begrenzend auf den melodi-

schen Strom einwirkt, sondern umgekehrt die Melodie als Bewegungsenergie den ak-

kordlichen Widerstand durch größere Spannkraft bricht und ihre Linie behauptet“105,

geht über Busoni hinaus, indem die Harmonik explizit als Hemmnis melodischer Entfal-

tung genannt wird. Im Zusammenhang mit einer Betrachtung der zeitgenössischen Mu-

sik106 definierte Jarnach die „Wiedergeburt des Rhythmus und der Melodie“ als Ziel vieler

verschiedener Strömungen in der Musik. Selbstverständlich spielte hier auch die Beschäfti-

gung mit Ernst Kurths Grundlagen des Linearen Kontrapunkts eine Rolle. Jarnach war der

Ansicht, Kurth werde dahingehend missverstanden, dass er einen ‚atonalen Kontrapunkt‘

legitimiere. Das sei so unrichtig wie unsinnig, denn:

„einem Kontrapunkt, der vollständig ohne tonale Bezüge ist, würde kein anderes Mit-

tel übrig bleiben als rhythmische Wechsel, inmitten derer die melodische Linie jedes

plastische Relief verlöre.“107

Wie nun das komplexe wechselseitige Verhältnis von horizontaler und vertikaler Ebene

wirklich gelagert sein sollte, erfährt der Leser dieser Zeilen nicht. Im linearen Kontrapunkt

ist die Linie zwar nicht „der harmonischen Kadenz untergeordnet“; andererseits aber grün-

det sie sich nach Jarnachs Kurth-Verständnis „gänzlich auf das System der tonalen Kräfte“.

Was mit den ‚tonalen Kräften‘ gemeint sein könnte, kann kaum geklärt werden, verzichten

doch die meisten Kompositionen Jarnachs gänzlich auf tonale Zentren.

Bei aller Unverbindlichkeit in den Äußerungen zu kompositionstechnischen Dingen exi-

stiert glücklicherweise ein Dokument, welches immerhin einen kleinen Einblick in konkre-

te technische Sachverhalte erlaubt. Im Nachlass Philipp Jarnachs findet sich eine mehrseiti-

ge Skizze, welche von einer Beschäftigung des Komponisten mit neuen akkordischen Kon-

stellationen zeugt.108 Diese Aufstellung gehört zu einem Konvolut schwer einzuordnender

Skizzen und Entwürfe und trägt weder Titel noch Datierung. Eine Veröffentlichung der

alles in allem wenig spektakulären wie unvollständigen Darlegung harmonischer Phänome-

ne war wohl auch nicht intendiert – Jarnach war, wie bereits dargelegt – an einer Kommu-

nikation kompositionstechnischer Grundlagen seiner Musik nicht interessiert. Wozu diese

Aufstellung aber wirklich diente, muss unklar bleiben.

In diesem kurzen Dokument finden sich vor allem Notenbeispiele und knappe Ausführun-

gen zu drei verschiedenen Akkordtypen: den sogenannten „tonalen Mischklängen“, den

„autonomen Quartklängen“ sowie den „autonomen Klängen“.109 Die etwas verwirrende

Terminologie wird durch die eindeutigen Notenbeispiele aufgewogen, sodass die folgende

Zuordnung wenig Fragen offenlässt:

1. „Tonale Mischklänge – Funktionsakkorde mit Hinzu-

fügung der Sekunden zum Grundton, zur Terz u. Quinte“

105 Jarnach: Das Stilproblem der neuen Klassizität im Werke Busonis (1921). In: JS, S. 36.

106 Jarnach: Die zeitgenössische Musik in Deutschland und Österreich (1924). In: JS, S. 139.

107 Jarnach: Die zeitgenössische Musik in Deutschland und Österreich (1924). In: JS, S. 145.

108 JD. 72, Kiste 8, graublaues Skizzenheft DIN A4+.

109 Die Reihenfolge der Akkordtypen ist in den Skizzen eine andere.

Das Notenbeispiel erklärt sich weitgehend von selbst; Jarnach gibt zu einigen der sche-

matisch vorgeführten Akkordbildungen sogar Beispiele für mögliche wohlklingende Ak-

kordstrukturen (sie befinden sich stets in weiter Lage). Durchgehend geschieht dies bei den

noch komplexeren, ebenfalls auf dieser Skizzenseite formulierten Akkorden mit drei hinzu-

gefügten Sekunden:

Es sind dies klanglich bereits sehr dissonante Akkorde, deren Struktur kaum durchhör-

bar ist. Man darf daher gespannt sein, welche dieser Klänge in Jarnachs Kompositionen

wirklich Verwendung finden. Immerhin ist evident, dass es Jarnach in erster Linie um die

akustische Anreicherung traditioneller Dreiklänge ging und eine Legitimation dieser Vorge-

hensweise (durch lineare Verläufe oder serielle Dispositionen) überhaupt nicht angestrebt

wurde. In diesem Zusammenhang enthüllt die explizit formulierte (und überaus berechtig-

te) Sorge Jarnachs, die „tonale Wirkung des Dreiklangs“ könnte über diese Operationen

verloren gehen, den Zwiespalt, in dem sich der Komponist befand: Zum einen war Jarnach

offenbar nicht gewillt, die Terzenschichtung als Grundlage der Akkordbildung aufzugeben,

zum anderen wünschte er sich eine Schärfung der Harmonik. In diesem Ansinnen – und

nur in diesem – besteht eine Verbindung zu harmonischen Phänomenen bei Strawinsky,

wie sie sich besonders in Pulcinella (1920), dem Schlüsselwerk des musikalischen Neo-

klassizismus‘, äußern.

Zu diesem konservativen Ansatz, die traditionelle Dreiklangsharmonik anzureichern und

zu schärfen, passt eine Passage aus einem Beitrag Jarnachs zu einer Kölner Hochschul-

schrift von 1928:

„Die gehörsmäßige Auseinandersetzung mit den [neuartigen] Mehrklängen muss aber

die Erkenntnis zeitigen, dass sie (ebenso wie die Drei- und Vierklänge) nichts anderes

sind als das Ergebnis einer allmählichen Erweiterung ein und desselben harmonischen

Begriffs, wie schon rein theoretisch jede Quarten- oder Intervallenkonstruktion [sic]

sich auf die Terzgestalt zurückführen lässt.“110

Jarnach stand mit dieser Ansicht übrigens nicht allein da. Auch Schönberg erwähnt in sei-

ner ‚Harmonielehre‘ etwa die Möglichkeit, vier- und fünfstimmige Quartenakkorde „durch

Alterierung aus dem Terzensystem“ herzustellen.111 Überhaupt scheint es, als habe sich

Jarnach in seinem Nachdenken über Quartenakkorde zunächst an Schönberg orientiert. Das

zeigen zumindest die vierte und fünfte Seite seiner harmonischen Skizzen.

2. „Tonale Beziehungen der autonomen Quartklänge (außerhalb der harm. Regel)“

Quartenakkorde wurden erstmals 1911 durch Schönberg (Harmonielehre) theoretisch ge-

fasst. Prominent wurden diese Akkorde bei Mahler, im Jochanaan-Thema aus Strauss‘

Salome und später bei Debussy. Mindestens gleichzeitig, „vielleicht sogar früher“112 als bei

Debussy finden sich nach Aussage Schönbergs Quartenakkorde in seinen eigenen Kompo-

sitionen angewendet, namentlich in Pelleas und Melisande von 1902. In seiner Kammer-

sinfonie Nr. 1 op. 9 (1906) greift die Quartenschichtung auch auf die horizontale Ebene

über:

Dieses Notenbeispiel findet sich auf Seite 482 von Schönbergs Harmonielehre und auf

Seite 5 von Jarnachs harmonischen Skizzen.113 Das ist allerdings nicht die einzige Parallele

zwischen den beiden ungleichen Dokumenten. Wie Schönberg vor ihm, so hat auch Jar-

nach versucht, die Quartenakkorde in einen harmonischen Kontext einzubinden.

110 Jarnach: Zur Interpretation der modernen Musik (1928). In: JS, S. 158.

111 Schönberg 1966, S. 483f.

112 Schönberg 1966, S. 480.

113 Das hier wiedergegebene Beispiel folgt Jarnachs Übertragung im Skizzenheft.

Als erster Schritt führt Jarnach (wie Schönberg auch114) einige Auflösungen des dreistim-

migen Quartenakkords vor115:

Wenn es einen Unterschied zwischen den Beispielen Jarnachs und Schönbergs gibt, so

liegt er durchgängig in einer stärker chromatischen Stimmführung bei Schönberg. In einem

Punkt sind die Quartenakkord-Aufstellungen bei Jarnach umfassender: Während Schön-

berg in seinen Notenbeispielen nur grundstellige, das heißt mit reiner Quartenstruktur

versehene Konstellationen angibt (wiewohl er andere Strukturen beschreibt), präsentiert

Jarnach auch mögliche Umkehrungen. Hier sind es sechstönige Quartenakkorde in Umkeh-

rungen und ihre jeweiligen Auflösungen:

In der prinzipiellen Auffassung, dass Quartenakkorde auf irgendeine Weise aufgelöst wer-

den müssten, stimmen Jarnach und Schönberg überein. Anders als Schönberg befasste sich

Jarnach allerdings auch mit vier-, fünf- und sechsstimmigen Sukzessionen reiner Quarten-

akkorde. Die folgenden, in ihrer Stimmführung recht klassischen, klanglich aber dem Jazz

nahestehenden Sätze wurden von Jarnach mit der Angabe des „konstruktiven Fundaments“

versehen (der Begriff des ‚Grundtons‘ wird vermieden):

Trotz dieser Experimente Jarnachs ist nicht zu bestreiten, dass Schönberg in Bezug auf die

Quartenakkorde eine weitaus größere theoretische Durchdringung anstrebt. In der Quarten-

schichtung sieht Schönberg vor allem die Möglichkeit, alle denkbaren Akkorde herzustel-

len, ohne das Werkzeug der Alteration zu bemühen. Schließlich lassen sich mit der Verket-

tung von Quarten (anders als mit der Terzschichtung) alle zwölf Töne der chromatischen

Leiter erreichen.116

114 Schönberg 1966, S. 483.

115 Die eigentümliche Anordnung der Bögen folgt Jarnachs Skizze.

116 Schönberg 1966, S. 485ff.

Im Unterschied dazu stellen Quartenakkorde (wie auch die Mischklänge) für Jarnach vor

allem eine Möglichkeit dar, das harmonische Repertoire zu erweitern. Dabei seien die neu-

en Akkorde keineswegs anders zu behandeln als die traditionellen. Im Kompositionsunter-

richt, so Jarnach, wäre etwa zu demonstrieren,

„... dass die Grundgesetze der harmonischen Formung hier wie dort die gleichen sind,

und dass die neuen Zusammenklänge, so ungewohnt oder befremdlich sie zuerst er-

scheinen, keineswegs die Ausschaltung des tonalen Hörens voraussetzen, dasselbe

vielmehr ebenso stark bestätigen, wie die kadenzierende Diatonik.“117

3. „Autonome Klänge (ohne tonale Zentralität oder Stressigkeit)“

Diese Kategorie (sie findet sich auf der zweiten Seite der harmonischen Skizzen) umfasst

Akkorde, welche gemeinhin als ‚atonal‘ bezeichnet werden und deren Grundlage äußerlich

nicht in der Terzen- oder Quartenschichtung zu sehen ist. Jarnachs Beispiele sind hier äu-

ßerst knapp gehalten:

Wiederum also sieht Jarnach untergründig die Intervalle Terz und Quarte am Werk. In die-

sem Punkt unterscheidet sich sein Konzept nicht von demjenigen Schönbergs, der seine

einst frei und ungebunden atonale Harmonik theoretisch stabilisieren wollte, unter anderem

eben mithilfe der produktiven Kraft unvollständiger Umkehrungen von Quartenakkorden.

Unter Jarnachs Kategorie der ‚autonomen Klänge‘ fallen auch „sogenannte Polyharmoni-

en“: das knappe Notenbeispiel bietet allerdings nicht mehr als die Abbildung zweier Bihar-

monien (C-Dur + Fis-Dur sowie C-Dur + Des-Dur; letztere Konstellation erkennt Jarnach

als den ‚Mischklängen‘ verwandt). Bemerkenswert ist schließlich, dass – anders als im

Fall der Quartenakkorde – im Fall der ‚autonomen Klänge‘ Möglichkeiten ihrer Auflösung

nicht exerziert werden.

Mit Ausnahme der zuletzt beschriebenen harmonischen Skizzen sind Philipp Jarnachs

Konzepte in kompositionstechnischen Belangen eher vage und wenig detailliert. Insgesamt

kristallisieren sich zwei wichtige Positionen heraus. Zum einen wendet sich Jarnach gegen

spekulative, auf dogmatische Systembildung abzielende Formanschauung, zum anderen

greift er die von Busoni vorformulierte Wiedererstehung der Linie als Primat zukünftigen

Komponierens auf. Jarnachs Aufstellung harmonischer Phänomene ändert in ihren wenig

systematischen und teilweise von Schönberg ererbten Umrissen daran wenig.

117 Jarnach: Zur Interpretation der modernen Musik (1928). In: JS, S. 159.

II.

SONATINE FÜR FLÖTE UND KLAVIER OP. 12

(1919)

II.1 Einleitung

Entstanden vermutlich im Herbst 1919; verlegt 1920 bei Robert Lienau, Berlin; „Herrn A. Biolley in Zürich

zugeeignet“; die öffentliche Uraufführung fand am 4. November 1920 in der Züricher Tonhalle statt, der Flö-

tist Jean Nada wurde dabei von Walter Frey begleitet.

Die Sonatine für Flöte und Klavier op. 12 gehört mit den ersten beiden Liedern aus op. 15

(sie waren 1918 und 1919 entstanden) noch zur Schweizer Schaffensphase Jarnachs. Insge-

samt wurden aus den Jahren 1914–1921 nur drei Werke in Druck gegeben: Es waren dies

das Streichquintett (1918), die Sinfonia brevis (1919) und eben die Sonatine für Flöte und

Klavier.

Widmungsträger der Flötensonatine war der Züricher Bankier Albert Biolley, dessen Be-

kanntschaft Jarnach seinem Mentor Ferruccio Busoni verdankte. Bereits 1916 hatte Busoni

dem musikalischen Bankier ein ‚Albumblatt‘ gewidmet, das einige signifikante Paralle-

len mit Jarnachs Komposition aufweist. Hierüber wird am Ende dieses Kapitels in einem

Nachtrag zu sprechen sein.

Aus den Skizzen118 geht hervor, dass

die Sonatine für Flöte und Klavier

op. 12 ursprünglich mindestens

zweisätzig konzipiert war. Der kurze

Entwurf des Beginns zum zweiten

Satz zeigt im Klavier eine signifikan-

te Übereinstimmung mit dem Lied

Sichlein op. 15 Nr. 2.

Skizze des zweiten Satzes, Beginn

Wie im Fall der Sinfonia brevis beließ es Jarnach jedoch bei einem einzigen Satz.

Die erste nachweisbare Aufführung der Sonatine fand am 18. Oktober 1920 in privatem

Rahmen statt. Bereits hier übernahm der Solist der eigentlichen Uraufführung, Jean Nada,

den Flötenpart; der Name des Pianisten wird nicht erwähnt.

118 Vgl. JD 72 (Kiste 8 des Nachlasses in der Staatsbibliothek Berlin), orangefarbene Mappe mit einzelnen Blättern,

vorletztes Blatt (Züricher Papier, DIN A4+, etwas breite Feder). Der Entwurf trägt die Überschrift „Flötensonatine – An-

dante Penseroso“.

II.1.1. Zeitgenössische Rezensionen

Den ausgewählten Rezensionsausschnitten der Jahre 1922/23 ist eine Selbstäußerung Jar-

nachs zu seiner Sonatine op. 12 vorangestellt:

a) Allgemeine Musik-Zeitung 49/21–22 (2. 6. 1922), S. 469; Philipp Jarnach:

„Es ist ein kurzes, einsätziges Stück, welches bei aller scheinbaren Freiheit die Sona-

tenform streng wahrt. Der Satz entwickelt sich aus einer breiten lyrischen Einleitung

zu einem phantastischen Reigen und schließt in der Anfangsstimmung.“

b) Die Musik, Februar 1923 (Sign. 15,1.1922/23), S. 388; Carl Heinzen:

„Arthur Schütze, ein tüchtiger Flötist, erneute die Bekanntschaft mit einer ganz ent-

zückenden knapp gehaltenen Sonatine von Philipp Jarnach.“

c) Allgemeine Musik-Zeitung 49/25, (23. 6. 1922), S. 565; Paul Schwers:

„Zwischen den größeren Werken hörte man noch eine kurzgefasste Komposition des

aus Spanien gebürtigen, neuerdings bei uns mehrfach mit Achtung genannten Philipp

Jarnach. Diese einsätzige Miniatur- Sonatine für Flöte und Klavier hat ihren eigenen

Unterklang; man empfindet deutlich den Einfluss eines fremden Klimas, gibt sich der

weichen, dämmerigen Stimmung dieser über gebrochenen Harmoniefarben geführten

Melodik gern hin und bezeugt den sauberen Spielern, dem geschmackvollen Soloflö-

tisten des Düsseldorfer Orchesters Arthur Schütze und dem Komponisten selbst, voll

und freudige Anerkennung.“

d) Musikblätter des Anbruch, Nov. 1923, S. 261; Hugo Leichtentritt:

„Die Sonatine für Flöte und Klavier ist ein feingliedriges Klangstück von eigentümlich

romanischer Grazie, bis in die äußersten Spitzen der Konturen sorgsam durchgearbei-

tet und spirituell durchleuchtet.“

e) Die Musik 16/1 (Oktober 1923), S. 54; Adolf Weißmann:

„Unter Deutschen oder mindestens deutsch Gerichteten kann man nur Philipp Jarnach

einen der Form nach Fertigen nennen; aber es ist klar, dass auch in ihm noch romani-

sches Formgefühl so stark wirkt, dass selbst alles Problematische von diesem aufgeso-

gen wird. Die Flötensonatine, ein zartes Pastell, ist aber zu wenig charakteristisch für

Jarnach, um an solcher Stelle die Art des Musikers zu beweisen.“

f) Anbruch 4/11-12 (Juni 1922), S. 184; Paul Stefan

„... eine Flötensonatine des hochbegabten und besonders mit dem romanischen Form-

gefühl begabten Spaniers Ph. Jarnach (Busoni-Schule, von dem Düsseldorfer Flötisten

A. Schütze ausgezeichnet geblasen) ...“

g) NMZ 43/19 (22. 6. 1922), S. 302; Hugo Holle:

„An Philipp Jarnachs einsätziger Sonatine für Flöte und Klavier op. 12 werden die

Flötisten ihre Freude haben, da sich ihnen hier ein modernes und wertvolles Werk

bietet, das, im Stil und aus dem Geist ihres Instruments erfunden, ausdrucksvoll und

spieltechnisch ergiebig und erfreulich zugleich ist, ohne in den üblichen blassblauen

Wald- und Wiesenton oder in spielerische Manieren zu verfallen. Edle, weitgeschwun-

gene melodische Bögen sind das Charakteristikum dieser angenehmen, liebenswerten

Sonatine, die der ganz vortreffliche Düsseldorfer Soloflötist Artur Schütze zusammen

mit dem Komponisten aus der Taufe hob.“

h) ZfM 89/13-14 (8. 7. 1922), S. 293; Alfred Heuß:

„Eine angenehme Überraschung gab’s unter den modernen Instrumentalwerken nun

aber doch, und zwar gibt diese sogar etwas zu denken, nämlich die einsätzige Flöten-

sonatine von Ph. Jarnach, einem in Deutschland lebenden und in Paris ausgebildeten

[sic!] spanischen Komponisten. Wohlgeformt, das Verhältnis der beiden Instrumente

fein abgewogen, die modernen, von Atonalität aber absehenden Mittel von einem lie-

benswürdigen Innern in Bewegung gesetzt, zeigt ein derartiges Werk, dass man sich

in Deutschland immer wieder darüber klar zu sein hat, was die deutsche Musik ro-

manischer Kunst verdanken kann und dass es ganz verkehrt wäre, sich auf sich selbst

zurückzuziehen. Man suche die Romanen.“

Die vor allem in Frankreich beliebte Gattung der Flötensonate, der leichte Charakter der

Sonatine op. 12, ihr recht geringer Umfang sowie die moderaten technischen Anforderun-

gen an den Flötisten ließen die Kritiker vermuten, es hier mit einem Nebenwerk Jarnachs

zu tun zu haben. Dementsprechend fiel auch das Spektrum der Attribute aus: Sie reichen

von ‚„angenehm, liebenswert“ über „feingliedrig“ bis zu „entzückend“. Der Musik wird

„Grazie“ zugebilligt sowie eine „weiche, dämmerige Stimmung“ attestiert. Die Sonatine

sei unproblematisch und profitiere vom „romanischen Formgefühl“ des Komponisten.

Auf die Sachebene begeben sich dagegen nur wenige Rezensenten: „sorgsam durchgear-

beitet“ sei die Komposition, sie sehe ab von Atonalität und besitze „weitgeschwungene

melodische Bögen“. Viel ist das nicht.

II.2 Analyse

Länge 213 Takte, Taktart 8/8, später variierend, aber vorwiegend 3/4; Tempoangabe ‚Langsam‘ (Viertel

gleich 92), insgesamt stark variierend; Rahmentonart a-Moll.

II.2.1 Analyse – Überblick

Die Sonatine op. 12 bereitet der Analyse größere Widerstände, als es ihr leichter und zu-

gänglicher Tonfall vermuten lässt. Der formale Interpretationsspielraum wächst in jenem

Maß, wie hier die traditionellen Gestaltungsmittel vom Komponisten modifiziert wurden.

Die nicht zuletzt begriffliche Verunsicherung umfasst sowohl die Makrostruktur (‚Sona-

tensatz‘, ‚Exposition‘, ‚Durchführung‘, ‚Variation‘) als auch die Mikrostruktur (‚Thema‘,

‚Motiv‘, ‚Gestalt‘).

Philipp Jarnach behauptete von seiner Sonatine op. 12, sie wahre „bei aller scheinbaren

Freiheit die Sonatenform“ (siehe oben). Die angesprochene Freiheit ist indessen weni-

ger „scheinbar“ als vielmehr ziemlich weitreichend; dennoch finden sich in der Sonatine

Formteile, welche die Bezeichnungen ‚Exposition‘, ‚Durchführung‘ und ‚Reprise‘ inhalt-

lich zu füllen vermögen. Es gibt darüber hinaus auch eine ausgeprägte Themendualität

samt traditionell disponierten Tonartenverhältnissen.

Die beiden Hauptthemen werden allerdings nicht im Sinne einer klassischen thematisch-

motivischen Arbeit behandelt – von einer direkten Konfrontation in der Durchführung ganz

zu schweigen. Die aus der Sonatenform bekannten Formabschnitte schließlich folgen nach

Anzahl und Anordnung innerhalb der Sonatine keinesfalls bekannten Mustern. Jarnachs die

Form seines op. 12 betreffende Äußerungen sollen in der detaillierten Analyse überprüft

werden.

Zunächst sei ein schematischer Überblick der Gesamtanlage der Sonatine gegeben. Eine

feinere Einteilung, wie sie zum Teil von Jarnach selbst durch Doppelstriche angedeutet

wird, soll weiter unten erfolgen.

Abschnitt A B C D C’ B’ D’ A’

Takt 1 26 37 83 119 170 176 200

Funktion 1. Thema Rezitativ Durchf. 1

Scherzo 1

2. Thema Durchf. 2

Scherzo 2

Rezitativ 2. Thema 1. Thema

Der Formteil A muss richtigerweise als erster Themenkomplex bezeichnet werden. B ist

satztechnisch als ein klassisches Instrumentalrezitativ gestaltet, ginge aber in seiner Virtuo-

sität durchaus als Flötenkadenz durch. Die beiden technisch gesehen als Durchführung ge-

stalteten Teile C und C’ sind vor allem charakterlich stark von ihrer Umgebung abgegrenzt,

sie sollen im Folgenden ‚Scherzo 1 + 2’ genannt werden. Die Interpretation von D als Sei-

tenthema ist trotz seiner ungewöhnlichen Disposition alternativlos.

II.2.2 Detaillierte Analyse

Den Anfang der Sonatine für Flöte und Klavier op. 12 bildet ein fünftaktiges Klavier-

vorspiel. In den Takten 1 bis 4 wird das erste Thema exponiert, der fünfte Takt dient als

Hinleitung zum Flöteneinsatz. Diese kleine Exposition ist streng dreistimmig gehalten, die

Zuordnung der Stimmen ist klar und eindeutig: Die Melodie liegt in der Oberstimme, der

Bass fundamentiert in überwiegend langen Notenwerten, und die Mittelstimme richtet in

flexibler Achtelbewegung die harmonische Füllung aus.

Seine Prägung erhält das Hauptthema in erster Linie von der Diastematik der Oberstimme

(Wie sich noch zeigen wird, spielen Harmonik und Rhythmus bei der Weiterverarbeitung

des Themas eine eher untergeordnete Rolle). Die ersten drei Töne stellen einen doppelt

punktierten halbtönigen Wechselnotengang nach oben vor, der von zwei weiteren Halbton-

schritten abwärts gefolgt wird. Zwei fallende kleine Terzen (d’’-h’ und c’’-a) werden über

einen punktierten steigenden Halbton verbunden, es entsteht eine Art ‚Treppenstufe‘. Der

vorletzte Ton a’ wird hier noch abwärts zum gis’ geführt.119

Das Hauptthema der Sonatine ist ausschließlich aus kleinen Sekunden und kleinen Terzen

aufgebaut. Als drei Hauptgestalten des Themas sind in melodischer Hinsicht die chroma-

tische Wechselnote, eine Kette von vier fallenden Halbtonschritten sowie das eingangs

erwähnte ‚Treppenmotiv‘ zu nennen. Als harmonische ‚Pfeiler‘ können die einleitende

119 Das gis’ zählt, auch wenn es als Terz eines hypothetischen E-Dur-Dominantklangs als Andeutung eines Halbschlus-

ses fungieren könnte, nur unter Vorbehalt zur Themengestalt, da dieser letzte Halbtonschritt fast immer wegfällt. Wenn

ich im Folgenden von den ‚Thementönen‘ spreche, so unter Ausschluss dieses ‚fakultativen‘ Tons.

Wechselnote sowie die Schlussklausel h’-c’-a’ (T. 2.1–4) angesehen werden – sie lokali-

sieren bereits diesen Vordersatz des Themas eindeutig und akustisch nachvollziehbar in

a-Moll.

Der Nachsatz (T. 2.7–5.2) beginnt auftaktig, zeigt aber im Folgenden einen ganz ähnlichen

Umriss wie der Vordersatz. Interessanterweise bewegt sich die Oberstimme jetzt nicht

mehr in Halb-, sondern in Ganztonschritten.120 Ein kleines diastematisches Experiment,

das im weiteren Verlauf der Sonatine keine Rolle mehr spielt. Der Nachsatz reicht in T. 5

hinein und ist so mit einer einstimmigen Figur verklammert, deren Aufgabe unzweifelhaft

diejenige einer Hinleitung zum Flöteneinsatz ist.

Hauptthema: Harmonik Die Grundstruktur des 1. Themas ist tonal. Die Melodik des Vor-

dersatzes ist trotz chromatischer Durchgänge eindeutig als in a-Moll stehend wahrnehmbar,

auch wenn die Basslinie dieses a-Moll in dem Abgang c’-b-a um ein phrygisches Element

bereichert. Der harmonische Verlauf der ersten drei Halbtakte (T. 1.1, 1.5 und 2.1) lautet

a-Moll – Dominante E-Dur (mit tiefalterierter Quinte b) – a-Moll: Eine kurze, die Haupt-

tonart bekräftigende Kadenz also und als solche nicht weiter bemerkenswert, wäre da nicht

die Mittelstimme. Sie bewegt sich in harmonischer Hinsicht ziemlich frei in dem Rahmen

der Außenstimmen. Ihre im ersten Halbtakt von T. 1 erscheinenden Töne ergeben, den

nächsten Akkordkomplex vorwegnehmend, die Dominante E-Dur; zusammen mit den Au-

ßenstimmen komplettiert sich hier ein mehrdeutiges Gebilde aus eben jenem E-Dur, einem

übermäßigen Dreiklang auf C sowie der melodisch legitimierten Zuordnung zu a-Moll.

Im zweiten Halbtakt geht es mit E-Dur weiter. Man könnte das fis’ der Mittelstimme als

große None des so entstandenen Dominantseptakkords bezeichnen – eine andere Interpre-

tation scheint mir allerdings plausibler zu sein: Die versammelten Töne b gis’ d’ fis’ und e’’

sind dem Ganztonfeld auf c entnommen, welches im weiteren Verlauf der Sonatine mehr-

fach zur Anwendung kommt. Jarnach kombiniert also bereits im ersten Takt der Sonatine

ganztönige Harmonik mit einer Dur-moll-tonalen Funktionsharmonik und modalen Ele-

menten.

Der Zielakkord a-Moll wird zu Beginn von Takt 2 erreicht. Auf den wichtigsten Leitton gis

wird dabei verzichtet; er existiert lediglich als Suffix der Schlussklausel. Als Leittonersatz

springt das b im Bass, die phrygische II. Stufe ein. – Das letzte Achtel von Takt 2 bringt

mit A-Dur die Zwischendominante des Nachsatzbeginns.

Der Nachsatz steht zunächst auf der IV. Stufe d-Moll, und sein Melodieverlauf ist stark an

den Vordersatz angelehnt – mit einer Abweichung: Während sich in Takt 1 die Bewegung

120 Die Melodie – und nur diese – bedient sich erst des Ganztonfeldes auf Cis, ab T. 4.2 desjenigen auf C.

ausschließlich in Halbtonschritten vollzog, sind es nun in T. 3 ausnahmslos Ganztonschrit-

te. Das d-Moll des Nachsatzbeginns kann sich damit nicht etablieren, schon gar nicht,

wenn gleich in der ersten Takthälfte von T. 3 die Unterstimmen sich zu einem (das Melo-

die-f’’ einbezogen) fünftönigen Quartenakkord auf d türmen.

In der zweiten Takthälfte werden ein b-Moll-Sextakkord und Des-Dur gestreift, das Takt 4

eröffnende a-Moll wird mit der nächsten Achtel schon zu F-Dur. Takt 4.3 zeigt einen Tri-

tonus-Quart-Akkord in der eigenwilligen Notierung des’-fis’-c’’. Sein fis’ mag schließlich

noch als leittöniger Vorhalt zu einem Chopin-Akkord auf Es (T. 4.4) gelten, ehe der Satz

ausdünnt und über die angedeutete Ursprungsdominante E-Dur in den a-Moll-Einsatz der

Flöte gleitet.

Schon diese wenigen einleitenden Takte der Sonatine bezeugen Jarnachs harmonische

Experimentierfreude. Als ambitioniert ist der Einsatz so unterschiedlicher Systeme wie

Dur-moll-tonale Funktionsharmonik, Modalität, Chromatik, Ganztönigkeit und Quarten-

harmonik zu bezeichnen. Größere harmonische Abläufe werden dabei von sehr schnell

sich wandelnden Akkordkonstellationen unterwandert.121 Bemerkenswert ist bei alldem die

Leichtigkeit des Tonfalls: eine solche elegante Schlichtheit bei gleichzeitiger Komplexität

ist in Jarnachs Musik nicht überall anzutreffen. Die genaue harmonische Analyse sei hier

nur exemplarisch unternommen, um die diesbezügliche Bandbreite der Sonatine op. 12

aufzuzeigen. Das Ausmaß einer harmonischen Gesamtanalyse stünde dagegen in keinem

Zusammenhang mit den zu erwartenden Ergebnissen.

Der Flöteneinsatz in T. 6 bringt eine Wiederaufnahme des ersten Themas. Analog zur Kla-

viereinleitung mit dem Quintton e’’ ansetzend, spielt sie alle Töne des Vordersatzes mit

Ausnahme des letzten (quasi ‚fakultativen‘) gis’. Das Klavier begibt sich dabei in eine be-

gleitende Haltung, in der ein ruhig fortlaufender Achtelpuls das beherrschende Moment ist.

Bemerkenswert ist hier die Gestaltung des Nachsatzes (T. 7.7ff.): Der ursprüngliche punk-

tierte Auftakt fehlt, statt seiner erscheint der zuvor volltaktige Melodieton f’’, ohne sich

jedoch in eine Fortführung der Nachsatzmelodik zu fügen. Die Flöte beschränkt sich in

T. 8 auf eine rhythmische Reminiszenz (das Motiv der doppelt punktierten Viertel plus

Sechzehntelnote). Dass es sich hier zweifellos noch um die Überreste des Nachsatzes han-

delt, wird aus zwei weiteren Details sichtbar. Die Oberstimme des Klaviers zitiert einen

Ausschnitt aus der Ganztonleiter auf Cis im Umfang einer None und liefert so ein Substitut

der Nachsatzmelodik. Schließlich ist T. 8 zu Beginn mit jenem grundstelligen Quartenak-

kord auf d versehen, der auch T. 3 ziert. Dort waren es noch die fünf Töne d’-g’-c’’ (-f’’ in

der Melodie) und b’ (T. 3.4), hier nun begnügt sich Jarnach mit den ersten drei Tönen des

Klangs, die er aber in derselben Lage bringt. In diesem T. 8, der, wie um seine Besonder-

heit zu unterstreichen, in ein 3/2-Metrum fällt, findet eine Neuordnung der einzelnen Para-

meter statt, die man eher in einer Durchführung erwarten würde.

Gegen Ende von T. 8 kündigt sich in der Klavieroberstimme ein erneuter Durchgang des

Vordersatzes in c-Moll an. Es fehlt der erste Ton (es wäre ein g’’ gewesen), ab dem as’’

läuft die Tonfolge aber komplett ab; das abschließende h (der fakultative Ton) erscheint in

der zweiten Hälfte von T. 10. Der Rhythmus erklingt hierbei übrigens in der weitgehend

ursprünglichen Form.

121 Hier wird der Sinn eines 8/8-Metrums deutlich.

War der Klaviersatz in den Takten 1 bis 5 noch in einer übersichtlichen Dreistimmigkeit

gehalten, gewinnt er mit Beginn des Flöteneinsatzes stetig an Dichte. In T. 9 ist die Sechs-

stimmigkeit erreicht, eine auch rhythmisch komplexe Polyphonie strebt einem Ruhepunkt

zu, der in T. 11 eintritt. Dort löst sich in repetierenden Klängen eine Quint-Tritonus-Bil-

dung in einen e-Moll-Akkord auf.

Dieser Ruhepunkt besteht im Klavier aus langsamen, synkopierten Akkordwiederholungen

in den Takten 11 und 12, während die Flöte ein Motiv vorstellt, welches (als ein Vorgriff)

vom zweiten Thema abgeleitet ist. Dessen kurze, unvollständige und rhythmisch von der

Originalgestalt abweichende Erwähnung an dieser Stelle mutet wie der verschmitzte Hin-

weis des Komponisten an, dass der Seitensatz nun folgen sollte. Er tut es aber nicht, es

bleibt bei einer (ersten) vagen Vorwegnahme des 2. Themas, man befindet sich immer noch

im ersten Themenkomplex.

Bezeugt wird dies durch einen Themeneinsatz der Flöte in T. 13, der auf der leichten zwei-

ten Zählzeit beginnt, den Originalrhythmus nur im Themenkopf wahrt und später modifi-

ziert. Erwähnt werden muss, dass innerhalb des ‚Treppenmotivs‘ die erste kleine Terz sich

zur großen Sekunde verjüngt und im Gegenzug die zweite Terz eine große ist. Das Thema

läuft also auf seine letzten Töne auf As-Dur zu. Diese farbige Variante bleibt wie die ganz-

tönige Version aus T. 3 ein Einzelfall innerhalb der Sonatine. Der Klaviersatz setzt in T.

12–15 die chromatische Polyphonie der Takte 9–10 fort, so als hätte es die Unterbrechung

durch den Ruhepunkt nicht gegeben.

In T. 16 erklingt schließlich der kontrapunktische Höhepunkt des ersten Themenkomplexes

in Form eines strengen dreistimmigen Kanons des ersten Themas. Dessen Diastematik ist

dahingehend verändert, dass die letzte Terz des Themas eine große ist.122 Von der Original-

gestalt des ersten Themas heben sich die Kanonstimmen der Takte 16–20 durch eine glatte

Achtelbewegung ab, lediglich die ‚Treppenabsätze‘ sind wie in T. 2 punktiert. Ein Anhang,

der wie das Thema selbst ausschließlich aus Sekunden und Terzen gebildet ist123, verlängert

die Kanonstimmen auf beinahe vier Takte und führt weiter abwärts. Die drei Stimmen des

Kanons sind rhythmisch wie diastematisch völlig identisch, allein ihre Einsatztöne differie-

ren: Es ist ein Kanon in der Sekunde und in der kleinen Terz:

122 Im vorliegenden Fall könnte man dies durch eine Vertauschung der letzten beiden Töne erklären (T. 16/17, Ober-

stimme Klavier: a-b statt b-a). Außer in diesem Kanon findet sich eine solche Vertauschung nur noch in T. 121/122 und

128/129; ein diesbezügliches System ist nicht erkennbar.

123 Es sind verminderte und übermäßige Terzen dabei, das Intervallrepertoire ist also zugegebenermaßen erweitert.

Die beiden zuerst anlaufenden Stimmen im

Klavier haben ihre Auslaufphase in T. 19, die

Flötenstimme reicht noch in T. 20 hinein. In

ihre letzten Töne greift ein oktaviertes Motiv

des Klaviers hinein, bestehend aus zwei Halb-

tonschritten und einer kleinen Terz, allesamt ab-

wärts geführt. Dieses Motiv gibt sich unschwer

als Abspaltung des ersten Themas zu erkennen,

und es findet sogleich eine umgekehrte Beant-

wortung in der linken Hand der Klavierstimme.

Immer noch in T. 20 erklingt in der rechten Hand

ein neuerlicher Anlauf, aus der kleinen Terz wird

hier ein Tritonus. Eine Umkehrung folgt in der linken Hand. Wenn diese Intervallmodifi-

kation auch schon als Ableitung zweiten Grades bezeichnet werden müsste, bleibt der Ur-

sprung der hier neu geschaffenen Figur doch eindeutig. Während dieser sukzessiven Mo-

tivgenese124 erklingt in der Flöte ein weiteres Mal das erste Thema, nun um seine beiden

letzten Töne verkürzt. Klavier und Flöte kommen in T. 22 zur Ruhe, das Klavier pendelt in

jener synkopierten Akkordwiederholung aus, wie sie sich schon in T. 11 fand. Hier ist es

eine gegenüber T. 11 augmentierte Version mit einem F7>9> im vierfachen piano.

Die Folgetakte 23 bis 26 stehen in einem schnellen 3/4-Metrum, und speziell in rhythmi-

scher Hinsicht kündigt sich in ihnen Neues an (und muss noch bis T. 37 warten):

Es ist eine neu rhythmisierte Variante der eben eingeführten Sekund-Tritonus-Figur,

bereichert um eine sich direkt anschließende Aufwärtsbewegung. Die nunmehr erreichte

Geschlossenheit des Motivs weist selbstbewusst auf eine neue Funktion hin – dazu später

mehr.

124 Die hier zu beobachtende schrittweise Bildung neuer musikalischer Gestalten aus bereits vorliegendem Material wird

von Jarnach in späteren Werken wieder aufgenommen; darin scheint der Einfluss Bartóks deutlich zu werden.

Es folgt mit Abschnitt B das Rezitativ der Flöte, dessen 7/4-Metrum nicht einer beab-

sichtigten Schwerpunktgliederung geschuldet ist. Die Takteinteilung folgt tendenziell eher

strukturellen Bedürfnissen (beispielsweise der Motivseparation) – ein Vorgehen, das Jar-

nach später vor allem in den langsamen Sätzen beziehungsweise Stücken von op. 13, 17

und 18 und besonders in den Rhapsodien op. 20 anwendet.

Die Flöte löst sich zu Beginn des Rezitativs (T. 27) aus ihrem Liegeton fis’’, um in einer

Zweiunddreißigstelbewegung das erste Thema (hier ohne seinen letzten regulären Ton) zu

zitieren. Dies geschieht zwei Mal, dann folgt ein chromatischer Abstieg von f’’ bis cis’’.

Eine weit ausholende Geste in T. 28 ruft den Rhythmus in Erinnerung, mit dem die Anspie-

lung des 2. Themas in T. 10f. versehen war. Die Tonfolge ist mit etwas Phantasie ebenfalls

als dessen Derivat zu erkennen.125

Das „langsame“ Rezitativ wird unterbrochen von einem viertaktigen Einschub mit der

Tempobezeichnung „Mäßig bewegt“. Hier ist nur das Klavier aktiv, die Flöte scheint, auf

einem h’’ stehend, das Ende der Ausführung abzuwarten. Charakteristisch sind auf den er-

sten Blick die parallel geführten großen Terzen in der rechten Hand des Klaviers sowie der

tänzelnde Rhythmus. Die Klavierbewegung beruhigt sich in T. 32 in einem h-Moll-Akkord

und überlässt der Flöte wieder das Feld.

In T. 33ff. setzt die Flöte die Bearbeitung und Aufspaltung des 1. Themas fort. Zunächst

erklingen alle dessen Töne mit Ausnahme des letzten; einem Ausbruch nach oben (T. 33.2)

schließt sich ein neuer Anlauf an, der jetzt schon nach dem vierten Ton abbricht und in eine

weitere Eskapade in höhere Register mündet. Bei dem Neuansatz in T. 33.5 stehen wieder

der Rhythmus und die ungefähre Diastematik des 2. Themas Pate, wie es in T. 10f. und T.

28 vorwegnehmend erklang. Sodann führt die Figuration mit ineinander verketteten Ab-

schnitten aus dem 1. Thema mit jeweils zwei Halbtonschritten plus kleiner Terz abwärts.

Auch diese Bewegung endet bald, hier auf einer Fermate auf e’’ am Ende von T. 33.

In T. 34 setzt sich die Abwärtsbewegung grundsätzlich fort, nun allerdings mit geringfügig

anderem Material. Eine von größeren Intervallen durchbrochene chromatische Skala endet,

von jenem e’’ ausgehend, auf dem eine kleine Septime darunterliegenden fis’:

Wenn man die hervorstechenden Töne b’’ und g’’ (T. 34.2+4) gedanklich entfernt, er-

hält man mit den Tonfolgen es’’-d’’-cis’’-g’ und h’-b’-a’-es’ sowie deren transponierten

Krebsumkehrungen fis’’-c’’-h’-b’ und d’’-gis’-g’-fis’ neue Ableitungen der Tritonusfigur

aus T. 20f. Würden dann noch die in den Tritonusintervallen enthaltenen überstehenden

Töne eliminiert, bliebe allein die erwähnte chromatische Linie übrig, die sich noch aus dem

viertönigen chromatischen Abgang aus dem 1. Thema ableiten ließe. Jarnach zeigt in T. 34,

wie wenig Ausgangsmaterial nötig ist, um immer wieder neue Motive zu bilden.

125 Die ersten vier Töne von T. 11 sind das Vorbild der Folge c’’-as’-g’-f’ in T. 28.4.

Themenaufspaltung

Mit der letzten Viertel von T. 34 beginnt die Schlussphase des Rezitativs. Die Dreitonfigur

h’-c’’-a’ zitiert die Schlussklausel des ersten Themas in Originallage und mit Halbtonschritt

plus kleiner Terz im Richtungswechsel gewissermaßen die intervallische Essenz dieses

Themas. Wie um den Bezug noch augenfälliger zu machen, wird die Dreitonfigur noch

zwei Mal in Takt 35 wiederholt, nur unterbrochen von chromatisch aufsteigenden Skalen-

abschnitten. Auf den Zählzeiten 5 und 6 des Taktes ist die Figur – die Intervallfolge kleine

Sekunde aufwärts + kleine Terz abwärts – in den Transpositionen d’’-es’’-c’’ und fis’’-

g’’-e’’ zu finden, der Rest des Rezitativs besteht lediglich aus einer chromatischen Tonleiter

aufwärts, deren Zielton das e’’’ in T. 37 ist.

Zurückblickend kann die Bedeutung dieses ersten Flöterezitativs kaum überschätzt wer-

den. Die Motive und Tonfolgen des ersten Themenkomplexes werden hier gebrauchsfertig

aufgeschlossen, sozusagen in Moleküle zerlegt, welche nun für die spätere Verwendung

bereitstehen. Zusammengefasst finden sich in den Rezitativtakten

T. 27: das zweimalige Zitat des 1. Themas (ohne seinen letzten Ton);

T. 33: die weitere Verkürzung des Themas in der ersten Takthälfte; Abspaltung des Halbton-

Terz-Motivs in der zweiten;

T. 34: die Verkettung des abgeleiteten Halbton-Tritonus-Motivs und eine durchbrochene chro-

matische Skala;

T. 35: Isolierung der Dreitonfigur aus steigender kleiner Sekunde + fallender kleiner Terz.

Diese Aufsplittung des Materials geschieht ganz bedächtig, sodass der Blick in das Re-

pertoire der musikalischen Verarbeitungsmethoden den Hörer nicht überfordert. Eins nach

dem andern – für dieses Vorgehen ist die einstimmige Anlage des Rezitativs ideal geeignet.

Dass in T. 34 eine bereits sekundäre Ableitung des Themas (chromatischer Abgang plus

Tritonus) bearbeitet wird, ist ebenso hervorhebenswert wie die Tatsache, dass das zweite

Thema – wiewohl noch nicht einmal ausdrücklich vorgestellt – bereits lose in die thema-

tisch-motivische Arbeit einbezogen wird. Das Flötenrezitativ besitzt ähnlich dem ersten

Themenkomplex deutliche durchführungsartige Züge.

Scherzo 1 Der Klaviereinsatz nimmt die in T. 23ff. vorgestellte Bewegungsart in T. 37 wie-

der auf. Parallelen sind auch zu den Takten 29 bis 32 deutlich: In beiden Fällen erscheint

im Klavier ein tänzerischer Rhythmus, während die Flöte auf einem Liegeton das Ende des

Klaviereinwurfs abwartet. In T. 37ff. nun ist es ein Fortissimo-Triller auf dem e’’’, welches

dem Klavier scheinbar Ruhe gebietet. Diesmal aber ist das Scherzo nicht mehr aufzuhalten.

‚Bewegt‘ lautet die Tempobezeichnung, mit Dreiviertel = 72 ist das Scherzo fast fünfmal

so schnell wie das Rezitativ. Der Rhythmus, mit dem das Klavier im ‚marcato‘ einsetzt, ist

identisch mit demjenigen aus T. 23. Spätestens mit T. 43 verfällt die Klavierstimme in eine

stampfende Figur von metrischer Eindeutigkeit, wie sie zuvor noch nicht zu hören war.

In der Flöte erklingen in den Takten 40 und 41 kurze punktierte Figuren, die aus jeweils

zwei Terzen bestehen. Diese Figur kann als Variante der zuvor ‚Treppenabsatz‘ genannten

Dreitonfigur aus dem 1. Thema angesehen werden. Dafür sprechen die Punktierung und die

wechselnde Bewegungsrichtung. Der Aufbau aus einer großen und einer kleinen Terz mag

dabei als ein Nachvollzug der gelegentlichen Terzvergrößerung am Themenende (siehe T.

14 und T.16–18) angesehen werden.

Während die Klavierstimme eine burlesk polternde Begleitung gibt, stimmt die Flöte ab T.

42 immer neue, stets verkürzte Abschnitte aus dem Hauptthema an. Stefan Weiss hat, an

der Flötenstimme der Takte 40 bis 52 orientiert, eine Methode der Veranschaulichung jener

„melischen Arbeit“ entwickelt, auf die ich hier lediglich hinweisen möchte.126 Ausgangs-

punkt ist bei Weiss die Nummerierung der Thementöne des Vordersatzes:

Die Themenabschnitte können nun genauer bezeichnet werden, indem die Nummer des

ersten Tons, von dem aus die Tonfolge127 abläuft, der Markierung vorangestellt wird. Der

Anschauungswert dieser Methode ist tatsächlich groß, der von Weiss gewählte Abschnitt

aus dem Scherzo 1 der Sonatine gut gewählt. Weiss fährt fort:

„Weitere Beispiele ließen sich in großen Mengen hinzufügen. Als entscheidend

für das Musikdenken Jarnachs zur Zeit der Sonatine für Flöte und Klavier muss

gefolgert werden, dass ihm an einem nachweisbaren, aber nicht fühlbaren Tradi-

tionsbezug seiner Kompositionen gelegen war. Der Zusammenhang des ‚phan-

tastischen Reigens‘ mit der ‚breiten, lyrischen Einleitung‘128 ist alles andere als

offensichtlich, und doch bestehen zwischen diesen beiden Teilen die grundlegend-

sten Bezüge der Sonatenform überhaupt, nämlich die zwischen Exposition und

Durchführung.“129

Mein Einwand diesen Ausführungen gegenüber richtet sich nicht in erster Linie gegen die

Methode der Nummerierung von Noten, sondern gegen die Eindeutigkeit jener Schluss-

folgerungen, die Weiss daraus zieht. Zunächst einmal finden sich nicht viele Stellen in der

Sonatine, an denen die oben ausgeführte Methode fruchtbar erscheint.130 Die laut Weiss

„grundlegenden Bezüge“ zwischen Exposition und Durchführung gehen aber auch aus der

Analyse nicht zwingend hervor. Wie anders als ‚durchführungsartig‘ wäre denn die bereits

im ersten Themenkomplex und dem Rezitativ vollzogene Arbeit am Thema (Variation, Ka-

non, Verkürzung, Abspaltung, Kombination) zu bezeichnen? Anders auch als Weiss neige

ich zu der Ansicht, dass der innere Zusammenhalt der Sonatine op. 12 (spätestens nach

zweimaligem Hören) durchaus spürbar ist, auch wenn sich die Art der Vernetzung kaum

offenbart.131 Schließlich, und das ist der wichtigste Punkt, werde ich versuchen zu zeigen,

dass Jarnach in der Sonatine nicht so sehr mit ‚Abschnitten aus‘ oder ‚Bruchstücken von‘,

sondern mit ‚Gestalten‘ arbeitet: Gestalten wie der chromatischen Linie, der Wechselnote,

dem punktierten Rhythmus oder dem ‚Treppenmotiv‘.

126 Siehe Weiss, S. 118f.

127 Es handelt sich tatsächlich nur um die Diastematik des 1. Themas. Die Rhythmisierung hat mit der ursprünglichen

Gestalt nichts mehr gemein.

128 Die Charakterisierung stammt von Philipp Jarnach; vgl. AMZ 49/21– 22 (2.6.1922), S. 469.

129 Weiss, S. 119.

130 Lediglich die Takte nach T. 64 zeigen eine gewisse Häufung von Themenabschnitten, die den Aufwand des

Weissschen Verfahrens lohnen.

131 Gerade die Kategorie der Form wird von den meisten Kritikern Jarnachscher Werke positiv hervorgehoben. Und das,

obwohl sich die Besprechungen meist nur auf den akustischen Eindruck (und nicht etwa auf Analysen) stützen können.

Das erste Scherzo der Sonatine für Flöte und Klavier umfasst die Takte 37 bis 82: Neben

den oben erwähnten Ausschnitten des Hauptthemas geschieht also noch einiges mehr. Die

Flöte beispielsweise nimmt in T. 53–55 das punktierte Terzenmotiv wieder auf und be-

schreibt mit seiner Hilfe in den darauffolgenden Takten eine chromatisch gefüllte kleine

Septime. Dieses Verfahren ist mit demjenigen aus T. 34 zu vergleichen.132

Kurz vorher (T. 47f.) führt das Klavier einen ‚punktierten‘ Rhythmus vor, der mit einer

anderen, wohlbekannten Diastematik kombiniert ist. Die dreimalige Wiederholung des

punktierten Wechselnotenmotivs aus dem Kopf des ersten Themas dokumentiert eine sehr

mühsame Befreiung: In augmentiertem Rhythmus gelingt es erst mit dem fünften Anlauf,

aus der Tonwiederholung dis’-e’ beziehungsweise es’-fes’ zu entkommen.

Auch in der zweiten Hälfte des Scherzos tauchen Einsätze des Hauptthemas auf, und sie

sind überwiegend ganz explizit: In T. 65ff. die komplette Tonfolge133 (oktaviert im Kla-

vier); in T. 70f. alle Töne mit Ausnahme des ersten (Flöte); in T. 74 in der Flöte, es fehlt

nur der letzte Ton. Etwas versteckt halten sich die ersten fünf Töne des Themas in der unte-

ren Stimme der rechten Hand des Klaviers in T. 73f. Einige Passagen des Durchführungs-

Scherzos sind besonders stark mit chromatischen Linienverläufen durchzogen – so etwa

die Takte 56–60 und 72–77. Auch dieses Phänomen hat seine Wurzeln im Hauptthema der

Sonatine op. 12.

Es gibt aber noch kleinere Partikel, die über das ganze Scherzo verteilt sind und ebenfalls

aus dem Hauptthema stammen. Die Rede ist von der oben (im Zusammenhang mit dem

Flötenrezitativ) erwähnten Dreitonfigur aus kleiner steigender Sekunde und fallender klei-

ner Terz. Es sind die drei letzten Töne des 1. Themas, die als dessen ‚Essenz‘ bezeichnet

wurden. Außerhalb des Themas ist die Dreitonfigur in folgenden Takten zu finden:

T.55:Oberstimme Klavier (b’-h’-gis’),

T. 64: Flöte (g’’-as’’-f’’),

T. 73: Flöte (es’’-fes’’-des’’),

T. 73: Klavier

T. 79: Flöte

(b’’-h’’-as’’),

(des’’-d’’-h’).

Die Umkehrungsvariante der Dreitonfigur tritt auf in:

T. 46: Oberstimme Klavier (as’-g’-b’),

T. 53– 55: Flöte (a’’-gis’’-h’’ und g’’-fis ’-a’’),

T. 64f.: Mittelstimme Klavier (as’’-g’’-b’’),

T. 66f.: Flöte (es’’-ges’’-f’’).

Über die Vergrößerung der kleinen auf eine große Terz erhält man eine durch die meisten

Themengestalten legitimierte Variante der Dreitonfigur. Sie findet sich in:

T. 44+45: Oberstimme Klavier (U: es’’-d’’-fis ’ und c’’-h’-dis’’),

T. 49: Oberstimme Klavier (es’-fes’-c’),

T. 66f.: Linke Hand Klavier (g-as-fes),

132 Auch dort mussten einige Töne gedanklich ausgeschlossen werden. In T. 53ff. sind es die Sechzehntel-Spitzentöne

der Flöte (des’’’, h’’ und a’’), die sich abseits der chromatischen Linie befinden.

133 Die erste Tonqualität – es – liegt in den Außenstimmen des Klaviers (T. 65.1).

T. 67f.: Oberstimme Klavier (b’-ces’’-g’),

T. 68: Flöte (KU: b’’-fis ’-g’’),

T. 72: Oberstimme Klavier (cis’’-d’’-b’) und in

T. 73: Oberstimme Klavier (h’’-c’’ (transponiert) -as’’.

Die Häufung dieser Dreitonfiguren im ersten Scherzo ist signifikant, vor allem wenn man

den allgemeinen Mangel an prägnanten Gestalten bedenkt. Die Häufung lässt sich natürlich

auch im ersten Themenkomplex der Sonatine op. 12 nachweisen, da dort das 1. Thema auf

Schritt und Tritt erscheint. In der obigen Aufzählung wurde deshalb auf alle Dreitonfolgen

verzichtet, die in das 1. Thema eingebettet sind. Und noch etwas: Der zweite Themenkom-

plex (T. 83–118) weist keine dieser Dreitonfiguren auf.134

Das bemerkenswerteste Gebilde in diesem Scherzo befindet sich in den Takten 53 bis 55.

Auf den ersten Blick gibt es sich zu erkennen als ein spiegelbildlich aufgebautes Motiv in

T. 53/54. Es besteht aus parallel geführten großen Terzen135, die, von c’’ und e’’ ausgehend,

erst chromatisch aufwärts geleitet werden und dann zu einem Tritonussprung nach as’’-c’’’

ansetzen. In der zweiten Hälfte von T. 54 kehrt sich die Bewegung um. Die Spiegelachse

müsste exakt auf der zweiten Achtel von T. 54 angesetzt werden, wenn der Rückwärtslauf

nicht nur melodisch, sondern auch rhythmisch zum Anlauf kongruent wäre. Das ist aber

nicht der Fall. Vielmehr verhalten sich T. 53 und der übernächste T. 55 in rhythmischer

Hinsicht gespiegelt – wenn nicht buchstäblich, dann ‚silbenhalber‘.

Es gibt noch andere Gründe, dem Folgetakt 55 als dem Gebilde zugehörig zu betrachten,

obwohl die rechte Hand dort von Terzen auf Tritoni übergeht: die Begleitung der Flöte

sowie der linken Hand ändern ihren Charakter erst in T. 56. Hinzu kommt, dass der Rhyth-

mus der Takte 54 und 55 ein direkter Abkömmling von T. 30/31 ist, also von jener Klavier-

passage, die das Flötenrezitativ unterbricht. Sehr ähnlich ist auch die in T. 31 wie in T. 55

vollzogene Öffnung des Terzintervalls zum Tritonus.

Der punktierte Rhythmus der rechten Hand in T. 53 dagegen ist im Rahmen des 3/4-

Metrums neu, allerdings nicht beziehungslos. Er ist herzuleiten durch eine vergrößernde

Projektion ‚von oben‘, wofür die Flötenstimme eine maßstabsgerechte Vorlage bietet. Von

dieser Interpretation ausgehend wäre der Rhythmus im Klavier ebenfalls ein Derivat des

punktierten ‚Treppenmotivs‘ aus T. 2. Eine gesonderte Verarbeitung jenes ‚punktierten

Rhythmus‘ und seines ungefähren Krebses (siehe T. 55) folgt unmittelbar in den sich an-

schließenden Takten 56 bis 65, später in T. 68, 72f. und 82.

Die Diastematik der Oberstimme ab T. 53 besteht aus zwei Halbtonschritten plus einem

Tritonussprung und gibt sich damit als Zitat der aus dem 1. Thema hervorgegangenen

Ableitung zu erkennen, die in T. 20f. und T. 23f. erschienen war. Auch dort war schon die

Umkehrung erklungen, hier kommt durch die Spiegelung noch die Krebsumkehrung hin-

zu. Jarnach lässt aber auch die Originalgestalt (Halbtonschritte abwärts, dann Tritonusfall)

nicht aus, die im Übergang von T. 54 zu 55 anklingt. Wenn man will, kann die Oberstim-

me ab dem fis’’ (T. 54) bis zum gis’ am Ende von T. 55 als leicht verzerrter Ausschnitt des

Hauptthemas gelesen werden. Es fehlten dann dessen Töne 1 und 2, und die erste Terz

134 Bemerkenswert ist allerdings der ‚Nachlauf‘ des Themas in der Flöte der Takte 112–118 mit seinem Spiel um Halb-

tonschritt und kleine Terz – den Ingredienzen der Dreitonfigur

135 Die parallel geführten großen Terzen erschienen in T. 29f. zum ersten Mal und waren bis zu diesem Zeitpunkt nicht

mehr aufgetaucht.

wäre durch den Tritonus ersetzt worden. Die starke Präsenz des Tritonus in diesen Takten

scheint wie von langer Hand vorbereitet: Seit T. 43 beharren die nachschlagenden Achtel

der linken Hand auf Tritoni, und auch unmittelbar vor dem Spiegelmotiv häuft sich dieses

Intervall.136

Sieht man sich die Bassstimme der Takte 53 bis 55 an, präsentieren sich hier die Tonquali-

täten a und e entgegen dem Trend in reinen Quarten und Quinten, gegen Ende komplettiert

ein cis den A-Dur-Akkord. Ob mit der anfänglichen Folge e-a-e auf den Kopf des zweiten

Themas angespielt werden soll, ist unklar. Auf jeden Fall erregen Quarten beziehungsweise

Quinten in einer stark chromatisierten und zudem vom Tritonus gesättigten Umgebung be-

sondere Aufmerksamkeit.

In diesen drei Takten finden nunmehr Motive zusammen, die aus unterschiedlichen

Formteilen des bisherigen Verlaufs der Sonatine stammen. Die chromatischen Gänge und

das ‚Treppenmotiv‘ können vom 1. Thema her gedeutet werden. Dessen ‚Ableitung der

Abspaltung‘, das Halbton-Tritonus-Motiv, hatte sich am Übergang zum Rezitativ gebildet

und wurde in letzterem ausgiebig verarbeitet. Die Terzenführung samt ihrer rhythmischen

Anlage ist vom Klaviereinwurf des Rezitativs abgeleitet. Das auffällige Quart-Quint-Motiv

könnte eine Anspielung auf den zweiten Themenkomplex sein. Die Figur der Takte 53 bis

55 stellt den wichtigsten Kristallisationspunkt innerhalb des Scherzos dar.

In den Takten nach 55 findet hauptsächlich eine Durchführung der kurz zuvor etablierten

rhythmischen Modelle statt. Die parallel geführten großen Terzen entwickeln in T. 72ff. ein

Eigenleben, sie gruppieren sich sogar zu den ihnen anverwandten Rhythmen; eine wirkli-

che Wiederholung des Spiegelmotivs aber gelingt erst in T. 77ff. Hier laufen die Flöte und

die Oberstimme des Klaviers in parallelen Terzen, die Begleitung in der linken Hand bringt

Alberti-Bässe.

Der Abschluss des ersten Scherzos (T. 80–82) gestaltet sich mit exakt jener Tonfolge, die

auch schon den ersten Themenkomplex gegen das folgende Rezitativ abgegrenzt hatte (sie-

he T. 23–26): zwei abwärts gerichtete Halbtonschritte, der fallende Tritonus und eine dia-

tonische Aufwärtsbewegung in drei Schritten. Es besteht sogar eine gewisse rhythmische

Verwandtschaft zwischen beiden Stellen. Auf jeden Fall erhärtet sich nun eine funktionale

Eindeutigkeit dieses Motivs, das ich mit dem Begriff des ‚Raumteilers‘ fassen möchte.

Der zweite Themenkomplex reicht von T. 83 bis T. 118 und wirkt stark kontrastierend.

Die elf einleitenden Takte bringen über sich nur geringfügig verändernden Liegeakkorden

des Klaviers (man beachte den phrygischen Abgang G-F-E der Bassstimme von T. 83–89)

eine vorläufige Fassung des zweiten Themas. Zur Erinnerung: Die Anspielungen auf das

2. Thema, wie sie in den Takten 10ff., 28 und 33 anklangen, hatten einen ebenso provi-

sorischen Charakter – und wurden stets von der Flöte ins Spiel gebracht. Bemerkenswert

ist das in Bezug auf die Themengestalten entgegengesetzte Vorgehen Jarnachs. Das erste

Thema steht zu Beginn der Sonatine auf festen Beinen, alle späteren Versionen sind ein-

deutig sekundäre Varianten. Ganz anders das zweite Thema: Seine Diastematik findet sich,

durch rhythmische Camouflage in seine jeweilige Umgebung eingepasst, schon in mehre-

ren Formteilen. Es ist selbst zu Beginn des zweiten Themenkomplexes noch nicht wirklich

ausgegoren. Diese ab T. 83 erklingende Fassung wieder nur vorläufig, gegenüber der ver-

136 T. 51.3: Doppelter Tritonus in der rechten Hand des Klaviers (fis-c’-fis’); Flötenstimme drittes Viertel (es’’-a’’); T.

52.2–3: Oberstimme Klavier (f’’-h’).

bindlichen Fassung (T. 94ff.) rhythmisch unentwickelt, der Fortgang der Tonfolge wirkt in

der zweiten Hälfte unentschlossen.

Wie im Fall des ersten Themas also bleibt es auch hier dem Klavier überlassen, eine solche

verbindliche Gestalt des Themas, wie sie sich aus den Einsätzen in T. 94 (Klavier Ober-

stimme), T. 98 (Flöte) und T. 105 (Klavier, linke Hand) andeutet, zu formulieren:137

Erst hier sind die Merkmale Zweiviertelauftakt und durchlaufende Viertelbewegung aus-

geprägt; als grundsätzlich variabel erscheint allerdings das Themenende. – In fast allen

Parametern unterscheidet sich das zweite Thema grundlegend vom ersten. Am auffälligsten

mag zunächst der Quartsprung am Themenanfang sein: Ihm folgt eine explizit diatonische

Melodik, die (mit Ausnahme des fis) ohne weitere Akzidenzien auskommt. Die Dynamik

verbleibt während des gesamten zweiten Themenkomplexes im zwei- oder dreifachen pia-

no. Festzuhalten ist auch der große melodische Ambitus des zweiten Themas. Er beträgt

mit einer None genau das Doppelte des aus Halbtonschritten gebauten ersten Themas. Be-

rücksichtigt man zudem das Metrum (1. Thema: 8/8; 2. Thema: 3/4) und die Satzstruktur

(1. Thema: Melodie in der Oberstimme, Fundamentbass, Mittelstimme mit Akkordfüllung;

2. Thema: geradezu schulmäßige Polyphonie), dann ergibt sich eine charakterliche wie

strukturelle Gegensätzlichkeit der Themen, wie sie stärker kaum sein könnte.

Die Komplexität fast aller Parameter ist im 2. Thema stark zurückgenommen, sieht man

von dem – allerdings locker gefügten – Fugato ab, das den schlanken Satz bestimmt. Die

Notenwerte unterschreiten die Viertel nicht, die Bewegung fließt ohne widerhakende Punk-

tierung dahin. Charakteristisch ist der auftaktig-synkopische Rhythmus des Themenkopfes.

Die Gegenstimme fängt jede stumme 1 des Themas mit einem Einsatz auf. Ein Dirigent

würde diese Musik auch angesichts der Tempoangabe Dreiviertel = 69 in ganzen Takten

schlagen.

Harmonisch eindeutig in e-Moll verankert, schwankt die Melodie zwischen der phrygi-

schen und äolischen 2. Stufe, eine Ambivalenz, die interessanterweise schon den Anfang

des 1. Themas kennzeichnete.138

Schwebend, „wie von ferne“, zieht das Seitenthema vorüber, von einem hauptsächlich in

Dreiviertelnoten stehenden Kontrapunkt kaum beunruhigt. Die Oberstimme des Klaviers

macht den Anfang in e-Moll, die Flöte setzt in T. 98 in h-Moll an, endet aber nicht dort, da

der letzte Ton nicht wie vordem die 1. Stufe erreicht.139 In T. 105 ergeht es der Mittelstim-

me im Klavier (wieder e-Moll) ähnlich.

So wie dem Seitenthema viel Raum bis zur endgültigen Entfaltung gegeben wurde, so wird

auch der Übergang zum nächsten Teil behutsam vollzogen. Die Takte 112 bis 118 haben

eindeutigen Codacharakter, in der die Flötenstimme zwar noch den synkopischen Rhyth-

mus des Themenkopfes zitiert, aber nur noch kleine Intervalle enthält. Die Klavierbeglei-

137 Vgl. auch die Einsätze in T. 176 (Flöte), 180 (Klavier Oberstimme) sowie 187 (Klavier, linke Hand).

138 Siehe dort T. 1, b im Bass; T. 2: h in der Oberstimme.

139 Es sei denn, man zählte die angehängten Takte 102–107 dazu.

tung läuft in ruhigen Akkorden aus, deren Oberstimme die Töne h und e auspendelt, an den

Themenanfang erinnernd. h und e sind auch die Töne eines Quint-Quart-Klanges, mit dem

der zweite Themenkomplex in T. 117f. schließt. Gegenüber dem ersten Themenkomplex

erscheint der zweite in einer sehr geschlossenen Form mit thematischer Einleitung, endgül-

tiger polyphoner Themengestalt und Coda.

Es folgt ein zweites Scherzo mit der Tempoangabe „sehr lebhaft“, das die Takte 119 bis

169 füllt. In ihm finden sich viele der Motive und Gestalten des ersten Scherzos wieder.

Weil auch der Ablauf einige Ähnlichkeit mit der vorigen Fassung hat, sind die von Weiss

vergebenen Bezeichnungen C und C’ sinnvoll. Dabei unterschlagen diese Symbole, dass

das Scherzo II wichtige Neuigkeiten zu bieten hat.

Das Scherzo 2 beginnt mit vier einleitenden Takten des Klaviers, in denen durch eine

Verkleinerung der Notenwerte langsam auf das neue Tempo beschleunigt wird. Im Bass

liegt eine ruhige Bewegung in Dreiviertelnoten, die noch aus dem 2. Thema stammt. Dazu

zitieren die auf die Schläge zwei und drei gesetzten Viertelnoten in der rechten Hand die

synkopischen Impulse des zweiten Themas, das somit als rhythmisches Skelett fortge-

schrieben wird. Die rhythmische Ebene wird nun mit der Diastematik des ersten Themas140

kombiniert; es entsteht also ein Hybrid aus beiden Themen. Er steht in e-Moll (der Tonart

des 2. Themas), eine von der Flöte in T. 126 gespielte Wiederholung dieser neuen Bewe-

gungsform dagegen in g-Moll.

Zwischen Klavierfassung und Flötenimitation erklingt der synkopische Quartauftakt des

2. Themas (T. 123.2). Diesmal im sforzato gespielt, besitzt er jene Signalwirkung, die dem

zweiten Thema selbst vorenthalten war. Die Fortführung gestaltet sich dann ganz unabhän-

gig vom 2. Thema in einer Achtelfigur.

Überhaupt wird die Achtelnote ab T. 124 zur bestimmenden Einheit. Die Oberstimme des

Klaviers verwendet sie, um in T. 126ff. Viertonfolgen auszuführen, welche sich durch

schnelle Richtungswechsel ebenso auszeichnen wie durch die Tatsache, dass gebrochene

große Terzen chromatisch geführt werden. Am Ende von T. 128 bricht die Stimme aus dem

Terzenschema aus und bringt im folgenden Takt einen Skalenausschnitt. In T. 130ff. aber

findet die Klavierstimme sich erneut in Viertonfolgen, die immer vom Richtungswechsel

geprägt sind und stets mit der fallenden kleinen Sekunde und einem Terzsprung beginnen.

Die Dreitonfigur in seiner Variante mit großer Terz hat eine neue viertönige Variante hinzu-

gewonnen.141 Nur hat der vierte Ton seine Position noch nicht gefunden und befindet sich

mal im Tritonus-, mal im Quartabstand vom dritten Ton.

Diese typischerweise mit einem vorne oder hinten angebundenen Viertel auftretende Vier-

tonformel war bereits im ersten Scherzo vorzufinden (T. 43–46), fiel aber zunächst nicht

weiter auf. Da sie nun wiederholt und ihr Gebrauch sogar über die kleine Sequenzkette

hinaus ausgedehnt wird142, soll sie wohl bemerkt werden. Es gibt noch eine andere Herlei-

tungsmöglichkeit dieser Viertonformeln: Demnach wären sie Ableger des Großterz-Ein-

wurfs, den das Klavier in den Takten 29ff. platziert hatte. Dort war die Intervallkombinati-

on kleine Sekunde – Quarte – Quinte gewesen, hier nun ist die Diastematik variiert.

140 Dessen erster Ton (h) fehlt wie in vielen anderen Fassungen, der zweite Terzfall ist groß und wird mit dem folgenden

Halbtonschritt nach oben ausbalanciert.

141 Ich verzichte hier darauf, die Einsätze der Dreitonfigur separat zu registrieren. Ihre Dichte ist mit derjenigen im er-

sten Scherzo vergleichbar.

142 Die Viertonformel erscheint noch in den Takten 137f. (Flöte) und 139f. (Klavier).

Ab T. 133 treten Flöte und Klavier in ein schlagfertiges Imitationsverhältnis ein. Den Auf-

takt macht ein flinker Triolenlauf143 aufwärts im Klavier, kombiniert mit einem deutlich

langsamer ausgeführten Halbtonschritt abwärts. Die Flöte imitiert diesen Zweitakter im

Abstand eines Taktes (in einer ‚tonalen‘ Imitation), das Spiel wiederholt sich in T. 135–

136, kehrt sich aber plötzlich um. Anstelle einer Wiederholung der Klaviervorgabe aus

T. 136 erscheint in der Flöte ab T. 137 eine Sequenzierung der Viertonformel. Diese wird

ihrerseits in T. 139 vom Klavier imitiert, wobei sowohl der ‚Kontrapunkt‘ des jeweils an-

deren Instruments beibehalten wird als auch die harmonische Anlage kongruent ist.144 Teil

des ‚Kontrapunkts‘ ist auch das punktierte Terzenmotiv (T. 137.1: Klavier; T. 139.1: Flöte.

Vergleiche T. 40f. und 53ff.).

Als ein weiterer Rückbezug auf das erste Scherzo taucht das Spiegelmotiv in T. 142ff. auf.

Jetzt nur noch von der Flöte gespielt, erübrigt sich die einst markante Führung in großen

Terzen. Auch das Hauptmerkmal der Figur, das Tritonusintervall am melodischen Höhe-

punkt, ist hier zur Quarte entschärft. Möglicherweise soll jene Tonfolge d-g-d (T. 142/143)

dem 2. Thema eine Reverenz erweisen, dem Spiegelmotiv bricht sie jedoch die Spitze.

Die vier Takte umfassende, rhythmisch auffällige Passage ab T. 149 stammt ebenfalls aus

dem Scherzo I145, zeigt hier aber eine Verklammerung zweier Einsätze des 1. Themas (T.

149.1 mit erstem Ton cis’, T. 151.1 mit erstem Ton eis’).

Ihr folgt ein Abschnitt (T. 153–160), dessen melodische Prägnanz und Geschlossenheit ein

richtiges ‚Thema‘ (das dritte?) vermuten lässt. Zunächst spielt die Flöte eine viertaktige

Phrase, deren Diastematik viele Richtungswechsel aufweist:

Die taktweise identische Rhythmisierung mit halber Note plus angebundener Achtel und

einer abschließenden Achtel entspricht einer Punktierung. Man muss etwas genauer hin-

hören, um hierin eine weitere Ableitung des 1. Themas zu erkennen. Der einleitende Halb-

tonschritt aufwärts führt in T. 154 nicht zum Ursprungston a zurück, sondern fällt um eine

kleine Terz auf g. Eine nochmals fallende kleine Terz wird in T. 155 vom f aufgefangen,

das wiederum eine kleine Terz abwärts nach d geführt wird. Der letzte Ton g (T. 156) hat

wohl nur die Aufgabe, die Periodizität zu stabilisieren, ohne die Harmonik aus dem Gleich-

gewicht zu bringen.

Nun könnte man konstatieren, dass dieses Gebilde aus den Tönen 1, 2, 5, 6, 7 und 8 des

Hauptthemas gebildet ist. Eine solche Beschreibung verriete jedoch nichts über den ganz

anderen Charakter, der diese Takte gegenüber dem ersten Thema auszeichnet – schließlich

enthalten die Töne 2 bis 5 des Hauptthemas die chromatisch absteigende Linie. Die fehlt

hier, und als Konsequenz ist die Flötenstimme diatonisch. Die Chromatik ist allerdings nur

in die Mittelstimme des Klaviers verlegt und führt eine Linie über sieben Halbtonstufen

vom a’ bis zum es’. Würde die Oberstimme nicht bisweilen ausscheren, wäre sogar eine

chromatische Führung in großen Terzen zustande gekommen. – Jarnach unternimmt hier

143 Ein solcher fand sich schon in T. 76, hatte dort aber keine Nachahmung gefunden.

144 T. 137/138: a-Moll/A-Dur7>9>; T. 139/140: cis-Moll/Cis-Dur7>9>.

145 Vgl. T. 65ff. im Klavier und T. 74f. in der Flöte.

zum zweiten Mal eine Verteilung ursprünglich miteinander verbundener Merkmale auf ver-

schiedene Stimmen.146

Aus einem anderen Blickwinkel kann die Flötenstimme der Takte 153–156 als enggeführte

Verschränkung jener Dreitonfigur aufgefasst werden, die oben als ‚Essenz‘ des Hauptthe-

mas bezeichnet wurde. So stellen die Töne a-b-g die Originalgestalt, die Tonfolgen g-e-f

und e-f-d dagegen die Krebsumkehrung der Dreitonfigur dar. Die motivische Verdichtung

erreicht hier einen Höhepunkt, der mit der Herausbildung des Spiegelmotivs vergleichbar

ist.

Unberücksichtigt ist bis jetzt die Bassstimme in T. 153ff. geblieben. Sie ist – das bezeugen

nicht zuletzt die Artikulationsvorschriften – eine Weiterentwicklung der Unterstimme aus

T. 61ff. Im ersten Scherzo waren sekundweise Fortschreitungen vorherrschend, hier wer-

den gebrochene Akkorde projiziert. Es bilden sich in den Takten 153 und 154 übermäßige

Dreiklänge, wie sie auch in der Mittelstimme von T. 1 verwendet wurden.

Takt 157 bis 160 sind mehr als nur eine transponierte und modifizierte Wiederholung des

vorausgegangenen Viertakters. In den ersten beiden Vierteln von T. 157 bringt das Klavier

eine fast exakte Kopie des Sonatinenbeginns. Die Melodiestimme ist oktaviert, und alles

um eine kleine Terz nach oben (also nach c-Moll) transponiert. Sogar die Begleitfigur der

linken Hand samt übermäßigem Dreiklang hat sich erhalten (hier: es’-g’-d’’-h’; siehe aber

auch T. 153, linke Hand der Klavierstimme). Klanglich ist die Assoziation zum Beginn der

Sonatine nicht so stark, als dass von einer ‚Scheinreprise‘ gesprochen werden könnte.

Direkt nach der Klavierwiederholung des thematischen Motivs kommen lang vermisste

Intervalle ins Spiel: Bereits in T. 159.3 weist die Melodiestimme einen Tritonusfall auf, T.

160 beginnt mit den Tritoni b-e’ und d’’-gis’ im Klavier. Im selben Takt setzt die Flöte zur

ersten Hälfte des Raumteiler-Motivs ein (T. 160.2f.: cis’’-c’’-h’-f). Zwei komplette Ver-

sionen des Raumteilers erklingen dann in gewohnt fundamentaler Position in T. 161f. und

163ff. Das zweite Scherzo wird auf so subtile wie unmissverständliche Weise beendet.

Die Reprise des Flötenrezitativs (B’: T. 170f.) ist auf zwei kurze Takte zusammen-

gestrichen, und sie muss sich den wenigen Platz auch noch mit dem Krebs der ersten

‚Raumteiler‘-Hälfte teilen, der im Bass des Klaviers abläuft (T. 170–171.3: E-F-H-C-

Cis-D). Der Grund für die aphoristische Knappheit der Rezitativreprise liegt in der funk-

tionalen Entbehrlichkeit dieses Formteils. In der Exposition diente das Rezitativ dazu, das

Hauptthema in kleinere Bestandteile aufzuspalten. Diese Aufgabe entfällt hier.

Nicht eingespart wurde der Einwurf des Klaviers (T. 172–175), der mit Ausnahme einer

Transposition gegenüber T. 29ff. völlig unverändert abläuft und auf der Tonika a-Moll zur

Ruhe kommt. Damit steht die Reprise des zweiten Themas (T. 176ff.) auf der ersten Stufe.

Die Seitensatzreprise beschränkt sich auf den polyphonen Themenkern und verzichtet auf

Einleitung und Coda. Es herrscht weitgehende Identität mit T. 94ff., allerdings wird das

Fugato hier von der Flöte eröffnet. Anstelle der Coda tritt in T. 195 die erste Hälfte des

‚Raumteilers‘; zum ersten Mal ist sein Charakter nicht an den folgenden Abschnitt ange-

passt.

146 Es sei an T. 8 erinnert, in dem die Ganztönigkeit des Nachsatzes durch eine Ganztonleiter substituiert wurde.

Über dem tiefen Quint-Liegeklang Cis-Gis erhebt sich in T. 200 das 1. Thema – gleichzei-

tig zart und pathetisch. Der Hörer wird die Rückkehr zum 8/8-Metrum auf jeden Fall, die

ungewöhnliche Lokalisierung in der Dominantparalleltonart cis-Moll dagegen schwerlich

bemerken. Diese zwei Takte der Klaviereinleitung werden von Jarnach genutzt, um auf

engstem Raum eine Miniatur-Reprise zu inszenieren: Auf die ersten vier Töne des Haupt-

themas folgen im Sopran von T. 201 noch gleich die ersten vier Töne des Seitenthemas:

Danach wird es sofort kompliziert. Flöte und zwei Stimmen im Klavier begeben sich in

eine fugierte Engführung des 1. Themas. Die Flötenstimme wahrt den Originalrhythmus

mit doppelt punktierter Viertel und Sechzehntel, weist aber die in T. 203 fällige Achtel-

punktierung nicht auf. Die wird wie zum Ausgleich von den beiden Klavierstimmen über-

nommen, die sich ansonsten in geraden Achteln fortbewegen.

Zusätzlich zu diesen kontrapunktischen Verwicklungen heben drei Stimmen des Klaviers

ab T. 203.6 zur nächsten Engführung an. Erstmalig kommt in Mittel- und Oberstimme des

Klaviers die Umkehrung des kompletten Hauptthemas zum Einsatz, der Bass bleibt bei der

Grundgestalt. Wie in T. 16 der Exposition erhalten alle fugierten Stimmen dieselbe Fort-

führung, die hier aber eine zusätzliche Dimension bekommt: Die Oberstimme zitiert als

erste die Viertonfolge a’-gis’-h’-ais’ (T. 205.1–4), der Bass antwortet umgekehrt mit ‚C-

‚Cis-„Ais-„H (T. 205.2–6), die Mittelstimme liefert ab T. 205.4 noch g’-fis’-a’-gis’.

Es sind dies sämtlich Viertonformeln aus kleiner Sekunde, kleiner Terz und nochmals klei-

ner Sekunde, dreimaliger Richtungswechsel eingeschlossen. Die oft zitierte Dreitonfigur

ist in ihnen gleich doppelt enthalten – in Umkehrung plus Krebs beziehungsweise Grund-

gestalt plus Krebsumkehrung (Bass). Dreimal BACH in einem Takt (205) versammelt

ist kaum als Zufall anzusehen. Ebenso wenig ist es Zufall, dass die beiden erstgenannten

Transpositionen in Sopran und Bass jeweils im Halbtonabstand ober- beziehungsweise un-

terhalb der hier ausgesparten Originaltonfolge b-a-c-h angesiedelt sind.

Mir scheint die Herleitung des BACH-Motivs aus der ‚richtigen‘ Kombination zweier

Dreitonfiguren überzeugend zu sein – letztlich können sowohl das 1. Thema selbst wie

auch viele seiner Ableitungen als Vorstufen zum BACH-Motiv gesehen werden.

Schon die Takte 1–2 der Sonatine (1. Thema, Melodiestimme) bringen eine Viertonfigur

hervor, welches sich aus zwei miteinander kombinierten Versionen der Dreitonfigur zusam-

mensetzt. Das Überschneidungsintervall der Tonfolge d-h-c-a ist dort die kleine Sekunde,

das Motiv b-a-c-h nimmt dagegen die kleine Terz in die Mitte.

Die Tonfolge b-a-c-h besteht darüber hinaus aus vier nebeneinanderliegenden Halbtönen147

– aber auch dieses Material vermag das 1. Thema zu liefern: Seine Töne 2–5 beschreiben

einen viertönigen chromatischen Abgang, der, setzte man die beiden vorderen Töne hinter

die letzten beiden, eine Transposition von b-a-c-h ergäbe. Jarnach war der ‚Lösung‘ bereits

zu Beginn der Sonatine sehr nah und nahm dann doch einen weiten Umweg.

Es wäre natürlich abwegig, alle motivische Arbeit in der Sonatine op. 12 nur unter dem

Aspekt der Herausbildung des BACH-Motivs zu subsumieren. Die vom ersten Thema

abgespaltene Dreitonfigur hat sich schließlich auch zum ‚Raumteiler‘ weiterentwickelt,

gleichzeitig aber seine ursprüngliche Form mit kleiner Terz konserviert. In T. 46 (Klavier)

schließt sich ihm mit einem Tritonusfall ein vierter Ton an; bei T. 64/65 ist das letzte In-

tervall der Viertonfigur zu einer großen Sekunde verkleinert. Von hier ist es nur noch ein

kleiner Schritt zum Ziel.

Das 2. Thema leistet ebenfalls einen Beitrag zu BACH, wenn auch nur indirekt: Der e-

Moll-Liegeakkord im Klavier, der den Themenvorlauf der Flöte begleitet, ist mit einigen

Durchgangstönen versehen. Neben dem phrygischen Abgang im Bass finden sich in der

Mittelstimme der rechten Hand ab T. 83 die Töne h-c, b und a. Dies ist das einzige Mal,

dass das Material für BACH explizit vorgestellt wird. Unbefriedigend ist hier nur die Un-

ordnung in der Reihenfolge.

Gut versteckt sind auch die BACH-Anspielungen zu Beginn des zweiten Scherzos. Den

Zickzackkurs der großen Terzen in T. 126 und 127 (Klavier, rechte Hand) als latent zwei-

stimmig interpretiert, ergeben Ober- wie Unterstimme jeweils die transponierte Krebsge-

stalt von b-a-c-h.148

Mit dem zweiten Scherzo treten auch die Dreitonfigur einschließenden Viertongruppen

wieder auf den Plan (T. 130ff.). Ihr letztes Intervall beträgt allerdings nach wie vor nicht

die benötigte kleine Sekunde. Eine sehr aufschlussreiche Zwischenstation markieren die

Takte 153ff. Die thematisch anmutende Linie der Flöte zeigt bereits die endgültige Aus-

richtung der beiden verketteten Dreitonfiguren zueinander, in der die Halbtonschritte außen

liegen. In der so entstandenen Tonfolge a-b-g-e-f sind die benachbarten kleinen Terzen

noch nicht zu einer einzigen verschmolzen, wie es im BACH-Motiv der Fall ist. Die erste

gültige BACH-Variante erscheint aber nun nicht erst im letzten Takt vor der Coda, sondern

bereits in T. 203. Die Flöte bringt mit e’-f’-d’-es’ einen Krebs.

Auf das kontrapunktisch reichhaltige Finale in T. 205 folgt die abschließende, homophon

angelegte Coda, die in zwei mal vier Takte aufgeteilt ist. In der ersten Hälfte bringt die

Flöte eine letzte, gedehnte Version des Hauptthemas, dass von impressionistischen Akkord-

brechungen des Klaviers verklärt wird. Hierbei handelt es sich um einen Akkordtyp, der

später eine große Bedeutung für Jarnachs Harmonik spielen wird. Jarnach selbst bezeichnet

ihn in seiner harmonischen Skizze149 als „Mischklang“ (vgl. Kapitel I.3.6). Hier liegt ein

cis-Moll-Dreiklang vor, dessen Töne mit ihren Nebentönen dis, fisis und b gleich dreifach

‚geschärft‘ werden:

147 Anders die Viertonfolge in T. 1/2 der Sonatine, in der zwei Ganztonabstände vorkommen.

148 Oberstimme: ais’-h’-gis’-a’; Unterstimme: fis’-g’-e’-f’.

149 JD. 72, Kiste 8, graublaues Skizzenheft DIN A4+, undatiert.

Die Schlusstakte der Sonatine bestreiten ein von der Flöte und den Klavieroberstimmen

gespielter, ruhender a-Moll-Akkord und die drei Mal wiederholte erste Hälfte des ‚Raum-

teilers‘.

Die vorliegende Analyse hat eine funktionale wie formale Differenzierung der Sonatine für

Flöte und Klavier op. 12 ergeben, die ihren Niederschlag in einer nun ausführlicheren Glie-

derung finden soll:

Teil Takte Tempoangabe/

Metrum

Beschreibung

Merkmale, Funktion

A 1–22 Langsam

8/8

Achtel = 92

1. Themenkomplex. Überwiegend polyphoner Satz, rhyth-

misch komplex; stark chromatisiert; fünftaktige Klaviereinlei-

tung; deutliche durchführungsartige Tendenzen (Variation,

Parameteraufspaltung, Kanon); Abspaltung des Tritonusmotivs

in T. 21;

-23–26 Mäßig bewegt

3/4

Viertel = 144

‚Raumteiler‘, bestehend aus Tritonusmotiv und diatonischer

Fortführung; rhythmisch das Scherzo vorwegnehmend; Ab-

schluss des 1. Themenkomplexes;

B27–28 Langsam

7/4

Viertel = 44

Rezitativ der Flöte. Klavier mit schlichter Unisono-Begleitung;

vorerst nur augmentierte Aufnahme des 1. Themas;

-29–32 Mäßig bewegt

3/4

Einwurf des Klaviers. Führung in großen Terzen; rhythmisch-

metrisch die Sphäre des Scherzos vorwegnehmend;

B33–36 Langsam

7/4

Rezitativ der Flöte (Fortsetzung). Funktion einer ersten Durch-

führungsphase: sukzessive Verkürzung des 1. Themas; Ver-

kettung des Tritonusmotivs; Abspaltung und Sequenzierung

der Dreitonfigur; erarbeitung der chromatischen Skala;

C37–79 Bewegt

3/4

Dreiviertel

= 66-72

Scherzo 1. Schlichterer polyphoner Satz; rhythmisch kom-

plex, aber spürbar auf das Dreiermetrum bezogen; eindeutiger

Durchführungscharakter; Verarbeitung des 1. Themas und

seiner Abspaltungen und Ableitungen; Spiegelmotiv als Kristal-

lisationspunkt der thematisch-motivischen Arbeit;

-80–82 - ‚Raumteiler‘. Rhythmische Variante; Abschluss des 1. Scher-

zos;

D83–118 Im Tempo

(wie Scherzo)

3/4

2. Themenkomplex. T. 83–93 thematischer Hinleitung, ei-

gentliches 2. Thema bei T. 94–110. Strenge, aber schlichte

Polyphonie, Fugato; rhythmisch einfach gehalten; Coda-artiger

Abschluss ab T. 111;

C’ 119–160 A tempo

(sehr lebhaft)

3/4

Scherzo 2. Charakteristika wie 1. Scherzo; Durchführung; hier

etwas andere Schwerpunktsetzung, in den Gegenständen der

Verarbeitung; Höhepunkt bei T. 153ff. mit thematisch wirken-

dem Motiv.

‚Raumteiler‘ in doppelter Ausführung in T. 161–167

- 160–169 - ‚Raumteiler‘, wie organisch aus vorigem Abschnitt heraus-

wachsend; eine erste Hälfte und zwei komplette Durchgänge;

B’ 170–171 Langsam

7/4

Viertel = 44

Rezitativ der Violine. Transponierte und nur leicht variierte

Wiederholung von T. 27–28, allerdings nur auf diese beiden

Takte reduziert;

-172–175 Mäßig bewegt

3/4

Viertel = 144

Einwurf des Klaviers. Transponierte Wiederholung von

T. 29–32;

D’ 176–194 Im Tempo

(wie Scherzo)

3/4

Dreiviertel = 66

2. Thema. ‚Nettofassung‘ ohne Hinleitung und Coda. gegen-

über D andere Stimmverteilung, ansonsten weitgehend iden-

tisch;

-195–199 - ‚Raumteiler‘. Nur Kopf mit Tritonusmotiv. Beschließt das

2. Thema;

A’ 200–205 Tempo wie im

Anfang

8/8

1. Themenkomplex. Stark verkürzte Fassung, ähnliche Cha-

rakteristik wie T. 1–22. Zu Beginn zweitaktige Miniaturreprise

des Klaviers; im Folgenden kanonische Führung und Heraus-

bildung der transponierten BACH-Tonfolge;

-206–213 - Coda, zweiteilig. Homophon; erster Teil vom Hauptthema

dominiert; der drei Mal wiederholte Kopf des ‚Raumteilers‘ be-

schließt die Sonatine.

Die gegenüber Weiss’ Aufstellung neu hinzugekommenen Formteile rekrutieren sich aus

den ‚Raumteilern‘ sowie dem als ‚Einwurf‘ bezeichneten kurzen Klavierpassus bei den

Rezitativen. Sie werden deshalb als kurze Abschnitte separat angeführt, weil sie sich mo-

tivisch deutlich von ihrer Umgebung abheben und eine ihnen allein zugedachte Funktion

erfüllen.

Der ‚Raumteiler‘ hat zwar immer abschließenden Charakter, gleichzeitig jedoch ist er an

den jeweils folgenden Formteil angepasst: In T. 23ff. kündigt er das Scherzo an; in T. 80ff.

nimmt er die gemächlichere Gangart des 2. Themenkomplexes vorweg; die das 2. Scherzo

beschließende Variante führt den Prozess der Verlangsamung anschaulich vor – hier sind

zwei aufeinanderfolgende ‚Raumteilerfassungen‘ nötig, um den Kontrast zu bewältigen; in

T. 195ff. bereitet das Tritonusmotiv den Boden, auf den sich das 1. Thema gründen kann.

Weniger eindeutig ist die Funktion des ‚Klaviereinwurfs‘. Seine Aufgabe kann nicht nur

sein, das Rezitativ der Flöte zu beleben. Der ‚Einwurf‘ ist – da das Flötenrezitativ in der

Wiederholung viel eingebüßt hat – der einzig stabile Pfosten, um den lebhaften Mittelteil

der Sonatine (Scherzo 1, den zweiten Themenkomplex, Scherzo 2) von den Rahmenteilen

zu trennen. Sein Hauptbeitrag zu den Durchführungsscherzi – die parallele Terzenbewe-

gung – könnte von der Flöte gar nicht geleistet werden.

In den einleitenden Bemerkungen zur Sonatine op. 12 war die Frage aufgeworfen worden,

welche Formkonzepte in die Komposition eingeflossen sind. Ich möchte versuchen, vor

dem Hintergrund der detaillierten Analyse zu diesbezüglich genaueren Aussagen zu gelan-

gen.

Eine das Architektonische betonende Hypothese war diejenige der symmetrischen Form,

deren Kern der von den beiden Scherzo-Teilen eingerahmte Abschnitt D (das zweite The-

ma) ist. Und in der Tat wird die Symmetrie – von außen betrachtet – nur von der Wieder-

holung des Seitenthemas bei T. 176 gestört.150 Hätte Jarnach auf die Seitensatzreprise ver-

zichtet, ergäbe sich auch eine symmetrische Tempofolge (Langsam – Schnell – Langsam –

150 Die gegenüber der Exposition umgekehrte Reihenfolge von Haupt- und Seitenthema mag ebenfalls der Herstellung

von Symmetrie dienen.

Schnell – Langsam). Eine Ebene tiefer angesiedelt ist die Symmetrie innerhalb des B-Teils,

in dem die Klavierpassage von den Rezitativen der Flöte flankiert wird. Das Spiegelmotiv

(T. 53ff., 77ff., 142ff.) mit seinen nicht zentrumsgleichen Symmetrien der Parameter Dia-

stematik und Rhythmus mag wie das ‚Treppen‘- und das BACH-Motiv – beide ebenfalls

symmetrische Gebilde – nicht in den Bereich der Form gehören. Die Faszination Jarnachs

an umkehrbaren musikalischen Gebilden aber äußert sich eben auch auf dieser Ebene.

Dazu passt schließlich, dass beide Themen der Sonatine op. 12 mit einer Spiegelfigur be-

ginnen (e’’-f’’-e’’ beziehungsweise h’’-e’’’-h’’) und das 1. Thema sogar komplett in zwei

symmetrische Tonfolgen auftrennbar ist:

Die Töne 1 bis 3 des Themas beschreiben die Wechselnote, es handelt sich dabei um eine

vertikale Spiegelachse. Die Töne 4 bis 9 lassen sich über eine Punktspiegelung herstellen:

es’’-d’’-h’ • c’’-a’-gis’.

Es bedarf der letztgenannten Details freilich nicht, um zu dem Schluss zu kommen, dass

der Sonatine ein symmetrisches Formkonzept zugrundeliegt. Die Gesamtanlage ist bis auf

den erwähnten Einsatz des 2. Themas bei T. 176ff. absolut schlüssig. Bei alldem sind die

Anstrengungen Jarnachs, seiner Sonatine op. 12 mit der Sonatenhauptsatzform eine zweite

Dimension zu geben, nicht zu übersehen. Das Vorhandensein zweier Themen, die nur in

ihrem ungefähren Umriss sich ähneln, in fast allen anderen Parametern aber mustergültig

kontrastieren, ist nur der Anfang. An die Substanz der Sonatenform rührt die Bemühung,

Haupt- und Seitensatz in einem ansonsten überwiegend freitonalen Umfeld in die traditio-

nellen Tonartenverhältnisse zu setzen.

Schwierigkeiten machen zugegebenermaßen die Kategorien ‚Exposition‘, ‚Durchführung‘

und ‚Reprise‘. Jarnach betreibt bereits in Abschnitt A und im Flötenrezitativ so intensive

thematisch-motivische Arbeit, dass die Durchführungsgrenzen verwischen. Allein die Ab-

schnitte D und D’ (zweite Themenkomplexe) bleiben von durchführungsartigen Elementen

weitgehend frei.

Während Abschnitt A vor allem mit der Variantenbildung des ersten Themas beschäftigt ist,

wird im Flötenrezitativ die Aufspaltung des Hauptthemas in seine Motivbestandteile (in-

klusive der Dreitonfigur) geleistet, die ja die Voraussetzung für die Verknüpfung zu neuen

Gebilden ist. Letztere findet anschließend in den Scherzo-Teilen statt. Neuartig scheint mir

die Verteilung der verschiedenen Phasen einer Durchführung auf jeweils eigene Formteile

zu sein. Überaus originell ist die starke charakterliche Differenzierung dieser Funktionsab-

schnitte.

Die in den Scherzo-Abschnitten lokalisierten Hauptabteilungen der Durchführung folgen

kaum den traditionellen Mustern. So ist zum einen der Einfluss des 2. Themas marginal,

da nur sein einleitendes Quartmotiv an drei Stellen aufscheint. Zum anderen sind das 1.

Thema und seine meist kurzen Ableitungen und Bruchstücke hierarchisch gleichberechtigt;

Jarnach macht zudem keinen die Quelle der Motive betreffenden Unterschied: So verdich-

ten sich das Tritonusmotiv aus dem ‚Raumteiler‘ und die Großterzführung aus dem Kla-

viereinwurf des Rezitativs zum Spiegelmotiv. Das Potenzial des so sorgfältig angelegten

Themenkontrastes hingegen bleibt in den Scherzo-Teilen (wie in der Sonatine überhaupt)

gänzlich ungenutzt.

Nach dem zweiten Scherzo setzt eine rückläufige Abfolge der Formteile ein, die nur von

der Reprise des 2. Themas gestört wird. Diese Reprise ist allein als Reverenz an die Sona-

tenform zu werten, denn sie ergibt weder architektonisch noch dramaturgisch Sinn.

Die Reprise des Hauptthemas ist sehr übersichtlich geraten und dennoch außerordentlich

wirkungsvoll. Auf eine Wiederaufnahme der Originalgestalt aus T. 1–5 wird verzichtet, die

vage Andeutung des Themenkopfes genügt hier. Unter Auslassung auch des Mittelteils von

A kommen Flöte und Klavier in T. 202 gleich zu einer ungefähren Replik des Kanons aus

T. 16ff., diesmal allerdings noch um die Umkehrungsgestalten des 1. Themas bereichert

und offensichtlich in den Dienst einer ganz anderen Sache gestellt: der Herausarbeitung

des BACH-Motivs.

Es überschneiden sich in Jarnachs Sonatine für Flöte und Klavier nämlich nicht nur die

symmetrische Form und der Sonatenhauptsatz, sondern noch ein dritter formaler Zug. Die

Zerlegung des 1. Themas in seine Bestandteile, die Isolierung der Dreitonfigur, die ihm

geschuldeten Kombinationsversuche bis hin zur geglückten Synthese des BACH-Motivs

beschreiben eine lineare, zielorientierte Entwicklung, die zu den oben beschriebenen zykli-

schen Formtypen im Gegensatz steht.

II.3 Zusammenfassung

Eine fast perfekte symmetrische Form ist das von außen wahrnehmbare Gerüst der Sonati-

ne op. 12, welches sich vor allem über die stark kontrastierenden Charaktere der Formteile

konstituiert. Jarnach markiert die kleinteilige Vielgliedrigkeit der Form zusätzlich durch

kontrastierende Satztechniken: Sie reichen vom Unisono über das Instrumentalrezitativ bis

zur artifiziellen Polyphonie.

Der von der symmetrischen Form gespannte Raum ist mit den Mitteln der Sonatenhaupt-

satzform funktional gegliedert. Jarnach stellt in diesem Zusammenhang eine mustergültige,

weil in mehreren Parametern manifestierte Themendualität auf. Besonderes Augenmerk

verdient die Diastematik des Hauptthemas: Sie steht mit ihrer Wechselnote, den ‚treppen-

artigen‘ Richtungswechseln und der überwiegenden Kleinschrittigkeit Modell für viele

weitere thematische Entwürfe in Jarnachs Kompositionen der zwanziger Jahre. Darüber

hinaus gehört dieses Thema zur nicht eben großen Gruppe der periodischen Entwürfe. Bei-

de Themen der Sonatine op. 12 finden sich durch einen streng polyphon konzipierten Satz

hervorgehoben.

Der lineare Formverlauf, wie er sich in der Evolution der Dreitonfigur zum BACH-Motiv

kristallisiert, beschreibt schließlich die dritte formale Ebene.

Diese drei sich überlagernden Gestaltungsprinzipien verweisen modellhaft auf verschiede-

ne Ausprägungen der Relation von Material und Formung, von Konstruktion und äußerem

Erscheinungsbild:

a) Symmetrische Anlage leicht wahrzunehmen• unabhängig vom musikalischen•

Material

b) Sonatensatz in Grundzügen er-•

kennbar

Form basiert auf ganz bestimm-•

ten Materialanordnungen

c) Entwicklung der Vier-

tonfigur

kaum nachvollzieh-•

bar

befindet sich direkt auf der M -•

terialebene

Die Einschätzung Adolf Weißmanns, Jarnach sei ein „der Form nach Fertiger“151, scheint

angesichts der Sonatine op. 12 durchaus gerechtfertigt. Ihr Formansatz trägt schließlich

sowohl den Problemen der Materialordnung als auch den psychologischen Wahrnehmungs-

möglichkeiten von Form auf sehr originelle Weise Rechnung. Die Tatsache, dass erkenn-

bare Form und Materialbeschaffenheit nicht unbedingt im gleichen Koordinatensystem an-

gesiedelt sind, ist ein Kennzeichen nicht nur der Sonatine – man denke an Kompositionen

wie Schönbergs zwölftöniges, äußerlich aber konventionell thematisch konzipiertes drittes

Streichquartett. Entscheidend ist, dass Jarnach über den „nachweisbaren, aber nicht fühlba-

ren Traditionsbezug“152 hinaus dem Hörer mindestens eine gut nachvollziehbare Formungs-

variante an die Hand gibt.

Bemerkenswerterweise wurde von den zeitgenössischen Kritikern weder die symmetrische

Form noch die Anlage nach der Sonatenhauptsatzform thematisiert – die Feststellung, die

Sonatine sei „sorgsam durchgearbeitet“153, ist da ein zu verschwommener Reflex. Mehr

an den Tatsachen orientiert ist der Befund von den „weitgeschwungenen melodischen

Bögen“154: Vor allem im Vergleich zu den Werken aus op. 16 bis 20 sind in der Sonatine op.

12 noch explizit ausformulierte Themen vorzufinden. Letztlich ist Jarnachs eigene, äußerst

kurze Beschreibung der Form, nach welcher die Sonatine „bei aller scheinbaren Freiheit

die Sonatenform streng wahrt und in der Anfangsstimmung“155 endet, noch am zutreffend-

sten – immerhin sind hier Sonatenform und Symmetrie angedeutet.

Besonders in der Konzeption und Durchführung der thematischen Protagonisten bestehen

deutliche Parallelen zwischen der Sonatine op.12 und dem Kopfsatz der 1924 vollendeten

Sonatina für Klavier op. 18: In beiden Fällen ist eine sorgsam ausgearbeitete Themendua-

lität zu verzeichnen, die gleichzeitig monothematische Züge trägt. In beiden Werken wird

das erste Thema einer für Jarnach typischen, die Komposition überziehenden Variantenbil-

151 Die Musik 16/1 (Oktober 1923), S. 54.

152 Weiss, S. 119.

153 Musikblätter des Anbruch, Nov. 1923, S. 261.

154 NMZ 43/19 (22.6.1922), S. 302.

155 AMZ 49/21–22 (2.6.1922), S. 469.

dung unterzogen, während das zweite Thema in seiner Gestalt stabil bleibt und räumlich

nicht streut. In der Adaption der Sonatenhauptsatzform insgesamt zeigt sich Jarnach aller-

dings nirgends phantasievoller als in der Sonatine für Flöte und Klavier op. 12.

Die Sonatine op. 12 bildet sowohl zeitlich als auch stilistisch eine Schnittstelle zwischen

der ‚französischen‘ und der ‚deutschen‘ Schaffensphase Jarnachs. Am offenkundigsten ist

dies in der Harmonik: Die Terzenschichtung bleibt unangefochtene Basis der Akkordbil-

dung, sie schließt aber bereits ganztönige und bitonale Gebilde ein. Quartenakkorde kom-

men ebenfalls vor, spielen aber noch keine gewichtige Rolle und verhalten sich klanglich

eher impressionistisch denn schroff dissonant. Die unüberhörbare französische Prägung

Jarnachs, die sich neben der Harmonik auch im schlanken und stets gut durchhörbaren und

eleganten Klaviersatz äußert, trifft in der Sonatine auf einen sich deutlich abzeichnenden

Hang zu kontrapunktischen Verwicklungen.

II.4 Nachtrag: Ferruccio Busonis Albumblatt für Flöte und Klavier

Im Herbst 1916, bald nach der Fertigstellung seines Arlecchino, komponierte Ferruccio

Busoni das Albumblatt für Flöte und Klavier. Es ist wie Jarnachs Sonatine op. 12 dem

Züricher Bankier Albert Biolley gewidmet. Das Albumblatt ist ein leichtes, aber nicht

leichtgewichtiges Werk von sehr überschaubarem Ausmaß, die technischen Ansprüche an

die Ausführenden sind eher gering. Während die Flöte eine ununterbrochene Melodielinie

spielt, unternimmt das Klavier eine akkordische Begleitung, die nur ganz vereinzelte imita-

torische Elemente in der Bassstimme enthält.156 Der völlige Verzicht auf motivische Arbeit,

durchführungsartige Verwicklungen und satztechnische Komplexität unterscheidet diese

Komposition bei aller charakterlicher Verwandtschaft deutlich von Jarnachs Sonatine op.

12. Für sich betrachtet, weckt dann vor allem die freitonale Harmonik des ‚Albumblatts‘

Interesse – eine Harmonik von größter Biegsamkeit, völlig frei von expressiven Schroff-

heiten.

Trotz der Unterschiede dürfte dem Widmungsträger Biolley einiges bekannt vorgekommen

sein, als er vier Jahre später die Noten von Jarnachs Sonatine op. 12 in den Händen hielt.

Dies sind die jeweils ersten beiden Takte der Flöteneinsätze:

Jarnach, Hauptthema Busoni, Hauptthema

Die Ähnlichkeit der Themen ist nicht zu übersehen. Beide setzen auf der Quinte der Haupt-

tonart ein und führen in einer kleinschrittigen Bewegung langsam zu deren Grundton

hinab. Auch bei Busoni trifft man auf die einleitende Wechselnote und das abschließende

156 Siehe T. 2, 12, 14 und 27f.

Treppenmotiv (wenn auch quasi in der Krebsumkehrung). Die ebenfalls offenkundigen

rhythmischen Parallelen lassen eigentlich nur den Schluss zu, dass Jarnach mit dem Haupt-

thema der Sonatine op. 12 der Vorgängerkomposition Busonis (vorsichtig ausgedrückt)

eine Reverenz erweisen wollte.

Auch bei einer weiteren Verwandtschaft wird nicht von Zufall auszugehen sein: Jene drei-

mal wiederholte Figur, die bei Jarnach in T. 35 des Flötenrezitativs auftaucht, könnte – mit

leichten metrischen Verschiebungen – direkt aus dem Mittelteil (etwa T. 23) von Busonis

Albumblatt stammen. Bezeichnenderweise fungiert sie dort als melodische Dachkonstrukti-

on über komprimierten Modulationen des Klaviers:

Busoni, Albumblatt Figur T. 23

Jarnach, op. 12 Figur T. 35

Es werden aber sogleich unterschiedliche Vorgehensweisen deutlich: Während Busoni sei-

ne Figur lediglich sequenziert, findet bei Jarnach eine echte Motivaufspaltung statt.

Schließlich verbindet die beiden Biolley gewidmeten Kompositionen ihre charakterliche

Leichtigkeit. Bei Busoni ist das ‚schöne Spiel‘ Programm, in Jarnachs komplex gestalteter

Sonatine op. 12 dagegen eine raffiniert täuschende Oberfläche.

III.

SONATE FÜR VIOLINE ALLEIN OP. 13

(1922)

III.1 Einleitung

Vermutlich im Sommer 1922 abgeschlossen; verlegt 1922 bei B. Schott’s Söhne, Mainz; Widmung: „Amalie

Jarnach zugeeignet“; Uraufführung durch Stefan Frenkel am 30. November 1922 im Berliner Bechsteinsaal.

Die Musik für unbegleitete Solovioline war seit ihren Anfängen eine explizit anspruchs-

volle Gattung. Ein erster Meilenstein waren die Mysteriensonaten und die Passacaglia

für Violine solo von Heinrich Ignaz Franz Biber (1676). Früher Höhepunkt der Gattungs-

geschichte sind die Partiten und Sonaten BWV 1001–1006 von Johann Sebastian Bach.

Klassik und Romantik enthielten sich nennenswerter kompositorischer Beiträge für die

Solovioline. Um die vorletzte Jahrhundertwende nahm Max Reger die Komposition von

Solowerken für die Geige wieder auf. Regers diesbezügliche Motivation war zwar noch

ganz dem Geist eines musikalischen Historismus verpflichtet. Seine Sonatensammlungen

für Violine op. 42 und op. 91 (1900/1905) sowie die Präludien, Fugen und Suiten op. 117

und 131 (1909–1915) fanden jedoch bald Nachahmung im Zuge jener auch Ernst Kurth

geschuldeten Neuorientierung, welche der Kategorie der ‚Linie‘ wieder den Vorrang er-

streiten wollte.

Zahlenmäßig machen die Werke für Violine und Viola solo von Paul Hindemith einen er-

heblichen Teil dieser Literatur aus.156 Daneben haben sich noch Ernst Krenek (op. 33)157,

Sándor Jemnitz (op.18, 1922), später auch Bela Bartók (Sonate, 1944) und Sergej Proko-

fiev (op. 115, 1947) mit dieser Gattung beschäftigt.

Philipp Jarnachs hier analysierte Sonate für Violine solo op. 13 war bereits die dritte ihrer

Art. Eine erste, viersätzige Sonate für Violine allein (op. 8) war 1913 entstanden und wurde

im gleichen Jahr in München verlegt; 1925 ist sie in einer stark überarbeiteten Fassung bei

Robert Lienau in Berlin noch einmal herausgegeben worden.

Ebenfalls von 1913 datiert Jarnachs zweite Solo-Violinsonate (op. 11) in G-Dur. Das drei-

sätzige Werk war Max Reger gewidmet und blieb unveröffentlicht. Man kann davon ausge-

hen, dass Jarnachs spätere Frau, die Geigerin Amalie Streicher, die eigentliche Adressatin

auch der beiden früheren Kompositionen gewesen ist.

Jarnachs Violinsonate op. 13 zeigt eine ungewöhnlich asymmetrische Satzdisposition: Auf

das einleitende ‚Andante sostenuto‘ folgen die zwei sehr schnellen Sätze ‚Prestissimo‘ und

‚Allegro deciso‘. Auch in Charakter und Faktur unterscheiden sich die Sätze so weitge-

hend, dass daraus ein sehr heterogener Gesamteindruck entsteht.

156 Solosonaten op. 11 Nr. 1 (Violine) und Nr. 5 (Viola); op. 25 Nr. 1 (Viola); op. 31 Nr. 1 und 2 (Violine), Nr. 5 (Viola);

Sonate für Viola allein (1937, unveröffentlicht).

157 Es existiert von Krenek noch eine weitere Sonate für Violine solo. Sie stammt aus dem Jahr 1948 und trägt keine

Opusnummer.

III.1.1 Zeitgenössische Rezensionen

a) Signale 80/49 (6.12.1922), S. 1406; Karl Westermeyer:

„Über Philipp Jarnachs Sonate für die Violine allein lässt sich nicht viel Positives fest-

stellen, zu sehr hat der wache Intellekt dabei Pate gestanden. Das Notenbild entbehrt

nicht technischer Gewandtheit und logischer Folgerichtigkeit, aber die Blutwärme

inneren Erlebens fehlt, die mitreisst und überzeugt. Der Wille zur Modernität genügt

nicht, Originalität ist Begabung, mehr ein Müssen denn ein Können.“

b) Allgemeine Musik-Zeitung 50/8 (23.2.1923), S. 135; Heinz Pringsheim:

„Ohne das symptomatisch Bedeutsame und erzieherisch Wichtige dieser Bewegung

zu unterschätzen, glaube ich doch nicht, dass der Form der unbegleiteten Solosonate

für Violine eine große Zukunft beschieden sein wird. Auch Jarnachs Versuch wird

ihr kaum viele neue Freunde werben. Besonders der erste Satz ist, trotz metrischer

Kompliziertheit, recht wenig ergiebig. Stärkere musikalische Impulse wirken sich im

lebendigen Prestissimo und dem energischen Hauptgedanken des Finale aus: häufig

aber vermisse ich, bei der nicht alltäglichen Harmonik, die der linear-melodischen

Bewegung zugrunde liegt, die tragende harmonische Stütze, ohne die das luftige Pas-

sagenwerk Gefahr läuft, wirkungslos im Winde zu verwehen.“

c) Anbruch 5 (Juni–Juli 1923), S.187f.; Paul Bekker:

„Neue Werke boten Eduard Erdmann und Philipp Jarnach mit je einer Solsonate für

Violine; das Stück von Jarnach sauber, elegant, leicht ansprechend und mit bemerkens-

werter Glätte der Form gearbeitet, ...“

d) Zeitschrift für Musik, Jg. 90 (1923), S. 314; Theodor W. Adorno:

„Jarnachs Violinsonate hat ungleich mehr Gewicht [als Tiessens Sonate für Violine

solo], kommt straff diszipliniert, ernst auch im Innerlichen; gemessen an dem, was

man von Jarnach nach seiner Kammermusik fordern sollte, bleibt sie trotzdem zu un-

entfaltet, im ersten Satze sogar unplastisch.“

e) Anbruch 9/3 (März 1927), S. 145; Paul Amadeus Pisk:

„Stefan Frenkel […] erspielte sich Solistenlorbeeren durch die formschöne Solosonate

von Philipp Jarnach.“

Die hier angeführten zeitgenössischen Rezensionen der Sonate op. 13 mögen unterschiedli-

che Grade von Zustimmung und Ablehnung wiedergeben, ihre Argumente aber ähneln sich

durchaus. Von „edler Haltung“ und „technischer Gewandtheit“ der „formschönen“ Sonate

ist hier (wie in vielen Kommentaren zur Musik Jarnachs) die Rede, gleichzeitig jedoch

auch von fehlender Plastizität und „Blutwärme“. In diesem Zusammenhang verlieren auch

Attribute wie jenes der „logischen Folgerichtigkeit“ ihre positive Konnotation.

Über Theodor W. Adornos musikästhetische Ansichten gäbe es vieles zu sagen. Hier sei le-

diglich bemerkt, dass es wohl dem noch nicht vollzogenen Paradigmenwechsel im Denken

Adornos zuzuschreiben ist158, wenn er gerade den Kopfsatz von op. 13 als „unplastisch“

beschreibt, die durchaus im Hindemithschen Sinne motorisch veranlagten Sätze zwei und

drei dagegen mit dem Prädikat „voll Fluss und Verve“159 ausstattet.

III.2 Analyse

III.2.1 Analyse 1. Satz: Andante sostenuto

Länge 54 Takte; Taktart 5/4, gelegentliches Ausweichen auf 2/4, 3/4, 4/4, 6/4 und 7/4; Tempoangabe: ‚An-

dante sostenuto‘, einige Passagen mit langsameren Tempi; sehr sparsame Tempo- und Dynamikangaben;

Vorzeichnung für F-Dur/d-Moll, aber keine Rahmentonart erkennbar.

Stefan Weiss kommt in seiner Beurteilung des ersten Satzes der Sonate für Violine allein

zu einem ganz anderen Urteil als die zeitgenössischen Rezensenten: Er empfindet ihn als

einen der „vollendetsten Jarnach-Sätze“160 und begründet diese Auffassung mit der span-

nungsvollen Anlage von Harmonik und Form. Ich schließe mich diesem Urteil, der Analy-

se vorgreifend, gerne an.

Das Andante weist eine ganze Zahl abwechslungsreicher Spielarten und Satztechniken auf,

ohne dabei angestrengt oder überladen zu wirken. Deutlich ist das Bemühen Jarnachs zu

spüren, gerade im langsamen Kopfsatz der Violinsonate die polyphonen Möglichkeiten des

Instrumentes auszureizen. Während die beiden folgenden schnellen Sätze bei aller Eigenart

gewisse Zugeständnisse an den Zeitgeschmack der 20er Jahre erkennen lassen, scheint der

Kopfsatz auf ganz eigentümliche Weise in sich zu ruhen.

Dem Hörer präsentiert sich im ersten Satz der Sonate op. 13 eine Vielfalt musikalischer

Gestalten, die einzuordnen zunächst nicht leichtfällt. Da sind der weit ausholende, bogen-

förmige Beginn, später ein punktiertes Motiv und ein thematisch anmutendes Gebilde aus

parallel geführten Terzen. Schon eine so grundlegende Frage wie jene, ob es sich hierbei

um eine ‚thematisch‘ konzipierte Musik mit den dazugehörigen formalen Implikationen

handelt, ist nicht ohne Weiteres zu beantworten. Wo wäre ein erstes Thema anzusiedeln?

Der weitgespannte Bogen der Anfangstakte weist nicht gerade das auf, was man als eine

‚prägnante Physiognomie‘ bezeichnen würde – was von ihm in Erinnerung bleibt, sind vor

allem die schon benannten Eigenschaften ‚Bogen‘ und ‚weit‘. Trotzdem wird sich zeigen,

dass hier das Hauptthema vorliegt und der Kopfsatz der Violinsonate op. 13 ein recht tradi-

tionell geführter Sonatensatz ist.

158 Dieser Paradigmenwechsel ist wohl mit der Aufnahme von Kompositionsunterricht bei Alban Berg zu verknüpfen.

Die Kritiken Adornos waren seitdem so stark von der Auseinandersetzung mit dem Materialgedanken geprägt, dass an-

dere Gesichtspunkte in den Hintergrund traten. Wusste er 1923 noch positiv von Hindemiths Bläserquintett op. 24,2 zu

berichten ZfM 90 (1923), S. 314–316 – es ist derselbe Artikel, in dem Adorno zu Jarnachs op. 13 Stellung bezieht), so

verurteilte er später wiederholt Hindemiths angebliche Unbekümmertheit im Ästhetischen. Adornos gedanklich-konzep-

tionelle Verengungen gipfelten 1930 in der „Kontroverse über die Heiterkeit“ mit Hans-Heinz Stuckenschmidt (nachzule-

sen in: Adorno: Gesammelte Schriften Bd. 19. Frankfurt a. M. 1984, S. 448ff.)

159 Die Musik 21 (1928/29), S.702f., (Heft 9).

160 Weiss, S. 218.

Bemerkenswert ist gleich der Beginn der Sonate op. 13. Jarnach komponiert mit dem weit

ausholenden Bogen das längste der mir im Rahmen dieser Arbeit begegneten Themen.

Dem ersten Thema (T. 1–9) mangelt es an rhythmischer und diastematischer Profilschärfe,

man möchte es eher für eine Art ‚Motto‘ halten:

Zunächst ganz behutsam wird der von den leeren Saiten der Geige umgrenzte Tonraum

vom g bis zum e’’ gefüllt.161 Der Quintfall in T. 1 ist das größte Intervall der folgenden vier

Takte, danach geht es nur noch in Sekunden und Terzen weiter. Auffallend ist die häufige

Verwendung aufsteigender großer Terzen, welche allerdings nie direkt miteinander ver-

kettet werden, sondern stets durch ein Bindeglied voneinander getrennt sind. So werden

sowohl ein zu zügiges Ausschreiten der Melodie als auch die Bildung des übermäßigen

Dreiklangs vermieden. Die großen Terzen revidieren auch den anfänglichen Eindruck, es

mit einer tonalen Komposition zu tun zu haben.

Als Hans Mersmann sich in seiner Schrift Die moderne Musik seit der Romantik (1927)

mit der Kategorie der ‚Linie‘ in der Musik der 20er Jahre beschäftigte, bemängelte er,

dass die musikalischen Montagetechniken jener Zeit jeglichen ‚Atem‘ zunichte machten.

Als Beispiel einer gelungenen Melodiebildung zog Mersmann den eben besprochenen

Beginn von Jarnachs Sonate op. 13 heran und rühmte den Mut zum langen Atem und die

„Sicherheit im Gestalten rhythmischer Vielfältigkeit“.162 Tatsächlich zeichnen sich die

Einleitungstakte durch eine weitgehende Unabhängigkeit gegenüber dem 5/4-Metrum aus

– man beachte in diesem Zusammenhang auch Jarnachs Phrasierungsvorschriften. Es wäre

interessant zu erfahren, was den Komponisten daran hinderte, zumindest an dieser Stelle

auf Taktstriche zu verzichten (so wie es Ernst Krenek im eröffnenden Largo seiner 1924

entstandenen Violinsonate op. 33 getan hat).

Nach den einleitenden Takten des Jarnachschen Andante aus op. 13 verkompliziert sich die

Musik zunehmend. Aus der Einstimmigkeit entwickelt sich in T. 5 eine Zweistimmigkeit,

ab T. 6.3 eine virtuell anmutende Dreistimmigkeit. Unübersichtlich ist die so entstehen-

de Polyphonie nicht nur wegen ihrer komplexen Rhythmik (etwas anderes wird man von

Jarnach kaum erwarten), sondern auch aufgrund einer gewissen Inkonsequenz der Stimm-

führung. Man beachte die Takte 5 bis 7: Unklarheit herrscht nicht nur über die Stimmzahl;

auch der reichlich fragmentarische Charakter der Unterstimme(n) scheint nicht zu Jarnachs

in diesem Punkt meist akribischer Schreibweise zu passen:

161 Und auch danach wird der Ambitus sehr vorsichtig erweitert: In T. 6 erscheint f’’, in T. 7 dann fis’’, gis’’ und a’’. Ein

zweifellos absichtsvolles Vorgehen.

162 Mersmann 1927, S. 190f.

Die Takte 5–9 zeigen gegenüber dem Satzbeginn eine vielfältigere und großschrittigere

Intervallik, außerdem die Hinzunahme kleinerer Notenwerte und Triolen.

Währenddessen steigert sich die Dynamik bis hin zum Forte in T. 7.1 und in einer weiteren

Stufe bis ‚quasi ff‘ in der Mitte von T. 8, um bis zum Ende des ersten Themenkomplexes

wieder in ein Piano zurückzugehen. Diastematische und dynamische Bogenförmigkeit be-

herrscht also auch diese zweite Hälfte des ersten Abschnitts. Besonders auffällig ist die (im

Notenbild an den nach unten weisenden Notenhälsen erkennbare) chromatische Abwärts-

bewegung mit dem Ambitus einer großen Dezime (g’’ in T. 8.1 bis es’ in T. 10.1). Sie bleibt

ein Einzelereignis.

Die Harmonik streift dabei hin und wieder Dreiklänge (T. 5.2–3: E; 5.5: C; 6.1: Fis; 8.4–5:

C7>) und gelegentlich Quartenakkorde (T. 6.3: Q3g; 7.1: Q4dis), die meisten Zusammen-

klänge sind mild dissonant.

Die einzige ‚Wiederholung‘ des ersten Themas (und noch nicht einmal des gesamten ersten

Themenkomplexes in T. 31ff.) fungiert bereits als Reprise.

Mit der Überleitung (T. 10–12) kehrt der Satz zu Einstimmigkeit und 5/4-Metrum zurück,

darüber hinaus zeigt auch der Rhythmus eine vorübergehende Vereinfachung. Der mit ei-

nem Quintsprung beginnende Formteil ist gekennzeichnet durch die Verwendung der Inter-

valle Sexte und Terz sowie einiger eingestreuter Halbtonschritte. Mit diesem Intervallvor-

rat gehört die Überleitung einerseits zwar noch der Sphäre des ersten Themenkomplexes

an; über die Umkehrung der Terzen in Sexten wird gleichzeitig aber schon die sprunghafte

Diastematik des zweiten Themenkomplexes vorbereitet.

Als Kernmotiv der Überleitung ist die Kombination zweier kleiner, um einen Halbton

verschobener Sexten anzusehen, wie sie mit b’-ges’’-f’’-a’ in T. 10 vorliegt. Unschwer zu

erkennen ist die um eine kleine Terz nach oben transponierte Sequenz von T. 10.2–11.2

im anschließenden T. 11.2–11.5. Interessant ist, dass Jarnach mit dem sich anschließenden

Sechzehntelmotiv in T. 12.1 (und der darauffolgenden, überwiegend chromatischen Ab-

wärtsbewegung) die gleiche diastematische Figur verwendet, die den großen Bogen der

Anfangstakte abschlossen hatte (T. 4).

Die phantasievoll variierte Wiederholung der Überleitung in der Reprise bestätigt den for-

malen Eigenwert dieses Abschnitts.

Stefan Weiss hat sich als Seitensatz für das Großterzmotiv ab T. 16 entschieden, es sei

„nach Charakter und Position ein echtes ‚zweites Thema‘“.163 Dieses lange Motiv wäre

damit direkt vor die (auch von Weiss dort lokalisierte) Durchführung platziert – eine

Schlussgruppe fehlte also. Dies mag zunächst kaum stören; in einem derart uneindeutig

veranlagten Fall wie dem Kopfsatz der Violinsonate op. 13 allerdings sollten alle Indizien

ausgewertet werden.

Das zweite Erscheinen des Seitensatzes ließe nach dieser Lesart bis T. 48 und damit ganz

kurz vor Satzende auf sich warten. Und so gefestigt sich die Themengestalt in der Expositi-

on darstellte, so stark wird sie von Jarnach in der Reprise eingekürzt. Das ist umso verwun-

derlicher, als viele Themen bei Jarnach im Verlauf der Komposition an Kontur gewinnen

und nicht verlieren. Die Lage der Seitensatzreprise kurz vor Ende des Satzes ist zwar bei

163 Weiss, S. 219.

Jarnach kein Einzelfall164, kann aber nun schwerlich im Umkehrschluss als ‚korrekte Posi-

tion‘ bezeichnet werden.

Dass das Großterzmotiv in der Durchführung (T. 21–30) keine Rolle spielt, jenes von

Weiss als Motiv ‚N‘165 bezeichnete, punktierte Motiv aus T. 13f. aber die Hauptrolle zuge-

wiesen bekommt, sollte als Hinweis auf die Lokalisierung des zweiten Themas gewertet

werden. Darüber hinaus setzt sich dieses punktierte Motiv charakterlich deutlicher vom

Hauptthema ab als das Großterzmotiv. Schließlich ist die Position des punktierten Motivs

in der Reprise (T. 38) völlig regelgerecht.

Seine Physiognomie erhält das mithin als zweites Thema funktionierende punktierte Motiv

vor allem durch die Satzstruktur:

Es ist als Melodiestimme plus akkordischer Begleitung ausgebildet und bringt auf den er-

sten vier Zählzeiten von T. 13 vier Dreiklangsharmonien ins Spiel: d-Moll, As-Dur, Über-

mäßig auf es und ges-Moll. Die weitere charakterliche Abgrenzung gegenüber dem ersten

Thema liegt in der rhythmischen wie diastematischen Kleinteiligkeit sowie in der melodi-

schen Redundanz des punktierten Motivs begründet. In seiner stockenden Rhythmik liegt

die Antithese zum ungebremsten musikalischen Fluss des Hauptthemas vor.

Dem Seitenthema ist an dieser Stelle nur ein kurzes Leben beschieden, denn schon auf

der vierten Zählzeit von T. 13 greift das Überleitungsmotiv ins Geschehen ein – hier um

exakt eine Oktave höher angesiedelt als in T. 10 und um eine kontrapunktierende Stimme

ergänzt.

Der zweite Themenkomplex wird in T. 14.4–15.2 von einem sequenzierten Motiv be-

schlossen, dessen Merkmale der punktierte Rhythmus und eine dreitönige Aufwärtsbewe-

gung in Halbtonschritten sind. Möglicherweise ist das Motiv eine Umkehrungs-Ableitung

von abwärts gerichteten Tonfolgen wie T. 4.3–4, 9.5–6 und 12.2, die ebenfalls einen ab-

schließenden Charakter aufweisen.

In Tempo (Quasi adagio) und Rhythmus (übergebundene Triolen im Wechsel mit geraden

Achteln) wirkt die Schlussgruppe der Takte 16–20 wie über der Zeit stehend. Ihren durch-

scheinenden Charakter verdankt sie auch der Führung in parallelen großen Terzen, die eine

tonale Zuordnung verhindert. Die dominierende Parallelbewegung erinnert an archaische

Organa, aber auch an (dort allerdings mehrtönige) Mixturklänge des Impressionismus. In-

teressant ist der Vergleich dieser Stelle mit dem zweiten Satz aus Hindemiths Violinsonate

op. 31 Nr. 1 (1924): Auch dort spielen parallel geführte große Terzen eine zentrale Rolle.

Die recht getreue Sequenz des ersten Zweitakters der Schlussgruppe ab T. 18 mag zu der

Interpretation als ‚Thema‘ führen; meines Erachtens aber sind gerade die großen Terzen

164 Vgl. die umgekehrte Reihenfolge von erstem und zweitem Thema in der Reprise der Sonatine für Flöte und Klavier

op. 12.

165 Weiss, S. 219.

ein Indiz für den zusammenfassenden Charakter dieses Abschnitts: Dieses Intervall prägt

bereits die Aufwärtsbewegung des ersten Themas und steht in verwandtschaftlicher Bezie-

hung zu den Sextparallelen des Überleitungsmotivs.

Schon im Notenbild ist ersichtlich, dass die Durchführung (T. 21–30) der kontrapunktisch

am dichtesten konzipierte Abschnitt dieses Kopfsatzes ist. Hier wird das Vorbild Bachs

nicht nur im Violinsatz, sondern auch in der Rhythmik deutlich spürbar.

Die zehn Takte währende Durchführung ist zweigeteilt: In einem ersten Abschnitt von T.

21–24 ist eine mit ‚Tempo I‘ überschriebene Paraphrase des ersten Themas zu hören, die

Takte 25–50 widmen sich auf besonders intensive Weise dem zweiten Thema.

Durch einen Doppelstrich und die ‚Tempo I‘-Anweisung vom Vorhergehenden abgesetzt,

nimmt die Durchführung in T. 21 ihren Anfang. Zunächst wird der Hörer in die Anfangs-

stimmung zurückversetzt. Es wird zwar nicht der einleitende, Aufschwung und Abstieg

umfassende Bogen wiederholt; in Rhythmus, kleinschrittiger Melodik sowie in der Art,

wie zusätzliche Stimmen eingeführt werden, ist der Bezug zum Beginn aber deutlich wahr-

nehmbar.166 So sind vor allem die Takte 22f. in ihrem aufsteigenden Duktus den Takten 1

und 2 nachempfunden. Bereits in Takt 23 aber, und damit früher als zu Satzbeginn, geht der

Wechsel zur Zweistimmigkeit vonstatten. Mit diesen die Durchführung einleitenden Takten

komponiert Jarnach ein interessantes Gegenstück zu jener echten Reprise in T. 31ff., die

sich nur undeutlich zu erkennen gibt.

In T. 25 beginnt recht abrupt die Durchführungsarbeit am zweiten Thema. Jarnach greift

hier (wie auch später in der Reprise des Seitenthemas) auf gerade Metren wie 6/4 und 4/4

zurück, während das Hauptmetrum des Satzes 5/4 beträgt. Ganz offensichtlich gehen die

taktweise zunehmende Komplexität des Satzes und die fast schematisch verlaufende Ab-

straktion auf das ursprüngliche Thema zurück.

Die Gemeinsamkeiten des Durchführungstaktes 25 mit der Exposition des Seitenthemas

in T. 13 sind offensichtlich: Beide besitzen denselben punktierten Achtelrhythmus und die

akkordisch unterfütterte Melodik aus diatonischen dreitönigen Motiven. Selbst die An-

bahnung beider Themenversionen im Vorfeld mit Halbton abwärts plus Tritonussprung ist

identisch.167

Eine erste Differenz zwischen beiden Themenfassungen liegt im Einsatzpunkt der Melo-

diestimme: In T. 13 setzt sie am unteren Beginn der dreitönigen Figur ein, in T. 25 dagegen

mit ihrem hohen Schlusston. Übereinstimmung herrscht dann wieder mit der kaskadenar-

tigen Abwärtsbewegung der Oberstimme. Ließe man den ersten Akkord von T. 25 weg, so

läge in Bezug auf jene Oberstimme eine lediglich transponierte Version von T. 13 vor. Al-

lerdings zeigt die Oberstimme in T. 25 nicht mehr nur zwei, sondern drei jener diatonisch

aufsteigenden Motive:

166 In T. 21 findet sich eine (wenn auch nur kurze) diastematische Wiederholung eines Abschnitts aus T. 3f. T. In 21.3–

22.1 sind e’-dis’-h-cis’-d’ eine Transposition der Tonfolge ges’-f’-des’-es’-fes’ aus T. 3.4–4.2f.

167 Vgl. die Übergänge T. 12–13 sowie T. 24–25.

Entscheidender sind die Veränderungen auf harmonischem Gebiet. Alle sechs auf den

Hauptzählzeiten von T. 25 lokalisierten Akkorde sind subdominantisch deutbare, verkürzte

Mollakkorde mit großer Sexte im Bass. Unter Ausschluss des ersten b6<-Akkords bildet

sich eine dreiteilige harmonische Sequenz, gewissermaßen eine ‚Quartfallsequenz‘ (Ak-

kordsymbole ohne Zusätze: bdes–ash–fisa). Je drei dieser Akkorde besitzen hierbei

dieselbe Struktur aus kleiner Septime und kleiner Sexte (T. 25.1+3+5) beziehungsweise

Tritonus und großer Terz (25.2+4+6). Die Herkunft dieser Sixte-Ajoutée-Akkorde datiert

nicht erst aus dem zweiten Thema, wo das h’’ den zugrunde liegenden d-Moll-Akkord zwar

zum d6< erweitert, aber eindeutigen Durchgangscharakter hat (T. 13.1). Zu hören sind diese

Akkorde bereits in T. 5.3–4 (g – cis’– f’) und 5.4–5 (cis’-g’-h’) sowie in T. 7.3–4 (e’’– b’’–

d’’’) und 7.4–5 (cis’’– a’’– es’’’). Nach dem Einsatz des zweiten Themas gibt es noch Kost-

proben in T. 14.2–3 und 23.5–24.1.

Neben den harmonischen Korrespondenzen und der dreitönigen Figur ist der Durchfüh-

rungstakt 25 noch von einem dritten Motiv gekennzeichnet: Die Sukzession jeweils der

Mitteltöne aus den Akkorden ergibt eine chromatische Abwärtsbewegung vom f’’ bis zum

his’. Vorbild sind hier entsprechende Bewegungen aus dem ersten Themenkomplex (T. 6–7

und besonders T. 8–9). Außerdem: Würden die Mollterzen der oben genannten Akkorde

jeweils um einen Halbton tiefer alteriert, läge in T. 25 eine Verkettung dreitöniger Quarten-

akkorde vor – diese Sequenz ist ein vielschichtiges Gebilde.

Mit dem cis-Moll-Dreiklang von T. 26.1 bricht Jarnach aus dem strengen Schema aus,

wenn auch nicht vollständig. Die punktierten dreitönigen Figuren werden neu kombiniert,

wobei der Satz auf zwei Stimmen ausdünnt. Takt 26.3–6 zeigt erneut einen sequenzartigen

Verlauf, die dort assoziierten Akkorde G-, D-, F- und C-Dur evozieren wieder eine Quart-

fallsequenz. Auf den Zählzeiten 3–5 von T. 26 komplettieren nachschlagende Noten die

bereits vorliegenden großen Terzen und die kleine Sexte genau zu jenen Strukturen, die in

T. 25 als verkürzte Moll-Subdominantakkorde mit großer Sexte interpretiert wurden. Hier

aber gibt es an der Deutung als erhöhte vierte Stufe (und damit als Durchgangsnote) kei-

nen Zweifel – ein interessantes Spiel mit Identität und Differenz. Zu erwähnen ist noch die

fünftönige chromatische Skala, die in der Unterstimme von 26.3 mit g’ ansetzt und auf dem

es’ von T. 27.1 endet.

Als nächste Komplexitätsstufe können die Takte 27 bis 29 gelten. Der Ausgangspunkt ist

wiederum das punktierte Motiv. Zusätzliche Rhythmusvarianten (lombardisch; Achtel plus

Sechzehnteltriole) bereichern hier das Repertoire ebenso wie neuartige, abwärts gerichtete

Figuren, die über ihren Rhythmus (punktierte Achtel plus zwei Zweiunddreißigstel) und

ihre krebsgängige Diastematik ebenfalls Ableitungen zweiten Grades von der dreitönigen

Figur darstellen.168

Wie um die harmonischen Kapazitäten des zweiten Themas auszuloten, bettet Jarnach die

punktierte Figur ab T. 27 nun auch in Quartenakkorde. Es sind ausnahmslos viertönige

Quartenakkorde auf f, cis, g und noch einmal g (T. 27.1–3 und 28.1; Vorschläge sind mit-

einbezogen). Mit den konventionellen Dreiklängen ab T. 28.2 (A – Üe – g/G) erklingt eine

um einen Halbton höher transponierte Wiederholung des Seitensatzes aus T. 13.

Über die punktierten Achtelnoten ist T. 29 noch mit den vorangehenden Takten verbunden,

seine Diastematik aber ist vom Intervall der kleinen Sekunde geprägt. Sie könnte, zumal in

168 T. 28.2 und 28.4, jeweils in der Mittelstimme.

der Triole am Taktende, als Abspaltung der dreitönigen Figur interpretiert werden; dies lie-

ße allerdings außer Acht, dass die fallende kleine Sekunde schon früher in diesem Satz auf-

getreten ist, und zwar jeweils in der Nähe der Abschnittsenden in T. 4.4, 9.6, 12.2, 24.4–5

sowie in Umkehrung in T. 14.4–5 und 15.1.

Ungeachtet der Schlusswirkung von T. 29 dauert die Durchführung noch einen Takt lang

an. Mit seiner durchgängig triolischen Bewegung wirkt T. 30 zunächst fremdartig. Wie der

Rhythmus hat auch die Melodik kein Vorbild in diesem Satz. Die einen weiten Ambitus

füllende und beziehungslos scheinende Tonfolge beschreibt bei genauerem Hinsehen eine

dichte Akkordfolge, die aus einer dichten Verschränkung von Drei- und Vierklängen re-

sultiert. Harmonische Pfeiler (hier fett gedruckt) verweisen zudem auf eine konventionelle

(wenn auch enharmonisch unkonventionell notierte) Quintfallsequenz:

F7> as G B7> es7> fis F Gis7> cis7>

Die in kleinen Terzen angeordneten Fundament- (und hier Grund-)töne f’-as’ (T. 30.1+2),

es’-fis’ (30.4+5) und cis’-e’ (31.1+2) sind darüber hinaus eine gestreckte harmonische Va-

riante von T. 25169, sodass T. 30 als eine letzte Ableitung und Abstraktion des sequenziell

angelegten zweiten Themas gelten kann.

Von der triolischen Bewegung in T. 30 fast unbemerkt in Sechzehntel übergehend, führt ein

Lauf aufwärts zu einem nicht nur diastematischen, sondern auch dynamischen Höhepunkt

dieses Satzes:

Kaum nachzuvollziehen ist allerdings, dass dies die Reprise des ersten Themenkomple-

xes (T. 31–33) ist. Der Grund für den schwierigen formalen Nachvollzug liegt vor allem

an der charakterlichen Unterschiedlichkeit der Themenreprise: Von einem Mut zum langen

Atem wie zu Beginn der Sonate ist hier nichts zu spüren. An diesem Beispiel zeigt sich die

perzeptive Relativität einer genauen Tonhöhenorganisation (der Jarnach durch seine freie

Zitierweise ohnehin stets Rechnung trägt): Wo eine freitonale Intervallkonstellation das

prägnant Thematische vermissen lässt, muss der Charakter als Wiederholungsmerkmal ein-

stehen. Die in T. 31ff. erklingende exaltierte Fortissimo-Version des ersten Themas aber ist

zu sehr verzerrt, als dass sie auf Anhieb als Reprise wahrgenommen werden könnte.

Ein doppelter Kursus in Form einer kontrapunktischen Fortspinnung wie in T. 5–9 entfällt

169 Die Harmoniefolge in T. 25: b–des–as–h–fis–a wird in T. 30f. f–as–[g–b–]es–fis–[f–gis–]cis–e.

in der Reprise – der einstige erste Themenkomplex ist hier auf das bare Hauptthema be-

schränkt.

Weitgehende Übereinstimmungen in der Diastematik zwischen Exposition und Reprise des

Hauptthemas gibt es von dem großen Terzsprung zum höchsten Ton des jeweiligen Bogens

– in T. 2–3: c’’-e’’, in T. 32.2: e’’’ – gis’’’. Der Reprisenfassung fehlt im weiteren Verlauf

ein großer Sekundschritt abwärts. Jarnach hat den aufsteigenden Teil des Bogens in der

Reprise kleinteiliger und ausgreifender gestaltet, zugleich aber auf einige charakteristische

Intervallkonstellationen aus T. 1–2 zurückgegriffen.

Die Reprise der Überleitung T. 34–37) liegt in einer phantasievollen Variation vor und ist

daher ähnlich schwer zu identifizieren wie die Reprise des ersten Themas. Jarnach operiert

hier mit Komplementärintervallen und einigen zusätzlichen Stütztönen; diese Maßnahmen

verschleiern, dass es sich mit der Tonfolge von T. 34–35 um eine fast perfekte Umkehrung

der Takte 10ff. handelt. Es folgt eine Gegenüberstellung beider Stellen und ihres intervalli-

schen Extrakts:

Trotz der vorgenommen Modifikationen ist die Strenge der Übertragung offensichtlich. Als

direkter Hinweis auf die Art der Beziehung hätte übrigens auch der Vergleich der beiden

Sechzehntelfiguren von T. 12.1 und 35.5 dienen können.

Ein Nachklang der eben besprochenen Passage ist noch in der Achtelfigur im Übergang

von T. 36 zu 37 zu hören; auch hier werden große Terzen durch Sekundglieder aneinander-

gereiht. Dies geschieht in einer Weise, welche auch als Krebs des Übergangs vom ersten

zum zweiten Takt gedeutet werden kann.

Die Reprise des zweiten Themenkomplexes (T. 38–47) zählt ganze zehn Takte, sie ist

motivisch vielgestaltig und mehrteilig angelegt. Jarnach nahm mit dem Doppelstrich zwi-

schen T. 39 und 40 eine Abgrenzung vor, die sich analytisch allerdings kaum bestätigen

lässt. Zu diesem Sachverhalt später mehr.

Zunächst erklingt mit T. 38 ein Rückgriff auf den Durchführungstakt 25: Mit Ausnahme

der letzten Zählzeit170 ist T. 38 die um einen Halbton tiefer transponierte Wiederaufnahme

des Sequenzmodells von T. 25. Klanglich wird dem zweiten Thema durch das Pizzicato

eine neue Seite abgewonnen. Was den Umfang der Themenreprise im engeren Sinn angeht,

so orientiert sich Jarnach wiederum am Expositionstakt 13.

170 Die Harmoniefolge in T. 38 lautet a6<–c6<–g6<–b6<–f6<; die letzte Zählzeit bildet keinen vollständigen Akkord.

Schon T. 39 nämlich wendet sich vom punktierten zweiten Thema ab und führt sogar ein

neues Element ein: die im weiteren Verlauf vier Mal wiederkehrende Oktave a–a’ (samt

dem beinahe orgelpunktartigen a der Takte 45ff.) ist der Gerinnungsfaktor des von Beginn

an statischen zweiten Themas. Mit T. 39 ist meines Erachtens der Beginn einer Coda anzu-

setzen, und nicht erst mit dem ‚Poco più lento‘ des Folgetaktes. Als Enjambement über den

doppelten Taktstrich fungiert die Oktave a-a’.171

In den Anfangstönen der Oberstimme ab T. 40 scheint die Diastematik der Schlussgruppe

vorzuliegen; eine andere Verwandtschaft aber ist viel verbindlicher: Die Melodietöne a’–

b’– c’’– a’– d’’– c’– a’ entsprechen der Singstimme in T. 24f. der Sturmnacht, dem fünften

Gesang aus op. 15. Zu den Worten „Schwarz schwankt der Dom“ läuft eben jene Tonfolge

in einer auf b beginnenden Transposition ab. Die Chronologie der Kompositionsdaten (die

Sturmnacht wurde im Februar 1922 beendet, die Sonate op. 13 sechs Monate später) legt

nahe, dass die Tonfolge aus T. 40 der Violinsonate ein Zitat aus dem Lied ist und nicht um-

gekehrt.

In den Takten 40–43 erlebt der punktierte Achtelrhythmus eine Wiederauferstehung, und

weil er oft mit Sekundschritten kombiniert ist, sollte die Coda als eine Fortsetzung des

zweiten Themas angesehen werden. Das bezeugt auch die Satzstruktur etwa der Takte 40,

42f. und 45. Was hier passiert, kann als Liquidierung des Seitenthemas interpretiert wer-

den; allerdings wird die Musik auch dynamisch sprichwörtlich ins Nichts geführt.

Eine fünfgliedrige Intervallformel in T. 46.2–47.4 besteht fast ausschließlich aus großen

Terzen und ihrer Umkehrung. Einerseits der nun folgenden Schlussgruppe zugewandt, wird

dieses kleine Emblem in einem ganz anderen Zusammenhang wiederkehren.

Kurze drei Takte werden der Reprise der Schlussgruppe (T. 48–50) zugestanden, die wie

in der Exposition die Tempoangabe ‚Quasi adagio‘ trägt. Von der Terz b’– d’’ ausgehend,

ist das Motiv am Anfang wie am Ende etwas verkürzt.

Der Epilog (T. 51–54) markiert die Rückkehr zur Ausgangsstimmung des Satzes und ist

charakterlich von der Coda unterschieden. Der Satz endet schließlich, wie er begonnen

hat: nämlich einstimmig. Auf einen arpeggierten d-Moll-Akkord folgt eine ganztönige Ab-

wärtsbewegung, die entfernt an T. 3.3 erinnert. Der Schlusston cis’’ verklingt im dreifachen

Piano.

III.2.1.1 Zusammenfassung op. 13, 1. Satz

Der Formaufriss des Kopfsatzes der Sonate op. 13 offenbart einen recht konventionell

gehandhabten Sonatensatz. Die einzige Unregelmäßigkeit liegt in der Anordnung der

Schlussgruppe hinter der Coda.

T. 1 10 13 16 21 31 34 38 40 48 51

Hs Übl Ss Schlg DF Hs Übl Ss Coda Schlg Epilog

Im Unterschied zur konservativen äußeren Formanlage entsprechen die beiden Themen

des Kopfsatzes nicht den Erwartungen. Das Hauptthema, ein Musterbeispiel für Jarnachs

171 Die Oktave a-a’ bildet darüber hinaus den Schlussklang des zweiten Satzes der Sonate op. 13.

bogenförmige Thementypus (und in dieser Hinsicht allein mit dem polyphonen Thema

aus der Burlesca op. 17 vergleichbar), wäre charakterlich mit dem Begriff des ‚Mottos‘

vermutlich besser beschrieben, und seine Reprise ist weitgehend unkenntlich gemacht. In

der Wirkung stärker zeigen sich gegenüber der Reprise die einleitenden Takte der Durch-

führung: Die dort erzielte charakterliche Nähe zum ersten Thema wiegt ungleich schwerer

als die Wiederholung abstrakter Intervallfolgen in der tatsächlichen Reprise. Es ist denkbar,

dass Jarnach an der Demonstration gerade dieses Unterschiedes gelegen war – zumal ein

Experiment dieser Art in den folgenden Kompositionen nicht mehr stattfinden sollte. Jar-

nachs Konzept, nach dem „Thematik, Klang und Form als ein Ganzes“ eine Konsequenz

des „gedankliche Kerns“172 sein sollten, findet hier keine praktische Bestätigung: Ein solch

frei schweifender Hauptgedanke kann schwerlich in ein kausales Verhältnis mit der stren-

gen Form dieses Satzes gebracht werden (ganz anders verhält es sich dagegen mit Thema

und Form des schnellen Mittelsatzes aus op. 13).

Das Seitenthema besitzt viele Eigenschaften, die dem ersten Thema fehlen: Rhythmik und

Melodik bestehen aus wenigen wiederholten Zellen, und sein knapper Umriss wird von

einer eindeutigen Harmonik gegliedert. Derart explizite harmonische Sequenzen wie im

zweiten Thema dieses Kopfsatzes sind Raritäten bei Jarnach. Die im Schlusssatz dieser

Violinsonate in der Durchführung erscheinende Sequenz dagegen läuft harmonisch in die

Irre, und soll möglicherweise als untaugliches gestalterisches Mittel bloßgestellt werden.

Hier wie in der Sonatine op. 12 und zahlreichen anderen Jarnach-Sätzen der 20er Jahre hat

sich ein deutlich ausgeprägter Themenkontrast etabliert. Jarnach macht vom Potenzial die-

ser Aufstellung allerdings keinen Gebrauch in der Durchführung – vom ersten Thema fehlt

dort nämlich jede Spur. Die Durchführung bringt erstes und zweites Thema nacheinander

vor. Außerordentlich variantenreich fällt vor allem die Durchführung des zweiten Themas

aus. Chromatische Linien inmitten der Arbeit am zweiten Thema zeugen von einer gewis-

sen Durchdringung beider Themensphären.

Heinz Pringsheim bemängelte in der oben wiedergegebenen Rezension eine Unschärfe

der vertikalen Struktur: Die Harmonik, welche nach seiner Meinung als fundamentieren-

de „Stütze“ der „linear-melodischen Bewegung“173 ausgebildet sein sollte, verfehle ihren

Zweck. Pringsheim bedient sich einer Argumentation, die umso erstaunlicher ist, als Ernst

Kurths Grundlagen des linearen Kontrapunkts von 1917 zum Kanon der damaligen musik-

ästhetischen Debatten zählte. Dass der ausgewiesene Kontrapunktiker Jarnach den (auch

von Busonis Junger Klassizität vorgezeichneten) Weg von der Vertikale zurück zur Linie

suchen würde, lag und liegt auf der Hand. Und welche Gattung eignete sich dafür besser

als die Solosonate für ein Streichinstrument?

Eine Eigenschaft dieses Kopfsatzes wird speziell in der Rück- und Überschau deutlich:

Es ist sein Reichtum an verschiedenen Texturen. Der Satz beginnt in der Einstimmigkeit,

greift bald aus bis zur echt polyphon konzipierten Dreistimmigkeit; das Modell ‚Melodie

plus Akkordbegleitung‘ steht neben archaisch anmutender Parallelbewegung zweier Stim-

men oder weit ausholenden Akkordbrechungen. Diese Vielfalt verleiht der Musik eine gro-

ße Plastizität. Die ernste, aber nicht unsinnliche Zurückhaltung im Charakter dieses Satzes

ist im besten Sinn beispielhaft für Jarnachs Musik.

172 Jarnach: Bemerkungen zur Kunst Busonis (1932). In: JS, S. 44.

173 AMZ 50/8 (23.2.1923), S. 135.

III.2.2 Analyse 2. Satz: Prestissimo

Länge 190 Takte; Taktart 3/8 (Rahmenteile) und 2/4 (Mittelteil); Tempoangabe: ‚Prestissimo‘, keine agogi-

schen Anweisungen; Vorzeichnung für D-Dur/h-Moll, keine Rahmentonart erkennbar.

Der zweite Satz der Sonate für Violine solo op. 13 ist nach dem langsamen Kopfsatz erwar-

tungsgemäß von schneller Gangart. Nicht nur im Tempo kontrastierend, ist das Prestissimo

in mehrfacher Hinsicht ein Gegenmodell zum polyphonen und harmonisch komplexen er-

sten Satz. Formal erschließt sich beim ersten Blick auf die Noten eine klare ABA’-Form –

begründbar einerseits durch die auskomponierten Tempokontraste, andererseits durch eine

überaus strenge Separierung der jeweiligen Motivvorräte.

Das Ohr identifiziert die rahmenden A-Teile des Satzes jeweils intern als Rondoformen; ein

Urteil, welches der näheren Analyse nicht standhält. Was jene Rahmenabschnitte angeht, so

mag sich Jarnach an dem Verfahren mit locker aneinandergereihten musikalischen Baustei-

nen orientiert haben, wie es bei Hindemith zu beobachten ist.

Bereits zu Beginn des Prestissimo drückt sich eine Verbundenheit zumindest mit der Ma-

terialsphäre des Kopfsatzes aus: die jambische Bewegung der ersten beiden Takte ist in

genau jenes Intervall gefasst, welches nicht nur in der Schlussgruppe des ersten Satzes eine

prominente Rolle spielt: die große Terz.

Das Intervall dominiert auch den zweiten Satz, sei es nun als Melodieintervall oder (vor-

wiegend im Mittelteil) simultan erklingend. In einigen Motiven fungiert die große Terz als

Rahmeninterval als chromatisch auszufüllendes ‚Behältnis‘. Dies ist der Fall in den Takten

20f., 29ff. und in den Reprisentakten 169ff.

Der gesamte zweite Satz der Sonate op. 13 weist lediglich zwei Themen auf: eines in den

Rahmenteilen, ein weiteres im langsamen Mittelteil. Beide Themen sind nicht gerade Pa-

radebeispiele ihrer Gattung, teils unscharf im Umriss, teils von geringer Geschlossenheit.

Eigenschaften, die als defizitär zu bezeichnen der Jarnachschen Themen- und Motivbil-

dung nicht gerecht würde.

Erster A-Teil (T. 1–52)

Der Satz wird von dem in großen Terzen oszillierenden ersten Thema eingeleitet:

Das von einem vorgeschlagenen G-Dur-Akkord angeregte Thema besteht aus den identi-

schen Takten 1 und 2, deren jeweils dritte Terz um eine übermäßige Sekunde nach unten

versetzt ist. Takt 3 führt die triolische Punktierung weiter, verläuft in diastematischer Hin-

sicht aber anders. Ein im Folgetakt 4 erscheinendes Motiv gehört nicht mehr zum Thema,

eher schon die Sechzehntelbewegung in T. 5.174

174 Vgl. T. 10, 19 und 158 mit ihren triolischen Sechzehntelläufen.

Ein zweiter Einsatz des Terzenthemas in T. 6 ist auf nunmehr vier Takte ausgedehnt, und

aus der ersten großen Terz ist eine kleine geworden. In Takt 7 findet keine Wiederholung

des ersten Thementaktes statt. T. 8 weist Ähnlichkeiten mit T. 3 auf. Eine weitere Variante

des Terzenthemas in T. 16ff. ist erkennbar an T. 6f. angelehnt (man beachte den zweiten

Thementakt). Allerdings ist hier das Intervall der großen Terz wiederhergestellt, während

das Versetzungsintervall am Ende von T. 16 lediglich eine kleine Sekunde beträgt.

Bis T. 18 deutet einiges auf eine Rondoform mit dem Terzenthema als Refrain hin. Weil

aber noch nicht einmal die Hälfte des ersten A-Teils erreicht ist und in seiner zweiten

Hälfte das Terzenthema nicht mehr zu finden ist, und auch aufgrund der inhomogenen

Ausarbeitung der infrage kommenden Zwischenspiele sollte diese Interpretation verworfen

werden. – Wie sich zeigen wird, ist die Reprise des A-Teils sogar noch ärmer an Varianten

des Terzenthemas.

Alle anderen in den A-Teilen vorkommenden Gestalten bleiben im subthematischen Be-

reich, einige verdienen noch nicht einmal die Bezeichnung ‚Motiv‘. Letzteres gilt sicher-

lich für die überwiegend kleinschrittige Triolen-Sechzehntelbewegung, wie sie in den

Takten 5, 10–12, 15, 19 und 38f. anzutreffen ist. Sie verdichtet sich gelegentlich zu profi-

lierteren Tonfolgen, die auch wiederholt werden.175 Ebenfalls schwerlich als eigenständiges

Motiv anzusehen sind die sprunghafte Figur von T. 22 oder die geraden Sechzehntelbe-

wegungen in T. 14, 23 oder 32f. Vorwiegend rhythmisch-artikulatorisch pointierte Gestal-

ten sind in den Takten 24ff. zu finden. Diese insgesamt dreitaktige rhythmische Sequenz

schließt in T. 27 mit einem sffz-Akkord und darauffolgenden Doppelgriff-Sexten.

Einige kurze Figuren aus dem ersten A-Teil erweisen sich erst bei genauerem Hinsehen als

bedeutsam. So erlebt die charakteristisch rhythmisierte Gestalt aus T. 4 eine echte Wieder-

holung erst in T. 178 und 179; eine melodische Variante des gegebenen Rhythmus’ erklingt

aber bereits in T. 20 und 21: Die ehemals sprunghafte Diastematik ist mit einer sekundwei-

sen ausgetauscht, deren Ambitus eine große Terz beträgt. Ein anderes Beispiel verbindet

T. 13 und T. 29–31: Beide Stellen zeigen eine zweimal exakt sequenzierte Tonfolge, wo-

bei die drei Anfangstöne der jeweiligen Tonfolgen einen verminderten Akkord bilden.176

Der Ambitus der einzelnen Fünftonfolgen in T. 29–31 beträgt eine große Terz, die stets

chromatisch gefüllt ist. Diese Eigenschaft verbindet die Sequenz wiederum mit der oben

beschriebenen zweigliedrigen Sequenz in T. 20f. Jarnach vernetzt damit verschiedene, an

sich unauffällige Tonfolgen über Rhythmus oder Diastematik miteinander und schafft so

Zusammenhänge, die, wiewohl nicht unmittelbar benennbar, akustisch durchaus relevant

sein können.

Ein weiteres Motiv erklingt zuerst in T. 34–37 und beschreibt gegenüber den eben erwähn-

ten Tonfolgen eine entgegengesetzte Diastematik der großen Intervallsprünge:

175 Man vergleiche die Takte 5 und 133; 10 und 11; 38f., 134f. sowie 167f.

176 In T. 13 lauten die Anfangstöne c’’’-a’’-fis’’, in T. 29–31 ges’-es’-c’.

Die Unruhe dieses Motivs wird durch den triolisch punktierten Rhythmus noch verstärkt.

Derselbe Rhythmus assoziiert dieses Motiv aber auch mit dem Terzenthema. Die Diaste-

matik von T. 35 stellt sich als die um einen Ganzton höher positionierte, exakte Sequenz

von T. 34 heraus, eine Beziehung, die durch das rhythmische Enjambement im Übergang

auf T. 35 wirksam verschleiert wird. Die rhythmische Anlage von T. 34ff. liefert eine 2+2-

taktige Struktur, von diastematischer Seite liegt eine viergliedrige Sequenzkette vor, deren

Transpositionsabstand jeweils einen Ganzton aufwärts beträgt.

Eine 13 Takte umfassende Überleitung (T. 40–52), deren äußerst übersichtliches Materi-

al sich als neu, jedenfalls als nicht aus dem Vorhergehenden abgeleitet darstellt, bereitet

schließlich auf den langsamen Mittelteil vor.

Der erste A-Teils ist asymmetrisch und recht unübersichtlich angelegt. Wenn das Ter-

zenthema recht bald seine strukturierende Funktion einbüßt, tritt eine Vielzahl kleiner Mo-

tive und Gestalten auf den Plan, die recht zwanglos aneinandergereiht scheinen. Zwischen

einigen der Motive bestehen verwandtschaftliche Beziehungen, ohne dass von eindeutigen

Ableitungsverhältnissen die Rede sein könnte.

Viele der zunächst formal nicht integrierbaren Gebilde tragen bei genauerem Hinsehen eine

harmonische Signatur, der man, ist sie einmal identifiziert, plötzlich auf Schritt und Tritt in

diesem zweiten Satz der Sonate op. 13 begegnet. Es handelt sich dabei um einen dreitöni-

gen Akkord aus Tritonus und großer Terz mit einem durchaus wahrnehmbaren ganztönigen

Einschlag. Ganz explizit erklingt er zum ersten Mal177 in T. 4.1 (f’’-cis’-g, abwärts gebro-

chen), eine naheliegende Transposition folgt in den letzten drei Tönen gis-d’-fis’ von T. 5.

Der Akkord findet sich, seine Umkehrungen und Ableitungen eingerechnet, knapp vierzig

Mal in diesem Satz. Gleich vier dieser Gebilde etwa sind in T. 14 zusammengedrängt178:

Bisweilen erschweren eingestreute ‚Einschlüsse‘179 die Identifizierung des Akkords. In der

folgenden Aufstellung der verschiedenen Akkordvarianten sind Taktzahl und Zählzeit des

jeweiligen Ablaufbeginns angegeben:

Akkorde in Grundstellung1: T. 4.1, 5.3, 8.3, 14.1, 18.1, 22.3, 24.1, 133.3, 139.1, 140.1,

142.1, 143.1, 157.1, 159.1, 178.1, 179.1;

Akkorde in anderer Lage oder in Ak-

kordumkehrung:

T. 1.2, 2.2, 6.2, 11.1, 14.2-3, 27.1, 139.3, 140.3, 142.3,

143.3, 163.1, 178.2;

Akkorde mit ‚Einschlüssen‘: T. 17.2, 34.2, 35.1, 36.2, 37.1, 136.2, 137.1, 154.2, 163.2,

165.2, 166.1, 185.3.

177 Schon die Takte 1 und 2 enthalten in ihren jeweils letzten drei Tönen eine ‚zusammengefaltete‘ Version des Akkords

a’’-es’’-g’’.

178 Die Töne d’’-ais’-e’ und e’-c’-fis’ bilden den Ausgangsakkord, über eine Spiegelung an horizontaler Achse entstehen

noch die Umkehrungen ais’-e’-c’ und c’-fis’-d’.

179 Als ‚Einschlüsse‘ seien Töne bezeichnet, die sich innerhalb einer Akkordformel befinden, aber nicht zu dessen Ton-

material gehören.

Kurz vor Schluss, in T. 185.3–186.1, komplettiert der Ton fis’’ den Dreiklang zu einem

Akkord, der funktionsharmonisch eindeutig zu bestimmen ist: Die Töne dis’’-fis’’-a’’-cis’’’

ergeben einen subdominantischen Mollakkord (hier fis-Moll) mit hinzugefügter großer

Sexte im Bass. Und spätestens hier erhellt sich eine Materialverwandtschaft zum ersten

Satz der Sonate op. 13. Verkürzte Mollakkorde mit großer Sexte im Bass traten schließlich

schon im Kopfsatz an exponierter Stelle auf: in T. 25 der Durchführung sowie in T. 38, der

Seitensatzreprise. Auch dort war dieser Akkordtypus sowohl in Grundstellung als auch in

weiter Lage anzutreffen.180 Hier, in den Rahmenteilen des zweiten Satzes, fungiert der Ak-

kord als eine Art harmonisches ‚Wasserzeichen‘, dessen Aufgabe es möglicherweise ist,

akustischen Zusammenhang zu stiften. Anders als in den genannten Passagen des Kopfsat-

zes schlägt die subdominantische Veranlagung des ‚Wasserzeichens‘ hier nirgends durch.

Als Zeichen eines ganz bewussten Einsatzes des oben beschriebenen Tritonus-Terz-Klangs

darf gewertet werden, dass er im Mittelteil des zweiten Satzes kein einziges Mal erscheint.

Mittelteil (T. 53–131)

Die beiden wichtigsten Merkmale des ersten A-Teils (Terzenthema und harmonisches Was-

serzeichen) spielen im langsamen Mittelteil (T. 53–131) keine Rolle. Überhaupt weist sein

motivisches Material keinerlei Übereinstimmung mit den A-Teilen auf. Nicht einmal die

Vorzeichnung mit zwei Kreuzen wird übernommen.

Auch auf formaler Ebene gibt es wenige Ähnlichkeiten zwischen Rahmenteilen und Mit-

telteil. Letzterer präsentiert ein eigenes Thema, einen (subthematischen) Nebengedanken,

Zwischenspiele und eine Art Schlussgruppe. Hier eine kurze Übersicht:

a52–69 Thema 4 + 4 + 3 + 3 + 3

b70–74 Nebengedanke 2 + 3

c74–78 Zwischenspiel 4

b’ 78–86 Durchführung des Nebengedankens 4 + 4

d86–92 Schlussgruppe 6

b’’ 92–99 Durchführung des Nebengedankens 4 + 3

a99–115 Thema 6 + 4 + 3 + 3

b116–124 Nebengedanke 2 + 2 + 2 + 1 + 2

d124–131 Schlussgruppe 7

Das Thema (T. 52–69) wird mit einem Viertakter eingeleitet, dessen Melodik überwiegend

aufsteigend verläuft und den Ambitus einer Oktave umfasst. Charakteristisch ist der Quart-

sprung cis’-fis’ gleich zu Beginn, auf welchen nach längerem Verharren ein gleichmäßiger

Rhythmus aus punktierten Vierteln und Achteln folgt. Mit einer weiteren Quarte, diesmal

auf gis’-cis’’, endet dieser erste Viertakter.181

180 Der Kopfsatz zeigt den Akkord schon in T. 5.3 (g-cis’-f’), gleich darauf cis’-g’-h’; in T. 7.3 (Oberstimme) e’’-b’’-d’’’,

gleich darauf cis’’-a’’-es’’’); und schließlich in T. 23/24 (h’’-g’’-cis’’). Er fällt in den kontrapunktischen Gefügen des

Kopfsatzes allerdings weniger auf.

181 Das Intervall der Quarte spielt hier eine weitaus größere Rolle als in den rahmenden A-Teilen des Satzes.

Die Wiederholung des Quartsprungs mit Auftakt zu T. 57 lässt ein klassisches Vordersatz-

Nachsatz-Verhältnis vermuten, zumal auch ein zweiter Viertakter (T. 57–60) begründbar

wäre. Dem widerspricht die gleichermaßen aufsteigende Melodik beider Viertakter sowie

der explizit nicht schließende Verlauf d’’-es’’ (T. 59–60), der darüber hinaus durch das

rhythmische Enjambement der halben Noten mit einer Fortspinnung verbunden ist.

Diese Fortspinnung selbst (T. 61–69) nimmt die langsamere und gerade Bewegung der di-

rekt vorangehenden Takte auf und gliedert sich in 3+3+3 Takte. Die Ausgangstonfolge in T.

61–63 wird von zwei intervallgetreuen Sequenzen aufgenommen. Die konsequent abwärts

gerichtete Melodik dieser Fortspinnung lässt den Gedanken plausibel erscheinen, in ihr den

eigentlichen Nachsatz zu sehen und in den zwei mal vier Takten davor den Vordersatz.

In der Reprise des Themas (T. 99–115) ist der erste Viertakter des sogenannten Vordersat-

zes melodisch entstellt und auf sechs Takte gedehnt – immerhin aber ist sein abschließen-

der Quartsprung erhalten geblieben (h’-e’’ in T. 104–105). Die darauffolgende Gruppe aus

zweitem Viertakter und Nachsatz (T. 105–115) ist eine intervallgetreue Transposition der

Takte 56–63 um eine kleine Terz nach oben; allerdings wird die mittlere der beiden me-

lodischen Sequenzen aus der Fortspinnung (also das Material der Takte 64–66) elliptisch

ausgelassen.

Der Nebengedanke des langsamen Mittelteils folgt in T. 70 völlig unvermittelt auf das

Thema. Seine Kennzeichen sind der Doppelgriff auf einer großen Terz und ein vom unteren

Ton ausgehender Halbtonschritt abwärts. Mehrfache Wiederholungen dieser kurzen Formel

lassen den Fünftakter sehr kleingliedrig wirken; die Wiederholung des ersten Taktes in T.

72 spricht für eine Unterteilung in 2+3 Takte. Die Wiederholung des Nebengedankens in T.

116–124 ist länger als die Vorlage, endet aber wie diese auf einem g-Moll-Klang.182

Ein viertaktiges Zwischenspiel (T. 74–78) kehrt zur Einstimmigkeit zurück und begibt sich

damit in die Nähe zum Thema. Mit den Takten 78–86 wird wiederum eindeutig auf die

Sphäre des Nebengedankens angespielt. Dessen Führung in großen Terzen ist hier durch

eine ebensolche im Komplementärintervall der kleinen Sexte ersetzt. Die Terz g’-b’ in T.

86.1 assoziiert erneut die Tonart g-Moll.

Der abschließende Charakter der nun folgenden Takte 86–92 resultiert aus der ausschließ-

lich aufwärts geführten Bewegung, der „stentato“-Anweisung sowie dem Liegeton g’’ in T.

90ff. Dass hier eine Schlussgruppe vorliegt, bestätigen später die Takte 124–131, in denen

eine entsprechende Melodik zur Beendigung des Mittelteils führt. In T. 92, so ist zu fol-

gern, wird ein erster Abschnitt des Mittelteils beendet. Prägnant und auch deutlich hörbar

ist, dass beide überwiegend in Terzen verlaufende Aufwärtsbewegungen in einen gebroche-

nen g-Moll-Sextakkord auslaufen.

182 Man vergleiche die Takte 73f. und 123f.

In T. 93–105 wird das Material des Nebengedankens erneut bearbeitet. Bemerkenswert ist

in T. 96 (mit Auftakt) die sich auch gehörmäßig mitteilende Verkürzung der Periode auf

drei Takte. Die in diesem Abschnitt sowie im vorangegangenen der Takte 78–86 stattfin-

denden Arbeiten sind nicht leicht zu kategorisieren: Für eine Variantenbildung sind die

neu entstandenen Motivumrisse zu unspezifisch, eine thematisch-motivische Arbeit findet

ebenfalls nicht statt. Dennoch scheint mir die Bezeichnung als ‚Durchführung‘ angemessen

zu sein.

So einheitlich dieser ‚Langsame Mittelteil‘ in Bezug auf das streng ökonomisch gehand-

habte Material auch gearbeitet ist – seine Form wirkt wie mit leichter Hand skizziert, fast

schlafwandlerisch modelliert. Die funktional recht gut einzuordnenden Abschnitte finden

sich in einer unkonventionellen Reihenfolge wieder – als Beispiel sei die von zwei Durch-

führungsteilen ‚ummantelte‘ Schlussgruppe genannt. Im Gegensatz zu den sehr differen-

ziert gestalteten Rahmenteilen ist der Mittelteil von größter rhythmischer Schlichtheit: Die

punktierte Viertel plus Achtel verklammert praktisch alle genannten Motive miteinander.

Der wiederholte Rekurs auf g-Moll schließlich ist im Zusammenhang der Sonate op. 13

ohne Beispiel.

Reprise / Zweiter A-Teil (T. 132–190)

Sehr geschickt leitet Jarnach mit dem Pizzicato-Takt 132 zur Reprise des A-Teils über. Der

eigentliche Reprisenbeginn wird dann nicht vom Terzenthema, sondern von der triolischen

Sechzehntelbewegung geleistet. Erst in T. 153 hat das Terzenthema seinen einzigen Einsatz

in der Reprise: Hier geben zwei Takte eine intervallgetreue Transposition der Themenvari-

ante von T. 16f. Es scheint, als hätte, wie so oft bei Jarnach, auch dieses Thema erst mit der

Zeit zu seiner endgültigen Gestalt gefunden, denn die folgenden Takte 155 und 156 repe-

tieren und bestätigen den ersten Motivtakt auf jeweils um einen Ganzton nach oben ver-

setzten Stufen. Takt 157 schließlich scheint eine weitere Transpositionsstufe darzustellen,

bietet jedoch ab der zweiten Zählzeit eine freie Fortspinnung.

Vor alldem erklingt jedoch mit T.132–152 ein Abschnitt, der auf der einen Seite gänzlich

neues motivisches Material ins Spiel bringt, andererseits aber durchführungsartige Züge

trägt. Sehr früh im Verlauf dieser Reprise ist eine zweitaktige Kurzversion des sprung-

haften Motivs platziert (T. 136f.), eine vollständige viertaktige Sequenz folgt erst in T.

163ff.183

In T. 139 bis 143 taucht ein neues Motiv auf, das auf den ersten Blick als vor allem rhyth-

misch determiniert erscheint:

183 In T. 164 beträgt das Intervall zwischen zweitem und drittem Ton (ais’’-e’’’) einen Tritonus statt der üblichen Quarte.

Entscheidend dürfte aber sein, dass in diesen fünf Takten der Tritonus-Terz-Klang durchge-

führt wird: Er liegt nun abwechselnd in enger und weiter Lage vor.184

Einige wenige Takte ausgenommen185, präsentiert die Reprise des A-Teils bekannte Moti-

ve und Gestalten. In T. 159ff. wird eine mit Ausnahme des ersten Taktes ziemlich getreue

Wiederholung von T. 24–27 geboten. Das chromatisch gefüllte und sequenzierte Groß-

terzmotive aus T. 29ff. wird in T. 169ff. wiederholt, das rhythmisch markante Suffix des

ersten Themeneinsatzes in T. 4 findet sich überraschenderweise in T. 178 und 179 wieder.

In die strettaartige triolische Sechzehntelbewegung ist in T. 182.1 der weitgriffige Es-Dur-

Akkord aus T. 162.1–1 (dort als Vorhaltsbildung) eingewoben. Solch weitgriffige Akkorde

beschließen schließlich auch den Satz, er endet mit der Oktave a-a’ – ein Brückenschlag,

merkwürdigerweise nicht zum Satzanfang, sondern zur Coda des Kopfsatzes aus op. 13.

III.2.2.1 Zusammenfassung op. 13, 2. Satz

Der zweite Satz der Violinsonate op. 13 besitzt eine sehr offensichtliche ABA’-Anlage. Jar-

nach bemühte sich hier (wie auch im zweiten Satz des Streichquartetts) um eine strikte ma-

terielle Trennung der Formteile in melodischer, rhythmischer und harmonischer Hinsicht.

Die einzige Verbindung zwischen den Teilen ist die ausgiebige Verwendung der großen

Terz. Sowohl die Rahmenteile als auch der Mittelteil sind jeweils mit einem eigenen The-

ma ausgestattet, welches von mehreren kleinen Motiven flankiert wird.

Die A-Teile weisen eine ziemlich freie Binnenstruktur auf, in der die räumliche Disposition

der zahlreichen Motive – besonders auch im direkten Vergleich von Exposition und Wie-

derholung – weitgehend unklar bleibt. Von einem „Postulat der Konsequenz“186 kann ange-

sichts dieser zufällig wirkenden Motivreihung nicht die Rede sein: So ist etwa die Rondo-

Anmutung des ersten A-Teils nur eine Finte. In der losen Verfugung ihrer musikalischen

Bausteine sind die Rahmenteile etwa mit dem Kopfsatz aus Hindemiths Solo-Violinsonate

op. 31,1 vergleichbar.

Eine unterschwellige Vernetzung der A-Teile leistet das harmonische ‚Wasserzeichen‘ in

Form des Tritonus-Terz-Klangs (deutbar als verkürzter Molldreiklang mit großer Sexte),

der auf die Durchführung des ersten Satzes der Violinsonate op. 13 verweist. Im Verbund

mit der ebenfalls im Kopfsatz stark präsenten großen Terz lässt sich durchaus von materi-

ellen Übereinstimmungen zwischen den beiden Sätzen sprechen. Dass diese Verweisstruk-

turen sich der akustischen Wahrnehmung weitgehend entziehen, dürfte von Jarnach ebenso

intendiert gewesen sein wie das Paradoxon, ausgerechnet eine charakteristische Dissonanz

abzustellen, um diesen am wenigsten tonal konzipierten Satz aus op. 13 zusammenzuhal-

ten.

Der ‚langsame‘ Mittelteil selbst ist quasi symmetrisch und dennoch erkennbar als doppel-

ter Kursus angelegt. Seine diastematische und rhythmische Einheitlichkeit steht in starkem

184 Die Identität des Tritonusintervalls und seiner Umkehrung lässt zu, die große Terz sowohl über seinen unteren wie

über den oberen Ton zu platzieren.

185 Neubildungen sind die Takte 144–152 und 172–177.

186 Dahlhaus 1970, S. 47.

Kontrast zu den Rahmenabschnitten; der wiederholte Rekurs auf den g-Moll-Dreiklang

mag funktional ein Äquivalent zum harmonischen ‚Wasserzeichen‘ sein. Bemerkenswert

ist in diesem Formteil ein weiteres seltenes Beispiel für einen bogenförmigen Themen-

verlauf. Im Gegensatz zu seinen beiden Pendants im Kopfsatz der Violinsonate und in der

Burlesca op. 17 ist dieses bogenförmige Thema metrisch fest eingebunden.

Waren die ‚Themen‘ des Kopfsatzes aus op. 13 noch erkennbar die Fundamente der forma-

len Architektur, so üben die beiden substanzarmen Themen im zweiten Satz wenig struktu-

relle Gravitation aus; sie sind kaum mehr als prägnantere Motive. Das ‚Prestissimo‘ steht

damit nah an der Grenze zu einer nicht-thematischen Musik.

Bemerkenswerterweise ist die insgesamt recht dissonante Harmonik des Satzes gänzlich

frei von Quartenakkorden. Mit ihrer motorischen Hyperaktivität, den Füllmaterial ähneln-

den Motiven und Gestalten, dem weitgehenden Verzicht auf satztechnische Komplexität

und der unverbindlichen Formanlage erinnert diese Musik an vergleichbare Sätze bei Hin-

demith.

III.2.3 Analyse op. 13, 3. Satz: Allegro deciso

Länge 118 Takte; Taktangabe 2/4, dreimaliges Ausweichen auf 3/4; Tempoangabe ‚Allegro deciso‘; Vorzeich-

nung für F-Dur/d-Moll (Satz endet in d-Moll); sparsame Tempo- und Dynamikangaben.

Der dritte Satz von Jarnachs Sonate op. 13 verfolgt auf den ersten Blick eine ganz ähnli-

che Formkonzeption wie der zweite. Wie zuvor scheint auch hier die ABA’-Form Modell

gestanden zu haben, wie zuvor kontrastiert der Mittelteil in vielerlei Hinsicht mit den Rah-

menteilen. Im Gegensatz zum Mittelsatz der Violinonate aber legte Jarnach hier die Fun-

damente für eine echte Themendualität und damit die Grundlagen zur Ausarbeitung einer

Sonatenhauptsatzform. Es wird hier vor allem zu zeigen sein, was aus diesen Anlagen

hervorgeht.

Der Satz beginnt mit einem ersten Thema, das sehr nach der Art des barocken Fortspin-

nungstypus gebaut ist, wenn auch das Soggetto nur einmal (und das noch nicht einmal

vollständig) wiederholt wird. Das Thema ist rhythmisch markant, melodisch durch den

Wechsel zwischen selbstbewusst vorgetragenen großen Intervallen und einer Kleinschrit-

tigkeit stark profiliert:

Verwirrend ist die Tatsache, dass sich schon in T. 4ff. ein neues Sequenzmotiv ankündigt,

das durch eine Sequenz noch bekräftigt wird187; seine Kennzeichen sind eine angedeutete

Zweistimmigkeit, sein punktierter Rhythmus sowie eine deutlich ausgeprägte Quintfallse-

quenz.

187 In einem freitonalen und überwiegend aperiodischen Kontext wie diesem ist die Wirkung einer Sequenz stark.

Über die satztechnischen Unterschiede der Passagen täuscht auch die motivische Verklam-

merung der Takte 5.2 und 8.2 mit T. 2.2 nicht hinweg:

Der Kompromiss, die Takte 4ff. gedanklich in den Hauptsatz zu integrieren, wäre also

schon angesichts der disparaten Materialbeschaffenheit unbefriedigend.188 Da sind nicht

nur die plötzliche Zweistimmigkeit oder das Auftreten eines punktierten Rhythmus zu

verzeichnen. Schwerwiegender ist meines Erachtens, dass der Fortspinnungscharakter des

Eingangsmotivs kaum einen derart periodischen und sowohl in motivischer wie harmo-

nischer Hinsicht sequenziell angelegten Nachsatz hervorbringen könnte. Der Unterschied

zwischen dem tonal indifferenten Satzeinstieg und der geradezu schulmeisterlichen sechs-

schrittigen Quintfallsequenz der Takte 4–7 ist kaum überbrückbar.189 So unbefriedigend es

ist, die Takte 1–3 als ein erstes Thema zu akzeptieren, so funktionieren sie doch genauso

– auch in Hinblick auf den noch vorzustellenden Seitensatz. Vielleicht ist es sogar sinnvoll,

die Takte 1 bis 9 als einen ‚ersten Themenkomplex‘ aufzufassen, der aus dem Hauptthema

im engeren Sinn (T. 1–3) besteht sowie aus einer Passage ab T. 4, die vorerst als ‚Füllmate-

rial‘ bezeichnet werden soll.

Das 2. Thema (T. 17–20) gibt in den Parametern Melodik, Rhythmik, Dynamik und Arti-

kulation einen bilderbuchartigen Seitensatz ab, dessen demonstrativ lyrischer Gestus kaum

verhüllte parodistische Absichten aufweist (man beachte in diesem Zusammenhang die An-

weisung „un poco passionato“):

Die Takte 17 bis 20 bilden einen im klassischen Sinne ‚regulären‘ Viertakter, dessen melo-

disch aufsteigendes Ende die Fortsetzung in einem Nachsatz geradezu herausfordert. Und

tatsächlich könnten die folgenden vier Takte 21–24 als Nachsatz dienen, auch weil T. 24

den in Vierteln gehenden Schluss des Vordersatzes aufnimmt, ihn aber jetzt in einer kleinen

Terz abwärts führt. Problematisch ist allerdings, dass der Nachsatz wiederum aus jenem

Sequenzmotiv besteht, wie es in T. 4ff. anzutreffen war und dort als ‚Füllmaterial‘ gelesen

wurde.190 Es scheint sich – und das wird jetzt erst deutlich – bei diesen Bausteinen um frei

verfügbares Material zu handeln, welches an verschiedenen Stellen zum Einsatz kommt. In

T. 21–24 verdichtet es sich zu einem leidlich eingepassten Formteil. Die hieraus resultie-

188 Im ersten Themenkomplex besteht eine Korrespondenz zwischen den drei Takten des Hauptthemas und der Fortset-

zung ab T. 4. Man vergleiche die chromatische Führung der auf den Hauptzählzeiten liegenden Basstöne im Thema (a–b–

h–c’) mit den chromatisch absteigenden vorderen Takthälften ab T. 5 (Oberstimme: des’’– c’’; ces’’– b’; heses’– as’).

189 Die Harmonien der Hauptzählzeiten von T. 4–7: D7>–g2-3–C9>–[f2-3]–B9>–es2-3–As9>. Noch zwei Mal entwickeln sich

aus diesem Motiv Quintfallsequenzen: In T. 25f. mit E–A7>–D7>9>–G7> und in T. 100f. mit F–B7>–Es7>9>–As7>.

190 Vgl. T. 21 und 23 mit T. 7 sowie T. 22 mit T. 4 oder 6.

rende Periodizität des Seitensatzes ist ein seltenes Phänomen in der Musik Jarnachs.

Nach einem viertaktigen, immer noch aus den Motiven der ‚Zwischenraummaterie‘ stam-

menden Zwischenspiel in T. 29 erklingt eine ungefähre Wiederholung des zweiten Themas.

Sie weist ab ihrem dritten Takt eine melodische Variation auf, und ihr Nachsatz liegt in

einer eher auf das Rhythmische reduzierten Fassung vor, die ab T. 36 in unverbindliches

Laufwerk übergeht.191

Es sei kurz zusammengefasst: Haupt- und Seitensatz kontrastieren eine weit ausschreitende

mit einer überwiegend kleinschrittigen Melodik, ein ‚martellato-forte‘ mit einem ‚grazioso-

mezzopiano‘ sowie ein scharf akzentuierter Umriss mit flexiblem Legato in großen Bögen.

Das motivische ‚Füllmaterial‘ wird beiden Themen angepasst, leistet aber nur im Seiten-

satz formale Abrundung. Anhand dieser thematischen Eckpunkte ist der vordere A-Teil

grob gegliedert. Zu einer regelrechten Exposition (um genau eine solche scheint es Jarnach

zu gehen) fehlen noch die beiden Formteile Überleitung und Schlussgruppe.

In den signalhaft hervorgestoßenen Oktaven von T. 10 ist ohne Weiteres ein Hinweis auf

den neuen Formteil zu sehen. Die Takte 10 bis 16 identifizieren sich dann auch deshalb als

Überleitungsteil, weil ihnen einerseits thematisches Profil abgeht, sie auf der anderen Seite

aber motivisch eine kompakte Einheit bilden. Im Aufbau kleinteilig, besteht die Überlei-

tung ganz überwiegend aus jeweils aufsteigenden Sechzehntelfiguren, aus denen sich meist

eine Intervallfolge aus steigendem Halbtonschritt und großer Terz aufwärts isolieren lässt.

Dieses kleine Motiv erklingt innerhalb dieser sieben Takte fünf Mal192, spielt aber außer-

halb der Überleitung keine Rolle in diesem Schlusssatz.

Das lyrische Seitenthema lässt sich viel Zeit, ehe es der Schlussgruppe Platz macht. Die

bereits erwähnte modifizierte Wiederholung des zweiten Themas geht in T. 35 in ein Sech-

zehntel-Laufwerk über, welches sich in ähnlichen Umrissen schon in T. 8f. abgezeichnet

hatte.

Interessanterweise markiert in T. 42 wiederum ein Oktav-Doppelgriff den Beginn eines

neuen Abschnitts.193 Doppelgriffe bleiben für die erste Hälfte der Schlussgruppe (T. 42–50)

bestimmend. In der direkten Abfolge der Intervalle Oktave, Quarte und kleine Sekunde

(bei fixiertem oberen Ton a’) entsteht eine klanglich prägnante Stelle, die durch ihren punk-

tierten und stark akzentuierten Rhythmus eine zusätzliche Schärfung erhält.

Mit dem Auftakt zu Takt 47 beginnt eine kurze, nichtsdestotrotz auffallende Intervallfolge

in geradem Achtelpuls. Dieses kleine Emblem ruft wiederum eine ganz ähnliche Passage

im ersten Satz in Erinnerung: Auch im dortigen Takt 47 (ein Zufall?) ist das erste Intervall

die große Terz b-d. Differenzen gibt es in der genauen Intervallfolge der beiden Embleme,

ohne dass deren charakterliche Übereinstimmung darunter litte:

191 Stefan Weiss setzt in T. 29 den Durchführungsbeginn an und sieht in den Takten 105 bis Ende eine auf die Durchfüh-

rung Bezug nehmende Coda (Weiss, S. 214).

192 T. 11: c’’-cis’’-f’’ und a’-b’-d’’; T. 13: [als Ableitung: a’’-gis’’-c’’’] und fis’’-g’’-h’’; T. 15 (mit Auftakt): g’-as’-c’’ und

es’-e’-gis’.

193 Es handelt sich um jene Oktave a-a’, die in den Takten 39ff. des ersten Satzes häufig wiederholt wurde. Dieses Wie-

derholungsmoment ist aber auch die einzige Klammer um die beiden Passagen.

Auf das Emblem folgen noch die drei Takte 48–50; sie enthalten dieselben unverbindlichen

Sechzehntelfiguren wie die Nachspiele von erstem und zweitem Thema.

Bemerkenswert ist an der Exposition auch die auffällige Trennung von individuell ausge-

prägten motivischen Charakteren in den Hauptformteilen (1. und 2. Thema, Überleitung

und Schlussgruppe) und mehrfach verwendbarem Material in den Verfugungen (punktier-

tes zweistimmiges Sequenzmodell in T. 4ff. und 22ff.; Sechzehntel-Laufwerk in T. 8f., T.

36ff. und T. 48ff.).

Der stark kontrastierende Mittelteil des Schlusssatzes umfasst die Takte 51 bis 75 und be-

steht fast ausschließlich aus gebrochenen Akkorden in schnellen Sechzehntel-Arpeggien.

Dementsprechend ist das Profil dieses Abschnitts vorwiegend harmonisch bestimmt; der

Mittelteil könnte dabei als Schilderung einer harmonischen Irrfahrt durchgehen, denn der

Weg von geordneten Verhältnissen zu eher unzusammenhängenden Verknüpfungen stellt

sich nachvollziehbar dar.

Durchaus konventionell geben sich die einleitenden Takte 51–55. Sie ergeben eine zwei-

taktige harmonische Sequenz mit quasi ‚rückwirkenden‘ Zwischendominanten:

H ¬[Fis6>] a ¬[E6>] g ¬[D7>9>]

Ungeachtet der satztechnischen Vorbildlosigkeit erinnert das harmonische Modell der Tak-

te 51–55 an bereits Gehörtes. Der sich aufdrängende Vergleich mit den Takten 25 und 38

des Kopfsatzes zeigt nun in erster Linie einen identischen Verlauf der Basstöne.

op. 13/1, T. 25

op. 13/3, T. 51ff.

Anders verhält es sich mit dem vermeintlich erinnerten harmonischen Sequenzmodell.

Anstelle des hier vorliegenden Systems rückwirkender Zwischendominanten waren im

Kopfsatz Sequenzierungen des Quartfalls s6< – t6< zu hören. Die Kombination aus lediglich

transponiertem Basstonverlauf und expliziter Sequenzkette genügt aber, um die Verwandt-

schaft beider Passagen bemerkbar zu machen.

Eher irritierend wirken in diesem Kontext die tiefalterierten Sexten im Bass – diese sind

dem offenbar angestrebten Verlauf der Basslinie geschuldet, vermögen die dominantische

Wirkung der besagten Akkorde aber nicht wesentlich zu beeinträchtigen.194 Die akustische

Deutung der nach T. 55 folgenden Harmonien wird durch den hartnäckigen Orgelpunkt g

erschwert (er reicht immerhin bis T. 71195), zusätzlich aber auch dadurch, dass die Abfolge

der darüber identifizierbaren Klänge recht willkürlich anmutet.

Noch der letzte oben angeführte Akkord, ein verkürzter D-Dur-Septnonakkord (T. 56),

wird in seiner zweiten Takthälfte durch die Assoziation von As-Dur destabilisiert. Um die

seit T. 51 bestehende Sequenzkette weiterzuführen, müsste auf das D-Dur ein f-Moll in T.

57 folgen. Tatsächlich erklingt ein übermäßiger Dreiklang auf f. Das ist kein Äquivalent,

und wenn im darauffolgenden Takt 58 nicht das erwartete C-Dur, sondern ein A-Dur-Ak-

kord erscheint, wird klar, dass die bislang stabile Sequenz aus dem Gleis geraten ist.

Die Takte ab 59 zeigen wie tastend angesteuerte Harmonien, die schon durchlaufen wa-

ren196, solche Akkorde, deren Herleitung uneindeutig bleibt197 oder ganz einfach harmoni-

schen Stillstand.198 All dies führt vor Augen und Ohren, dass die (etwa von Bachs Präludien

inspirierte) Behauptung, allein mit harmonischen Mitteln größere Zusammenhänge zu ge-

stalten, dort scheitern muss, wo Tonalität aufhört.

Ab T. 68 bricht die bisher ununterbrochen laufende Sechzehntelbewegung wiederholt ab

und kommt schließlich zum Stillstand.199 In seinen letzten harmonischen Stationen streift

der Mittelteil noch D-Dur, Des-Dur, H-Dur und übermäßige Akkorde (T. 69ff.), bis er in

einem ganztönigen harmonischen Schwebezustand ausläuft. Die letzten Töne vor der Re-

prise (ein dreimal angesteuertes a in T. 75) könnten ein Orientierungszeichen sein, mit dem

die Dominante zur Grundtonart der Sonate angedeutet wird.

Tatsächlich nämlich beginnt das freitonale Hauptthema in der hier einsetzenden Reprise

mit d’ und ist damit um eine Quinte tiefer angesiedelt als in der Exposition. Diese Art der

Transposition ist normalerweise der Seitensatzreprise vorbehalten, Jarnach wendet sie aber

auf weite Teile der Reprise an. Da die Übereinstimmungen200 mit dem ersten A-Teil sehr

weitgehend sind, mag ein stichwortartiger Überblick über die Takte 76 bis 118 mit Vermerk

der Änderungen genügen:

Erster Themenkomplex (T. 76–84)

exakt gleiche Länge wie in der Exposition;•

der Themenkopf ist um eine Quarte höher gesetzt als in T. 1 (das entspricht der bereits ange-•

deuteten ‚Tieferlegung‘ um eine Quinte);

anders als zuvor beginnt das erste Thema nun volltaktig – ein nicht unerheblicher Eingriff;•

mithilfe einer Abspaltung und Transposition der sieben Töne nach es’ aus T. 76.2 nach T. 78.1•

194 Die Progression der isolierten Basstöne h-d’-a-c’-g suggeriert die von der oben dargestellten harmonischen Sequenz

abweichende Folge s®T s®T s®[T].

195 Bei der Wiedergabe der Harmonien von T. 55ff. ist der Orgelpunkt g unberücksichtigt. Irritierend ist die enharmo-

nisch oft ‚falsche‘ Notation in den nun folgenden Takten.

196 T. 59: E-Dur; T. 60: Übermäßiger Dreiklang auf f; T. 61: Fis-Dur.

197 T. 62 könnte als unvollständiger Quartenakkord auf f verstanden werden, dem die Töne c’ und b’ fehlen; T. 64 zeigt

einen dreitönigen Quartenakkord auf g mit hinzugefügtem dis; T. 68 schließlich beinhaltet einen dreitönigen Quartenak-

kord auf f, zum fünftönigen Quartenakkord auf g fehlt lediglich das c’.

198 Durchgehendes e-Moll in T. 65ff.

199 Der von Jarnach verehrte Schubert wählte in der Klaviersonate B-Dur D960 (I. Satz, T. 94ff.) ein ähnliches Verfah-

ren zur Schilderung harmonischer ‚Ausweglosigkeit‘.

200 Alle dort ausgemachten Formteile finden sich auch hier; die Modifikationen betreffen überwiegend die Ausdehnung

der Abschnitte, die Transpositionsdistanz und kleinere Unstimmigkeiten in der Diastematik. Ansonsten ist dieser Ab-

schnitt einwandfrei als Reprise des A-Teils zu erkennen.

sowie eines halbtaktigen Einschubes in T. 77.2 werden die metrischen und tonalen Verhältnisse

der Exposition kurzzeitig wiederhergestellt (vgl. T. 1 und 78);

ab T. 81 ist der Umgang mit dem Ausgangsmaterial freier (Ausnahme: Rhythmus); die Sequenz•

der Takte 6+7 entfällt.

Überleitung (T. 85–91)

exakt gleiche Länge wie in der Exposition;•

T. 85•–87 als getreue Quinttransposition abwärts der Takte 10–12;

danach sehr enge Anlehnung an die Melodik der Originalversion, nun aber durch Rückungen•

verursachter, wechselnder Transpositionsabstand.

Zweiter Themenkomplex (T. 92–104)

Länge nur 13 Takte gegenüber 25 Takten in der Exposition;•

die 4+4 Takte von Vorder- und Nachsatz sind durchgängig um eine Quinte tiefer transponiert;•

das viertaktige Zwischenspiel (vergleiche T. 25ff.) erklingt beinahe wortgetreu um einen Halb-

ton höher gestimmt;

das Seitenthema schließt mit dem aus der Fortspinnung der direkt vorausgegangenen Motivik•

gestalteten T. 104, ein zweiter Einsatz des Themas wie in T. 29 der Exposition findet nicht statt.

Schlussgruppe (T. 105–118)

Erweiterung des Umfangs von 9 auf 14 Takte; die Schlussgruppe übernimmt zusätzlich die•

Funktion einer Stretta (‚Più animato‘-Anweisung in T. 105);

in den ersten vier Takten 105•–108 Transposition des aus T. 42ff. Bekannten um eine Quinte

nach unten, danach anderer Fortgang;

T. 109f. nehmen das Zwischenraummotiv aus T. 5/7 in variierter Form auf; in T. 111 erweiterte•

Diminutivform von T. 46; intervallgleiches, wiederum um eine Quinte tiefer transponiertes

‚Emblem‘ in T. 112 (mit Auftakt);

unverbindliche Sechzehntelfiguren führen zur Schlusskadenz Es-Dur – h-Moll•6< – d-Moll.

III.2.3.1 Zusammenfassung op. 13, 3. Satz

Der Schlusssatz der Violinsonate op. 13 geht im Blick auf das Tempo einen Schritt hinter

das ‚Prestissimo‘ des mittleren Satzes zurück. Ihm fehlt dessen gehetzte Atemlosigkeit, und

auch die rein technischen Anforderungen an den Solisten sind geringer einzuschätzen.

Wer die Sonate op. 13 auf ihre rhythmischen Anlagen überprüft, wird vom ersten bis zum

dritten Satz eine Abnahme der Komplexität feststellen. Andererseits schlägt der Schluss-

satz mehrere Bögen zum Kopfsatz: Erster Satz und Schlusssatz stellen im Gegensatz zum

zweiten Satz eine ‚thematische Musik‘ vor; beide Rahmensätze weisen größere tonal kon-

zipierte Strecken auf, die überwiegend in explizite Sequenzmodelle gefasst sind. Zudem

werden mit dem kleinen Intervallemblem sowie der markanten Bassprogression des Durch-

führungsbeginns im dritten Satz konkrete Motive des Kopfsatzes zitiert.

Am Schlusssatz der Violinsonate op. 13 fällt vor allem die formale Uneinheitlichkeit auf.

Sind die Rahmenteile eindeutig als Exposition und Reprise einer Sonatenhauptsatzform

gestaltet, so entzieht sich der Mittelteil vollständig den an eine Durchführung gestellten

Erwartungen: Er will nicht mehr sein als ein von Akkordbrechungen gekennzeichnetes In-

termezzo.

Exposition und Reprise stellen zwei Themen zur Disposition, die sowohl charakterlich als

auch formal kontrastieren (barocker Fortspinnungstyp versus periodischer Themenbau);

desgleichen lassen sich Überleitung und Schlussgruppe identifizieren, so dass regelmäßig

gebaute Rahmenteile eines Sonatensatzes entstehen. Ungewöhnlich ist allerdings das Ver-

fahren, die einzelnen Abschnitte wiederholt mit ganz ähnlichem, quasi freiem motivischem

Material zu verfugen.

Anders als etwa Jarnachs Flötensonatine op. 12 lassen die beiden Themen des Schlusssat-

zes nicht erkennen, dass sie in einem konkreten tonalen Zusammenhang gehört werden

wollen. Zu dem die Sonatenform konstituierenden dominantischen Spannungsverhältnis

kann es daher nicht kommen. Folgerichtig schiene deshalb, das ‚tonartliche‘ Verhältnis

der beiden Themen zueinander in der Reprise nicht anzutasten. Ist es eine ironische An-

spielung, dass Jarnach ‚ausgleichshalber‘ sämtliche Formteile der Reprise vom Hauptsatz

bis zur Schlussgruppe um eine Quinte tiefer ansiedelt? Mit diesem Hinweis auf altes Re-

gelwerk verweigert er den ‚double return‘, den Wiedereintritt des Hauptsatzes in seiner

ursprünglichen Tonart – dabei wäre es ein Leichtes gewesen, dieser Grundforderung der

Sonatenform nachzukommen. In diesem Zusammenhang könnte auch die ungewöhnliche

Verlegung des Hauptthemas von einem ursprünglich auftaktigen auf einen volltaktigen Be-

ginn in der Reprise als ein humoriges Verwirrspiel angesehen werden.

„Die alte Sonate stützt sich, es ist wahr, auf das Prinzip der tonalen Einheit; wird dieses aufge-

geben, so bleibt das konstruktive Element zurück, [...].“201

Mit dem ‚konstruktiven Element‘ kann Jarnach nur das auf Motivbeziehungen beruhende

Moment gemeint haben. Solche Motivbeziehungen reichen von der thematisch-motivi-

schen Arbeit der klassischen Sonatendurchführung über die Leitmotivtechnik Wagners bis

zur entwickelnden Variation bei Schönberg.

Was also ist das „konstruktive Element“ im letzten Satz der Violinsonate op. 13 von Jar-

nach? Wohl gibt es dialektische Anlagen in Form eines ausgeprägten Themengegensatzes.

Nirgendwo aber findet sich eine Spur von motivischer Vernetzung oder von thematisch-

motivischer Arbeit, nicht einmal im Mittelteil. Jarnach akzentuiert dort mit den Arpeggien

ausgerechnet jenen Parameter, der als „konstruktives Element“ ausgedient hat: die Harmo-

nik. Das wirkt ebenso kurios wie die komplett in eine imaginäre ‚Tonika‘ transponierte Re-

prise. Stattdessen gibt es eine der Parodie verdächtige lange Quintfall-Sequenz im atonalen

Umfeld und ein rührend lyrisches Seitenthema. – Indem Jarnach die formalen Erwartungen

nicht bloß enttäuscht, sondern sie ad absurdum führt, könnte er versucht haben, die ihnen

zugrunde liegenden Konzepte freizulegen.

201 Philipp Jarnach: Die zeitgenössische Musik in Deutschland und Österreich, 1924. In: Jers S. 144.

III.3. Jarnach – Hindemith – Krenek: eine Zusammenfassung

In den drei Sonaten für Violine solo von Philipp Jarnach, Paul Hindemith und Ernst Krenek

kulminieren jeweils individuell empfundene Anforderungen der Gattung, allgemeine musi-

kalische Strömungen der 20er Jahre und natürlich die unterschiedlichen Komponistenper-

sönlichkeiten in ganz verschiedenen Ergebnissen.

Der erste Eindruck202 zeigt einen in vieler Hinsicht noch tastenden Krenek, einen so origi-

nellen wie routinierten Hindemith und einen Jarnach, der im Kopfsatz seiner Sonate einen

ganz eigenen Ton findet, vor allem im mittleren Satz aber stilistisch den Anschluss zur

Hindemith’schen Linie zu suchen scheint.

Eine Sonderrolle nimmt in diesem Umfeld die Sonate Ernst Kreneks ein – das gilt ganz

besonders für die Kategorie der Form. Kreneks Konzeption ist grundsätzlich athematisch.

Das einzige mehrfach wiederkehrende Motiv wirkt eher wie eine erdachte Verfahrensweise

zur Ausfüllung der chromatischen Totale denn als ein Thema; seine Permutationen sind

allerdings recht gut als Ableitungen der Ursprungsgestalt zu erkennen. Entscheidend ist

die Tatsache, dass dieses Motiv den ausgedehnten Kopfsatz von op. 33 nicht gliedert – es

macht sich ab der Mitte des Satzes zunehmend rar, am Ende bleibt mit dem Nonintervall

nur noch sein Kondensat übrig.

Kreneks Konzeption ist diejenige einer musikalischen Prosa. Ihr wiederholtes Innehalten,

die dann stattfindende Beschäftigung mit jeweils akuten Materialbeschaffenheiten, schließ-

lich das Fallenlassen der eben noch angestellten Überlegungen erinnern an einen Episoden-

roman, dessen Teile untereinander nicht immer vernetzt sind. Dies ist ein moderner, nicht

mehr auf Geschlossenheit bedachter Formentwurf – ähnliche Entwicklungen sind in dieser

Zeit in der Literatur zu beobachten. Wie wenig der Kopfsatz von op. 33 auch zu Ende ge-

dacht scheint: In seiner Radikalität ist er dennoch ein deutliches Bekenntnis.

Jarnach und Hindemith beschreiten in der Formangelegenheit einen weit konservativeren

Weg. In den beiden Kopfsätzen von op. 13 und op. 31,1 regiert die Sonatenform mehr oder

weniger offen, beide Komponisten erfüllen damit die Haupterwartungen, welche an den

Eröffnungsteil einer Sonate herangetragen werden. Und dennoch nähern sich Jarnach und

Hindemith diesem traditionellen Formtypus auf ganz unterschiedliche Weise.

Regelrecht paradigmatisch sind die Differenzen in Bezug auf die Reprise: Hindemith, der

auch zuvor nicht mit expliziten Wiederholungen wichtiger musikalischer Gestalten gegeizt

hatte, variiert seine Reprise eigentlich nur in einem Punkt: Er lässt sie in der Umkehrung

ablaufen. Dieses absichtlich durchschaubare Ausweichmanöver ist Ironie mit Augenzwin-

kern, denn letztlich geht es Hindemith stets um eine Verständigung mit dem Publikum. Das

gilt gleichermaßen für die langsamen Sätze wie für die provozierenden schnellen Sätze der

Sonate op. 31,1.

Während Hindemith nicht nur den Repriseneintritt, sondern gleichzeitig auch die hier zur

Anwendung kommenden Montagetechniken offenlegt, gibt sich Jarnach ungleich reservier-

ter. Der Kopfsatz seiner Sonate op. 13 fordert demjenigen, der ihm seine Formung abmer-

ken möchte, weitaus höhere Abstraktionsleistungen ab.

Das einzige Motiv, das sofort als ‚Thema‘ verstanden werden dürfte, ist der Seitensatz.

202 Er konnte im Fall der Krenek-Sonate nur über das Notenbild gewonnen werden.

Gerade der aber ist so gleichmäßig über den Kopfsatz von op. 13 verteilt, dass an ihm

kaum die Sonatenform zu erkennen ist. Auf der anderen Seite verhindert Jarnach durch

eine höchst wirksame Transformation des (in seinem Charakter ursprünglich eher einem

‚Motto‘ gleichenden) Hauptthemas die Wahrnehmung der Reprise. Es bedarf schon der

eingehenderen Beschäftigung mit Jarnachs Sonatensatz, um sich der thematischen Korre-

spondenzen zu vergewissern.

Und so mutet Jarnachs Festhalten an der Sonatenhauptsatzform wie eine ‚interne‘ formale

Absicherung an. Von einer den Hörern zugewandten Rezeptionserleichterung qua Form

kann nicht gesprochen werden. - Hindemith legt Form und sogar die Werkzeuge zu ihrer

Herausbildung auf den Tisch, Jarnach scheint bestrebt, beides zu verbergen.

Diese Unterschiede können vor allem den Kopfsätzen der beiden Violinsonaten abgewon-

nen werden, und ich verhehle nicht das Unbehagen, das ‚Andante sostenuto‘ Jarnachs mit

Hindemiths ‚Sehr lebhaften Achteln‘ vergleichen zu wollen. Ausschlaggebend für eine sol-

che Gegenüberstellung musste aber sein, die jeweils komplexesten Sätze der Sonate mit-

einander in Beziehung zu setzen; und an der diesbezüglichen Wahl kann es kaum Zweifel

geben.

Die oben aufgezeigten formalen Tendenzen finden in den weiteren Verläufen der beiden

Sonaten einen etwas schwächeren Widerhall, was vor allem Jarnachs Entscheidung ge-

schuldet ist, es in den Sätzen zwei und drei seines op. 13 etwas leichtfüßiger angehen zu

lassen.

Das ‚Prestissimo‘ aus op. 13 erinnert in seiner motorischen Umtriebigkeit an Hindemiths

Schreibweise, wenn seine Spielfiguren auch kaum der geläufigen Virtuosenpraxis zuzuord-

nen sind. Hervorzuheben ist die strikte materielle Trennung des kontrastierenden Mittelteils

von den Rahmenteilen: Die Abschnitte dieses zweiten Satzes treten in keinerlei Beziehung

zueinander, sie folgen lediglich aufeinender.

Ein Seitenblick auf den (zugegebenermaßen langsamen und unaufwendiger angelegten)

zweiten Satz der Hindemith-Sonate zeigt zwei ebenfalls kontrastierende musikalische Ele-

mente, die aber in eine nachvollziehbare Interaktion miteinander treten. Die so erzeugte

psychologische Plastizität kann keiner der Jarnach-Sätze aufweisen. Der Mittelsatz aus

dessen op. 13 zeigt dafür mit seinem auf die Durchführung des Einleitungssatzes zurück-

verweisenden harmonischen ‚Wasserzeichen‘ ein ausgefallenes Detail.

Besonders instruktiv erscheint mir auch die Gegenüberstellung von Jarnachs drittem und

Hindemiths viertem Satz. Wiederum ganz verschieden in Tempo und Charakter, leisten sie

doch beide eine Auseinandersetzung mit traditionellen Formhintergründen.

Im Fall von Jarnachs Schlusssatz aus op. 13 geht es erneut um die Sonatenhauptsatzform.

Anders als zuvor wird der Hörer Zeuge eines durchaus humorigen Spiels vor allem mit

den überkommenen harmonischen Regelsystemen. Indem Jarnach deren Unadäquatheit

angesichts eines freitonalen Kontextes herausstellt (ich meine: parodiert), wirft er die Fra-

ge nach dem nun substituierenden „konstruktiven Element“ der Sonate auf. Die Antwort

bleibt Jarnach im Rahmen von op. 13 schuldig: Es bleibt bei der Formulierung einer Pro-

blemstellung.

Diese letzte Feststellung gilt gleichermaßen für Hindemiths ‚Intermezzo-Lied‘-Satz aus op.

31,1. Zur Disposition steht hier lediglich die kleinere ABA-Form und die sie konstituieren-

de Gattung des ‚Lieds‘. Hindemith scheint suggerieren zu wollen, dass es mit der schlich-

ten Naivität insbesondere der liedhaften Tonsprache ein Ende haben müsse – zugleich ist

sein Bedauern über diesen Abschied jeder Note anzuhören. Das Hauptcharakteristikum des

Satzes ist die Reminiszenz, und wie als Antwort auf das auskomponierte Fragezeichen an

dessen Ende folgt in Form des finalen ‚Prestissimo‘ eine jener motorischen Eskapaden, die

Hindemith später selbst als ‚Jugendsünden‘ bezeichnet hat.

Mit dem Hindemith-‚Intermezzo‘ kam die Kategorie der Tonsprache, anders gesagt: des

Stils zur Sprache. Natürlich stellen Aussagen zu einem ‚Kompositionsstil‘ gegenüber der

Feststellung objektiver Formkriterien ein vergleichsweise unsicheres Terrain dar. Ich meine

aber, dass das Ziel aufwendiger Analysen auch in einer möglichst guten Annäherung an

stilistische und musikästhetische Problemstellungen zu suchen ist.

In diesem Zusammenhang ist die Untersuchung der Motivik und Thematik von übergeord-

neter Bedeutung. Im Gegensatz zu Krenek konzipieren Jarnach wie Hindemith ihre Musik

explizit thematisch. Daran ändert auch nichts, dass die Themen selten periodisch angelegt,

sondern meistens kurz und von unscharfem Umriss sind. Ausschlaggebend ist, ob jene

Gebilde die Funktion eines ‚Themas‘ übernehmen – und das tun sie in vielen der zur Rede

stehenden Sätze.

Hindemiths Themen sind in ihrer Kürze stets prägnant, oft stämmig und zuweilen mit aus-

geprägtem ‚Nutzcharakter‘ versehen, der auf die spätere Urbarmachung des Materials hin-

weist. Die häufige Wiederholung der bekannten Motive erzeugt aufseiten des Hörers rasch

eine Vertrautheit mit der Musik.

Jarnach formuliert in op. 13 (aber nicht nur dort) Themen, die manchmal erst im Nachhin-

ein und angesichts ihrer Funktion als solche erkannt werden. Ihr Profil ist selten so scharf

wie im Hauptthema des dritten Satzes; selbst hier aber begnügt sich Jarnach mit einer kur-

zen variierten Wiederaufnahme in der Reprise. Erschwerend macht sich Jarnachs Vorliebe

für stark verfremdete Thementransformationen bemerkbar: Es ist in vielen Fällen kaum

möglich, die existierenden Bezüge nachzuvollziehen.

Ein weiterer Unterschied liegt – natürlich – in der Behandlung des Instruments in diesen

Soloviolinsonaten. Hindemith war unter anderem auch ein hervorragender Geiger, und die

Vertrautheit mit den Möglichkeiten des Instruments gab ihm eine Sicherheit, die sich Jar-

nach vermutlich hart erarbeiten musste. In dieser Vertrautheit liegt die auch angesichts der

Kompositionen Hindemiths schwer zu widerlegende Gefahr, sich eben mit jenen (bekann-

ten) Möglichkeiten zu arrangieren. Und so mag das ‚Ungeigerische‘ in der Sonate Jarnachs

einen Reiz ausüben, den Hindemiths ausgesprochene ‚Geigenmusik‘ nicht zu bieten hat.

Jarnachs Musik (und das gilt für viele seiner Werke) scheint nicht explizit für ein bestimm-

tes Instrument komponiert zu sein. In dieser Eigenschaft steht sie Bachs Kompositionen

nahe.

So erscheint etwa die Hindemith-Sonate op. 31,1 speziell gegenüber dem Kopfsatz von

Jarnachs op. 13 in satztechnischer Hinsicht monoton. Auf wirkliche Mehrstimmigkeit ver-

zichtet Hindemith völlig, und die rhythmische Varianz seiner Sätze bleibt stets überschau-

bar.

Krenek setzt sich in einem Punkt von den beiden älteren Zeitgenossen ab: Seine experi-

mentelle Harmonik scheut auch scharf dissonante Zusammenklänge nicht. Hindemith und

Jarnach setzten auf vergleichsweise milde Dissonanzen; mit der Vorliebe für eingestreute

Quartenakkorde erweisen sie sich als Vertreter einer nicht eben exaltierten Moderne. Jar-

nach macht vor allem in den Rahmensätzen von op. 13 wiederholt Andeutungen in Rich-

tung einer Dur-moll-Tonalität, welche die traditionelle Funktionsharmonik vor allem in

der Form offenkundiger Sequenzen durchscheinen lassen. Althergebrachte Kadenzmodelle

dagegen spielen hier so gut wie keine Rolle.

Zusammenfassend gefragt: Wie schließlich stellen sich die hier untersuchten Werke für

Violine solo zu der an herausragenden Exponaten reichen Gattungsgeschichte?

Ernst Kreneks •Sonate op. 33 scheint kaum Bezüge zu älteren Vorbildern herstellen zu

wollen; ich sehe in ihr in erster Linie ein kompositorisches Experimentierfeld eines

jungen Komponisten, den die besetzungsbedingte Reduktion gereizt hat.

Die •Sonate op. 31,1 von Paul Hindemith zeigt die Handschrift eines überaus versierten

Geigers, der vielleicht nicht zuletzt das Repertoire für Violine solo um einen Beitrag

bereichern wollte. In den schnellen Sätzen wird dem Interpreten große technische Vir-

tuosität abverlangt – auf rein musikalisch-interpretatorischer Seite scheinen mir die

Probleme geringer auszufallen. Deutlich ist der Violinonate op. 31,1 anzumerken, dass

sie nicht als bescheidenes Zeugnis letzter kompositorischer Überzeugungen geschrie-

ben wurde, sondern um gespielt, gehört und verstanden zu werden. Es besteht kaum ein

Zweifel, dass das Werk Interpreten wie Hörern Freude und Gewinn bringen kann.

Jarnach nähert sich speziell in seinem Kopfsatz einem kompositorischen Anspruch,•

der an den Sonaten und Partiten Bachs orientiert ist. Hier ist die Virtuosität eher hin-

tergründiger, kontrapunktischer Natur; es herrscht eine kontemplative, streckenweise

sogar meditative Stimmung vor, die gut mit der gebotenen Reichhaltigkeit des Sat-

zes harmoniert. Ich halte auch nicht zuletzt deshalb den Kopfsatz von op. 13 für eine

der stärksten Schöpfungen Jarnachs und für einen gewichtigen Standpunkt innerhalb

dieses Teils der Violinliteratur. Dass dies von den beiden übrigen Sätzen nicht ohne

Einschränkung behauptet werden kann, liegt an ihrer formalen und stilistischen Unbe-

stimmtheit. So zollt das ‚Prestissimo‘ dem damals herrschenden Geschmack an moto-

rischer Musik recht viel Tribut, ohne dass dabei Jarnachs Handschrift deutlich würde.

Der Schlusssatz erreicht trotz einiger Anstrengung nicht das klangliche, satztechnische

und formale Niveau des langsamen ersten Satzes.

IV.

FÜNF GESÄNGE OP. 15

(1922)

IV.1 Einleitung

Die Lieder beziehungsweise ‚Gesänge‘ op. 15 sind über einen längeren Zeitrum entstanden, wurden einzeln

uraufgeführt und tragen individuelle Widmungen. Eine Uraufführung des gesamten Zyklus‘ fand am 2. Mai

1922 anlässlich des 13. ‚Melos‘-Kammermusikabends in Berlin statt. Der Bassbariton Wilhelm Guttmann

wurde dabei von Jarnach begleitet. Die Kompositionen sind 1922 bei B. Schott‘s Söhne (Mainz) in fünf Ein-

zelheften erschienen. Detaillierte Informationen finden sich zu Beginn der jeweiligen Analyse.

Als Philipp Jarnach im Jahr 1919 den ersten der Fünf Gesänge verfasste, war er bereits

ein Routinier in Sachen Klavierlied. Im Alter von siebzehn Jahren hatte Jarnach mit der

Liedkomposition begonnen, und seine erste überhaupt gedruckte Komposition war das

Lied Ville morte nach Albert Samain. Die Liedgattung dominiert das gesamte frühe Œuvre

Jarnachs, wobei zu Beginn naturgemäß die französische Lyrik im Vordergrund stand. Es

war dann eine seltene Verkettung von Umständen, welche den Zwanzigjährigen so nach-

haltig für die deutsche Kultur einnahm: Zunächst wird die Beziehung zu der aus Bayern

stammenden Geigerin Amalie Streicher (seiner späteren Frau) anzuführen sein; später war

es Romain Rolland, der dem jungen Philipp Jarnach mit Blick auf dessen künstlerische

Veranlagung riet, sein Glück in Deutschland zu suchen. Durch die Bekanntschaft mit dem

deutschen Bariton Reinhold von Warlich schließlich wurde Jarnach noch in seiner Pariser

Zeit auf das deutsche Lied aufmerksam. „Ich betrat da ein Zauberland dichterischen und

musikalischen Ausdrucks – ich kam nicht mehr davon los“, so Jarnach in einem Rundfunk-

Selbstportrait von 1956.203

Das letzte französische Lied Jarnachs entstand 1914, von da an vertonte der Sohn eines

spanischen Bildhauers und einer flämischen Mutter ausschließlich deutsche Lyrik. Hier

folgt eine Übersicht der ‚deutschen‘ Lieder bis zur Komposition des Lieds vom Meer, das

später zur Nummer eins der Fünf Gesänge op. 15 werden sollte:

JWV 20: [fünf] •Balladen und ritterliche Lieder (Börries Freiherr von Münchhausen), 1913;

JWV 24: •Zwei Lieder (Hölderlin/Münchhausen), 1913;

JWV 32: [fünf] •Schilflieder (Nikolaus Lenau), 1914;

JWV 34: •Zwei Balladen (Joseph von Eichendorff), 1915;

JWV 37: •Vier Lieder (Friedrich W. Wagner (I+II), Richard Schaukal, Henrik Ibsen), 1915;

JWV 43: •Der Freibeuter (Goethe), 1916, revidiert 1927;

JWV 44: •Aus Geibels Herbstblättern („In den mondverklärten Lüften“), 1916.

Die Auswahl der vertonten Dichter lässt auf eine umfassende und nicht eben leicht erklär-

bare Kenntnis der deutschen Literatur schließen. In einer Zeit, da das Klavierlied seine

Bedeutung für die Musikausübung vor allem der bürgerlichen Schichten weitgehend ver-

203 Philipp Jarnach: Das musikalische Selbstportrait – NDR-Rundfunksendung von 1956.

loren hatte, komponierte Jarnach 21 Lieder in drei Jahren. Es folgte eine Pause von acht

Jahren, bis sich Jarnach nach den Fünf Gesängen op. 15 wieder an die Komposition neuer

Lieder wagte. Es waren dies Auftragsarbeiten für eine Sammlung, welche 1930 von der

‚Staatlichen Kommission für das Volksliederbuch‘ vorbereitet wurde. Ein Projekt, das nicht

dazu angetan war, den technischen Stand der musikalischen Moderne zu dokumentieren.

Die Fünf Gesänge op. 15 markieren damit den stilistisch avanciertesten Posten in Sachen

Klavierlied204, Weiss sieht im op. 15 sogar einen diesbezüglichen „Endpunkt“ erreicht.205

Das Anliegen dieses Kapitels soll vor allem sein, Jarnachs Bewältigung der gattungsspezi-

fischen Herausforderungen zu untersuchen.

Philipp Jarnach hat die Fünf Gesänge nicht von vornherein als Zyklus konzipiert. Die ein-

zelnen Kompositionen entstanden vielmehr in der langen Zeitspanne zwischen März 1918

(Nr. 1: Lied vom Meer) und Februar 1922 (Nr. 5: Aus einer Sturmnacht), in welcher nicht

zuletzt auch der Umzug von Zürich nach Berlin erfolgte. Die weit auseinanderliegenden

Entstehungsdaten mögen auch einen wichtigen Hintergrund für die stilistische Heterogeni-

tät etwa der Wunderhorn-Vertonung und der Sturmnacht abgeben – andererseits zeigen die

beiden rahmenden Rilke-Gesänge eine erstaunliche Kontinuität der Herangehensweise.

Jarnach selbst hatte die Nummern vier und fünf im Autograph noch als ‚Lieder‘ bezeich-

net, und der Verlag Schott fasste die in fünf Einzelheften gedruckte Sammlung in einer

Werkübersicht folgerichtig als ‚Fünf Lieder‘ zusammen. Nach Abschluss der Komposition

scheint Jarnach allerdings den Titel ‚Gesänge‘ bevorzugt zu haben – verständlicherweise,

denn vor allem die in den zwanziger Jahren entstandenen Nummern drei bis fünf haben

wenig Liedhaftes an sich.206 Wie Jarnach es dann vermochte, aus den sehr heterogenen Ele-

menten ein rundes Ganzes zu komponieren, zeigt ein Blick auf die Disposition der Gesän-

ge.

ILied vom Meer Rilke April 1918

II Ich hört ein Sichlein rauschen Wunderhorn April 1919

III Rückkehr George Juli 1921

IV Der wunde Ritter Heine November 1921 (?)

VAus einer Sturmnacht Rilke Februar 1922

Den Rahmen bilden zwei expressionistische, symbolisch aufgeladene Gedichte Rainer

Maria Rilkes, jenes „Musiker[s] in Worten“, dem Ferruccio Busoni 1907 seinen Entwurf

einer neuen Ästhetik der Tonkunst gewidmet hatte. Ebenfalls aus der Jahrhundertwende

stammt die zentral positionierte Rückkehr Stefan Georges. In den noch vakanten Positio-

nen 2 und 4 findet sich im weitesten Sinne ‚romantische‘ Lyrik – denkbar ungleich sind

sie allerdings im intellektuellen Brechungswinkel, der Wunderhorn-Text und das Heine-

Gedicht.

Die entstehungszeitlich begründete Symmetrie dieser Anlage setzt sich im Inhaltlichen

fort: Im Lied vom Meer und der Sturmnacht schalten Naturgewalten, die das Subjekt nur

noch als Beobachter zulassen; Sichlein und Wunder Ritter handeln von enttäuschter Liebe;

204 Dies unter Berücksichtigung der konservativen Wende nach 1928.

205 Weiss, S. 204.

206 Detailliertere Ausführungen zur Titelfrage finden sich bei Weiss, S. 202ff.

die Rückkehr überragt als geistige Selbstüberhöhung des Poeten die übrigen Gedichte wenn

schon nicht an Niveau, dann wenigstens an Steilheit des Gedankens.

Im Jahr 1930 unterzog Jarnach die Fünf Gesänge einer Überarbeitung für Orchester: Dabei

fiel die ausgesprochen pianistisch gesetzte Sturmnacht (Nr. 5) heraus – das Opus 15a ist

nunmehr also mit Vier Orchesterlieder betitelt.

IV.1.1 Zeitgenössische Rezensionen

a) Allgemeine Musik-Zeitung 49/19 (12.5.1922), S. 405; Manfred Paulsen:

„Nicht bloße Hoffnung, sondern bereits eine Erfüllung ist uns Philipp Jarnack [!],

einer der ausgeprägtesten Charaktere der jüngeren Generation. Der 13. Melos-Kam-

mermusikabend [er fand am 2. Mai 1922 statt], der ausschließlich seinem Schaffen

gewidmet war, brachte die Uraufführung von Fünf Liedern op. 15 und das Streich-

quintett op. 10 […]. Von den Liedern, die Wilhelm Guttmann ganz prachtvoll sang, ist

vielleicht das bedeutendste ‚Der wunde Ritter‘, das die wundervolle Heinesche Balla-

dendichtung in kongenialer Weise musikalisch ausdeutet.“

b) AMZ 50/8 (23.2.1923), S. 135; Heinz Pringsheim:

„Einige von diesen Liedern gehören zu den besten neueren Vokalkompositionen, die

ich kennen gelernt habe. Die in ihrem innersten Kern erfassten Grundstimmungen der

literarisch wertvollen Texte haben die Phantasie des Tondichters zu ausdrucksstarken

musikalischen Neuschöpfungen befruchtet. Aus eigenartiger harmonischer Grundlage

sich aufbauend, ist die Führung der Stimme immer melodisch und sangbar. Die Ein-

dringlichkeit des musikalischen Ausdruckes wird durch die selbständige Behandlung

der niemals vordringlichen Klavierbegleitungen, deren Satz sich durch vorbildliche

Durchsichtigkeit und weise Ökonomie auszeichnet, wesentlich vertieft. Außerordent-

lich charakteristisch und packend ist der an Gustav Mahler erinnernde marschartige

Rhythmus von zwingender Kraft in der Ballade vom wunden Ritter (Heine); den

Einfluss des gleichen Meisters spiegelt auch das zarte Wunderhornlied ‚Ich hört ein

Sichlein rauschen‘ wider. Rilkes ‚Aus einer Sturmnacht‘ scheint mir stärker in der

Konzeption, im Grundton, als in der Ausführung (was in der Ungleichwertigkeit der

Verse begründet sein mag); schön aufgebaut und stimmungskräftig desselben Dichters

‚Lied vom Meere‘. Relativ am farblosesten ‚Rückkehr‘ (George).“

c) Allgemeine Musik-Zeitung 57/51-52 (19.12.1930), S. 1176; Robert Greven:

„Das sind wahre Edelsteine der modernen Liedliteratur, die, in ihrer Klavierfassung

bereits vor acht Jahren entstanden, in dieser ebenso neuen wie neuartigen Orchestrie-

rung den tiefsten Sinn ihrer dichterischen Vorlagen (Rilke, Heine, George, Des Kna-

ben Wunderhorn) zu enthüllen scheinen, stilistisch am Übergang des Impressionismus

zu einem bewussten Ausdrucksstil stehen und in jeder Note von einer unvergleichlich

distinguierten Geisteshaltung ihres Schöpfers zeugen.“

IV.2 Analyse Lied vom Meer (Rilke)

Fertiggestellt im April 1918; Widmung: „An Ihre Königliche Hoheit die Infantin Beatriz von Spanien“; Daten

der Uraufführung unbekannt.

Länge 29 Takte. Rahmentonart h-Moll. Taktart 6/8, im Epilog 4/4. Tempoangabe ‚Sehr gehalten‘ (Achtel =

112), im Epilog ‚Langsam‘ (Viertel = 58); nur eine die Agogik betreffende Anweisung.

Uraltes Wehn vom Meer,

Meerwind bei Nacht:

du kommst zu keinem her;

wenn einer wacht,

so muss er sehn, wie er

dich übersteht:

uraltes Wehn vom Meer

welches weht

nur wie für Ur-Gestein,

lauter Raum

reißend von weit herein...

O wie fühlt dich ein

treibender Feigenbaum

oben im Mondschein.

Aus: Der neuen Gedichte anderer Teil, 1906–1908.

Ein Sonett zweifellos, wenn auch im Reimschema (abab acac ded ded) einigermaßen frei

gefasst. Erwähnenswert ist des Weiteren, dass die Untergliederung in zwei Quartette und

zwei Terzette mit der Textsemantik inkongruent sind: Das zweite Quartett beginnt mitten

im Satz; eine deutlich formulierte Reprise liegt im siebenten Vers; das erste Terzett ist nicht

abgegrenzt, das zweite dagegen sehr wohl, indem es einen inhaltlichen Epilog bildet. Woll-

te man eine semantische Gliederung vom Lied vom Meer vornehmen, so käme man auf

6(2+4) + 5(3+2) + 3 Verse.

Jarnach orientiert sich in seiner Vertonung ausschließlich an der inhaltlichen Gliederung

des Textes, allerdings scheint er sich auch dabei nicht ganz sicher gefühlt zu haben. Die

Musik gibt eine dreiteilige Liedform plus Epilog zu erkennen:

Formteil A B A Coda

Takt 1–10 11–15 15–24 25–29

Verse 1–3 4–6 7–11 12–14

Während die (von der Textseite motivierte) musikalische Reprise einwandfrei verortet wer-

den kann, bereitet die Umgrenzung des B-Mittelteils gewisse Schwierigkeiten. Ich werde

diesen Sachverhalt zu gegebener Zeit erläutern.

Zunächst einmal liefert Jarnachs Vertonung vom Lied vom Meer eine Dopplung der vor-

herrschenden kraftvoll-pathetischen Grundstimmung. Bereits die zweitaktige Einleitung

des Klaviers kann als Keimzelle aller musikalischen Charakteristika angesehen werden,

welche für den ersten Gesang aus op.15 bestimmend sind. Zu nennen sind der stark ange-

schlagene und raumgreifende Quint-Oktav-Klang auf der ersten Zählzeit, eine so klein-

schrittig wie gleichförmig bewegte Mittelstimme in der rechten Hand und schließlich die

von der linken Hand gespielten schnellen Figuren in der Mittellage des Klaviers: Es sind

abwechselnd ausnotierte Triller (T. 1, 3, 5, 7 etc.) und biegsam-schnelle Ausfüllungen eines

Quintraumes (T. 2, 4, 6 etc.) – beides ausgesprochen tonmalerische ‚Wind-Motive‘. Mit

den beiden am stärksten in der Geschwindigkeit kontrastierenden Elementen im Klavier-

satz ist das semantische Gegensatzpaar des Gedichtanfangs ‚uralt‘ und ‚Wehn‘ sinnfällig

vorbereitet. So durchsichtig wie der Klaviersatz ist auch die Harmonik. Takt 1 ist fest im

Griff der Rahmentonart h-Moll, T. 2 steht auf dem Subdominantklang207 e56<.

All dies wird in den Folgetakten 3–4 wiederholt, während die Singstimme in langen No-

tenwerten und mit der Anweisung „breit und stark“ das erste Gedichtwort „Uraltes“ artiku-

liert.

Das Taktpaar 5/6 ist im Klavier wiederum ganz ähnlich gestaltet, das h-Moll von T. 5 nur

leicht variiert, T. 6 harmonisch indifferent durch die Kombination eines Quart-Oktav-

Klangs cis-fis und einer g-lydischen Melodik in der linken Hand.

In den Takten 7 und 8 gewinnt der bislang beinahe statische Oktavrahmen der rechten

Hand ein kurzes Eigenleben und tritt mit der Mittelstimme in einen Dialog. Da die linke

Hand den eingeschlagenen Pfad ebenfalls verlässt (T. 8), gerät die Musik in Bewegung.

Dazu kommt eine Beschleunigung des harmonischen Tempos in T. 8, welcher auf den

Zählzeiten 1, 3 und 4 die Dreiklänge E6<, Ües und d9> aufblitzen lässt.

Mit T. 9 wird dann mit es-Moll und B-Dur/b-Moll ein neues, dem rahmenden h-Moll weit

entferntes Tonartenfeld eingerichtet. Es bleibt bis etwa T. 13 bestehen und ist auch aku-

stisch sehr wohl als neues Terrain wahrnehmbar. Die harmonischen Eckdaten dieser Takte

stellen sich so dar:

9.1 9.4 10 11 12 13.1 13.4 13.6 14.1

es Übes6<

5b b/es b6> es7> Fis5>

7>9> h6>

Kaum Zweifel an der neuen harmonischen Ausrichtung lässt auch die Melodik der Ge-

sangsstimme. Sie umreißt in den Takten 9–10 eindeutig es-Moll, um in T. 11–13 nach me-

lodisch b-Moll auszuweichen. Es-Moll und b-Moll sind das harmonische Korrelat zu den

207 Dieser Sixte-ajoutée-Klang trägt hier noch eine subdominantische Färbung. Bereits ab der später entstandenen So-

natine für Flöte und Klavier op. 12 haben die charakteristischen Dissonanzen bei Jarnach praktisch keine funktionale

Bedeutung mehr.

alternierenden h-Moll und e-Moll der Takte 1–7, und der Versatz der beiden Sphären um

eine kleine Sekunde könnte stärker trennend kaum sein.

Die Rückkehr zu h-Moll geschieht recht abrupt im Übergang von T. 13 auf 14 mit einem

kompakt gestellten C7> in T. 13.6, der, so man ihn auf die Zieltonart h-Moll beziehen möch-

te, als verkürzter Fis-Dur-Septnonakkord mit tiefalterierter Quinte interpretiert werden

müsste.208 Bemerkenswert ist, dass zwei Takte vor Beginn der Reprise in T. 15/16 bereits

das harmonische Pendel h-Moll/e-Moll installiert ist; es wird in T. 14f. mit den bekannten,

eine Quint ausfüllenden Motiven geleistet, welche in den Takten 2, 4, 6 und 10 in der Mit-

tellage anzutreffen waren. Jarnach komponiert hier eine kurze Engführung des Motivs.

Auf die harmonischen Verläufe sich stützend, müsste der B-Teil mit T. 9 angesetzt werden

und also mit der dritten Textzeile „du kommst zu keinem her“ – eine Lösung, die durchaus

befriedigen kann. Wäre aber das Kriterium für die Abgrenzung des Mittelteils die Gestal-

tung des Klaviersatzes, so wären dessen Ausmaße auf die fünf Takte 11–15 beschränkt.

Inhaltliche Gründe sprechen auch gegen diese Deutung nicht, zumal die Interpunktion in

Rilkes Gedicht nicht eindeutig ist. Meines Erachtens spricht für die harmonisch begründete

Variante (B-Teil von T. 9–15) vor allem deren akustische Schlüssigkeit. Die Variation des

Klaviersatzes ab T. 11 und die motivische Engführung samt starkem Crescendo in T. 14

stellten dann eine ausdrucksseitige Verdichtung vor, welche ohne Weiteres durch den Text

(„wenn einer wacht, so muss er sehn, wie er dich übersteht:“) legitimiert ist.

Die Reprise (T. 16–24) ist vier Takte lang mit dem bekannten h-Moll/e-Moll56<-Pendel

ausgestattet und schon deshalb nicht zu verfehlen. Wie im ersten A-Teil ist die Melodik

der Singstimme fest in h-Moll verwurzelt – auch in diesem Detail weist sich das Lied vom

Meer als einer frühen Schaffensphase Jarnachs zugehörig aus. Mit Takt 20 läuft die Musik

in einen fünftaktigen Fortissimo-Abspann ein; orgelpunktartig und majestätisch herrscht

H-Dur, immer wieder neu erfrischt durch den auftaktig-gewaltigen Bassgang ‚Dis-‚C-„H.

Mit einem geradezu filmischen Schnitt setzt Rilke das letzte Gedicht-Terzett von der bisher

herrschenden Stimmung ab. Jarnachs kompositorischer Nachvollzug ist so intensiv, wie es

musikalisch überhaupt möglich ist. In der Coda wechselt nicht bloß das Metrum von 6/8

nach 4/4, sondern es ändern praktisch alle Parameter ihre Werte. So ist in diesen letzten

fünf Takten des Lieds vom Meer die aufgewühlte Flächigkeit des Klaviersatzes zugunsten

einer klassischen, vier- bis fünfstimmigen Polyphonie aufgegeben:

208 Es sei bemerkt, dass mit diesem abrupten harmonischen Umschwung vielleicht auch der melodisch nicht nachvollzo-

gene Zeilenumbruch von „so muss er sehn, wie er // dich übersteht“ musikalisiert sein mag.

25 26.1 26.4 27.1 27.3 28.2-4 29.1

E6> F Q3fis / E h7> d Fis7>9> h4–3

6–5

Die rhythmischen Verhältnisse haben sich umgekehrt: War bislang die Singstimme ruhiger

gehalten als der Klaviersatz, bewegt sich Letzterer nun vornehmlich in Halben und Viertel-

noten (die kürzesten Notenwerte sind Durchgangsachtel). Schließlich ist auch die Harmo-

nik abwechslungsreicher gestaltet.

Interessant ist, dass sich Jarnach nach dem auffälligen Dominantakkord in T. 28 noch für

einen plagalen Schluss entscheidet, der durch die Vorhaltsbildung in T. 29.1 hervorgeru-

fen wird. Ein harmonischer Bogenschlag zum Beginn des Liedes, dem sich im Tenor ab

T. 28.2 eine weiter Reminiszenz an die Seite stellt: Die dortige Tonfolge ais-g-fis ist eine

Transposition der auftaktigen Bassformel der Takte 20f. Die Singstimme, im Verlauf des

Lieds vom Meer immer stark tonal gebunden, agiert in der Coda frei und in wellenförmiger

Bewegung.

IV.2.1 Zusammenfassung op. 15 Nr. 1

Wenn Jarnach begrifflich unterscheiden wollte zwischen ‚Liedern‘ und ‚Gesängen‘, und

wenn das Kriterium für die eine oder andere Bezeichnung die kompositorische Komplexi-

tät ist, so wäre die erste Nummer aus op. 15 eindeutig ein ‚Lied‘. Jarnach Musik reflektiert

hier die Grundstimmung des Rilke-Gedichts, welches ihn in seiner pathetischen Gedrun-

genheit sicherlich angesprochen hatte. Weder ist dabei eine ausdrucksseitig autarke Schicht

auszumachen, noch sollte die im Lied vom Meer transportierte Naivität mit der artifiziellen

100

Romantik-Imitation im Wunderhorn-Lied (Nummer 2 aus op. 15) verwechselt werden.

Stilistisch bleibt diese erste Rilke-Vertonung deutlich hinter der Flötensonatine op. 12 zu-

rück. Die hohe Wiederholungshäufigkeit, die ganz überwiegend tonale Harmonik und der

gegen die formalen Widerstände des Textes geführte ABA-Aufbau sind wohl dem frühen

Entstehungsdatum geschuldet. In seiner Expressivität, dem enormen Dynamikumfang

und dem weitgriffigen Klaviersatz ist das Lied vom Meer aber durchaus als Vorläufer der

Sturmnacht oder der Sarabande aus op. 17 zu sehen.

IV.3 Analyse Ich hört ein Sichlein rauschen (Wunderhorn)

Abgeschlossen im April 1919; Widmung: „Ihrer Königlichen Hoheit Der Infantin Beatriz“; Daten der Urauf-

führung nicht bekannt.

Länge 61 Takte. Keine Vorzeichnung. Taktart 3/4, eine eintaktige Ausweichung nach 4/4. Tempoangabe ‚Flie-

ßend‘ (Viertel = 108-112), dreimaliger Wechsel zu ‚Langsam‘; einige die Agogik betreffende Anweisungen.

Ich hört ein Sichlein rauschen,

wohl rauschen durch das Korn;

ich hört ein Mägdlein klagen,

sie hätt‘ ihr Lieb verlorn.

Laß rauschen, Lieb, laß rauschen,

ich acht‘ nicht, wie es geht;

ich tät mein Lieb vertauschen

in Veilchen und im Klee.

Du hast ein Mägdlein worben

in Veilchen und im Klee,

so steh‘ ich hier alleine,

tut meinem Herzen weh.

Ich hör‘ ein Hirschlein rauschen,

wohl rauschen durch den Wald;

ich hör‘ mein Lieb sich klagen,

die Lieb verrauscht so bald.

Laß rauschen, Lieb, laß rauschen,

ich weiß nicht, wie mir wird,

die Bächlein immer rauschen,

und keines sich verirrt.

Des Knaben Wunderhorn, diese 1805 von Achim von Arnim und Clemens Brentano her-

ausgegebene Sammlung „alter deutscher Lieder“, hat viele Komponisten zu Vertonungen

bewegt. Robert Schumann, Johannes Brahms, besonders aber Gustav Mahler fühlten sich

zu der teils echt alten, andernteils fingiert rekonstruierten Volkspoesie hingezogen. Die An-

ziehungskraft des Wunderhorns strahlte noch weit ins zwanzigste Jahrhundert hinein, wie

Kompositionen von Strauss, Webern und sogar Charles Ives beweisen.

101

Ich hört‘ ein Sichlein rauschen ist ein formal und metrisch ganz regelmäßig gebautes

Gedicht. Fünf Strophen à vier Verse, dreihebige Jamben enden alternierend klingend und

stumpf. Es ist nicht so sehr die Metrik als vielmehr der Reim, welcher den Text als volks-

liedhaft ausweist: Ein vollständiger (wenn auch nicht ganz reiner) Kreuzreim findet sich

nur in der fünften Strophe. In allen anderen reimen lediglich zwei über Kreuz liegende Ver-

se209, in der zweiten Strophe kommt noch eine Assonanz dazu. Die Reimworte ‚Rauschen‘,

‚klagen‘ und ‚Klee‘ finden mehrfache Verwendung.

Jarnach hat sich in seiner Vertonung an die Form des Strophenlieds gehalten, ohne sich

jedoch vollständig seiner schlichten Regelmäßigkeit auszuliefern. Die fünf Strophen des

Sichleins sind durch ein- bis dreitaktige Zwischenspiele voneinander getrennt und auch

durch die Verwendung gemeinsamer Kopfmotive stets einwandfrei identifizierbar. In der

folgenden Darstellung sind die Taktgrenzen210 der Strophen, ihre Binnengliederung sowie

die Tonartenverhältnisse abgebildet:

Strophe Takte Umfang Unterteilung Tonartenverhältnisse

I. 2–11 9 T. (4 + 5) a – Q – C – F – C – a – D

II. 12–21 9 T. (5 + 4) D – H – A – [Q] – c – f – Des

III. 23–33 10 T. (4 + 6) b – es – Q – B – d – G – [e] – c – a

IV. 35–48 13 T. (5 + 8) a – As – e – G – c – [f] – Q – Des/b – e

V. 49–58 9 T. (4 + 4)1A/a – a – A – Q – E – A/a

Die Harmonik des Sichleins basiert prinzipiell auf Dreiklängen. Wenn sich diese Eigen-

schaft nicht immer im Klangbild bemerkbar macht, so ist dies den zahlreichen Vorhalts-

und Durchgangsnoten geschuldet, derer es im von durchlaufenden Achteln geprägten Kla-

viersatz viele gibt.

Die Rahmentonart a-Moll/A-Dur ist vor allem in der ersten und der fünften Strophe domi-

nant. Am Ende der dritten Strophe und mit dem Zwischenspiel der Takte 32ff. erfolgt die

stark inszenierte Rückkehr nach a-Moll – eine nur folgerichtige Maßnahme, denn die vierte

Strophe stellt textlich eine Reprise dar. Umso erstaunlicher ist, dass a-Moll gleich zu Be-

ginn der vierten Strophe wieder verunklart und dann aufgegeben wird. Die Rahmenharmo-

nien der zweiten und dritten Strophe liegen nur dann weit auseinander, wenn man Jarnachs

Vertonung dieses Wunderhorn-Gedichts ein stabiles tonales Koordinatensystem unterstellt;

dies jedoch wäre eine Fehlinterpretation.

Der Tabelle ist des Weiteren zu entnehmen, dass die musikalische Periodik im Gegensatz

zur Textvorlage sehr unregelmäßig gebaut ist. Jarnach nahm sich besonders viel Raum für

die Nachsätze der dritten und vierten Strophe, dies ohne Zweifel motiviert durch die in ih-

nen enthaltenen, inhaltlich resignativen Verse „So steh‘ ich hier alleine, tut meinem Herzen

weh“ und „... die Lieb verrauscht so bald.“

Das Sichlein zeigt in der formalen Anlage eine Kombination aus der erwarteten Strophen-

form einerseits sowie überraschenden harmonischen Wendungen und einer unregelmäßigen

Periodik andererseits. Damit geht Jarnach behutsam über das formale Konzept des Wun-

derhorn-Gedichts hinaus, ohne es zu verzerren.

209 Strophe 1: Verse 2+4; Strophe 2: Verse 1+3; Strophe 3: Verse 2+4; Strophe 4: Verse 2+4.

210 Bei diesen Grenzen sind Auftakte mit eingeschlossen.

102

Jarnachs Vertonung reflektiert das eigentümlich Schwebende des Wunderhorn-Textes auf

verschiedenen Ebenen, deren wichtigste aber schon anhand der Klaviereinleitung zu be-

nennen sind. Wie im Lied vom Meer leisten nämlich zwei einleitende Takte eine echte Ma-

terialexposition des Klavierparts:

Die Tempobezeichnung „Fließend“, sowie die Spielanweisung „pp – flüsternd“ geben den

Charakter einer Bewegung vor, die mit Ausnahme von nur neun Takten das gesamte Lied

bestimmt: Es ist eine Übereinanderlagerung von gerade ablaufenden und punktierten Ach-

teln, die bisweilen durch eine Viertelbewegung ergänzt ist. Aus der durchsichtigen Drei-

stimmigkeit des Anfangs schwingt sich diese Bewegungsform bald zur Vierstimmigkeit

und in T. 25ff bis zur Sechsstimmigkeit auf.

Mithilfe dieser einfachen Begleitformel erzielt Jarnach eine flexible, stets leichtfüßige

Gleichförmigkeit. Verstärkt wird sie durch die sekundschrittige Pendelbewegung aller drei

Stimmen sowie durch die Tatsache, dass die a-Moll-Harmonie des Anfangs noch ohne

Grundton auskommen muss.

Wie gesagt, es bleibt im ganzen Wunderhorn-Lied prinzipiell bei diesem Klaviersatz, der

sich bevorzugt in der oberen und mittleren Lage aufhält und dessen Dynamikmaximum

‚poco f‘ in T. 46 einsam dasteht. Hier besteht also ein Gegensatz zu der den Zyklus einlei-

tenden Rilke-Vertonung, deren dynamische Entwicklung viel expansiver geartet war. Die

auftaktig zu T. 3 hinzutretende Singstimme kontrapunktiert dann in rhythmischer wie me-

lodischer Hinsicht als zusätzliche, allerdings diastematisch stärker profilierte Schicht.

Die Umrisse des Gesangsparts verdankten sich ganz wesentlich einem Kopfmotiv, wel-

ches alle Strophenanfänge außer dem dritten kennzeichnet:

Über die Strophen hinweg stabil zeigt sich vor allem der Kopfrhythmus aus punktierter

Viertel und drei Achtelnoten (plus Auftakt aus Viertel- oder Achtelnote). In diastematischer

Hinsicht prägnant sind die jeweils vom Auftakt zur folgenden Eins aufsteigenden Quinten

(Strophen 1 und 5) beziehungsweise Quarten (Strophen 2 und 4). Die dritte Strophe fällt

möglicherweise aus inhaltlichen Gründen aus diesem Raster – spiegelt sie doch als einzige

in direkter Rede die Gefühlswelt der verlassenen Geliebten. Der Strophenbeginn bewegt

sich hier in zagenden Sekundschritten (die Takte 23–25 sind von stilisierten Seufzermoti-

ven im Gesangspart geprägt) und ist ganz eigenständig rhythmisiert.

103

Mit der individuellen Ausführung der mittleren Strophe ergibt sich eine symmetrische An-

lage zumindest in der Gestaltung der Strophenanfänge. Für die bewusst angelegte Symme-

trie spricht weiterhin, dass die Melodik des fünften Strophenanfangs (T. 49) diejenige des

ersten wieder aufnimmt. Die derart erzielte Reprisenwirkung markiert eine der wenigen

musikalischen Wiederholungen dieses Liedes. Dabei fällt auf, dass die musikalische Re-

prise von der textlichen abweicht: Im Wunderhorn-Gedicht nimmt schließlich bereits die

vierte Strophe die Anfangsworte wieder auf. Jarnach war sich dieses formalen Sachverhalts

sicherlich bewusst: T. 32 mit der Anweisung ‚Tempo I‘ sowie der sorgsam zelebrierten

Rückkehr nach a-Moll kann getrost als Scheinreprise interpretiert werden.

So ungewöhnlich es scheinen mag: Die diastematischen Korrespondenzen in den verschie-

denen Strophen der Singstimme beschränken sich letztlich auf das Kopfmotiv. Auf einer

abstrakteren Ebene ähneln sich die erste und die fünfte Strophe, da beide melodisch fest in

a-Moll (ab T. 55: A-Dur) angesiedelt sind. Tonal unentschlossener geben sich die Strophen

zwei und vier; die mittlere dritte Strophe ist vor allem in ihrem Vordersatz (T. 23–27) stark

chromatisiert.

Eine prägnante Motivik oder gar eine echte Thematik ist über das genannte Kopfmotiv hin-

aus nicht vorhanden, und das mag angesichts der motivisch wie formal sehr klaren Vorlage

des Sichleins verwundern. Stattdessen konzipiert Jarnach eine Art ‚amorpher Motivik‘,

deren Parameter schon anhand des Klaviersatzes erläutert wurden und die vermutlich auch

als ‚einheitliche Materialbeschaffenheit‘ beschrieben werden könnten.

Was den Gesangspart angeht, so ist diese Einheitlichkeit ebenfalls an der rhythmischen

Konzeption abzulesen. Unter Ausschluss von Sechzehntelnoten und punktierten Achteln211

verwendet Jarnach ein recht übersichtliches Repertoire mit einem einzigen prägnanten

rhythmischen Motiv. Es sind die auch im sogenannten ‚Kopfmotiv‘ enthaltenen drei Ach-

telnoten, welche in zwei verschiedenen Arten auftaktig angelegt sind:

als Dreiachtelauftakt in T. 3, 5, 13, 23, 26, 36, 45, 50 und 55;•

als einfacher Achtelauftakt mit zwei folgenden Achteln in T. 6/7 und 18/19;•212

im 4/4-Takt 28.•

Die jeweils drei auftaktigen Quartolenviertel in T. 9 und 30 sind eine Ableitung•

des Dreiachtelmotivs.

In den Strophen zwei und fünf findet sich eine größere rhythmische Wiederholung: Ihre je-

weiligen Eingangsverse der Strophen sind identisch, und auch die darauf folgenden Zeilen

ähneln sich sehr. In der Vertonung übernimmt der Rhythmus der Singstimme die Aufgabe

der Verklammerung: Mit Ausnahme von T. 14 und 51 sind die Takte 12–16 und 49–53

gleich rhythmisiert. Interessanterweise stimmen die rhythmischen Korrespondenzen oft

nicht mit den diastematischen überein.

Es gibt im Sichlein einige weitere motivische Beziehungen, die aber meist weniger zum

Formempfinden beitragen als die oben genannten:

Die ‚Langsam‘-Passagen am Ende der ersten und der dritten Strophe (T. 9–11 und•

28–31) sind auf Äußerungen persönlichen Leids komponiert: Zunächst ist es die in-

direkt wiedergegebene Klage des Mägdleins, „sie hätt‘ ihr Lieb verlorn“, später die

211 Die Ausnahmen sind T. 14.1 und 56.1.

212 Mit identischer Fortsetzung aus punktierter Viertel plus Achtel in T. 7 und 19.

104

Aussage des lyrischen Ich von Alleinsein und Herzweh. Die erste ‚Langsam‘-Phase

ist darüber hinaus als (durch Tempoänderung und Notenwerte) doppelt augmentier-

te Version der Takte 7 (mit Auftakt) und 8 zu begreifen; in der späteren Stelle ist

die rhythmische Augmentation nur einfach ausgeführt, weil komplett innerhalb der

‚Langsam‘-Passage angesiedelt.213 Schließlich sei das Verhältnis der Diastematik

9–11 und 30ff. (Singstimme) als ungefähre Umkehrung beschrieben:

In T. 55f. findet ein motivischer Rückbezug auf T. 20f. statt, wenn die Oberstimme•

des Klaviers um eine kleine Sexte nach oben transponiert noch einmal erscheint. Ihr

Erkennungsmerkmal sind die von der vorherrschenden Sekund-Pendelbewegung

abweichenden großen Intervallsprünge. In beiden Versionen stimmen linke Hand

und Spielanweisung überein, und die harmonischen Verhältnisse sind von seltener

Klarheit (T. 20f.: Des-Dur; T. 55: A-Dur). Die Singstimme ist von diesen Überein-

stimungen nicht betroffen. Sorglosigkeit in der Liebe mag die inhaltliche Klammer

um beide Stellen sein.

Takt 15f. und 52f. sind sich in textlicher und musikalischer Hinsicht sehr ähnlich.•

Die Worte „ich acht nicht, wie es geht“ und „ich weiß nicht, wie mir wird“ sind in

der Singstimme rhythmisch identisch; seitens der Diastematik existiert eine Über-

Kreuz-Beziehung zwischen T. 15 und 53 sowie 16 und 52 (hier noch im Umkeh-

rungsverhältnis):

213 Vergleiche Takte 28–29 und 30–33.

105

Die Takte 16 und 53 teilen sich neben dem Rhythmus auch denselben Tonvorrat a‘,•

h‘ und c‘‘ in der Singstimme. Mit ganz wenigen Abweichungen liegt beiden Stellen

sogar derselbe Klaviersatz zugrunde: In T. 15 und 52 ist es der schillernde Wechsel

zwischen B-Dur und A-Dur, in T. 16 und 53 ein Kontext aus Quartenakkorden. Das

ist ein ziemlich komplexes Beziehungsgeflecht im Dienste des Wort-Ton-Verhält-

nisses.

Eine harmonische Parallele besteht zwischen den Des-Dur-Takten 20f. und T. 45.•

Eine textliche Parallele besteht hingegen nicht: In der ersten Stelle (die oben mit T.

55f. in Beziehung gesetzt wurde) ist von amourösem Übermut die Rede, T. 45 ist

der Klage der Geliebten gewidmet und sowohl dynamisch als auch diastematisch

als Höhepunkt des Sichleins gestaltet. So wenig die beiden Passagen miteinander

gemein haben: Ihre harmonische Anbahnung ist fast identisch. Die drei dem Des-

Dur vorangehenden Takte sind in c-Moll (T. 17 und 42) und einer Kombination aus

f-Moll und Quartenakkorden über g (T. 18f. und 43f.) gefasst.

Die Harmonik (2) des Sichleins ist von einer größeren Variationsbreite, als es den An-

schein hat. Als Anhaltspunkt für die harmonische Komplexität einer jeweiligen Passage

kann hier meistens die Gestaltung der Singstimme dienen. So ist beispielsweise der Vorder-

satz der ersten Strophe gänzlich aus a-Moll heraus entwickelt – Jarnach benutzt dazu den

gebrochenen Dreiklang ebenso wie die abwärts gewandte a-Moll-Skala. Einziger Widerha-

ken der Takte 2–6 ist der melodische Trugschluss auf b‘ in T. 6.1. Der Klaviersatz spiegelt

die tonalen Anlagen des Gesangsparts bis genau zu jenem trugschlüssigen b‘, welches fol-

gerichtig mit einem dissonanten Klang (a-b‘-es‘‘-cis‘‘‘) unterlegt wird.

In den Takten 6–8 bleibt die Gesangsmelodik diatonisch, nimmt aber freitonale Züge an.

Der Klavierpart operiert auf den Hauptzählzeiten von T. 7 mit Quartenakkorden, T. 8 ist

durch die Parallelverschiebung von Quarten gekennzeichnet, wobei eine Interpretation von

Dreiklangsharmonien plausibel bleibt214, andererseits aber ein Typus unvollständiger, sym-

metrischer Quartenakkorde vorgestellt wird:

Mit Ausnahme der zweiten und letzen Achtel im Takt bilden sich fünftönige Quartenakkor-

de, deren jeweils mittlerer Ton fehlt. Der erste dieser Akkorde, bestehend aus den Tönen

g-c‘-e‘-a‘ wäre demnach als Q5e[d] abzukürzen.

Harmonisch festeren Boden bietet dann die folgende ‚Langsam‘-Passage am Ende der

dritten Strophe: Mit F-Dur, e-Moll und a-Moll (welches sich in T. 11.2 nach D-Dur wendet

und damit die harmonische Basis der zweiten Strophe vorwegnimmt) wird in diesen drei

Takten eine Kadenz über Subdominantparallele und Molldominante zur Molltonika ge-

214 Takt 8 zeigt die achtelweise Harmonisierung C6<–G7>–a6>–e7>–F6<–C7<.

106

geben. Eine ähnliche, allerdings mit Umwegen arbeitende Kadenz bietet der zweite

‚Langsam‘-Abschnitt in T. 28–32:

Der Zielklang a-Moll in T. 32.1 wird wieder über die Molldominante e-Moll erreicht, aber

der Weg dorthin ist verschlungener. Das Kadenzgerüst aus d-Moll (T. 28.1) und hypothe-

tischem E-Dur (30.1, die Terz fehlt, wird aber durch das vorgezogene as=gis im Bass von

T. 29.3 klanglich substituiert) wird mit der Kadenz d-moll (T. 28.1), G-Dur (29.1) und

c-Moll (31.1) verschränkt. Dieser noch ganz auf die traditionelle Kadenz aufbauende, sie

aber phantasievoll variierende Strophenschluss ist von klanglich großer Wirkung. Waren

die Schlüsse der Strophen eins und drei in bedächtigem Tempo ausgeführt, verlaufen sie in

den Strophen vier und fünf (46ff. und 57f.) viel rascher. In beiden Fällen sind die schnellen

harmonischen Durchgänge kaum nachzuvollziehen. Ähnliches gilt auch für die Harmonik

der Takte 17 und 36. Neben funktional determinierten Akkordfolgen fügt Jarnach entfernte

Klänge bisweilen hart aneinander215, ohne dass es zu vermittelnden Modulationsvorgängen

kommt. Von diesen Beispielen abgesehen basiert der überwiegende Teil der Wunderhorn-

Vertonung aber auf einem überschaubaren Akkordvorrat, der nur deshalb nicht immer klar

erkennbar ist, weil die im Klavier durchlaufende Achtelbewegung des Öfteren ein kontra-

punktisches Eigenleben entwickelt. Sie trägt wesentlich zur Kolorierung der tonal festeren

Gesangsstimme bei und macht einen großen Reiz der Vertonung aus.

Quartenakkorde sind im Sichlein ein ganz selbstverständlicher Bestandteil der Harmonik,

drücken allerdings immer die Entfernung zum ‚Einfachen‘ und Ungebrochenen aus. Die

auffällig schroffe Moll-Eintrübung vom vorletzten Akkord zum Schlussklang ist eine of-

fenkundige Reverenz an Gustav Mahler, den großen Komponisten der Wunderhorn-Lieder.

215 Zum Beispiel T. 13 auf 14: A-Dur7> neben H-Dur7>; T. 37 auf 38: As-Dur und e-Moll

107

IV.3.1 Zusammenfassung op. 15 Nr. 2

In Jarnachs Zyklus der Fünf Gesänge op. 15 nimmt die Nummer zwei schon aufgrund der

Textvorlage eine Sonderstellung ein. Die schlichte Sprache und die ungebrochen roman-

tische Bilderwelt der Wunderhorn-Sphäre lässt sich nur mühsam in das symbolistisch-

expressionistische Umfeld Rilkes und Georges einpassen. Mit dem Wunden Ritter teilt das

Sichlein die Herkunft aus der Romantik, im Unterschied zum Heine-Gedicht aber kommt

der Wunderhorn-Text ohne ironische Brechung aus. Jarnach unternimmt nichts, um die (ar-

tifizielle) Naivität des Gedichts musikalisch zu kontrapunktieren, ganz im Gegenteil: Hier

gelingt einerseits eine sensible stilistische Anpassung an die Textvorlage, ohne andererseits

die musikalischen Entwicklungen der Zeit völlig zu verleugnen.

Jarnach macht in seiner Vertonung nicht den Versuch, die Thematik von Liebeskummer

und Schicksalsergebenheit zu überhöhen – das Formelhafte der Textvorlage wird von sei-

ner Musik nicht beunruhigt, sondern gespiegelt. So ist das Motiv des ‚Rauschens‘ (des Vor-

bei-Rauschens) zum zentralen Stimulans der Vertonung geworden, deutlich wahrnehmbar

in der gleichförmig fließenden, niemals aufbrausenden Klavierbegleitung. Dieses vor allem

liebenswert wirkende Lied kann dennoch mit vielen kleinen Überraschungen aufwarten.

Die Proportionen der einzelnen Strophen sind bei aller periodischen Anmutung durchweg

unregelmäßig. In der Harmonik vertraut Jarnach neben den traditionellen funktionalen Be-

zügen auch auf ungewöhnliche ad hoc-Kombinationen von Akkorden; starke Dissonanzen

werden allerdings vermieden. – Das Verfahren, eher traditionelle harmonische Modelle zu

modifizieren, anzureichern und zu verdichten (anstatt sie zugunsten neuer Entwicklungen

aufzugeben), wird in Jarnachs Kompositionen der zwanziger Jahre eine interessante Ent-

wicklung vollziehen.

Wiewohl deutlich die Strophen abgrenzend, komponiert Jarnach eine weitgehend wieder-

holungslose Melodik, die nur zu Beginn der fünften Strophe eine kleine Reprisenwirkung

aufweist. Der gegenteilige Eindruck, es mit einer durchaus redundanten (und in dieser

Hinsicht sehr liedhaften) Form zu tun zu haben, kann sich lediglich auf das Kopfmotiv der

Strophenanfänge und einige rhythmische Korrespondenzen stützen. Eine solche Auftren-

nung der melodischen Teilparameter Diastematik und Rhythmik findet eine intensivierende

Fortsetzung in der Rückkehr, ist aber danach nur äußerst selten bei Jarnach anzutreffen und

nicht Teil größerer Entwicklungslinien.

Als so dezent wie subtil ist das Wort-Ton-Verhältnis anzusehen: Es sind die kleinen Aus-

schläge, welche Text und Musik dieses Wunderhorn-Gedichtes kennzeichnen.

108

IV.4 Analyse Rückkehr (George)

Abgeschlossen im Juli 1921; Widmung: „An Ihre Königliche Hoheit die Infantin Beatriz von Spanien“; Ur-

aufführung vermutlich am 28. November 1921 in privatem Rahmen.216

Länge 58 Takte. Keine Vorzeichen; Lied endet in C-Dur. Zunächst 2/2-Takt, gleichmäßig zunehmende Wech-

sel in andere Taktmaße (3/2, 2/4, 3/4 und 4/4). Tempoangabe ‚Mäßig bewegt‘ (Halbe = 52), im weiteren Ver-

lauf häufige, meist geringfügige Tempowechsel.

Ich fahre heim auf reichem kahne·

Das ziel erwacht im abendrot·

Vom maste weht die weisse fahne·

Wir übereilen manches boot.

Die alten ufer und gebäude

Die alten glocken neu mir sind·

Mit der verheissung neuer freude

Bereden mich die winde lind.

Da taucht aus grünen wogenkämmen

Ein wort· ein rosenes gesicht:

Du wohntest lang bei fremden stämmen·

Doch unsre liebe starb dir nicht.

Du fuhrest aus im morgengrauen

Und als ob einen tag nur fern

Begrüssen dich die wellenfrauen

Die ufer und der erste stern.

Aus dem Jahr der Seele, (II. Teil: Überschriften und

Widmungen im Unterkapitel Erinnerung an einige

Abende innerer Geselligkeit). Das Jahr der Seele

erschien zuerst 1897 im ‚Verlag der Blätter für die

Kunst‘.

„Vorgestern machte ich ein Lied fertig. Schelten Sie nicht: es ist das erste seit zwei,

das dritte seit vier Jahren.“ (Brief Jarnachs an Busoni vom 22. 7. 1921 [JB 127], auf

das Lied Rückkehr nach George Bezug nehmend)217

Die Selbststilisierung, seine künstlerische Unbescheidenheit und die charakterliche Hy-

pertrophie – es ist zu bezweifeln, dass Jarnach diese persönlichen Eigenschaften Stefan

Georges besonders gemocht hätte. Als Dichter schätzte er ihn allerdings, in seiner „ab-

soluten Wahrhaftigkeit sich selbst und der Welt gegenüber“ stellte Jarnach George an die

Seite Schönbergs, Rodins und Busonis.218 Sicherlich bekannte er sich zur l‘art pour l‘art-

216 Vergleiche Weiss, S. 417.

217 Busoni hegte eine Abneigung gegen die Gattung Kunstlied und hatte dies Jarnach, dessen frühes Œuvre hauptsäch-

lich aus Liedern bestand, auch wissen lassen. Ähnlich erging es übrigens Alban Berg, dessen Lehrer Schönberg ihm zeit-

weise das Liederkomponieren verbot.

218 Philipp Jarnach: Kleine Rede auf Arnold Schönberg. In: JS, S. 109.

109

Konzeption Georges und dessen unbedingtem Ästhetizismus. Die Eigentümlichkeiten des

George-Kreises, so er von diesem gehört hatte, könnte ihn durchaus an die menschlichen

Konstellationen der Busonischen Meisterklasse erinnert haben. Schließlich befindet sich

die von Jarnach immer wieder beschworene Verantwortlichkeit des Künstlers im Umgang

mit universalen Gesetzmäßigkeiten zumindest in der Nachbarschaft zum George-Wort „mit

ernst und heiligkeit der kunst nahen“.

Wie die meisten Gedichte aus den Erinnerungen an einige Abende innerer Geselligkeit

handelt auch die Rückkehr vom Motiv der Verwandlung, welches so anziehend auf die

Künstler des Fin-de-siècle gewirkt hat. Äußerlich manifestiert im Übergangscharakter der

Abenddämmerung, geht es um die Rückkehr in die Heimat nach langem, „reichem“ Leben,

es geht um den Lebens-Abend, um Ertrag und Ernte. Dabei spielt sicherlich auch ein Rück-

zug von der Welt eine Rolle; einer Welt, deren Realität es nun im Zuge einer inneren Vision

neu zu erschaffen gilt.

Das Wasser ist hier Leben tragendes Element, ein Strom, dessen Wellen den Reisenden

letztlich wieder nach Hause tragen. Beredtes Zeichen einer solchen zyklischen Bewegung

ist der semantische Chiasmus, welcher darin liegt, in der ersten Strophe von der Heimkehr,

in der letzten Strophe von der einstigen Ausfahrt zu erzählen. Je mehr der Himmel sich am

Abend verdunkelt, umso heller erstrahlt der Stern – das irdische Leben wird aufgegeben

zugunsten eines geistigen, das im Stern, dem eigentlichen Ziel der Reise, symbolisiert ist.

Das Thema der Rückkehr ist die Transformation in die Transzendenz. – Das Gedicht um-

fasst vier Strophen mit jeweils vier Versen. Die Verse sind als vierhebige Jamben gestaltet;

es herrscht der Kreuzreim mit alternierend weiblichen und männlichen Endungen.

Im Vergleich zum Lied vom Meer und dem Sichlein wirkt das Notenbild der George-Ver-

tonung komplexer. Die Anlage der Singstimme ist diastematisch flexibel, beinahe unruhig

sprunghaft. Zahlreiche Akzidenzien zeugen von rasch wechselnden harmonischen Feldern,

und bereits die ersten Takte zeigen eine unregelmäßige Phrasenbildung. Der Klaviersatz

zeigt nicht mehr das (ab)sichtlich Formelhafte der ersten beiden Gesänge aus op. 15. Von

Beginn an mit großem Ambitus, ist er über weite Strecken aus einer Kombination akkor-

discher und linearer Schreibweise gestaltet, wobei die Stimmführung bei aller Freiheit den

Grundregeln eines klassischen Kontrapunktes zu folgen scheint.219 Auffällig ist die Allge-

genwart von Achtelfiguren, die besonders in der linken Hand oft kleinteilig phrasiert sind.

Die vier Strophenanfänge sind in Jarnachs Vertonung der Rückkehr in den Takten 1, 12,

27 und 44 zu lokalisieren. Dabei sind die Strophen eins bis drei jeweils in der Mitte durch

eine kurze Zäsur (Pause in der Singstimme und/oder Zwischenspiel im Klavier) geteilt,

in Strophe vier ist lediglich der abschließende Vers durch eine kurze Trennung hervor-

gehoben. Mit 11 Takten Umfang ist die erste vertonte Strophe der Rückkehr der kürzeste

Formteil, die 16 Takte der dritten Strophe fallen umso mehr ins Gewicht, als sie durch den

‚Langsam‘-Abschnitt der Takte 39–42 zeitlich gedehnt werden. Das Notenbild – und hier

besonders der Klavierpart – zeigt große Ähnlichkeiten zwischen den Strophen eins, zwei

und vier, während die dritte Strophe in Rhythmik, Melodik und Klaviersatz herausgehoben

ist. Als Resultat zeigt das Lied, so sehr es auch Merkmale einer durchkomponierten Form

trägt, eine AABA-Anlage.

219 Dazu zählen: ein ausgeglichenes Verhältnis von Schritten und Sprüngen; äußerst selten Kombination zweier Sprünge

in gleicher Richtung; steter diastematischer Ausgleich durch Gegenbewegung.

110

Wie im Sichlein, so verzichtet Jarnach auch in der Rückkehr auf explizite Wiederholungen.

Daher ist auch die Reprise zu Beginn der vierten Strophe eher als Wiederaufnahme der ur-

sprünglichen ‚Gangart‘ denn als motivischer oder gar thematischer Rückgriff aufzufassen.

Analog zur Wunderhorn-Vertonung tragen auch in der Rückkehr lediglich rhythmische

Korrespondenzen zu einer gewissen musikalischen Vernetzung bei. Und es ist erstaunlich,

dass Jarnach auf dasselbe rhythmische Motiv aus drei Achteln und einem punktierten

Viertelrhythmus zurückgreift, welches auch schon im zwei Jahre zuvor komponierten Sich-

lein eine zentrale Rolle gespielt hatte.220 Schon der Beginn der Rückkehr bedient sich die-

ses Modells auf verschiedene Weise:

Am sinnfälligsten wird das rhythmische Motiv im Einsatz der Gesangsstimme: Der rhyth-

mische Ablauf ihrer ersten beiden Takte (T. 1–2) besitzt in seiner Geschlossenheit periodi-

sche Qualitäten. Sie sind es, die für die deutliche Reprisenwirkung in T. 44–46 verantwort-

lich zeichnen. Bereits vor dem Einsatz der Singstimme in T. 1 leitet das Klavier mit einem

Dreiachtelauftakt ein, der in der Oberstimme von drei punktierten Zellen gefolgt wird. In T.

1.1, 1.2 und 2.1 erklingen mit der Übereinanderlagerung des punktierten Rhythmus‘ in der

rechten Hand und der Dreiachtelgruppe in der linken Hand des Klaviers sogleich simultane

Varianten – eine Konstellation, die sich übrigens in der Mehrzahl der Takte (eine Ausnah-

me bildet wiederum die dritte Strophe) aufspüren lässt. Weitere Varianten des rhythmi-

schen Motivs finden sich in der Rückkehr vor allem im Gesangspart:

T.9–10:Dreiachtelfigu , gefolgt von geraden Vierteln, dann Viertelpunktierung;

T.18–20:Dreiachtelauftakt, Viertelpunktierung, gerade Viertel;

T.21–22:Variante aus punktierter Viertel und folgenden drei Achteln. Impulsfolge identisch

mit T. 3 aus dem Sichlein op. 15/2;

T.38–40:Dreiachtelauftakt, Viertelpunktierung, Achtel;

T.41:Motivfragment aus Dreiachtelgruppe und zwei Vierteln;

T.44–46:‚Reprise‘ mit vollständigem rhythmischem Motiv aus T. 2–3. Einsatz um einen hal-

ben Takt verschoben;

220 Vgl. dort T. 6.3–7 und 17.3–18; sehr viel häufiger ist im Sichlein der quasi umgestellte Rhythmus aus punktierter

Viertel und drei folgenden Achteln zu finden (dort T. 3, 5, 13, 26 etc.).

111

T.46–48:Achtelauftakt, folgende zwei Achtel und synkopisch platzierte Punktierung im 3/4-

Metrum; dieser Rhythmus findet sich auch in T. 6–7 sowie 17–18 des Sichleins (Ge-

sangsstimme);

T.49–51:vollständige Version wie in T. 2–3, metrisch wie T. 46ff. einsetzend.

Auch die Dreiviertelauftakte in der Singstimme von T. 3, 12 und 15 gehören in dieses Mo-

tivfeld. So signifikant die Vorliebe Jarnachs für Dreiachtel- und Dreiviertelauftakte in der

Rückkehr sein mag: Das rhythmische Motiv steht zu keiner Zeit in einer Beziehung zum

Text.

Neben einer gewissen rhythmischen Einheitlichkeit lassen sich in den Strophen eins, zwei

und vier der Rückkehr auch redundante melodische Figuren ausmachen. Es handelt sich im

Kern um typische diastematische Umrissformen, die wiederum eher für eine ‚Gangart‘ ver-

antwortlich zeichnen, als dass von ‚Motiven‘ gesprochen werden sollte. Beispielhaft sind

bereits die ersten beiden Takte der Gesangsstimme: Auf die Dreiachtelgruppe folgen hier

drei Sekundschritte, die abwechselnd abwärts und aufwärts gerichtet sind. Leicht gegenein-

ander versetzt, ergeben sie jene unruhige Diastematik, wie sie typisch ist für die Rückkehr,

und die etwa der großzügigen Bogenbildung in der ersten Strophe des Sichleins diametral

entgegengesetzt ist:221

In T. 3ff. und 7 sind die Sekundschritte zu einem treppenartigen Verlauf verbunden. Auf-

schlussreich ist die Gegenüberstellung der melodischen Verläufe von T. 1–2 und T. 19–21

(Mitte der zweiten Strophe): Befanden sich zu Beginn die aufwärts zeigenden Sekund-

schritte über den abwärts weisenden, so hat sich das Verhältnis in der 2. Strophe umge-

kehrt:

Diese Version der Sekundverkettung ist nicht neu, sondern schon im Klavier von T. 3–4

(Oberstimme) und in T. 9–10 (Singstimme) zu beobachten. Große Ähnlichkeiten gibt es

zwischen dem Umriss der oben abgebildeten Variante aus T. 19–20 und demjenigen des

Beginns der vierten Strophe (Gesangsstimme T. 44–46).

221 Dagegen besteht eine durchaus enge Verwandtschaft mit der Melodik, wie sie in der zweiten Strophe des Sichleins zu

finden ist.

112

Allen drei genannten Passagen (T. 3f., 18ff., 44ff.) gemein ist zudem die ausschließliche

Verwendung von Halbtonschritten – dies ist eine Schärfung des Profils, von dem auch die

Takte 48f. und 51f. des Klaviers profitieren. Wie schon zuvor bemerkt, bildet die dritte

Strophe auch in diesem Zusammenhang eine Ausnahme: Ihre Gesangslinie weist viel mehr

bogenförmige Verläufe auf. Sekundschritte kennzeichnen schließlich zahlreiche ihrer Phra-

senschlüsse, so in T. 2, 5, 8, 10, 16–17, 20, 22–23, 40, 46, 48 und 51.

Die Rückkehr beinhaltet ein einziges rhythmisch und gleichzeitig diastematisch determi-

niertes ‚echtes‘ Motiv, das allerdings im Formgefüge des Lieds kaum mehr als eine Inter-

punktion darstellt. Es handelt sich um eine stets punktiert vorgetragene Wechselakkordik,

die bei ihrem ersten Erscheinen in T. 10 die Akkordfolge a–g7>–a aufweist:

Das sich ‚zusammenziehende‘ Quintintervall in der rechten Hand des Klaviers, vor al-

lem aber die halbtönige Wechselnote in der Singstimme erinnern deutlich an den Beginn

von Gustav Mahlers Um Mitternacht, eines der fünf Rückert-Lieder, komponiert im Jahr

1901.222

In Takt 10 und 11 gestaltet das Wechsel-

akkord-Motiv ein Zwischenspiel von der

ersten zur zweiten Strophe; der Basslauf im

Klavier vertont dabei sinnfällig das ‚Überei-

len‘ anderer Boote. Anders ist die Funktion

des Motivs in T. 17/18 einzuschätzen, denn

nun ist es mitten in der zweiten Strophe plat-

ziert. Hier und in allen folgenden Versionen

verfestigt sich die Harmonik zu einem Mu-

ster, welches aus einem Molldreiklang (mit

Sixte-ajoutée in T. 17, 35ff. und 56f.) und

einem benachbarten Dreiklang besteht. Das

g56<–f–g56< von T. 17 mag mit seinem punk-

tierten Rhythmus ebenso in Beziehung zu

den „Glocken“ (T. 16) gesetzt werden wie die

nicht mehr auf Skalen basierende Bassfüh-

rung im Klavier.

Wie heikel diese Zuordnungen auf der Ebene des Wort-Ton-Verhältnisses sind, zeigt ein

weiteres Klavier-Zwischenspiel in T. 23–27, dessen erste zwei Takte stark an das Zwi-

schenspiel von T. 10f. angelehnt sind – allerdings ohne dessen textliche Implikationen

(Harmonik T. 23: d–Es–d). Wieder im Stropheninneren befindet sich das Motiv in T. 35

(as56<–ges–as56<); der Achtellauf in der linken Hand des Klaviers ist hier zu Triolen be-

schleunigt (sind es die „grünen Wogenkämme“ aus T. 29f.?). Schließlich erklingt das Mo-

tiv am Ende der Rückkehr in einer verklärenden Dur-Variante als Vertonung des ‚ersten

Sterns‘ (T. 57f., C56<–G5<7–C56<).

In seinen verschiedenen und unterschiedlich platzierten Varianten erweist sich das Wech-

selakkord-Motiv als multifunktional: Es beschließt die Strophen eins, zwei und vier, unter-

222 Was die Vorlagentexte betrifft, so gibt es keine Ähnlichkeiten zwischen der Rückkehr und Mahlers Um Mitternacht.

113

teilt aber auch die Strophen zwei und drei jeweils in der Mitte, was die prinzipiell schlichte

Strophenform verschleiert und in Richtung eines durchkomponierten Liedes rückt; das

Motiv korrespondiert einigermaßen überzeugend mit den Textbestandteilen „übereilen“,

„Glocken“ und „Stern“, ist aber vielleicht auch bloß der Überträger einer Grundstimmung,

in der das ruhig Schaukelnde einer Rückkehr in heimische Gefilde ausgedrückt ist.

Auf die Sonderrolle der dritten Strophe (T. 27–42) habe ich bereits hingewiesen. Hier

sind fast alle Parameter modifiziert: die Gesangsstimme ist rhythmisch deutlich ruhiger

gestaltet und beschreibt zu Beginn einen großen Melodiebogen; der Klaviersatz ist gewis-

sermaßen ‚umgedreht‘, wenn die Achtelbewegung jetzt der rechten, die Akkordgriffe nun

der linken Hand zugeordnet sind. Das harmonische Tempo ist zurückgenommen, die Ak-

kordfolgen sind von weit größerer Klarheit als im Rest der Rückkehr. Als Beispiel dafür sei

die in T. 25f. harmonisch berückende, aufwärts führende Akkordverschiebung der linken

Hand des Klaviers genannt, welche das in der dritten Strophe thematisierte Auftauchen des

„rosene[n] Gesichts“ vorwegnimmt.

Ohne Parallele in diesem Gesang ist auch der rezitativische Gestus des ‚Langsam‘-Ab-

schnittes von T. 39–42. Hier erstarrt die Klavierbegleitung zu einer blockartigen Akkord-

folge, die sich zu Beginn auf Quint-Quart-Klänge stützt. Diese zweite Hälfte der dritten

Strophe ist der Beginn der wörtlichen Rede („Du wohntest lang bei fremden Stämmen,

doch unsre Liebe starb dir nicht.“), und Jarnach hebt sie mit allen Mitteln aus ihrem Um-

feld hervor. Darüber hinaus genießt das Rezitativ, sei es wie hier originär vokal oder in-

strumental angelegt, bei Jarnach einen besonderen Status: In der Sonatine für Flöte und

Klavier op. 12 bildet das Flötenrezitativ noch einen architektonischen Grundpfeiler, in den

späteren Kompositionen entwickelt es sich zu einem eigenen Formteil, in dem die Mög-

lichkeit des ‚Heraustretens‘ aus dem musikalischen Fluss genutzt wird.

Die freitonale Harmonik der Rückkehr schließlich ist weit schwerer zu fassen als diejenige

der beiden vorangehenden Gesänge. Jarnach vertraut zwar weiterhin auf eine Dreiklangs-

harmonik, in der charakteristische Dissonanzen wie der Sixte-ajoutée-Mollakkord223 oder

der Dominantseptakkord selbstverständliche Bestandteile sind. Allerdings erfahren letztge-

nannte Akkorde nicht die ‚charakteristische Behandlung‘ in Form einer Auflösung im Sin-

ne der Funktionsharmonik. Die Dreiklangszusätze sind oft nur Farbwerte – Jarnach erweist

sich in dieser Hinsicht als vom französischen Impressionismus geprägt.

Eine durch die funktionale Bezugslosigkeit hervorgerufene harmonische Schwerelosigkeit

will sich in Jarnachs Musik trotz allem nicht einstellen. Das liegt natürlich auch daran, dass

mit den charakteristischen Dissonanzen semantisch aufgeladenes Material vorliegt, wel-

ches (anders als bei Debussy) nicht entschärft ist: Die Akkorde liegen bei Jarnach so gut

wie nie in neutralisierenden Mixtur-Konstellationen vor224; die Melodik ist nicht vorzugs-

weise pentatonisch oder ganztönig, sondern überwiegend diatonisch und nicht selten mit

einer tonaler Konnotation versehen, so etwa in der Singstimme die stabilen a-Moll-Verhält-

nisse von T. 1 und 9f.; Gleiches gilt für das e-Moll von T. 27ff. oder das f-Moll in T. 33ff.

223 Es fällt schwer, diese Akkorde jener Kategorie der ‚Mischklänge‘ aus Jarnachs harmonischer Skizze (siehe Kapitel

I.3.6) zuzuordnen: Die große hinzugefügte Sexte als einziger dreiklangsfremder Ton wirkt kaum verschärfend auf den

Akkordklang.

224 Als einzige Ausnahme in der Rückkehr seien die ersten drei Akkorde der rechten Hand von T. 18 genannt.

114

Die melodischen Schlussklauseln sind in der Rückkehr ganz überwiegend abwärts geführt,

häufig mit einem melodisch fallenden Leitton in der Singstimme (vgl. T. 8, 10, 16–17, 20,

22–33 sowie 46). In keinem einzigen Fall ist der Leitton an einer dominantischen Akkord-

verbindung beteiligt.

Es gibt in den meisten Kompositionen Jarnachs eine stark ausgeprägte lineare Stimmfüh-

rung, deren chromatische Zugwirkung der Richtungslosigkeit einer allein auf Farben abge-

stellten Harmonik entgegenwirkt – die Rückkehr macht in diesem Punkt keine Ausnahme.

Wenn die Horizontale in diesem Gesang die Harmonik nicht unbedingt hervorbringt, so

wird Letztere doch durch die Linie geschärft und in Bezug gesetzt. Als Beispiel für ein

extremes Ergebnis solcher Beeinflussung seien die Takte T. 5–7.2 angeführt – ein mit wag-

nerschen Vorhaltsketten arbeitendes, hochromantisch klingendes Phrasenende:

Die erste Hälfte von T. 5 lässt sich als e-Moll mit Vorhalten und Durchgängen deuten, die

zweite Takthälfte steht im Zeichen von g6<. Takt 6 beginnt mit einem eindeutigen Fis7>9>

mit einem 9-8-7-Durchgang in der rechten Hand. In der zweiten Hälfte von T. 6 erscheint

zwar nicht das über Fis-Dur dominantisch angespielte H-Dur: Als dessen Substitut er-

scheint aber dessen doppelte leittönige Auflösung im es-‘h‘-es‘‘ (T. 6.4225). Das Trugschlüs-

sige dieses Klangs liegt in den beiden Tönen g und G in der linken Hand, die übermäßigen

Dreiklang komplettieren. Dieser Trugschluss verwandelt sich auf der letzten Achtel noch in

einen G7>. Es gibt keinen Zweifel daran, dass der fast durchgängig chromatische Abgang in

der rechten Hand ganz wesentlich zur harmonischen Kommunikation dieser Stelle beiträgt.

Ähnliches gilt für die Folge der tiefsten Töne in T. 6–7 der linken Hand: E-Fis-G liest sich

wie eine klassische Trugschlusskadenz nach dem Muster s-D-tG – und das Ohr ist durch-

aus nicht abgeneigt, den g6< aus der zweiten Hälfte von T. 5 als e5>7> zu aufzufassen. Ähn-

lich gestaltete harmonische Verläufe (Chromatik, Dominantklänge und Trugschluss) sind

noch in T. 22f., 42f. und 50f. zu beobachten.

Neben diesen virtuos gehandhabten wie harmonisch konventionellen Kadenzen nach Wag-

nerschem Vorbild zeigen sich die meisten harmonischen Progressionen in der Rückkehr

ganz anders geartet. Die meisten Dreiklangsharmonien stehen ziemlich unvermittelt neben-

einander, viele blitzen in den zahlreichen Durchgängen nur kurz auf. Daneben gibt es auch

225 Der Leitton ais‘ im Alt von T. 6.1 geht in T. 6.3 in h‘ über, die Septime e aus T. 6.2 löst sich regelgerecht (aber eben

‘falsch‘ notiert) nach es auf.

115

besonders schnelle Akkordwechsel im homophonen Satz, so etwa in T. 19 (Ges56<–a5

6<–

As+as–D+d) oder T. 25f. (B–fis5

6<–G7>

9> / es–C–Fis7>9<).

Als klangliche Alternative zu terzenbasierten Akkorden verwendet Jarnach auch in der

Rückkehr vereinzelt Quartenakkorde.226 Anders als beispielsweise in der Sturmnacht (op.

15 Nr. 5) und den meisten späteren Werken, in denen die Quartenharmonik blockweise auf-

tritt, sind die Quartenakkorde in der Rückkehr beiläufiger und geschmeidiger integriert.

Schließlich ist da noch die ausgesprochen wirkungsvoll zelebrierte, wiewohl in ihren

Grundzügen völlig konventionelle Schlusskadenz der George-Vertonung. Ein neapolitani-

scher Sextakkord auf der ersten Zählzeit von T. 55 wird durch den chromatischen Durch-

gang im Sopran zum f56< und schließlich zu dem ungewöhnlich Chopin-Akkord G

7>6>:

Es ist dies ein kühl-pathetischer, in seiner ‚kalkulierten Entrückung‘ an Richard Strauss

erinnernder Rahmen für Georges letzte, das Universum in den Blick nehmende Gedichtzei-

le. – Das C-Dur bei Jarnach ist dabei übrigens ein durchaus willkürlicher Schlusspunkt der

Rückkehr.

IV.4.1 Zusammenfassung op. 15 Nr. 3

Jarnach hält in diesem dritten Gesang aus op. 15 an der Strophenform fest und bedient sich

mit der nur leicht verschleierten AABA-Anlage einer bewährten Form. Mit Ausnahme der

in vieler Hinsicht kontrastierenden dritten Strophe sind Gesangsstimme und Klaviersatz

von großer Einheitlichkeit, wenn auch deutlich komplexer und flexibler angelegt als im

Lied vom Meer oder im Sichlein.

Ähnlich hingegen wie in der Wunderhorn-Vertonung sind Wiederholungen überwiegend

abstrakter Natur: Abgesehen vom Wechselakkord-Motiv beschränkt sich Jarnach in der

Rückkehr auf rhythmische Motive und eher ungefähre diastematische Kor-respondenzen.

Dass trotz dieser motivischen Unschärfe in der vierten Strophe eine echte Reprise erkannt

werden kann, spricht für die wahrnehmungspsychologische Kraft dieser Methode. Jarnach

gelingt hier (und in vielen weiteren Kompositionen der zwanziger Jahre) ein interessanter

Gegenentwurf zur Überhöhung der exakten Intervallverhältnisse in der

226 T. 2.1, 14 (1. und 2. Viertel), 20.2, 29 (zweite Achtel), 41.3.

116

zweiten Wiener Schule. Der Gefahr einer klanglichen Abstraktion und Blassheit durch den

fast völligen Verzicht auf griffige musikalische Gestalten sehen sich prinzipiell beide Her-

angehensweisen ausgesetzt. In der Singstimmenmelodik der ersten und letzten Strophe ist

gewissermaßen ein Prototyp jener ‚torkelnden‘ Themengestalten zu sehen, wie sie in den

Zwischenspielen des Wunden Ritters und im ersten Thema der Burlesca op. 17 zur Entfal-

tung kommen.

Die Harmonik der Rückkehr hinterlässt einen zwiespältigen Eindruck. So schwächt das

Fehlen eines harmonischen Zentrums und die nicht funktional wertende Sukzession

komplexer Akkordgebilde das Gefühl von harmonischer Nähe und Entfernung; Charakte-

ristische Dissonanzen haben ihre Verankerung im funktionsharmonischen Gefüge gelöst

und existieren autark. Das Nebeneinander von spätromantischen Kadenzen (sie spielen im

Wunden Ritter eine noch größere, wiewohl parodistisch motivierte Rolle), archaischen

Quint-Quart-Klängen und modernen Quartenakkorden ist nicht durch den Text veranlasst.

Die vertikale Linienführung zeigt nur punktuell die Stringenz der polyphonen Passagen aus

der Flötensonatine op. 12.

Auch wenn diese Art von Wort-Ton-Verhältnis kaum beabsichtigt gewesen sein dürfte: Das

Motiv des ‚Übergangs‘ aus Georges Gedicht spiegelt sich im stilistischen Übergang-

scharakter von Jarnachs Vertonung. Dem Klaviersatz fehlt noch die expressive Originalität

der Sturmnacht op. 15 Nr. 5 oder die spielerische Eleganz des Ballabile op. 17, und der

(noch) fehlende Mut zur emanzipierten Dissonanz führt zu einer unentschiedenen Harmo-

nik.

IV.5 Analyse Der wunde Ritter (Heine)

Abgeschlossen vermutlich im November 1921; Widmung: „An Reinhold von Warlich“; Uraufführung ver-

mutlich am 28. November 1921 in privatem Rahmen.227

Länge 60 Takte; keine Vorzeichnung; Lied endet in c-Moll. 4/4-Takt, gelegentliches Ausweichen in andere

Taktmaße (3/4, 2/4, 3/2). Tempoangabe ‚Gemessen schreitend, gedämpft‘; wenige, die Agogik betreffende

Tempoanweisungen. Keine Widmung.

Ich weiß eine alte Kunde,

Die hallet dumpf und trüb:

Ein Ritter liegt liebeswunde,

Doch treulos ist sein Lieb.

Als treulos muss er verachten

Die eigne Herzliebste sein,

Als schimpflich muss er betrachten

Die eigne Liebespein.

Er möcht in die Schranken reiten

Und rufen die Ritter zum Streit:

Der mag sich zum Kampfe bereiten,

Wer mein Lieb eines Makels zeiht!

227 Vergleiche Weiss, S. 417.

117

Da würden wohl alle schweigen,

Nur nicht sein eigener Schmerz;

Da müßt er die Lanze neigen

Wider‘s eigne klagende Herz.

Heinrich Heine ist einer der meistvertonten Dichter nicht nur der deutschen Sprache, von

dessen Lyrik sich unzählige Komponisten haben inspirieren lassen. Die Zahl der nach Ge-

dichten Heines entstandenen einstimmigen Lieder geht in die Tausende, allein von Du bist

wie eine Blume (Buch der Lieder, Heimkehr XLVII) lassen sich 222 Vertonungen ausma-

chen.

Der wunde Ritter entstammt dem ersten von Heine veröffentlichten Zyklus, schlicht Ge-

dichte benannt. Diese 1822 erschienene Sammlung umfasst Heines frühe Lyrik von 1817

bis 1821 und ist später als das Kapitel ‚Junge Leiden‘ in das Buch der Lieder des Dichters

eingegangen. Wie die berühmten Grenadiere gehört auch Der wunde Ritter der Unterabtei-

lung der ‚Romanzen‘ an.

Was hat so unterschiedliche Komponisten wie Schubert, Mendelssohn Bartholdy, Schu-

mann, Liszt, Brahms, Hugo Wolf, Richard Strauss oder Hans Pfitzner an der Dichtung

Heinrich Heines gereizt? Die Beschäftigung mit Heines Werk war ja keinesfalls ein kurzle-

biges Phänomen, spiegelt sich in den genannten Namen doch die gesamte Epoche der mu-

sikalischen Romantik von den zwanziger Jahren des neunzehnten Jahrhunderts bis über die

vorletzte Jahrhundertwende hinaus. Eine Antwort auf die oben aufgeworfene Frage hätte

sicherlich viele Facetten, deren wichtigste aber ist verblüffend einfach: Es ist der Volkslied-

ton, der sie für eine Vertonung prädestiniert.

Mit dieser Fokussierung ist die thematische Bandbreite der Heine-Vertonungen natürlich

eng umrissen: Die bitterbösen, von Ironie und Sarkasmus gekennzeichneten Gedichte wur-

den sehr selten in Musik gesetzt. Man zog den liebenswürdigen Heine vor – und das gilt

sogar für Hugo Wolf, der über einen ausgesprochen wachen Sinn für Ironie und Parodie

verfügte (man denke an die Mörike-Lieder). Von einer wichtigen Eigenart Heinescher

Dichtung – der ironischen Distanzierung – mochte sich kaum ein Komponist inspirieren

lassen. Es scheint, als habe die auf unmittelbaren Ausdruck fixierte Gattung des (romanti-

schen) Kunstliedes keine Mittel zur Transformation dieser Sprechweise in Musik gefunden.

In den ersten Jahrzehnten des zwanzigsten Jahrhunderts wurde Heine so gut wie nicht mehr

vertont.228 Busoni, Hauer, Schönberg, Webern, Berg, Hindemith, Blacher, Toch, Weill:

Fehlanzeige überall. Alexander von Zemlinsky komponierte 1903 ein Lied auf einen Hei-

ne-Text, Hanns Eisler schrieb die drei Männerchöre nach Heine-Gedichten op. 10 (1926),

und Paul Dessau fand erst in den siebziger Jahren des letzten Jahrhunderts zu fünf Heine-

Liedern. Man muss daraus schließen, dass die meisten Komponisten des zwanzigsten Jahr-

hunderts Heines Lyrik als nicht mehr aussagekräftig genug oder als unzeitgemäß empfan-

den – ein erstaunlicher Befund, wenn gleichzeitig durchaus noch Wunderhorn-Texte oder

die Gedichte Eichendorffs in Musik gesetzt wurden.

228 Die Vier Lieder nach Heine op. 4 von Hans Pfitzner datieren von 1888/89.

118

In dem früh entstandenen Wunden Ritter findet sich die für Heine lebenslang virulente

Thematik von enttäuschter Liebe voll ausgeprägt. Der Gefahr der Sentimentalität begegnet

Heine hier durch die einleitende Deklaration des Textes als „alte Kunde“, und in den Stro-

phen drei und vier ist die humoristische Brechung der Thematik nicht zu überhören. Eine

solche Mehrschichtigkeit des Aussagemodus‘ erschwert die musikalische Umsetzung.

Der wunde Ritter ist aus dreihebigen Versen gebaut. Die Zahl der aufeinanderfolgenden

Senkungen variiert, und die Silbenzahl pro Vers schwankt zwischen sechs und acht. Weil

auch der Auftakt uneinheitlich mal ein-, mal zweisilbig ist und die Verse abwechselnd klin-

gend und stumpf enden, kann von einer typischen Volksliedstrophe gesprochen werden.

Was mochte Jarnach an dem Wunden Ritter gereizt haben? In keinem anderen der Fünf Ge-

sänge op. 15 ist ein vergleichbar dichtes und raffiniertes Wort-Ton-Verhältnis spürbar – und

das gilt im Besonderen für die sehr heikle Umsetzung des Humors und der Ironie in Musik.

Diese Analyse soll vor allem diesem Moment der Vertonung Rechnung tragen.

Eine anderer Grund für die Wahl des Heine-Gedichts könnte formaler Natur gewesen sein,

wie bei der Betrachtung der Gesamtanlage von op. 15 offenbar wird: In diesem Zyklus ste-

hen den drei Vertonungen zeitgenössischer Lyrik (Nr. 1, 3 und 5; Rilke – George – Rilke)

zwei Lieder nach im weiten Sinn ‚romantischen‘ Vorlagen (Nr. 2 und 4) gegenüber. Die

Symmetrie der Epochen ist gleichzeitig auch eine inhaltliche. Sowohl im Sichlein als auch

im Wunden Ritter ist von unglücklicher Liebe die Rede; die den Zyklus rahmenden Rilke-

Gedichte sind bildgewaltige Naturschilderungen (Schwierig erscheint mir die Kategorisie-

rung der Rückkehr Georges). Für die Annahme, Jarnach habe mit der Entscheidung für das

Heine-Gedicht auch den formalen Ansprüchen eines Liederzyklus’ folgen wollen, spricht,

dass die Autographe von op. 15 just ab Nummer vier den Titel Fünf Lieder tragen.229 Zuvor

hatte Jarnach offenkundig nicht an eine zyklische Sammlung der zum Teil von 1918 datie-

renden Lieder gedacht.

Jarnachs Vertonung des Wunden Ritters ist so konventionell gebaut wie die vorangegange-

nen Gesänge aus op. 15. Die Proportionen orientieren sich an der Volksliedstrophe Heines

und sind ziemlich regelmäßig: Jeder Vers wird mit etwa zwei Takten Musik bedacht (Aus-

nahmen betreffen die Verse zwei und vier der dritten Strophe, die auf jeweils drei Takte

erweitert wurden). Analog zur Textvorlage beginnen alle Phrasen der Singstimme auftak-

tig. Während in den Strophen eins, drei und vier230 die Auftakte fast ausnahmslos jeweils

eine Viertel betragen, weicht Jarnach in der zweiten Strophe davon ab und entwirft andere

Auftaktfiguren.231

Die Strophenlängen liegen bei 8, 8, 10 und wieder 8 Takten; hinzu kommen ein siebentak-

tiges Klaviervorspiel, ein achttaktiges Nachspiel sowie die Zwischenspiele des Klaviers in

T. 12–13 (innerhalb der ersten Strophe), 25–27 (zwischen zweiter und dritter Strophe) und

37–44 (zwischen dritter und vierter Strophe).

Wie in den vorangegangenen Liedern bietet auch im Wunden Ritter die Einleitung einen

umfassenden Eindruck des Klaviersatzes. Er besteht hier aus einem oktavierten ‚Walking-

229 Weiss, S. 202ff.

230 Der Einsatz in T. 51 ist, bedingt durch die Verkürzung von T. 48, auf die zweite Zählzeit gerutscht. Den zweisilbigen

Auftakt zur letzten Gedichtzeile vertont Jarnach mit zwei Achteln.

231 Die Auftakte der zweiten Strophe: T. 18 (Achtel plus zwei Viertel), 19 (Achtel), 21 (Achtel) und 23 (drei Achtel).

119

bass‘ im Viertelrhythmus, über welchem sich die rechte Hand in einer Kombination aus

Achtelpunktierungen, Vierteln und längeren Haltenoten bewegt. In regelmäßigen Abstän-

den, vornehmlich in den Soli des Klaviers, verbinden sich die Oberstimmen zu einer kon-

trapunktisch ausgetüftelten Zweistimmigkeit.232

Eine Ausnahme von diesem schlanken und durchsichtigen Klaviersatz macht Strophe

Nummer drei: hier komponiert Jarnach einen massiven Akkordsatz.

Die Gestaltung des Gesangsparts ist überwiegend freitonal – auch wenn gerade der

Einstieg in T. 7ff. fest in c-Moll verwurzelt scheint. Jarnach nimmt die einfache Stro

op. 15/4: T. 1–4 (Klaviersatz)

phenstruktur der Vorlage wie in der Rück-

kehr nicht einfach auf: Bis auf eine auch

den Klaviersatz umfassende Reprise zu

Beginn der vierten Strophe (T. 44ff.) ist

der Wunde Ritter durchkomponiert.

Korrespondenzen zwischen den Anfängen

der ersten und vierten (und damit letzten)

Strophe hatte es schon im Sichlein und in

der Rückkehr gegeben, und auch das Lied vom Meer besitzt eine reprisenartige Rundung.

Unterschiedlich fällt dabei jeweils der Grad (oder die ‚Tiefe‘) der Wiederholung auf:

Im •Lied vom Meer wurde die Textreprise

(„Uraltes Wehn vom Meer“) mit einer wuchtigen Wiederaufnahme der ursprüngli-

chen Klavierbegleitung in h-Moll vertont (T. 15ff.), während die Singstimme neue

Wege ging;

die Reprisenwirkung im •Sichlein konnte sich neben der Wiederholung der Klavier-

begleitung sogar noch auf das identisch wiedergegebene Kopfmotiv der Singstim-

me stützen (T. 49ff.);

eher abstrakt fiel dagegen die Reprise in der •Rückkehr (T. 45ff.) aus: Gesangspart

und Klavierbegleitung leisten lediglich eine ungefähre Wiederholung, der Rhyth-

mus der Singstimme allerdings ist identisch mit demjenigen von T. 2f.

Im Wunden Ritter ist der Reprisenbeginn (T. 44ff.) wieder deutlicher formuliert: Die erste

Phrase der Singstimme ist diastematisch eng an T. 7ff. angelehnt und orientiert lediglich

ihre syllabische Vertonung am geänderten Textrhythmus; der Klaviersatz ist leicht verän-

232 Siehe T. 3–6, 11–13 und vergleichbare Passagen.

120

dert, die Harmonisierung aber stimmt beinahe völlig überein. Viertelweise zeigen T. 8–9

und 45–46 folgende Akkorde: C–g–cis–d7>–G–F [G7>9> in T. 46.2]–c.

Schon diese kleine harmonische Kostprobe zeigt, dass nicht nur der Text syllabisch vertont

wird (dies ist auch in allen anderen Gesängen aus op. 15 der Fall), sondern auch die Har-

monisierung von bemerkenswerter Kleinteiligkeit ist. Mit jedem Viertelschritt des Bassfun-

daments geht ein Akkordwechsel vonstatten, und es ist kaum übertrieben zu behaupten,

dass 90% der mindestens dreitönigen Klänge im Wunden Ritter auf konventioneller Drei-

klangsbildung beruhen. Es muss nicht betont werden, dass funktionale Beziehungen die

Ausnahme sind und Jarnach wie in den vorangegangenen Gesängen aus op. 15 entferntere

Harmonien unvermittelt aufeinanderfolgen lässt. Quartenakkorde sind dabei übrigens wie

in der Rückkehr sehr selten anzutreffen.233

Auch in der Kategorie der Themen und Motive setzt der wunde Ritter die Tradition der

früheren Gesänge aus op. 15 fort: Ein die Strophen übergreifendes und vereinheitlichendes

Thema existiert nicht; die Gesangsstimme ist weitgehend durchkomponiert, während der

Klaviersatz eine Art materieller und charakterlicher Konstanz wahrt, die hauptsächlich für

das Zusammenhangsempfinden bürgt.

Was den Strophenvertonungen selbst versagt bleibt, gesteht Jarnach wie in der Rückkehr

den Klavier-Zwischenspielen zu: Es gibt im Wunden Ritter ein einziges Motiv größerer

Ausdehnung, welches in Zwischenspielen als ‚Klammer‘ eingesetzt wird.234 Im Wunden

Ritter besitzt dieses Motiv in seinen Anlagen (nicht allerdings seiner Verwendung) themati-

sche Qualitäten:

op. 15/4, T. 11–13 (Klavier, rechte Hand)

Deutlich erkennbar ist die strenge lineare Zweistimmigkeit in der rechten Hand des Zwi-

schenspiel-Motivs. Charakteristisch sind außerdem die auftaktige, nach oben ausweichende

Wechselnote des Motivkopfes und der wie so oft bei Jarnach kleinschrittige und abwärts

verlaufende Gang der Viertel in der Oberstimme. Die hohe Lage des Motivs und der Zusatz

‚quasi oboi‘ kontrastiert dabei zu den eben verklungenen Worten „hallet dumpf und trüb“.

Die oben wiedergegebene Fassung des Zwischenspiel-Motivs trennt die erste Strophe in

der Mitte auf235, der Übergang zur zweiten Strophe dagegen vollzieht sich übergangslos

(T. 17/18). In der Mitte der rhythmisch instabilen zweiten Strophe ist das Motiv in einer

um gut die Hälfte verkürzten Fassung wieder da (T. 21): In der Mittelstimme erscheint der

auftaktige Kopfrhythmus; er ist, wie auch die Fortsetzung auf den Zählzeiten 3 und 4, me-

lodisch gegenüber T. 11 in die Umkehrung gebracht.

233 Quartenakkorde finden sich in T. 5.2, 15.4, 25.2, 27.2, und 38.2.

234 Vgl. in der Rückkehr T. 11f., 18f., 24f., 36ff. und 57f.

235 In der Rückkehr wird die dritte Strophe in der Mitte aufgetrennt.

121

In T. 25ff. erscheint eine gegenüber T. 11 um eine kleine Sexte nach oben versetzte Trans-

position des vollständigen Motivs. Satz und (relative) Harmonik bleiben dabei unangeta-

stet. Weitere Auftritte dies Zwischenspiel-Motivs bleiben aus, und damit erreicht das Motiv

bei Weitem nicht die Reichweite, die seinem Pendant in der Rückkehr zugestanden wird –

dort wird sogar der Schluss vom Wechselakkord-Motiv bestritten.

Die Aufgabe einer architektonischen Stabilisierung kann das Zwischenspiel-Motiv im

Wunden Ritter aus oben genannten Gründen nicht leisten. Eine inhaltliche Ähnlichkeit der

jeweils vor dem Motiv liegenden Textpassagen („... die hallet dumpf und trüb:“ / „... die

eigne Herzliebste sein, ...“ / „... die eigne Liebespein.“) besteht nicht, und damit ist das

Motiv auch kein ‚semantischer Marker‘. Meiner Ansicht nach kondensiert im Zwischen-

spiel-Motiv ein das Lied als Ganzes betreffender Stimmungsgehalt, der im Kern parodi-

stisch ist.

Das Zwischenspiel-Motiv ist bei seinem ersten Auftreten in T. 11ff. keine völlig neue Er-

findung. Seine Charakteristika – der punktierte Achtelrhythmus, gelegentliche Sechzehn-

telgruppen, die kontrapunktierende, inventionsartige Zweistimmigkeit in der rechten Hand

– kennzeichnen schon die Klaviereinleitung der Takte 1–7. Zweimal (T. 4.1 und 5.3) findet

sich bereits jene Figur aus punktierter Achtel und vier folgenden Sechzehnteln formuliert,

welche im Zwischenspiel-Motiv gleich auf den Kopfrhythmus folgt (T. 12.1, 21.3, 26.1).

Schon in der Einleitung manifestiert sich also Jarnachs Interpretation des Heine-Textes und

dessen musikalische Umsetzung – und damit kommen wir zum Hauptthema dieser Analy-

se.

Es gibt eine Art des musikalischen Humors, der seinem Ursprung und seiner Wirkung

nach ebenso ungegenständlich ist wie die Musik selbst. Das Parodistische, der Witz

und die Satire haben damit nichts zu tun. […] Man muss demnach unterscheiden zwi-

schen charakterisierendem Humor – als dramatischem Kunstgriff – und Humor als

subjektiver Grundstimmung.236

Bereits der erste Takt des Wunden Ritters liest sich wie eine musikalische Definition des

Begriffs ‚Ironie‘. Die Anweisung „Gemessen schreitend“ wird mit den ersten Tönen des

Liedes, dem unbeholfenen Stolpern as-g nämlich, desavouiert. Arg leichtgewichtig wirkt

auch der Schreit-Rhythmus im Bass durch die Notierung in Sechzehnteln. Völlig ziellos

in diastematischer wie rhythmischer Hinsicht ist das Spiel der sich nach allen Regeln des

Kontrapunkts umeinander windenden Oberstimmen. Kurz vor Erreichen der höchsten Lage

(und des dynamischen Höhepunkts) in der rechten Hand von T. 5 beginnt die Bassstimme

mit einem Passus duriusculus im regelgerechten Quartrahmen (T. 4.4–6.1: des–gis). Jar-

nach lässt in dieser Klaviereinleitung kaum ein Mittel der parodistischen Rhetorik aus.

Mit dem Einsatz der Singstimme in T. 7 tritt der Klaviersatz zurück und entwickelt ein zu-

vor nicht ausgeprägtes harmonisches Profil. Die erste Hälfte der Kopfstrophe („Ich weiß

eine alte Kunde“) steht im 4/4-Metrum, aber schon die zweite Strophenhälfte ist metrisch

entstellt (T. 13ff.). Anders als bei vergleichbaren Passagen komponiert Jarnach hier keine

Taktwechsel, sondern lässt die Gesangsrhythmik ‚neben der Spur‘ laufen.

Die Auflösung der rhythmischen Konsistenz erreicht ihren Höhepunkt in der zweiten Stro-

phe. Hier finden sich unregelmäßige Auftaktfiguren, überwiegend kleine Notenwerte, Syn-

236 Philipp Jarnach: Der Humor der jungen Generation (1924). In: JS, S. 156.

122

kopen und Taktwechsel. Ganz nah am Text orientiert sich das Pesante im Klavier (T. 19 zu

„... muß er verachten ...“) und die mit einem Crescendo kombinierte Anweisung ‚etwas ge-

dehnt‘ auf den Text „... die eigne Herzliebste sein.“ (T. 20). Das ‚Schimpfliche‘ der eigenen

„Liebespein“ spiegelt sich in der Verunsicherung des Gesangsrhythmus‘ in T. 22.

Ein wieder festeres rhythmisches Terrain fundiert den tapferen Vorsatz des Zerknirschten,

gegen jeden Ritter zu tjostieren, der die Makellosigkeit seines Fräuleins anzweifeln sollte

(dritte Strophe, T. 27ff.). Ein markiger Marschrhythmus wird von einem blockartigen Kla-

viersatz begleitet, der den Höhepunkt im Wort „Streit“ (T. 32) und seinem stampfenden

Oktavbass findet. In der zweiten Hälfte der dritten Strophe vollzieht sich ein Stimmungs-

umschwung: Die Großspurigkeit des „Der mag sich zum Kampfe bereiten, ...“ wird in T.

33 noch mit weit ausholenden Akkordfiguren im Klavier übersetzt, der letzte Strophenvers

„Wer mein Lieb eines Makels zeiht!“ gerät ab T. 35 metrisch und rhythmisch gründlich aus

dem Gleis: Taktwechsel, Überbindungen sowie ‚unpassend‘ eingefügte Punktierungsfor-

meln zeichnen hier das Bild eines nach Luft und um Fassung Ringenden.

Als sehr genau kalkuliert präsentiert sich auch die dynamische Disposition dieser Stelle.

Des Ritters Plan („Er möcht in die Schranken reiten ...“) ist noch im Piano, bald sogar im

Pianissimo formuliert (es ist wohl eher ein ‚Müssen‘ als ein ‚Mögen‘). Subito Forte ergeht

dann der Aufruf an die anderen Ritter (Auftakt zu T.

30), nach kurzer Schwäche in T. 30.4 folgt das große

Crescendo bis zum „Streit“ in T. 32. Fortissimo geht

auch noch der erste Teil der Aufforderung zum Kampf

vonstatten (T. 32ff.), die entscheidende Zeile „Wer

mein Lieb eines Makels zeiht“ aber ist mit Mezzoforte

dynamisch nach unten abgesetzt – wer dieses ‚mez-

zoforte‘ mit ‚kleinlaut‘ übersetzte, läge wohl kaum

falsch. Die Verzweiflung des wunden Ritters wallt

danach noch einmal stark auf (T. 37–39), weicht mit

dem darauffolgenden Diminuendo aber einem stilleren

Kummer. Dieser Übergang zur vierten Strophe ist das

längste Zwischenspiel des Wunden Ritters. In seinem Verlauf verschlankt sich der bis T.

37/38 massive Klaviersatz zusehends. Ab T. 39 ist die Diastematik vor allem der Oberstim-

men nur noch abwärts gerichtet. Jarnachs musikalische Inszenierung der dritten Strophe

folgt dem in Heines Text angelegten Umschlagen von echter Tragik in Lächerlichkeit äu-

ßerst genau und feinfühlig.

123

Der Molldreiklang mit hinzugefügter großer Sexte ist nicht selten in der Musik Philipp

Jarnachs; gewöhnlich aber wird die Struktur aus (von unten nach oben:) Tritonus – großer

Terz – Quarte gemieden. Nicht so in der dritten Strophe des Wunden Ritters: Der Tristan-

Akkord findet sich zuerst in T. 29.4 in der Originaltonart237 (aber nicht Notierung) f-h-es-

gis und damit als H5>

6<; die Auflösung nach E-Dur unterbleibt, der Folgeakkord in T. 30.1

ist D-Dur. Ganz ähnliche Konstellationen kennzeichnen die Übergänge von T. 32 nach 33

sowie 33 nach 34: Der Tristanakkord h-f-a-d in T. 32.4 (mithin ein F5>

6<) ‚löst‘ sich statt

nach B-Dur nach Cis-Dur auf, sein Pendant in T. 33.4 (e-ais-d-g / B5>

6<) erreicht statt F-Dur

einen Fis-Dur-Akkord.

Zweimal wird der Tristanakkord allerdings auch seiner bekannten Auflösung überführt:

Der Akkord eis-h-dis-gis (H5>

6<) in T. 35.3 geht in einen E-Dur-Dreiklang mit kleiner Sexte

c‘ über, gleich darauf erklingt mit Cis5>

6< und Fis7> (T. 35.3–37.1) die vielleicht überzeu-

gendste Variante des berühmten Akkords und seiner Auflösung:

Bemerkenswert ist, dass Jarnach in dieser virtuosen Verschränkung zweier Tristanakkord-

Komplexe jene chromatischen Durchgänge, die bei Wagner in den Außenstimmen zu fin-

den sind, hier in die beiden Mittelstimmen verlegt: Die große Terz h-dis‘‘ in T. 35.3 wird

sukzessive chromatisch bis nach cis‘-eis‘ in T. 36.2 verschoben. All dies passiert zu den

Worten „...wer mein Lieb eines Makels zeiht!“. Zwei Tristanakkorde sind noch zu lokali-

sieren. Ein G5>

6< in T. 37.3 löst sich trugschlüssig nach a-Moll auf, der Fis5>

6< in T. 40.1

wird in einen G-Dur-Akkord überführt.

Unerfüllte Liebe ist wohl der kleinste gemeinsame Nenner, auf den sich die Geschichte

von Tristan und Isolde und diejenige von Heines Wundem Ritter bringen lassen. Mit dem

Tristanakkord bedient sich Jarnach eines der stärksten Topoi der Musikgeschichte: Welches

Zeichen eignete sich besser zur Parodie des Pathos‘?

Schließlich ist auch die vierte und letzte Strophe des Wunden Ritters ein seltenes Beispiel

für Jarnachs ungeahntes Talent in Sachen Tragikomik. Das untransponierte BACH-Motiv

zu den Worten „... nur nicht sein eigener Schmerz“ (T. 46.4–48) ist in seiner Bedeutung

schwer zu taxieren, die sich gleich anschließende Illustration des durch die Verkürzung238

von T. 48 zu ‚Unzeit‘ kommenden Schmerzes aber ist ausgesprochen plakativ. Scharf bi-

tonale Einsprengsel (T. 49.1: D-Dur + es-Moll; 49.4: B-Dur7> + ces-Moll) sind mit einem

pochenden b im Bass kombiniert. Der Klaviersatz weist in diesen Takten wiederum über-

wiegend abwärts gerichtete Figuren auf.

237 Es sei wieder darauf hingewiesen, dass Jarnach mit seiner Notation gerne die klanglichen Eigenschaften der Akkorde

zu verschleiern sucht.

238 Die Verkürzung von T. 48 auf 2/4 wird durch die Dehnung von T. 52 auf 3/2 wieder zurückgewonnen. In T. 13ff.

hatte Jarnach die metrischen Verschiebungen noch ohne Taktwechsel bewerkstelligt.

124

Mit der Vertonung der letzten Textzeile („Widers eigne klagende Herz“; T. 52f.) gelingt

Jarnach noch ein satztechnisches Kabinettstück:

Sopran, Tenor und Bass des Klavierparts zeigen streng chromatische Verläufe, ebenso die

Singstimme. Der harmonische Verlauf beginnt mit g-Moll (1. Viertel), der darauffolgende

verminderte Akkord auf a ist als rückwärts bezogene Zwischendominante [D7>9>] deut-

bar. Mit dem Schritt ges‘-f‘ (Sopran) ergibt sich ein F3

7>. Es folgen Fes3 (3.Viertel), as5 6<

(4. Viertel) und G7>6>9> (5. Viertel). Wollte man diese Folge funktional deuten, ergäbe sich

in Es-Dur/es-Moll diese Progression:

 Doppeldominante F7>

 Neapolitaner as6>

 wird zur Mollsubdominante as-Moll56< umgedeutet

 geht nicht über Dominante B-Dur und nicht zur Tonika es-Moll,

sondern weicht in den bereits genannten G7>6>9>-Chopinakkord aus. Dessen stark dominan-

tischer Charakter wird melodisch gebrochen: Das erwartete c‘ der Singstimme wird, ganz

wie am Ende von Hugo Wolfs Mörike-Vertonung Bei einer Trauung (1888), durch einen

chromatischen Nebenton substituiert. Ein Trugschluss, der durch das harmonische Vakuum

in T. 53 zusätzlich pointiert ist. Jarnach vollzieht in den beiden Takten 52–53 eine ironische

Brechung auf der musikalischen Meta-Ebene: Der Ballon einer auf die Spitze getriebenen

Vorhaltschromatik Wagners wird mit dem des‘ in T. 53.1 zum Platzen gebracht.

Auf diesen kompositorischen Höhepunkt des Wunden Ritters folgt nur noch das Klavier-

nachspiel – es gibt sich zunächst als ungefähre Umkehrung der Klaviereinleitung und endet

in c-Moll, der Ausgangstonart des Gesangseinsatzes.

IV.5.1 Zusammenfassung op. 15 Nr. 4

Die Ausnahmestellung des Wunden Ritters liegt nicht in der musikalischen Formung be-

gründet. Jarnach vertraut auf ein Konzept, welches bereits im Sichlein und vor allem in der

Rückkehr zur Anwendung kam: Ein weitgehend einheitlicher Klaviersatz wird mit einer

durchkomponierten Singstimme kombiniert, die zu Beginn der vierten Strophe eine kurze

Reprisenwirkung formuliert. Vor allem in der Vermeidung redundanter Elemente erweist

sich der Wunde Ritter als vollgültiges Mitglied von op. 15. Als einzige profilierte und für

Jarnachs Verhältnisse sehr stabile Gestalt fungiert ein Zwischenspiel-Motiv. Im Fall des

Wunden Ritters ist es durch seine polyphone Gestaltung herausgehoben.

125

Wirklich bemerkenswert ist der vierte Gesang aus op. 15 durch seine musikalische Um-

setzung von Heines tragikomischer Vorlage. Jarnach beweist ein sicheres Gespür für die

herbe, aber nicht mitleidslose Ironie des Wunden Ritters. Seine Vertonung besitzt deutlich

parodistischen Einschlag, hält aber gebührenden Abstand zur Posse. Das Lied ist ein selte-

nes Beispiel für Jarnachs Fähigkeit, Humor in Musik zu überführen. In der oben wiederge-

gebenen Kritik Manfred Paulsens kommt dies bereits zum Ausdruck.239

Den Wunden Ritter unterscheidet von den anderen Gesängen aus op. 15 die Dichte des

Wort-Ton-Verhältnisses. Wo im Lied vom Meer oder im Sichlein lediglich ein allgemeines

und flächiges Stimmungsbild entworfen wurde, sind die Messpunkte hier deutlich engma-

schiger angeordnet. Auf diese Weise werden kleinmaßstäbliche Illustrationen möglich wie

das ‚gemessene Stolpern‘ vom Anfang, die japsende Atemlosigkeit des Kampfaufrufs oder

das anschließende mutlose Zusammensinken des Protagonisten. Mit der BACH-Tonfolge,

dem Passus duriusculus und einer wiederholt in kunstvoll dekonstruierten Tristanmotiven

gipfelnden Wagnerschen Vorhaltschromatik wird auf mächtige Topoi zurückgegriffen.

Jarnach zieht damit im Wunden Ritter eine Reihe von Registern, die nicht zu seinem Stan-

dardrepertoire gehören.

IV.6 Analyse Aus einer Sturmnacht (Rilke)

Abgeschlossen Anfang 1922; Widmung: „An Paul E. Herzfeld“; Zur Uraufführung siehe Weiss, S. 417.

Länge 42 Takte; keine Vorzeichnung; das Lied endet in g-Moll. „Wechselnde Taktart“, überwiegend 3/4 und

4/4, jedoch auch 2/4 und 5/4. Tempoangabe ‚Dumpf und wuchtig, sehr langsam‘, einige die Agogik betref-

fende Tempoanweisungen. Keine Widmung.

Aus einer Sturmnacht

Acht Blätter mit einem Titelblatt

<4>

In solchen Nächten, wie vor vielen Tagen,

fangen die Herzen in den Sarkophagen

vergangener Fürsten wieder an zu gehn;

und so gewaltig drängt ihr Wiederschlagen

gegen die Kapseln, welche widerstehn,

daß sie die goldenen Schalen weitertragen

durch Dunkel und Damaste, die zerfallen.

Schwarz schwankt der Dom mit allen seinen Hallen.

Die Glocken, die sich in die Türme krallen,

hängen wie Vögel, bebend stehn die Türen,

und an den Trägern zittert jedes Glied:

als trügen seinen gründenden Granit

blinde Schildkröten, die sich rühren.

Aus dem Buch der Bilder, zweiter Teil

des zweiten Buchs (1906).

239 Allgemeine Musik-Zeitung 12.5.1922 (49/19, S. 405).

126

Übervoll an Bildern, sprachgewaltig und klangmächtig ist dieser Ausschnitt Aus einer

Sturmnacht von Rainer Maria Rilke. Der Strophenzyklus gehört zum 1906 hinzugefügten

Teil des Buches der Bilder, das in einer ersten Form bereits 1902 erschienen war. Aus einer

Sturmnacht ist untertitelt mit „Acht Blätter und ein Titelblatt“; die von Jarnach als op. 15

Nr. 5 vertonten Verse sind identisch mit dem vierten Blatt.

Der Sturmnacht-Zyklus ist schon in seiner äußeren Anlage unregelmäßig gebaut. Wohl-

weislich auf den Begriff der ‚Strophe‘ verzichtend, schrieb Rilke ‚Blätter‘ von 5, 7, 11, 12,

13 oder 16 Versen, die durch die Eingangsformel „In solchen Nächten“ miteinander ver-

klammert sind, aber über einen jeweils eigenen Motivvorrat verfügen.

Die formale Ungebundenheit dieser Vorlage ist im Rahmen der Fünf Gesänge op. 15 ohne

Parallele. Eine Unterteilung in Strophen fehlt, die Reimfolge [a a b a b a c c c d e e d] gibt

ebenso wenig Orientierung wie die Abfolge der verschiedenen Metren. Immerhin lassen

sich die dreizehn Verse in zwei Abschnitte (1–7 und 8–13) unterteilen, welche äußerlich

durch die Interpunktion (hier der Punkt am Ende von Vers 7), inhaltlich durch die beiden

Motivbereiche ‚Herzen in den Sarkophagen‘ und ‚Dom‘ identifizierbar sind. Ein reimendes

Enjambement verbindet die beiden thematischen Teile des Gedichts (‚zerfallen‘ – ‚Hal-

len‘). Ein solcher, stets mit Überraschungen aufwartender Vers erzwingt geradezu den

Nachvollzug nicht nur aller rhythmischen, sondern auch der inhaltlichen Wendungen. Der

nach Taktzahl zweitkürzeste Gesang aus Jarnachs op. 15 ist gleichzeitig der längste in Hin-

sicht auf seine zeitliche Ausdehnung – dies als Anzeichen dafür, dass Jarnach den Schwie-

rigkeitsgrad und die Massigkeit des Textes als hoch eingeschätzt hat.

Die viel zitierte Musikalität der Rilkeschen Lyrik schlägt in der Sturmnacht immer wieder

in Manierismus um: die hypertrophe sprachliche Stilisierung gibt Alliterationen, Assonan-

zen, Binnenreimen und einer virtuosen Vokalfarbendisposition den Vorrang vor der seman-

tischen Stringenz. Hier gilt es eher Bilder denn Worte zu vertonen.

Bereits auf den ersten Blick offenbart die Musik Jarnachs eine weitgehende Verwandt-

schaft mit dem Text. Ein solch ungewöhnliches Notenbild hat es in op. 15 noch nicht ge-

geben. Der Klaviersatz ist opulent, weit ausgreifend nach allen Registerlagen, dynamisch

sprunghaft und von einiger Komplexität. Der metrischen Uneinheitlichkeit der Rilke-Vor-

lage entgegnet Jarnach mit ständig wechselnden Taktarten240, ihrer rhythmischen Vielfalt

mit einer Spiegelung derselben (das gilt für die Klavier- wie für die Singstimme). Der Weg

zur musikalischen Prosaisierung der Rilke-Vorlage ist, das kann man bereits an dieser Stel-

le erkennen, ein gutes Stück weit beschritten.

Jarnachs Vertonung der Sturmnacht zeigt, dass er aus der formalen Unübersichtlichkeit der

Textvorlage Konsequenzen gezogen hat. So folgen die inhaltlich zusammengehörigen Ver-

se 1–7 sehr dicht aufeinander: Zwischen ihnen ist in der Regel nicht mehr als eine Achtel

‚Luft‘.241

240 Ich zähle in der Sturmnacht 23 Taktwechsel.

241 Es gibt zwei Ausnahmen: Ein kurzes Klavierzwischenspiel in T. 11f. illustriert die ‚schlagenden Herzen‘, und eine

Fermate in T. 19 trennt die letzten Worte von Vers 7 („die zerfallen“) ab.

127

Die oben erwähnte Zweiteilung des Rilke-Textes findet ihren Nachvollzug in einem länge-

ren Klavierzwischenspiel in T. 20–23. Mit dem ereignisreichen T. 23 nimmt Jarnach den

eigentlichen Schluss der Sturmnacht vorweg, denn die Takte 40–42 sind nicht viel anderes

als eine Transposition von T. 20–23. Es ist dies eine originelle und überzeugende Lösung,

weil sie auf die Zweiteilung der Textvorlage reagiert, ohne eine musikalische Reprise anzu-

setzen, wo auch keine textliche ist.

Im zweiten Kursus ab T. 24 gibt es größere Pausen zwischen den einzelnen Versen; mögli-

cherweise wollte sich Jarnach mehr Zeit zur Entfaltung der expressiven musikalischen Ge-

sten lassen. Ein etwas kurioser Höhepunkt erscheint mit einem Zwischenspiel des Klaviers

in T. 34 – sollte damit die inhaltliche Pointe der letzten Gedichtzeile („... blinde Schildkrö-

ten, die sich rühren.“) markiert werden?

Die Singstimme ist insgesamt freitonal gehalten (vergleichbar mit derjenigen der Rück-

kehr) allerdings fallen in der Sturmnacht einige längere Ausschnitte mit tonaler Diastema-

tik auf: Takt 6.2–4 spielen in as-Moll, T. 8–9 in d-Moll; in T. 24–25 befindet sich die Sing-

stimme in der Sphäre b-Moll/B-Dur/F-Dur, in T. 27.3–28.2 erneut in d-Moll; T. 35.4–37

stehen im Zeichen eines cis-Zigeunermoll. In allen Fällen wird die Melodieharmonik

zunächst vom Klavier unterstützt, jedoch schon nach wenigen Zählzeiten verlassen. In T. 8

und 24 stehen der tonalen Singstimmenmelodik Quartenakkorde im Klavier gegenüber.

Neben tonalen Melodiestrecken exponiert Jarnach in der Sturmnacht auch verschiedene

Formen von Skalenausschnitten. Diatonische Skalenfragmente werden ab T. 8.3, 10.2,

16.1, 18 und 35.4ff. angespielt; in 17.1 findet sich ein chromatischer Abgang, in T. 33 eine

unorthodoxe Skala, in der auf jeweils drei Halbtonschritte ein Ganztonschritt folgt. Viel-

leicht sind sie ein Reflex der rollenden Vierundsechzigstelfiguren, wie sie vorwiegend in

den Zwischenspielen des Klaviers auftauchen.

In diastematischer Hinsicht ist die Singstimme wiederholungslos. Anders sieht es beim

Rhythmus aus: hier wird das Modell der einleitenden Takte 5 und 6 noch zweimal wieder-

holt, und zwar in T. 9f. und T. 30f.:

Rhythmusmodell von T. 5ff., T. 9ff., T. 30ff. (Singstimme)

Auch in den Takten 9 und 30 bilden die drei Achtel jeweils eine Auftaktgruppe. Aus wel-

chem Grund die Verse eins, drei und elf solcherart untereinander in Beziehung gesetzt sind,

erschließt sich nicht.

128

Stefan Weiss hat recht, wenn er sagt, es gäbe in der Sturmnacht keinen Moment, der „als

Reprise fassbar“ wäre.242 Schließlich zäumt Jarnach die Gliederung der zwei Abschnitte

auch vom Schluss her auf, indem er nicht Themen oder Motive, sondern die auffällige

Schlusswendung dafür einsetzt. Andererseits gibt es einige interessante Übereinstimmun-

gen zwischen 30ff. und dem Beginn der Sturmnacht:

Die Singstimme in T. 30f. zitiert den Rhythmus, mit welchem sie in T. 5 den Ge-•

sang begonnen hatte.

Die Melodik der Oberstimme im Klavier (T. 30.1–3) ist eine transponierte Variante•

von T. 1–2.1;

die linke Hand kehrt zu jener schnellen Figur zurück, die sie zuletzt in den Takten•

1–6 spielte;

wie in T. 1 sind die ersten beiden Akkorde verminderte Septakkorde – zunächst•

fünftönig, dann viertönig – und der dritte Akkord ein Durdreiklang.

Interessant ist die Zusammenziehung der Klaviereinleitung und des Einsatzes der Sing-

stimme. Gerade diese Synchronizität könnte die Wahrnehmung der Wiederholung als Re-

prise vereiteln.

Der Klaviersatz der Sturmnacht ist prinzipiell homophon. Diese Feststellung hat Konse-

quenzen, denn somit kann sich die Harmonik frei von den Zwängen polyphoner Linien-

führung entfalten. Neben den nach wie vor dominierenden Dreiklangsharmonien fällt im

fünften Gesang aus op. 15 die ausgiebige Verwendung des verminderten Septakkords auf.

Er stellt gleich die ersten zwei Akkorde der rechten Hand im Klavier und ist in den Takten

1 bis 4 stets präsent. Die nächsten Ballungen findet sich bei T. 22.f., T. 30ff. und T. 39f.243

– mit Ausnahme von T. 30 also Passagen, in denen das Klavier allein spielt. Überhaupt ver-

bindet diese Stellen ein gewissermaßen ‚exklusiver‘ Klaviersatz, eine Theater- und Augen-

musik, in dem die rollende Bassstimme mit Akkordblöcken in enger Lage in der rechten

Hand begleitet wird.

Begibt sich das Klavier in die Begleitposition, besteht das Repertoire der Satztechniken

ganz überwiegend aus oktaviert bewegten Bässen mit (zum Teil gebrochenen) Akkorden in

der rechten Hand. Neben verminderten Septakkorden und teils stark alterierten Dreiklangs-

bildungen tauchen immer wieder auch übermäßige Dreiklänge auf. Ein Klang wie derjeni-

ge in T. 4.1 kombiniert einen übermäßigen Dreiklang auf cis mit einem ‚H im Bass – damit

entsteht ein ganztöniger Akkord. Vergleichbare Klänge stehen auch in T. 23.4, 24.4 (beide

Akkorde), 26.4, 30.4 und 41.1.

242 Weiss, S. 210.

243 Ballungen von verminderten Septakkorden: T. 22.1+3; T. 23.2; T. 30.1+2; T. 31.1+2; T. 32.2; T. 39.1; T. 40.1+2.

129

In den Takten 23 und 41 folgt auf den ganztönigen Klang eine scherenartige Auseinander-

bewegung in Vierundsechzigsteln. Eine gezielte Disposition der Ganztonfelder offenbart

dabei T. 41:

Die erste Takthälfte samt den oktavierten Basssprüngen aufwärts entstammt dem Ganzton-

feld auf cis; die darauffolgende, aus zwei übermäßigen Dreiklängen bestehende Auseinan-

derbewegung bildet das komplementäre Ganztonfeld auf c. Jarnachs Arbeit mit Ganzton-

feldern ist alles andere als systematisch, und dennoch scheint die auffällige Scherenfigur in

T. 23.4 und 41.2 absichtsvoll auf ein anderes harmonisches Phänomen in der Sturmnacht

hinzuweisen. Jarnach verwendet in der rechten Hand der Klavierstimme nämlich unge-

wöhnlich viele symmetrische Klänge.244

Den größten Anteil der (meist in der rechten Hand im Klavier erklingenden) symmetri-

schen Klänge stellen natürlich verminderte Dreiklänge245 und übermäßige Akkorde246. Da-

neben gibt es aber auch Tritonusklänge (T. 10.4, 24.2), Quintschichtungen (T.17.2, 28.3)

und originelle Konstellationen wie diese:

Die Experimente mit solchen symmetrischen Klängen scheinen Jarnach in der Sturmnacht

wichtiger gewesen zu sein als diejenigen mit Ganztonfeldern. Immerhin widmet er dem

dynamischen Höhepunkt des Gesangs in T. 34 jenen symmetrischen Akkord, der aus der

Kombination eines c-Moll-Quartsextakkordes mit einem Es-Dur-Akkord in Grundstellung

entsteht (letztes Notenbeispiel, dritter Akkord).

244 Nur eine kleine Anmerkung soll einem harmonischen Phänomen in T. 33 gelten: In der rechten Hand des Klaviers

erklingen auf den ersten vier Hauptzählzeiten alle Akkorde, welche in der Sturmnacht eine hervorgehobene Rolle spielen:

ein Quartenakkord, ein übermäßiger und ein verminderter Akkord, schließlich ein ganztöniger Akkord – in der Reihe der

sie konstituierenden Intervalle Quarte, große Terz, kleine Terz und große Sekunde abgestuft.

245 Verminderte Dreiklänge in symmetrischer Anordnung: T. 1.1+2, 3.2, 4.2, 13.3, 16.1, 22.1+3, 23.2, 30.1+2, 31.1, 32.2,

39.1 sowie 40.1+2.

246 Übermäßige Dreiklänge in symmetrischer Anordnung: 4.1, 9.2, 16.4 (letztes Achtel), 23.4, 24.4 (beide Akkorde),

26.4, 33.2, 39.3 und 41.1.

130

Zur Gruppe der ‚Mischklänge‘ gehören die gleich folgenden Akkorde in T. 34 – ein D6>9>

noch im ersten Viertel, sowie auf der zweiten Taktzählzeit ein G4<6> – und dazu ein schon

früher, und zwar in T. 27.1 zu lokalisierender, beinahe symmetrischer Fis4<

6>:

Ich habe in der vorangegangenen Aufzählung symmetrischer Klänge die Quartenakkorde,

wiewohl prinzipiell dazugehörig, bislang unterschlagen. Zum einen liegen in der Sturm-

nacht nur wenige Quartenakkorde in symmetrischer Form vor (das liegt auch daran, dass

hier in der Regel die Basstöne beteiligt sind)247, zum anderen berührt die Analyse der Quar-

tenakkorde vornehmlich die Kategorie der Motivik. Überraschenderweise wartet die Verto-

nung der formal unübersichtlichen Sturmnacht neben vielen rhythmischen, diastematischen

und harmonischen Parallelen mit zwei starken Quartenakkord-Motiven auf.

Jarnach stellt die Quartenakkorde in der Sturmnacht in zwei verschiedene wirkungsvolle

Inszenierungen. Das erste Szenario besteht aus einem einleitenden Mollakkord, einem

punktiert gespielten Ausschnitt aus der dazugehörigen Molltonleiter im Bass sowie aus ei-

ner Kette von zwei bis zu fünf Quartenakkorden in der rechten Hand des Klaviers. Hier ist

eine Wiedergabe der am weitesten ausformulierten Fassung des Quartenakkord-Motivs

aus T. 20 zu sehen:

Die Lautstärke ist während des Motivverlaufs anschwellend, der Gesamtambitus wächst

durch die sprunghafte Aufwärtsbewegung der rechten Hand. Viermal erscheint das Quar-

tenakkord-Motiv in der Sturmnacht:

247 Quartenakkorde in symmetrischer Anordnung: 13.1 (letzte Triolenachtel), 15.1, 18.2, 26.1 (zweite Achtel), 26.3 (letz-

te Sechzehntel).

131

Takt Ausgangsharmonie Tonleiterausschnitt Quartenakkorde

8:d-Moll d-Moll bis zur 7. Stufe Q3a, Q4a, Q3d

14f.:es-Moll es-Moll bis zur 7. Stufe Q4f, Q3f

20f.:e-Moll e-Moll komplett, (2 Anläufe) Q4h, Q4fis, Q3a, Q4

24:b-Moll b-phrygisch bis zur 7. Stufe Q3f, Q4es

Anders als in der Rückkehr oder im Wunden Ritter handelt es sich bei diesem Motiv nicht

um den Protagonisten der Klavier-Zwischenspiele: Die Quartenakkord-Kaskaden unterlie-

gen bis auf T. 20f. dem Liedtext – ein inhaltlicher Zusammenhang zwischen den Stellen ist

allerdings nicht auszumachen. Es handelt sich hier um ein autark musikalisches Motiv.

Noch expansiver als das Quartenakkord-Motiv und dennoch eng mit ihm verwandt ist ein

anderes Gebilde im Klavier, welches zuerst in T. 13 erscheint. Hier ist der Ausgangspunkt

eine tiefe, durch sforzato markierte Oktave ‚E-E, die von drei doppelt punktiert nachschla-

genden Akkorden gefolgt wird. Der erste jener mit Akzenten versehenen, nachschlagenden

Akkorde ist ein e-h-Quint-Quartklang, die folgenden die Quartenakkorde Q5d und ein Q4e.

Die zugrunde liegenden Worte „und so gewaltig drängt ihr Wiederschlagen“ finden eine

angemessene Vertonung im Nachschlag-Motiv:

Ganz ähnlich die Parallelstelle in T. 26. Der kurze Orgelpunkt liegt hier bei ‚C-C und ist

zusätzlich mit einem c-Moll-Akkord in der rechten Hand angereichert. Auch in dieser Ver-

sion des Nachschlag-Motivs folgt ein Quint-Quart-Klang (c+g), gefolgt von den Quarten-

akkorden Q5b, Q4c und Q4d. Die textliche Entsprechung ist hier das Wort „Glocken“.248

Eine dritte und letzte vergleichbare Stelle bei T. 34 bedient sich offenkundig der rhythmi-

schen Gestalt des Nachschlag-Motivs, muss aber ohne Quartenakkorde auskommen. Der

erste, dem tiefen ‚D-D-d folgende Klang ist eine Kombination aus Es-Dur, c-Moll und

g-Moll – dem ersten polytonalen Akkord der Sturmnacht. Es folgen jetzt keine Quartenak-

korde, sondern ein D-Dur6>9> sowie ein G-Dur4<

6>.

248 Interessant ist aus meiner Sicht die Abfolge der einleitenden Akkorde: Der erste ist ein kompletter c-

Moll-Akkord in Grundstellung; dem zweiten Klang fehlt die Terz es, er ist ein Quint-Quartklang; der dritte

schließlich ist ein reiner Quartenakkord, in diesem Fall fünftönig mit dem Fundament b. Soll hier eine mögli-

che Ableitung des Quartenakkords aus dem traditionellen, aus Terzen gebauten Dreiklang vorgeführt werden?

132

Schließlich erklingt in T. 3, 23 und 40f. ein „harmonisch definiertes Motiv“249 in der

rechten Hand des Klaviers. Es handelt sich um die Aufeinanderfolge eines verminderten

Septakkords, eines Dominantseptakkords und eines dritten Akkords, welcher den erwarte-

ten Tonikagrundton bringt, über Letzterem aber einen übermäßigen Dreiklang aufbaut:250

Bemerkenswert sind die harmonische Stabilität der Akkordfolge in allen genannten Fas-

sungen sowie die Tatsache, dass zwei der drei Akkorde symmetrisch aufgebaut sind. Man

beachte, dass selbst die Dominantseptakkorde in eine quasi-symmetrische Form gebracht

sind (jeweils die letzten Akkorde aus T. 3, 23 und 40).

Dieses (Zwischenspiel-)Motiv hat neben der harmonischen auch eine diastematische Kom-

ponente, die sich in den obersten Tönen der Akkorde manifestiert. In allen Versionen des

aus drei Akkorden bestehenden Motivs ist es die Abfolge von kleiner Terz abwärts und

Quarte aufwärts. In T. 30–32, einer Passage, deren Klaviersatz den oben genannten Stellen

ähnelt, findet sich die melodische Oberfläche des Motivs sequenziert.

Der Vergleich der Oberstimmen all jener Passagen, in denen die rechte Hand des Klaviers

blockartige Akkordfolgen spielt, ergibt weitgehende Parallelen in der Diastematik: Jarnach

arbeitet hier mit wenigen Intervallkonstellationen. Mit diesen drei Motiven ist in der klang-

lich so extrovertierten Sturmnacht immerhin derjenige Gesang aus op. 15 zu erkennen,

welcher die meisten redundanten Elemente aufweist.

IV.6.1 Zusammenfassung op. 15 Nr. 5

Philipp Jarnach hat mit der Sturmnacht eine Musik geschaffen, die Rilkes Vorlage sowohl

auf charakterlicher als auch auf struktureller Ebene eng verwandt ist. Die inhaltliche Zwei-

teilung des Textes wird durch zwei Schlussgruppen reflektiert. Eine das letzte Viertel ein-

leitende, zusammengeschobene Reprise entzieht sich dem hörenden Nachvollzug. Mit dem

expressionistisch-phantasievollen und zukunftweisenden Klaviersatz und der prosaartig

konzipierten Singstimme grenzt Jarnach die letzte Nummer aus op. 15 gegenüber den an-

deren Vertonungen ab –x hier wird deutlich, warum die Bezeichnung ‚Lied‘ unpassend ist,

und warum es Gesang heißen muss.

249 Weiss, S. 210.

250 T. 23: Verminderter Septakkord auf cis – B-Dur-Dominantseptakkord – Übermäßiger Akkord auf es. T. 40f.: Vermin-

derter Septakkord auf b – G-Dur-Dominantseptakkord – Übermäßiger Akkord auf c.

133

Gemessen an der überreichen Metaphorik des Gedichts gibt es in der Vertonung der Sturm-

nacht eine recht überschaubare Zahl musikalischer Gestalten. Die drei größeren Motive

sind sämtlich über die Harmonik charakterisiert. Indes wirken die meisten der durch die

Motive hergestellten musikalischen Entsprechungen eher wie zufällig verteilt; Jarnach

vermeidet die durch Motive erhellte Form und überlässt die Gliederung einer zugkräftigen,

dynamisch und rhythmisch determinierten Dramaturgie. Diese greift gelegentlich auf di-

rekte musikalische Illustrierungen des Textes zurück.

Der Blick auf die Harmonik zeigt ein zumindest im Rahmen von op. 15 einzigartiges Phä-

nomen: Die vertikale Ebene ist fast nirgends aus linearen Fortschreitungen legitimiert,

sondern wesentlich autark. Das klingende Ergebnis stellt sich konventioneller und weniger

dissonant dar als erwartet, denn Jarnach löst sich keinesfalls von der Dreiklangsbildung.

Immerhin sind die meisten Akkorde alteriert, und der starke Einsatz verminderter und

übermäßiger Dreiklänge eliminiert eindeutige funktionale Zugwirkungen. Quartenakkorde

fungieren in der Sturmnacht als Kontrastmittel und verdichten sich zu zwei auffälligen Mo-

tiven. Hervorzuheben sind die Experimente mit symmetrischen Akkorden.

134

STREICHQUARTETT OP. 16

(1923)

V.1. Einleitung

Entstehung 1922–1923; verlegt 1924 bei Schott, Mainz; Widmung: „Seiner Durchlaucht dem Fürsten Max-

Egon zu Fürstenberg in Dankbarkeit gewidmet“ ;Uraufführungsmodalitäten: siehe unten.

Es ist erstaunlich, dass die Entwicklung neuer, ungewöhnlicher Instrumentenkombina-

tionen, wie sie in den beiden ersten Jahrzehnten des zwanzigsten Jahrhunderts stattfand,

keineswegs auf Kosten traditioneller kammermusikalischer Besetzungen geschah. Offen-

bar war sogar das Gegenteil der Fall: Die Paradegattung des Streichquartetts konnte ihre

Stellung in den zwanziger Jahren entscheidend ausbauen und überstand auch die Phase

der ‚Gebrauchsmusik‘ relativ unbeschadet. Dabei lieferten nicht nur die Protagonisten der

Schönbergschule, sondern auch Komponisten wie Janácek, Hába, Hindemith und vor allem

Béla Bartók ganz wesentliche Beiträge.

Der musikgeschichtliche Rang der Bartókschen Streichquartette kann nur mit denjenigen

Schönbergs verglichen werden; beiden Komponisten war ohne Zweifel an einer Fortset-

zung der österreichisch-deutschen Gattungstradition gelegen. Demgegenüber können (und

wollen) die 18 Streichquartette eines Darius Milhaud diesem Anspruch kaum genügen.

Die sehr unterschiedlich gezeichneten Quartette Hindemiths halten in diesem Umfeld eine

mittlere Position, die sowohl von handwerklicher Solidität als auch von provokanter Norm-

übertretung gekennzeichnet ist.

Wenn Stravinsky, Berg und Webern den Titel ‚Streichquartett‘ für ihre faktisch diesem Be-

setzungstyp zugehörigen Werke vermeiden (Concertino, Lyrische Suite oder nur Sätze für

Streichquartett), dann tun sie das auch im Wissen um die vielfältigen stilistischen und for-

malen Implikationen der Gattung.

Philipp Jarnachs Streichquartett op. 16 entstand in den Jahren 1922–23. Am 14. April 1923

fand in Frankfurt/Main die Uraufführung einer ersten Fassung durch das Amar-Quartett251

statt. Eine kurz darauf erfolgende Umarbeitung des ersten Teils ließ nach Aussage des

Komponisten nur dessen erste einhundert Takte unverändert.252 Die Uraufführung der zwei-

ten, endgültigen und schließlich auch gedruckten Version des Quartetts unternahm erneut

das Amar-Quartett am 30. Juli 1923 auf den Donaueschinger Musiktagen.

Wie die zahlreichen Rezensionen bezeugen, fand das Quartett bei der Kritik und in der

musikalischen Öffentlichkeit sehr große Beachtung. In den vor allem 1923 und 1924 er-

schienenen Besprechungen kommt das Werk unterschiedlich gut weg: Die negativen Beur-

teilungen verhinderten allerdings nicht, dass sich in den Jahren bis 1932 die renommierten

Quartettvereinigungen Amar, Havemann sowie Kolischs ‚Wiener Streichquartett‘ Jarnachs

op.16 annahmen.

251 Das Amar-Quartett bestand zu dieser Zeit aus Licco Amar, Walter Kaspar, Paul Hindemith und Maurits Frank.

252 Vgl. Weiss, S. 230.

135

Die im Folgenden wiedergegebenen Besprechungen spiegeln im Großen recht gut das

Rezeptionsprofil Jarnachscher Werke, wie es Weiss umfassend in seiner Monographie dar-

gestellt hat.253 Angesichts des Quartetts op. 16 fällt darüber hinaus auf, wie inhaltlich indif-

ferent die positiven Bewertungen ausfallen. Da ist von „Urgründen der Seele“ (b) die Rede,

von „tiefe[m] Ernst“ (b) und „Einfällen von hoher Schönheit“ (c), es wird die „überlegene

Beherrschung des Handwerks“ (i) ebenso gelobt wie die „prachtvolle Klarheit“ (f).

Wie viel ist aber von dieser „Klarheit“ zu halten, wenn zum Beispiel die Form des ersten

Teils mal als „versteckte Variationenform“ (e), dann als „sonatenmäßiger Grundriss mit

Phantasieelementen“ (f) oder schlicht als ein „Gedankenlabyrinth“ beschrieben wird? Und

so fokussieren die negativen Kritiken fast einmütig auf die formale Anlage des Quartetts

(und hierbei meist auf seinen ersten Teil). Dessen Form wird als unübersichtlich, „dunkel-

sinnig“ (h) und „verwirrend“ (i) beschrieben.

Große Ratlosigkeit in der Formfrage kann auch die Analyse Alexander Jemnitz’ nicht ver-

hehlen. Wiewohl als erster „aus der Lektüre [des Notentextes] hervorgegangene[r]“ Bei-

trag, entbehrt die Besprechung jeglicher eindeutiger Aussagen und begnügt sich mit der

Feststellung, dass das Quartett op. 16 als „künstlerisch-menschliche[s] Endergebnis einer

ganzen Jugendentwicklung“ eine gewisse „Unübersichtlichkeit der Gliederung“ bedinge.

Schließlich ist auch Jarnachs eigene kleine Werkbeschreibung (a) nicht gerade dazu ange-

tan, Licht in das formale Dunkel des Opus 16 zu bringen. Zum einen widerspricht Jarnach

dieser frühen Formbeschreibung in späteren Äußerungen254, zum anderen hält sie den ob-

jektiven Gegebenheiten im ersten Satz einfach nicht stand.

Ich habe mich entschieden, die von Jarnach als ‚Teile‘ benannten Abteilungen von op. 16

als das zu bezeichnen, das sie eigentlich sind: die beiden ‚Sätze‘ des Quartetts. Diese Ter-

minologie soll vor Missverständnissen bewahren, die mit dem weiten Begriffsfeld des auch

anderweitig gebrauchten Terminus ‚Teil‘ unvermeidbar wären. Des Weiteren wird sich die

Analyse (nicht nur des ersten Satzes) auf die Beschreibung der für die formalen Zusam-

menhänge relevanten Phänomene beschränken. Eine sprachliche Wiedergabe aller Details

verbietet sich schon aufgrund des enormen Umfangs des Streichquartetts op. 16.

V.1.1 Zeitgenössische Rezensionen

Wie im Fall der Sonatine für Flöte und Klavier op. 12, so gibt es auch zum Streichquartett

schriftliche Erläuterungen von Seiten des Komponisten. Die beiden Texte Jarnachs liegen

25 Jahre auseinander, widersprechen sich recht deutlich und stellen für die Analyse keinen

geeigneten Ausgangspunkt dar. Ich habe mich daher entschlossen, auf ihren Abdruck zu

verzichten und verweise auf das entsprechende Kapitel III.5.3 bei Weiss.

a) NMZ 44/18 (6. 9. 1923), S. 327; Hugo Holle:

„Den großartigen Abschluss der Aufführungen bildete das Streichquartett op. 16 von

Philipp Jarnach. Hier ist wirklich alles in vollendetem Maße vereinigt, was die geniale

Bedeutung eines Werkes ausmacht: ein tiefes, leidenschaftliches Empfinden, Einfälle

von ausgeprägter Eigenart und hoher Schönheit, rhythmisch vielfältiges Leben […]

253 Weiss, S. 153ff.

254 Siehe dazu Weiss, S. 230f.

136

und ein formales Können, das über alle Zweifel erhaben ist (dies gilt trotz einiger Un-

ebenheiten im 1. Satz). Was aber besonders beglückend an Jarnachs Werk anmutet, ist

die Klarheit und Kultur seiner Sprache, die edle Haltung ihrer Mittel. Ein Werk, aus

reichstem Erlebnis geboren und reichstes Erleben gewährend; es ist – besonders was

den zweiten Satz angeht – von einer Stärke der Eingebung, wie sie nur musikalischen

Glückskindern zuteil wird.“

b) Die Musik 16/1 (Oktober 1923), S. 72; Friedrich Schwabe:

„In Donaueschingen interessierten dieses Mal am meisten Philipp Jarnach und Alois

Hába. Jarnach errang mit einem zweisätzigen Streichquartett die Palme; […] Der erste

Satz entbehrt noch der Geschlossenheit, die darin versteckte Variationenform lässt ihn

zu keiner zwingenden Einheit kommen. Dann aber wartet Jarnach mit einem kühn und

glücklich konzipierten zweiten Satz auf, der alles wiedergibt, was der Komponist sa-

gen wollte in groß entwickelter Steigerung.“

c) Anbruch 5/9 (November 1923), S. 258ff, hier S. 261; H. Leichtentritt:

„Zwei Sätze von gewaltigen Ausmaßen breiten sich weit verzweigt und doch gedrun-

gen aus. Der erste Satz vereint in sich einen sonatenmäßigen Grundriss mit Phanta-

sieelementen, Rhapsodischem und Variationentechnik in den Reprisenpartien. Ein

herb verschlossenes Wesen kennzeichnet diesen Satz, das sich ausspricht in der zackig

profilierten Thematik, der rhythmischen Freizügigkeit, dem häufigen Taktwechsel, den

deklamatorischen Episoden, dem ekklesiastischen Ton vieler Stellen. Motive von der

Plastik des gregorianischen Chorals tauchen bedeutsam auf, wie feste Grundpfeiler,

um die sich eine Fülle von Kreuz- und Quergebälk schichtet, bei aller Anmut des Or-

namentalen doch immer die organischen Zusammenhänge mit prachtvoller Klarheit

aufweisend. Doch gibt es seltsam ergreifende Stellen, die in mystische Abgründe ver-

sinken, andere Episoden wieder sind von aufbrausender Leidenschaftlichkeit durch-

wühlt. Der zweite Satz ist ein scharfes Gegenstück zum ersten. Ein lebhaftes Rondo

aus zwei symmetrischen Presto-Sätzen gefügt, mit einem Adagio als Intermezzo. Das

letzte Presto mündet in eine doppelte Stretta, die fast einen Satz für sich ausmacht.

Das ganze Quartett von einer machtvollen Architektonik, einem starken Willen zur

Form, einer Größe und Fülle der Gedanken, die ihm unter den zeitgenössischen Wer-

ken seiner Art einen Sonderrang anweisen.“

d) Die Musik 19/4 (Januar 1924), S. 281f.; Alexander Jemnitz:

„Jarnachs ‚Donaueschinger Streichquartett‘ wurde seit seiner aufsehenerregenden Ur-

aufführung – seit 1923 – wiederholt gespielt und zur öffentlichen Diskussion gestellt.

Nun liegt es im Druck vor und den aufs bloße Hören begründeten Meinungen folgt

eine zwar nur aus der Lektüre hervorgegangene. […] Dieses Werk mutet fast wie das

künstlerisch-menschliche Endergebnis einer ganzen Jugendentwicklung, eines ganzen

Lebensabschnitts an. […] Die Überfülle gleichwertiger Gesichte, das rücksichtslos Be-

kenntnisvolle dieser Epik leidet allerdings an einer gewissen Unübersichtlichkeit der

Gliederung. Besonders im zweiten Satz. […] Der Musiker, der aus diesem durch end-

gültige Fassung objektivierten Tagebuch zu uns spricht, ist ein ungewöhnlich feinner-

viger, leiser Mensch. […] Auch die Scheu vor unvermitteltem Nebeneinanderrücken

motivisch verschiedenartiger, aber durch keinen dynamischen Gegensatz getrennter

Absätze deutet hierauf und führt zu allzu sorgfältig ausgefüllten, allzu ängstlich tem-

perierten Überleitungen, die manchmal bloß ihrer formalen Funktion halber daste-

hende Ornamentik ergeben. Die ästhetische Gewissenhaftigkeit des Autors schrickt

137

vor der Gefahr einer anorganischen Folge von Gruppen zurück, vergisst jedoch, dass

gerade aus solch einer scheinbar losen Anordnung die Idee einer höheren Ordnung oft

am hellsten hervorstrahlt ...“

e) Zeitschrift für Musik 91/5 (Mai 1924), S. 262–265; Theodor W. Adorno:

„Aus der Zahl der kammermusikalischen Veranstaltungen ist ein Abend des Amar-

Quartetts zu erwähnen, der das im vergangenen Winter in Frankfurt uraufgeführte

Streichquartett op. 16 von Philipp Jarnach brachte. Isoliert betrachtet, scheinen die

beiden sehr ausgedehnten Sätze vielerorten zu splittern und in dunkelsinniger Aphori-

stik zu verlaufen. Allein sie sind im Zusammenhang mit Jarnachs bisheriger Entwick-

lung zu werten, deren Gefahr darin liegt, dass er allzu leicht und früh zur Form finden

könnte, die dann nicht seine Form wäre, sondern eine romantisch gefälschte aus an-

derer Zeit. Dieser Gefahr ist in dem neuen Quartett radikal begegnet, und ob auch die

feste Kontur darüber entzweisprang, hat doch das Stück soviel Phantasie in Melodik,

Harmonik und Klang und bei aller Auflockerung soviel Zug zur stetigen Sammlung,

wie wenig Musik aus unseren Tagen. Im ersten Satz zumal ist das Sonatenproblem

originär angefasst. Man wünscht sich bald die Partitur und begrüßt das Quartett als

Versprechen einer verantwortungsvollen Begabung.“

f) AMZ 51/22–23 (6.6.1924), S. 447; Heinz Pringsheim:

„Für mich besteht kein Zweifel, dass neben der schöpferischen Musikantennatur Hin-

demiths Jarnach eine der ernstesten Begabungen, vielleicht die gefestigtste und kulti-

vierteste Persönlichkeit des jungen Nachwuchses ist. Dennoch müsste ich mich selbst

verleugnen, wenn ich mich diesem Quartett anders als achtungsvoll gegenüberstellen

wollte. Ich erkenne starke musikalische Gedanken, Gestaltungswillen, einen Zug zum

Übersinnlichen, überlegene Beherrschung des Handwerks, Verantwortungsgefühl.

Aber der Reichtum der Intentionen drückt sich, besonders in dem sich tiefsinniger ge-

benden ersten Teil, in einer verwirrenden Fülle von Motiven, Takt- und Tempowech-

seln aus, die das Gefüge des Satzes nicht klar hervortreten lassen; übersichtlicher ist

der zweite Teil, doch haftet auch ihm etwas kleinzügiges an. Trotz klanglichen Raffi-

nements im Einzelnen ist diese Musik großenteils von einer herben Unsinnlichkeit des

Klanges, die mein äußeres und inneres Ohr ablehnt.“

g) AMZ 58/41 (9.10.1931), S. 704; (J. Hennings):

„Nahezu spurlos ging an den Hörern Philipp Jarnachs op. 16 vorüber, in dessen Ge-

dankenlabyrinth sich nur wenige zurechtzufinden vermochten. Dagegen durfte Paul

Hindemiths Quartett in C, ebenfalls ein op. 16, einen starken, dem kraftvollen Werke

gern gegönnten Erfolg für sich buchen.“

h) Die Musik 25 (1932/33), S. 451f.; Theodor W. Adorno:

„In einem seiner Kammermusikabende erinnerte das Amar-Quartett mit recht an das

Opus 16 von Jarnach; ein formal höchst selbständiges und nachdrückliches, substan-

tiiertes Stück; Klassizität Busonischer Provenienz; Klassizität ohne Leerlauf; dabei

technisch auf einem Niveau, das heute außerhalb der Schönberg-Schule kaum erreicht

wird. Dagegen hätte man ein Streichquartett von Tschaikowsky ruhen lassen sollen.“

138

Das Quartett op. 16 besteht aus zwei Sätzen, die zusammen eine Aufführungsdauer von

35 Minuten ergeben. Auch der Gesamtumfang ist mit 980 Takten außergewöhnlich groß.

Jarnach begründet seine Entscheidung, das Quartett op. 16 in zwei ‚Teile‘ zu unterglie-

dern, mit einer Erweiterung des „formalen Begriffs“ der Kategorie ‚Satz‘, die eine weitere

Verwendung des Terminus’ nicht erlaube. Es wäre allerdings zu fragen, welche formalen

Erfordernisse mit der Verwendung des Begriffs des ‚Satzes‘ einhergehen. – Hier wie auch

in vielen anderen Äußerungen Jarnachs macht sich eine inhaltliche und terminologische

Unschärfe bemerkbar, welche die Auswertung seiner Schriften erschwert. Gerade die sich

nur zu oft widersprechenden Beschreibungen eigener Kompositionen lassen die Vermutung

aufkommen, dass Jarnach an einer analytischen Erschließung seiner Musik nicht besonders

interessiert gewesen ist.

V.2 Analyse erster Satz: Un poco sostenuto

Der erste Satz des Quartetts op. 16 folgt keiner traditionellen musikalischen Form. Daraus

ergibt sich, dass die im Verlauf des Satzes erscheinenden Gestalten, Motive und Abschnitte

nur schwer mittels Bezeichnungen wie ‚Hauptsatz‘, ‚Überleitung‘ oder ‚Durchführung‘ in

einen übergeordneten Funktionszusammenhang gesetzt werden können. Mein an einigen

Stellen etwas sprunghaft wirkendes Vorgehen mag mit dieser Tatsache zumindest zum Teil

entschuldigt sein. Es schien mir angebracht, zunächst die Spuren einzelner Motive zu ver-

folgen, um am Ende – wenn schon keine funktionale Architektur – dann doch wenigstens

eine musikalische Topographie aufzeigen zu können.

Es scheint die Einschätzung berechtigt zu sein, dass die vorliegende Endfassung des ersten

Satzes aus dem Quartett op. 16 eine ‚zerbrochene‘ Form aufweist. Bis etwa Takt 113 ist ein

fast mustergültiger Expositionsaufbau zu beobachten, in welchem eine für Jarnachs Ver-

hältnisse reiche Thematik und Motivik ausgestellt wird:

ein klassisches Motto,•

ein Bündel von fünf Themenvarianten,•

ein stringent geformtes, allerdings wenig prägnantes chromatisches Motiv,•

und ein gegenüber den Themenvarianten kontrastierendes, typisches Seiten-•

satz-Thema.

Im weiteren Ablauf des Satzes verschieben sich die Prioritäten grundlegend; das Funda-

ment der potenziellen Exposition bleibt weitgehend ungenutzt. Allein das Motto erfährt

eine Reprise, die Themenvarianten und die anderen Motive dagegen fristen bloß noch ein

Schattendasein.

139

Ein Hauptmerkmal des Kopfsatzes aus Jarnachs Quartett op. 16 ist die fortwährende Mo-

difikation der satztechnischen Faktur.255 Damit steht diese Musik in enger Verwandtschaft

zu Bartóks drittem Streichquartett (1927), welches ebenfalls den schnellen Wechsel von

homophonen und polyphonen Strukturen vollzieht und als spezielle Eigenart noch mit spe-

ziellen Ostinato-Passagen aufwartet. Im Vergleich zu den Quartetten Bartóks und Jarnachs

hat etwa der erste Satz aus Schönbergs drittem Streichquartett (ebenfalls 1927 komponiert)

eine weitaus geringere satztechnische Variationsbreite.

Der Kopfsatz aus op. 16 wird von einem Unisono eingeleitet und in T. 5 von einem über-

wiegend homophonen Satz abgelöst; er läuft mit der ersten Themenvariante in T. 10f. in

ein ‚Melodie-plus-Begleitung-Schema‘ ein, welches für beinahe alle folgenden Themenva-

rianten verbindlich bleibt. Eine rhythmisch feingliedrige Polyphonie entspinnt sich von T.

22–38, in T. 31f. nur kurz homophon unterbrochen. Es bleibt bei diesem nicht allzu schroff

gestalteten Wechselspiel polyphoner und homophoner Passagen, bis mit T. 83–113 eine fast

ununterbrochen flächenhafte Klangstelle auf den Plan tritt.

Eine umfassende Beschreibung der Satztypen führte hier nicht weiter, zumal die diesbe-

zügliche Anordnung keiner Symmetrie folgt. Mehr noch: Dieser Quartettsatz Jarnachs

scheint auf satztechnischer Ebene explizit durchkomponiert zu sein. Dieser Parameter steht

in einem so engen Verhältnis zu den Themen und Motiven des Satzes, dass ein anderes

Ergebnis kaum zu erwarten war. Auch in diesem Zusammenhang sei auf die umfangreiche

Umarbeitung verwiesen, von der beinahe drei Viertel des Satzes betroffen sind.

Wie in vielen anderen Fällen, so hat Jarnach auch im Kopfsatz des Quartetts op. 16 eine

durch Doppelstriche markierte Abschnittsgliederung vorgenommen. Sie reflektiert moti-

vische Neuheiten, in den meisten Fällen aber eben satztechnische Änderungen. Für einen

formalen Fingerzeig ist die Abschnittsgliederung zu weitmaschig, als Nachvollzug einzel-

ner Ereignisse dagegen zu grob aufgelöst.

Es war in den zeitgenössischen Rezensionen bereits kritisch angemerkt worden, dass im

Streichquartett op. 16 verwirrend viele Taktwechsel vonstatten gehen: Immerhin bringen

allein die eröffnenden acht Takte des Kopfsatzes die Metrenfolge 4/4–2/4–7/4–6/4–2/4–

4/4. Mit dem flächigen Abschnitt ab T. 83 wird die diesbezügliche Frequenz niedriger, und

spätestens ab T. 185 gibt es an der Vorherrschaft des 4/4-Metrums keine Zweifel mehr.

Die Einleitung des ersten Satzes wird von einem fünftönigen Motto bestritten, welches von

allen Instrumenten unisono und im Piano gespielt wird:

Die Takte 1 und 2 sind rhythmisch komplementär angelegt. Die ersten drei Töne des Mot-

tos c-e-as ergeben einen übermäßigen Dreiklang, die letzten drei as-des-f dagegen einen

Durdreiklang. Brächte man diese fünf Töne in eine absteigende Folge und fügte dem so

255 Man vergleiche die ganz ähnlich veranlagte Sonatine op. 12 und den Kopfsatz der Violinsonate op. 13.

140

entstandenen Gebilde den Ton a hinzu, so entstünde eine die Oktave gleichmäßig durch-

messende, sechstönige Skala aus Halbtonschritten und kleinen Terzen. Das Intervall des

Ganztonschrittes wäre aus dieser Skala nicht zu bilden, wohl aber zwei um einen Halbton-

schritt versetzte übermäßige Dreiklänge.

Die materielle Bedeutung des Mottos für den ersten Satz besteht in der Bereitstellung

zweier Grundmaterialien: des Halbtonschritts sowie des übermäßigen Dreiklangs. Letzte-

rer spielt selbst keine Hauptrolle in diesem Satz256, sicherlich aber ist es legitim, auch die

Abschnitte mit explizit ganztönigen Strukturen mit dem übermäßigen Dreiklang in Verbin-

dung zu bringen. Diese befinden sich in den Takten 50–60, 211–232 und 247–280.

Dem gegenüber stehen zahlreiche Passagen, deren Diastematik sich dem Halbtonschritt

verdankt: In einigen dieser Abschnitte dominieren längere chromatische Linien das Ge-

schehen257; noch zahlreicher allerdings sind solche Passagen, in denen die Linien von nicht

zusammenhängenden Halbtonschritten bestimmt sind.258 Inmitten einer solchen Passage,

in Takt 237f. nämlich, werden in der 1. Violine drei aufeinanderfolgende Halbtonschritte

so angeordnet, dass sie das Material des Mottos hervorbringen, wie es im obigen Noten-

beispiel zu sehen war. Aus der Tonfolge [es‘‘‘-d‘‘‘]-[b‘‘-h‘‘]-[g‘‘-fis‘‘] ließe sich die Motto-

Transposition [es-g]-[h-d]-[fis(-b)] gewinnen. Gleichzeitig ist in zweiter Violine und Brat-

sche von T. 238 (etwas später auch in der ersten Violine von T. 239) die Kontur des Mottos

zu vernehmen. An dieser Stelle erweist sich die Richtigkeit der Zuordnung des Halbton-

schrittes zum Motto.

Die Motto-Reprise lässt bis in T. 266 auf sich warten. Es handelt sich dabei um eine trans-

ponierte Variante (g-h-es-as-c) welche ungefähr am Anfang des letzten Viertels des ersten

Satzes steht. Anders als zu Beginn des Quartetts ist das Unisono nicht perfekt, da die zwei-

te Violine eine Variante aus den Komplementärintervallen spielt. Dazu ist in T. 266 jede

Note als Triller notiert und mit einem sffz-Akzent versehen. Jarnach wollte offenbar ganz

sicher gehen, dass den Hörern diese Reprise nicht verborgen bleibt.

Dafür spricht auch der immense Aufwand, mit welchem die Wiedereinführung des Mottos

ermöglicht wurde. Ab T. 257 wechseln sich explizit angespielte übermäßige Dreiklänge (in

der vom Motto vorgegebenen Brechungsform) und Durakkorde ab (und damit exakt jene

Klänge, aus denen das Motto zusammengesetzt ist). Zunächst stimmen die Anschlusstöne

der beiden zu verkettenden Dreiklänge nicht, wenn zum Beispiel in der ersten Violine von

T. 257 ein übermäßiger Dreiklang auf gis‘‘ nicht von einem F-Dur-Akkord, sondern von

einem in Cis-Dur gefolgt wird:

256 Es finden sich 14 gebrochene übermäßige Dreiklänge im ersten Satz von op. 16: T. 66.2-3 (Vl. 1); T. 73.3-4 (Vla.);

T. 84.3+4 (Vl. 2); T. 87.1+3 (Vla.); T. 90.7 (Vl. 2); T. 149.4 (Vla. + Vcl.); T. 208.1-2 (Vla.); T. 210.1-2 (Vl. 2); T. 225.1-2

(Vcl.); T. 230.2-3 (Vcl.); T. 280.2-3 (Vl. 1); T. 281.3-4 (Vl. 1); T. 297.4 (Vcl.). Demgegenüber treten simultan gespielte

übermäßige Dreiklänge vor allem im Vorfeld der Motto-Reprise massiert auf. Vergleiche T. 211, 226ff. und 253ff.

257 Siehe T. 76ff., 122ff., 142, 146, 189–200 sowie 206–211.

258 Siehe T. 84f., 87–90, 131f., 139–148, 155–159, 233–248, 261f., 307–316. Es sei darauf hingewiesen, dass die oben

getroffene Zuordnung zu einer der beiden Kategorien stets von der überwiegenden Art der Chromatisierung ausgeht – die

Grenzen zwischen den Spielarten sind fließend.

141

Dieses Verfahren, eine musikalische Gestalt in einem fingierten ‚Try and Error-Verfahren‘

wiederherzustellen, hat Jarnach schon in der Sonatine op. 12 angewandt. Dort mündeten

ausgiebige ‚Montageversuche‘ schließlich im BACH-Motiv.

Im Folgetakt 258 wird die Figur der ersten Violine wiederholt, T. 259 zeigt dann in allen

Stimmen drei melodische Umstellungen desselben übermäßigen Akkords aus fis-b-d259 so-

wie auf zwei gemeinsamen Tönen basierende Verschränkungsformen des übermäßigen und

des Durakkords260.

Die zwei folgenden Takte sind im Gegensatz dazu überwiegend aus der kleinen Sekunde

heraus gestaltet. Kurze Halbtontriller finden sich in der 1. Violine von T. 261 und in der

Bratschenstimme von T. 262; ihr Sechzehntelrhythmus könnte ebenso auf die in T. 257ff.

zitierten gebrochenen Durdreiklänge verweisen wie die punktierten Figuren in Viola (T.

261) und zweiter Violine (T. 262) auf die dort bevorzugte Rhythmisierung des übermäßi-

gen Dreiklangs.

Zu Beginn von T. 263 spielt die erste Violine die ersten vier Töne des Mottos in der aus T.

259 bekannten Transposition an (d‘‘-fis‘-b‘-es‘). Ein übermäßiger Dreiklang im Folgetakt

derselben Stimme (264.2: c‘‘-e‘‘-gis‘‘) ist bis zum Eintritt des Mottos in T. 266 der letzte

Hinweis auf dessen Materialsphäre.261 Man sieht an diesen wenigen der Motto-Reprise vor-

ausgehenden Takten, wie intensiv nach einem Weg zurück zum Ausgangspunkt des Satzes

gesucht wird. Die von hier bis zum Satzende noch folgenden 80 Takte können dagegen

schon nach oberflächlicher Betrachtung nicht als die Reprise des Satzbeginns gewertet

werden. Die strukturelle Auswirkung des Mottos selbst liegt in jenem großen Bogen, der

vom Beginn des Satzes zum Beginn einer (möglichen) Reprise im letzten Viertel geschla-

gen wird. Das Gefühl einer formalen Abrundung stellt sich allerdings kaum ein, bleibt es

doch bei der bloßen Ankündigung der Reprise. Mehr noch: Nach dem fortissimo-Ausbruch

des Mottos in T. 266 folgt mit T. 268ff. ein ‚Mäßig langsam‘ betitelter Formteil mit ziem-

lich eindeutigem Codacharakter.

259 Viola: fis-d‘-b; 2. Violine: fis‘‘-b‘‘-d‘‘; Cello: b-fis‘-d‘.

260 Violine 1: h‘-dis‘‘-fisis‘‘-ais‘‘ und Viola: d‘-h-g-es). Takt 260 bringt die originale Tonfolge des Mottos in einer auf

zwei Instrumente verteilten Einstimmigkeit (Cello: c‘-e‘-as, die Viola übernimmt mit as-des-f).

261 Es ist etwas verwirrend, dass ausgerechnet der so lautstark formulierte Mottoeintritt in T. 266 nicht direkt aus der

enormen Materialverdichtung der Takte 259ff. herausgeschleudert, sondern erst nach einigen Takten ‚Bedenkzeit‘ präsen-

tiert wird.

142

Das Motto ist nur einer der Grundbausteine des ersten Satzes von op. 16; immerhin erlebt

eine Diastematik eine Wiedererstehung im Ritornell des zweiten Teils des Streichquartetts.

Offensichtlicher als die aus der Mottogestalt abgeleiteten Kategorien Chromatik und Ganz-

tönigkeit ist aber das Arbeiten mit klassischen Motiven, Themen und deren Ableitungen.

Die Außenseite des Kopfsatzes aus op. 16 ist von einer Handvoll thematischer Gestalten

geprägt, die alle über bestimmte Merkmale eng miteinander verwandt sind. Es handelt sich

hierbei um Varianten eines diastematischen Entwurfs, dessen ‚Urfassung‘ mangels hierar-

chischer Ableitungsverhältnisse nicht zu ermitteln ist. Als erste der fünf vorkommenden

Themenvarianten262 erklingt in T. 10 in der 1. Violine folgendes Motiv:

Themenvariante I:

T. 10f., 44f., 56f. [62f.], [65f.]

In melodischer Hinsicht handelt es sich lediglich

um eine beidseitige Umspielung des zuvor repe-

tierten Tons h‘‘, quasi um einen ‚umgekehrten‘

Doppelschlag. Prägnant sind in dieser ersten Va-

riante vor allem der scharf punktierte Rhythmus

und die fortissimo-Dynamik – beide erzeugen

im Verbund mit dem 4/4-Metrum einen marsch-

artigen Duktus.

Mit nur kleinen diastematischen Abweichun-

gen erklingt in T. 11 eine um eine Quarte höher

transponierte Sequenz. Die Begleitung durch

die drei unteren Streicher geschieht blockwei-

se in einer gemeinsamen Viertelbewegung, die

auch den harmonischen Gang bestimmt. In T. 10

erklingen auf den Hauptzählzeiten folgende Ak-

korde: [h-e/Q2h] Q3a Q3g Q3fis.

Diese Quartenakkordkette reicht mit Q3e noch in den Folgetakt 11 hinein, anschließend

aber wird die Sequenz mit den Septakkorden b7<, As3

7> und G3

7> unterlegt.263 Interessant ist

nun, dass sowohl die Grundtöne der Quartenakkorde in T. 10 als auch diejenigen der drei

Septakkorde in T. 11 auf die gleiche Weise angeordnet sind. Die diesbezüglichen Progres-

sionen a-g-fis und b-as-g stehen in einem direkten Transpositionsverhältnis zueinander und

weisen darauf hin, dass Jarnach im Fall der Quartenakkorde die Kategorie des ‚Grundtons‘

beibehält.

262 Wie bereits an anderer Stelle erwähnt, können die Themen Jarnachs nicht mit den hergebrachten Maßstäben gemes-

sen werden. Trotz ihrer Kürze bezeichnet Jarnach selbst zwei dieser Themenvarianten explizit als ‚Themen‘ – der Termi-

nus sei also hiermit legitimiert. Vgl. Weiss, S. 231 sowie Jarnachs Werkbeschreibung in der NMZ 44/17 vom 2. August

1923, S. 304f.

263 Hinzuweisen wäre noch auf kleine motivische Abspaltungen in T. 11: Die Geigen spielen auf der dritten und der

vierten Viertel jeweils die kleine rhythmische Zelle aus punktierter Achtel und zwei Zweiunddreißigsteln.

143

Die Takte 44f. zeigen eine kleine Fugato-Strecke aus der ersten Themenvariante. Den

Anfang macht die erste Violine, auf der letzten Viertel von T. 44 gefolgt von der zweiten

Violine, das Cello setzt in T. 45.2 ein. Lediglich im ersten Geigeneinsatz erklingt die origi-

nale Tonfolge, aber die Abweichungen der anderen Stimmen sind marginal. Größere Dif-

ferenzen sind dagegen in der Harmonisierung zu beobachten, denn von dem vorwiegenden

Einsatz der Quartenakkorde wie in T. 10 kann keine Rede mehr sein. Hier folgt die viertel-

weise Aufstellung der Akkorde von T. 44–46.2:

A3 b

3< D

7> Cis3

7> |e5

6< Ü

cis H

9> Q3

h | (gt?) c7<

Der Satz wird hier sowohl durch die imitatorischen Einsätze als auch aufgrund einer

durchlaufenden Sechzehntelbewegung in Viola und erster Violine gegenüber der statischen

Viertelbewegung aus T. 10 ‚verflüssigt‘. Die ‚dolce‘-Anweisung ist dem ursprünglichen

Charakter (‚stridente‘ = beißend, grell) diametral entgegengesetzt. T. 44 bietet damit eine

Version der ersten Themenvariante, die in Harmonik, Satz und Charakter stark modifiziert

ist, sich diastematisch und rhythmisch aber eng am Vorbild aus T. 10 orientiert.

Der dritte und für lange Zeit letzte Einsatz der ersten Themenvariante in T. 55f. basiert auf

einer Kombination der beiden vorangehenden Fassungen. So wird das Thema wieder aus-

schließlich von der ersten Geige gespielt, aber die begleitende Sechzehntelbewegung sorgt

im Verbund mit der fortissimo-Dynamik für einen deutlichen Vorwärtsdrang. Ebenfalls als

Mischform von T. 10 und 44 präsentiert sich die zwischen Dur-moll-tonalen Dreiklängen

und Quartenakkorden abwechselnde Harmonik der Takte 56f.:264

D3 [Q4e] f3

56<9< Q

4cis es7> | [d-a] ? Q3fis Q4ais

Mit einer vorgezogenen Sechzehntel am Ende von T. 62 beginnt eine kurze Passage, die als

Ableitung der Themenvariante 1 anzusehen ist, weil in allen drei Grundparametern Über-

einstimmungen festzustellen sind. Die Diastematik der ersten Violine ist eine Transposition

von T. 56, das markante Rhythmuspartikel aus punktierter Achtel und Zweiunddreißigsteln

ist vorhanden, und die Harmonisierung gebraucht Quartenakkorde. Schließlich kann auch

die rezitativische Fassung aus T. 65 noch als Ableger der ersten Themenvariante angesehen

werden. Der hier zugrunde liegende Akkord ist ein Q4a.

Der letzte Auftritt der ersten Themenvariante ist weit von den eben besprochenen Passagen

entfernt, er befindet sich bei T. 295f. und damit in der Nähe des Satzendes. Die scharfe

rhythmische Kontur wird nun von allen Instrumenten verantwortet, und die Verwendung

von Tritonus-Quart-Klängen am Anfang beider Takte ist für den eklektischen Schönberg-

Tonfall verantwortlich, der schon einmal zu Beginn des Satzes auffällt.265

Die zweite Themenvariante strahlt angesichts ihrer Länge und ihres rhythmischen Profils

die Würde eines echten Themas aus. Sie erklingt nur zweimal im Verlauf des Kopfsatzes

von op. 16 – nämlich in T. 18f. und T. 303f., jeweils in der ersten Violine:

264 Dieser viertönige Quartenakkord auf e ergibt sich auf der letzten Sechzehntel der ersten Zählzeit.

265 Vergleiche T. 8ff. und besonders T. 15ff.

144

Themenvariante II: T. 18f. und 303ff.

Die aus der ersten Themenvariante bekannte, auf einem Doppelschlag basierende Diaste-

matik ist hier um einige Töne erweitert, in T. 303ff. kommt noch eine Sequenzierung der

zweiten Motivhälfte dazu. In rhythmischer Hinsicht gibt es durchaus Parallelen zu Variante

1: Hier wie dort wird durch die Verwendung auch sehr kurzer Notenwerte und Punktierun-

gen das Profil geschärft. Die Ähnlichkeiten reichen bis zur ebenfalls in den drei unteren

Stimmen angesiedelten Begleitung, die auch hier ein Viertel-Kondukt bildet. Dabei kann

der hier eingeschobene 3/2-Takt nicht darüber hinwegtäuschen, dass auch die zweite The-

menvariante innerlich in einem 4/4-Metrum steht. – So eigentümlich wie Jarnachs Taktbe-

zeichnungen sind auch die Strichanweisungen für die erste Violine in T. 18.

Beide Fassungen der zweiten Themenvariante sind sehr ähnlich harmonisiert. Jarnach

wählte dazu in Abgrenzung zur ersten Variante überwiegend Mollakkorde, die oft sogar

ohne jegliche Zusätze erklingen (harmonischer Rhythmus viertelweise):

T. 18: A g7>6< cis e dis gis

T. 303f. fi gtcfi gis7> a7<-6< Ais5> h c

Einen zunächst ganz anderen Charakter zeigt die dritte Themenvariante, wenngleich

die diastematischen Grundzüge und die Satzart mit den beiden vorhergehenden recht weit

übereinstimmen:

145

Themenvariante III: T. 39+41, 54+55

In einem kleinen Fenster von bloß 16 Takten erscheinen zweimal zwei Takte mit der dritten

Themenvariante, übrigens jeweils gefolgt von Variante 1. Bereits in den Takten 19f. (Vl. 2)

und 24 (Vla.) erscheinen Motive, welche vor allem durch das Legato, einen geschmeidigen

Sechzehntelrhythmus und die Überbindungen als Vorformen der dritten Themenvariante

angesehen werden könnten. In T. 24 ist neben der rhythmischen auch die diastematische

Kontur und die Pendelharmonik (siehe unten) in ihren Grundzügen fertig.266

Eine entscheidende Entwicklung von der Vorform in T. 24 bis zur ersten gültigen Fassung

der dritten Themenvariante in T. 39 besteht in der Hinwendung von einer diatonischen zur

ganztönigen Melodik. Sie ist in T. 39 (Vl. 1) in der Tonfolge cis‘‘‘-h‘‘-dis‘‘‘-eis‘‘‘ enthalten

und bestimmt alle weiteren Fassungen der dritten Themenvariante.

Dort wo die Ganztönigkeit in der Melodik vorliegt, scheint sie auch die Harmonik zu be-

einflussen. In T. 24f. treten ganztönige oder übermäßige Akkorde konsequenterweise noch

nicht auf. Auch in den die ganztönige dritte Themenvariante zitierenden Takten 39 und 41

ist von ihnen keine Spur – erst in den Takten 54–55, in denen zum letzten Mal Variante 3

erklingt, werden die ganztönigen Klänge plausibel.267

Abgesehen von der Ganztönigkeit existiert noch eine alle Fassungen der dritten Themen-

variante verklammernde harmonische Signatur: Es ist ein zwischen jeweils zwei Akkorden

schwingendes Pendel im stabilen 4/4-Metrum. Eine kleine Übersicht soll dies verdeutli-

chen:

T. 24: c [e-a] c [e-a]

T. 39: d7< Fis7>6>9> d7< Fis7>6>9>

T. 41: e d7> e es

T. 54:1f56<7< A5>

7>6>9> f56<7< A7>6>9>

T. 55:2gtcgtcis gtcgtcis

266 Das verhindert nicht die kleine Durchführung des rhythmischen Kopfmotivs. Siehe T. 21.1 (Vl. 2), 22.1 (Vl. 2), 23.3

(Vl. 2), 26.1–27.3 (Vla.), 28.1 (Vl. 1), 30, 2. Viertel (Vl. 1), 35.3 (Vla.) und 37.1 (Vla.).

267 Das es‘‘ der 2. Violine in T. 55.1 habe ich als Vorhalt zum d‘‘ gedeutet.

146

Bemerkenswert sind die komplexen und überaus dissonanten Mischklänge in T. 39.2+4

und 54.2+4 mit den mehrfachen Schärfungen ihrer Grunddreiklänge. Eine zuverlässigere

Ausformulierung der harmonischen Ebene erfährt keine andere der fünf Themenvarianten

des ersten Satzes aus op. 16.

In T. 127 – und damit jenseits der unverändert gebliebenen ersten einhundert Takte – er-

scheint die vierte Themenvariante:

Themenvariante IV: T. 127, 129, 151, 153

Sofort ins Auge sticht, dass das

Satzgefüge der vierten Variante

gegenüber den bisherigen The-

menvarianten umgekehrt ist: Hier

bilden die drei führenden Ober-

stimmen zusammen bordunartige

Klänge, während die Harmonisie-

rung allein durch das Violoncello

erfolgt. Die übergebundenen (und

dadurch vorgezogenen) Sechzehn-

tel268 haben ihr Vorbild ebenso

in der dritten Themenvariante

wie der in geraden Sechzehnteln

ausgeführte melodische Doppel-

schlag (z. B. T. 127.4). Wie in T.

39+41 sind die beiden Anläufe

der vierten Themenvariante durch

einen Zwischentakt getrennt. Da erstaunt es nicht, dass auch die Harmonik an die vorange-

gangene Variante angelehnt ist: In den Takten 127 und 129 finden sich Pendelbewegungen

zwischen [d-a] und es5

6< beziehungsweise [f-c] und es. Klanglich besonders auffällig sind

die Takte 128 und 130 mit ihren Flageolettfiguren der drei oberen Stimmen; dass die Takte

nicht mehr zur eigentlichen Themenvariante gehören, sondern eher kurze Intermezzi sind

(und hierin T. 40 ähnlich), bezeugt die hier eher fremde Quartenharmonik. Wirkliche Ei-

genständigkeit erlangt die vierte Themenvariante durch ihren neuartigen Charakter: den

rhythmisch ‚hinkenden‘ Oberstimmen und einem burlesk wirkenden Schrammelbass.

Äußerlich nur leicht verändert, nun aber mit einer indifferenten Harmonisierung aus bloßen

Oktaven im Cello, wird die vierte Themenvariante in den Takten 151 und 153 wiederholt.

Ihre jeweiligen Folgetakte 152 und 154 zeigen bei genauerem Hinsehen durchaus Ge-

meinsamkeiten mit den Flageolett-Takten 128 und 130: So bleibt die Führung in parallelen

Quarten in den beiden Oberstimmen ebenso erhalten wie die einleitende Viertelpunktie-

rung. Die komplette in T. 152 und 154 vorzufindende synkopische Rhythmusformel ist

übrigens identisch mit T. 86 und 89 – beides bezeichnenderweise ebenfalls von Quartinter-

vallen im Flageolett gekennzeichnet.

268 Die Rhythmusfigur der vorgezogenen Sechzehntel wird in T. 131ff. fortgesetzt. Solche Abspaltungen musikalischer

Charakteristika sind ein Grundprinzip der Bartókschen Verknüpfungstechnik.

147

Die fünfte und letzte Themenvariante ist von lyrischem Charakter. Sie erscheint ein ein-

ziges Mal an zentraler Stelle in diesem ersten Quartettsatz, wiederum in zweifacher, hier

jedoch imitatorisch angelegter Ausfertigung in Bratsche (T. 188.4) und erster Violine (T.

191.3) – man beachte die ‚espressivo‘-Anweisung:

Eine diastematische Vorlage der fünften Themenvariante ist wiederum in der Vorläuferform

zur dritten Variante aus T. 24 zu sehen, und auch die Begleitung mit Achtelnoten auf den

Hauptzählzeiten verweist auf diese Variante. Bemerkenswert ist die ausgesprochen starke

Chromatisierung der Begleitstimmen in den Takten 189–200. Völlig unbeeindruckt da-

von sind in der Harmonisierung der fünften Themenvariante schlichte Mollakkorde in der

Überzahl:

T. 189.2f.: g fis eis | Q

3cis/fis gtc g Cis7> |

Es d cis Dis7> | (h9<) Cis ? | (gtc) d ?

Ein Vergleich aller Themenvarianten zeigt folgende Gemeinsamkeiten:

Alle Varianten beinhalten Tonwiederholungen am Anfang; mit Ausnahme der drit-•

ten Variante folgt ein umgekehrter Doppelschlag; die Melodik ist – wie so häufig

bei Jarnach – kleinschrittig.

Der Satz ist homophon angelegt, die Stimmverteilung konservativ mit der Melo-•

die in der Oberstimme (Ausnahmen: erste Variante, T. 44f. und fünfte Variante, T.

188ff.).

Die Begleitstimmen beschreiben stets einen Viertelpuls (außer den Ableitungen der•

ersten Themenvariation in T. 62ff.).

Die Unterschiede zwischen den Themenvarianten betreffen hauptsächlich die Parameter

Rhythmus, Dynamik und die Harmonisierung. Im Fall der Harmonik lassen sich allerdings

Verwandtschaftsbeziehungen zwischen einzelnen Themenvarianten ausmachen. So teilen

sich die erste und die vierte Variante den Einsatz von Quartenakkorden, während die Va-

rianten zwei und fünf überwiegend mit Mollakkorden harmonisiert werden. Pendelartig

alternierende Akkorde weisen die zweite und die vierte Themenvariante auf. Die Charak-

tervielfalt der Themenvarianten reicht vom lyrischen Espressivo der fünften Variante in T.

188ff. bis zum ‚Fortissimo-pesante‘ der Variante drei in T. 54f.

Die Verteilung der Themenvarianten über den Kopfsatz von op. 16 zeigt eine recht starke

Konzentration der Varianten eins bis drei bis zum T. 65. Danach klafft eine große Lücke bis

zu den weit auseinanderliegenden Varianten vier in T. 127ff. und 151ff. Erst mit T. 188ff.

tritt die fünfte Variante auf, und bis zu einer Wiederholung der ersten Variante vergehen

noch einmal gut 100 Takte. Das letzte Wort haben die Themenvarianten eins in T. 295f.

148

und zwei in T. 303. Dieses fast gänzliche Verschwinden der Themenvarianten nach dem

sehr dicht konzipierten Auftakt ist verwirrend. Ihr letztmaliges Auftreten schließlich erfolgt

in einem Formteil, der nicht so sehr als Reprise denn als eine Coda aufgefasst werden muss

(T. 268ff.). Es kann nur vermutet werden, dass die erste Fassung des Streichquartetts aus-

giebiger von den Themenvarianten Gebrauch gemacht hat, als der stark überarbeitete ‚Erste

Teil‘ in der vorliegenden Druckfassung erkennen lässt.

An der expositionsartigen Anlage der ersten 65 Takte ändert dies allerdings nichts. Dies

gilt insbesondere, als sich noch innerhalb der ersten einhundert Takte nach dem Motto und

den Themenvarianten ein chromatisches Motiv in den Vordergrund spielt. Das folgende

Notenbeispiel zeigt die ersten drei Ausführungen des Motivs, welche in den Takten 76, 77

und 81f. sehr nah beieinander liegen:

Diesen drei Fassungen (und allen weiteren) ist gemein, dass ein Ausschnitt der chromati-

schen Skala von einem ‚ausscherenden‘ Ton gestört wird. In T. 76 etwa wird die Linie c’’-

h’-b’-a’-as’ vom d’’ (dritte Zählzeit) in zwei Teile geschnitten. Der ‚Störton‘ liegt anfangs

eine große Terz oberhalb des vorangehenden Skalentons; später vergrößert sich dieses In-

tervall. Die rhythmische Anlage der späteren Versionen wird sich an T. 76 und 77 orientie-

ren.

Im Gegensatz zu den Themenvarianten ist das chromatische Motiv ganz eigentlich in ei-

nem 3/4-Metrum zuhause. Ein weiterer entscheidender Unterschied zwischen den beiden

Protagonisten liegt darin, dass sich das chromatische Motiv meistens in einem polyphonen

Umfeld präsentiert. Jarnach kontrastiert Themenvarianten und chromatisches Motiv somit

auf mehreren Ebenen.

Seine Ursprünge hat das chromatische Motiv indes weiter vorne im Satz. Schon in T.

27.2-4 nämlich zeigen sich in der ersten Violine Ansätze zu dieser ‚gestörten‘ chroma-

tischen Skala, weitere ‚Gehversuche‘ des chromatischen Motivs finden in T. 71 (Vlc.)

statt, wo sich gleich zwei kurze, auseinanderstrebende chromatische Verläufe ankündigen

(H-c-cis und H-As-A). Einer in T. 68.3 in der ersten Geige beginnenden, sehr ‚fertigen‘

Vorläuferversion des Motivs ist lediglich der (um den ‚Störton‘ herum angeordnete) Ganz-

tonschritt d’’-c’’ anzukreiden.

Es besteht übrigens eine interessante Ähnlichkeit zwischen diesem chromatischen Motiv

aus Jarnachs Quartett op. 16 und dem chromatischen Anfangsmotiv aus Ernst Kreneks

Solo-Violinsonate op. 33:

Krenek op. 33, Beginn

149

Beide Motive scheinen mir eher eine ‚technische Verfahrensweise‘ als ein ‚Thema‘ darzu-

stellen. – Von den sehr zahlreichen Versionen des chromatischen Motivs sei noch jenes aus

T. 122f. erwähnt: Hier wird eine chromatische Aufwärtsbewegung von F (T. 122.2 im Vcl.)

bis cis (T. 124.1) von den unterhalb der Linie angeordneten ‚Störtönen‘ E, G und A unter-

brochen.

Die folgende Tabelle zeigt eine Liste aller Versionen des chromatischen Motivs:

Takt Stimme Bemerkungen

27 Vl. 1 Vorläufer des Motivs mit latenter Zweistimmigkeit;

68 Vl. 1 Bis auf einen Ganztonschritt perfekte Version des Motivs;

70f. Vcl. Wie T. 27 latent zweistimmig, wieder entferntere Verwandtschaft zum Motiv;

76f. Vl. 1

Zwei aufeinanderfolgende, diastematisch und rhythmisch kongruente Fas-

sungen des chromatischen Motivs – sie sollen als ‚Modell‘ dieses Motivfel-

des gelten;

81f. Vl. 1 Mit langen Notenwerten und einer bloß dreitönigen chromatischen Skala

operierende Variante;

95 Vl. 1 Wie T. 76, jedoch mit verschärftem Rhythmus: punktierte Achtel + zwei Zwei-

unddreißigstel;

97ff. Vcl.

Wie T. 95, allerdings mit einem Ganztonschritt in der chromatischen Linie

(G-Fis-F-[B]-Es-D); Motivköpfe in T. 98.3 (Vcl.) und 99.1 (Vl. 2); diese durch-

führungsartige Passage bricht mit T. 100 ab;

104 Vla. Rhythmus mit Achteltriole auf der zweiten Zählzeit; das Motiv liegt unauffällig

inmitten einer ‚Klangstelle‘;

122ff. Vcl./

Vl. 1

Eine längere, jetzt aufsteigende chromatische Linie (Umkehrungsform; Fis-

cis) wird von den ‚Störtönen‘ E, G und A unterbrochen. Eine fast intervallge-

treue Transposition dieser Umkehrungsvariante erklingt in der ersten Violine

von T. 124;

158f. Vl. 2 Absteigende, nicht unterbrochene Linie von d’’-ais’, deren Rhythmisierung

(wie in T. 95 und 97) sie als Ableitung des chromatischen Motivs ausweist;

208ff.

Vla.

Vl. 1

Vl. 2

Eine Art Krebsumkehrung des Motivs, mit 208.2 beginnend: g’-d’-fis’- ’-e’[-d’-

c’-h]; Rhythmus wiederum aus Zellen von Achtel + zwei Sechzehnteln. Siehe

auch in T. 209.2 (Vl. 1: g’-d’-fis’- ’-e’[-d’-c’-h]) und T. 210.2 (Vl. 2: es’’’-b’-d’’-

des’’-c’’[-b’-a’-as]). Zusammen bildet sich ein lockeres Fugato mit beibehalte-

nem Kontrapunkt;

225 Vl. 1 Rückkehr zur Diastematik aus T. 76 (Transposition), aber neue Rhythmisie-

rung; Wiederholung noch im selben Takt;

226ff. Vl. 2 ‚Motivapotheose‘: Die lange, abwärts gerichtete chromatische Linie h’-a wird

von insgesamt fünf ‚Störtönen‘ unterbrochen;

281f. Vcl. Die absteigende Linie von A-F wird von den unter- wie oberhalb ihrer liegen-

den ‚Störtönen‘ D und B unterbrochen;

311f. Vl. 2 Abwärts gerichtete Variante im Viertelrhythmus;

313ff. Vl. 1 Abwärts gerichtete Varianten in Vierteln und punktierten Achteln.

Die Verteilung des chromatischen Motivs über diesen ersten Satz des Quartetts ist derjeni-

gen der Themenvarianten ganz ähnlich. Einer stärkeren Konzentration des Motivs in den

Takten zwischen 68 und 97 (und damit noch in einer angenommenen Exposition der ersten

150

hundert Takte) folgt eine diesbezüglich sehr weiträumige Anordnung in den restlichen zwei

Dritteln des Satzes. Der Gedanke liegt nahe, dass auch das chromatische Motiv vor der

Überarbeitung eine größere Bedeutung für die Satzstruktur besessen hat.

Da die Variantenbildung am chromatischen Motiv gewisse Parallelen zu derjenigen der

Themenvarianten zeigt (und sich all dies innerhalb der ersten einhundert Takte abspielt),

liegt der Schluss nahe, in den beiden Gestalten das erste und zweite Thema einer Sona-

tenform zu sehen. Immerhin legt Jarnach das chromatische Motiv fast durchgängig in die

Oberstimme. Dennoch halte ich die Deutung des chromatischen Motivs als Seitensatz aus

folgenden Gründen für problematisch:

Das melodische Profil ist selbst für Jarnachs Verhältnisse zu schwach. Andere Moti-•

ve aus diesem Satz sind prägnanter.

Die satztechnische Ausgestaltung des chromatischen Motivs ändert sich von Mal zu•

Mal.269

Sehr uneinheitlich ist auch die Harmonik des Motivs. Praktisch alle im Kopfsatz•

vorkommenden Akkordtypen finden hier Verwendung.270

Mit Ausnahme der Versionen in T. 76 und 104 erscheint das Motiv sehr häufig ‚ne-•

benbei‘, wie unvorbereitet und wird weder dynamisch noch spieltechnisch akzentu-

iert.

Soll die Idee einer Sonatenhauptsatzform weiter verfolgt werden, so ist das beste Argument

ein Motiv, das charakterlich ein echtes Seitenthema abgibt. Sein Manko: Es erscheint nur

zweimal im Verlauf dieses Satzes in vollständiger Form. Eine erste (diastematisch bereits

sehr konkrete) Andeutung findet sich in der ersten Geige von T. 42 – quasi als melodische

Fortspinnung der dritten Themenvariante im vorangegangenen Takt:

Die Melodik ist hier eindeutig in b-Moll angesiedelt und wird in diesem Sinne von der

Harmonik unterstützt – eine seltene Übereinstimmung in Jarnachs Streichquartett op. 16.

Eingeschränkt wird die Wahrnehmungsmöglichkeit des Motivs indessen durch die hier

stark ausgeprägte Polyphonie. Ganz anders liegt der Fall in T. 101ff., wo das Motiv zu sei-

ner vollen, klanglich eindrucksvollen Entfaltung kommt:271

269 Das chromatische Motiv erklingt: als Solostimme in T. 68 und 122f.; in einem homophonen Umfeld in T. 95, 97,

104, 124ff. und den Takten 311–317; in polyphoner Satzweise in T. 27, 70f., 76f. (bei Zweistimmigkeit), 158f., 208f.,

225ff. und 281f.

270 Davon sind keinesfalls nur die polyphon konzipierten Passagen betroffen: siehe T. 124ff. oder T. 226.

271 In der zweiten Geige von T. 98 passierte schon ein ‚Frühstart‘ mit den Tönen g’-b’-as’.

151

Die Verdoppelung der Notenwerte ist seinem lyrischen Charakter gemäßer, und anstelle

eines rhythmisch durchbrochenen polyphonen Satzes wird das Motiv hier durch lange Lie-

geklänge und die gleichmäßige Sechzehntelbewegung der zweiten Violine sehr wirkungs-

voll freigestellt.

Um eine Quinte tiefer transponiert, assoziiert die Melodik hier ein es-Moll, auch dieses

Mal von der Harmonik unterstützt. Es sind vor allem die ausdrucksvolle Oberstimme und

das ungewöhnlich lange Verharren auf der es-Moll-Klangfläche, welche diesem potenziel-

len Seitensatzthema die Anmutung eines Ruhepols gibt und große Aufmerksamkeit sichert:

dies ist die einzige Gestalt des Satzes, welche den Titel eines ‚Themas‘ wirklich verdient.

Es scheint geradezu, als sei das potenzielle Seitenthema Zweck und Ergebnis der mit T. 83

beginnenden Klangstelle.

Eine sehr entfernte Variante des ‚Seitenthemas‘ ist in T. 174f. der ersten Geige zu hören.

Seine Melodik ist zwar verfremdet, operiert aber mit ähnlichen Intervallen wie die Aus-

gangsform. Den Bezug zur Vorlage vermittelt aber vor allem die in c-Moll angesiedelte

Begleitung dieser Takte: Man vergleiche sie mit T. 101ff. Der Rhythmus des Motivkopfes

weist noch einmal eine Verdopplung der Notenwerte gegenüber der Variante aus T. 101

auf.

152

Es mag wiederum den Umarbeitungen des Kopfsatzes geschuldet sein, dass dieses poten-

zielle Seitenthema in diesem Satz nicht besser Fuß fasst. Seine äußerst geringe Verbreitung

spricht ebenso gegen die Interpretation als zweites Thema wie seine sehr späte Exposition.

Schließlich muss noch auf eine letzte Tonfolge vom Rang eines Motivs hingewiesen wer-

den. Gemeint ist eine sprunghafte, relativ weit ausholende Melodik der Bratsche, die mit

dem Achtel-Auftakt zu T. 73 beginnt. Kennzeichen sind eine zunächst schrittweise Bewe-

gung, ein sich anschließender größerer Intervallsprung aufwärts (hier ist es die übermäßige

Quinte a’-eis’’) sowie ein nach erneutem Sekundschritt ablaufender übermäßiger Dreiklang

abwärts. Ganz ungewöhnlich sind der für Jarnachs Verhältnisse ausgreifende Ambitus des

sprunghaften Motivs sowie seine atonale Anmutung.

Gegen Ende des ersten Satzes von op. 16 findet eine kleine Durchführung dieses sprung-

haften Motivs statt. Es erscheint zuerst in der ersten Violine von T. 281, rhythmisch und

melodisch nur wenig verändert – sogar der übermäßige Dreiklang ist noch dabei. Er fehlt

bei den nächsten Einsätzen in T. 282.4 (Vl. 2) und 283.1 (Vcl.). Erst die Violine 1 in T.

287.1 rückt wieder in die Nähe der ursprünglichen Fassung. Warum dieses charaktervolle

Motiv in der langen Spanne zwischen T. 74 und 280 abwesend ist, bleibt unklar. Seine auf-

wendige Reprise in einer kleinen Durchführung könnte die oben aufgestellte These stützen,

es bei den Takten 268 bis zum Ende des Satzes mit einer Coda zu tun zu haben.

Neben dem Motto und den oben besprochenen themenartigen Motiven gibt es auch im

Streichquartett op. 16 kleinere musikalische Partikel mit einer weiten Verbreitung. Das

wohl fruchtbarste unter ihnen ist eine ‚Viertonfigur‘, deren Ursprünge in der dritten The-

menvariante zu suchen sind. Dort liegt es folgendermaßen vor:

Von dieser auf Sekundschritten basierenden Ausgangsgestalt sind es nur fünf Takte bis zu

jener Form, wie sie in diesem Satz etwa zwei Dutzend Mal erklingen wird – mit einem

Halbtonschritt abwärts und der ganztönigen Fortsetzung mit einer großen Terz und einem

Ganztonschritt aufwärts:

Die Version mit fallender kleiner Sekunde und ganztöniger Fortfüh-

rung findet sich außerhalb der Themenvarianten noch in T. 29.3 (Vl.

2), 30.3 (Vl. 1), 33.3 (Vl. 1), 60.1+2 (Vcl.), 60.3 (Vla.), 67.3 (Vl. 1),

90.6 (Vcl.), 92.2 (Vl. 1), 93.3 (Vl. 1), 117.4 (Vl. 2), 128.1 (Vcl., modi-

fizierter Rhythmus), 249.1 (Vl. 1+2, ohne Überbindung), 249.3 (Vl. 2,

ohne Überb.), 256.1 (Vl.1, Vla., Vcl., ohne Überb.), 274.3 (Vla.), 275.2

(Vla.), 276.3 (Vcl.), 277.1 (Vcl.) und 286.1 (Vl. 1).

Diese neu gebildete Viertonfigur, die sich schon hier aus dem ursprünglichen Zusammen-

hang gelöst hat, wird weiter modifiziert und in den Takten 39+41 sowie 54+55 zurück in

ihre ehemalige Umgebung (die dritte Themenvariante) implantiert. Die Diastematik ist nun

ganztönig (z.B. cis’’’-h’’’-dis’’’-eis’’’) und erscheint hauptsächlich im Zusammenhang mit

der dritten Themenvariante. Wie zuvor besteht der Rhythmus aus vier Sechzehnteln, deren

erste aus einer Überbindung hervorgeht.

153

Unabhängig von der dritten Themenvariante erscheint die ganztönige

Version der Viertonfigur noch in T. 46.3 (Vl. 1), 56.1 (Vl. 1, mit Durch-

gangsnote, im Rahmen der erste Themenvariante I), 57.2 (Vl. 2, siehe

T. 56.1), 60.2 (Vcl.),71.1 (Vl. 1), 220.1 (Vl. 1, neuer Rhythmus).

Daneben finden sich zahlreiche andere Versionen der Viertonfigur, die stärkere Abweichun-

gen in Melos und Rhythmus sowie vereinzelte Durchgangsnoten aufweisen.272 Schließlich

finden auch krebsgängige Fassungen von Beginn an Verwendung.273 Augenfällig ist wie-

derum eine lange, hier etwa achtzigtaktige Abwesenheit der Viertonfigur zwischen T. 129

und 212. Die Takte 212–222 zeigen vor allem die stärker modifizierten Fassungen und

den Krebs des Motivs. Eine Häufung der Viertonfigur in T. 247f. mündet in T. 249 in eine

regelrechte Engführung, in deren Verlauf auch das mittlere Intervall bis auf einen Tritonus

geweitet wird (T. 250). Bei aller Verdichtung behält die Viertonfigur ihre charakterliche

‚Durchgängigkeit‘ bei: Nie wird sie im Verlauf dieses Satzes zu einem Protagonisten der

musikalischen Handlung.

In T. 211 macht sich sehr deutlich ein Phänomen bemerkbar, das, wiewohl letztlich aus

dem Motto abzuleiten, auch mit der Viertonfigur verwandt ist: Es ist die vertikal oder ho-

rizontal sich ausprägende Ganztönigkeit. Erste Geige, Bratsche und Cello schöpfen in T.

211 aus den Tönen der Ganztonskala von cis274:

Die zugrundeliegende Cis-Ganzton-

leiter wird in der zweiten Violine

zwar ebenfalls verwendet – ihr ge-

hören die jeweils tiefsten Töne der

vier Dreitongruppen (es’-f’-g’-a’)

an. Im Kontrast dazu ist die isolier-

te ‚Oberstimme‘ (h’-c’’, des’’-d’’,

es’’-e’’) chromatisch angelegt. Die

Allgegenwart des Halbtonschritts

sowie auch längerer chromatischer

Linien um T. 211 lässt fast vermu-

ten, Jarnach habe die beiden Prinzi-

pien Chromatik und Ganztönigkeit

hier bewusst miteinander konfron-

tiert. Unüberhörbar sind die über-

mäßigen Dreiklänge auf der ersten, zweiten, vierten und sechsten Achtel von T. 211.

Bis dahin hatten sich ganztönige Strukturen vorwiegend in direkter Nähe der Themenva-

rianten befunden, und selbst dort waren selten mehrere Stimmen gleichzeitig ganztönig

272 Stärker modifizierte Fassungen der Viertonfigur: T. 18.1 (Vl. 1), 27.4 (Vcl.), 29.3 (Vl. 2), 38.4 (Vl. 1), 49.2 (Vl. 2),

72.1 (Vcl.), 87.5 (Vl. 2), 119.1 (Vl. 2), 128.3 (Vl. 1), 213.3 (Vl. 2), 214.3 (Vl. 1), 218.1 (Vl. 1), 219.2 (Vl. 1), 221.1 (Vl.

1), 222.1 (Vl. 1), 226.2 (Vl. 1), 247.1 (Vl. 1), 248.1 (Vl. 1), 249.2+4 (Vcl.), 250.1-4 (Vl. 1+2, Vla.), 264.2+3 (Vl. 1),

282.1 (Vl. 1).

273 Krebsversionen der Viertonfigur: T. 20.4 (Vl. 1), 21.3 (Vl. 2), 26.3 (Vla.), 27.1 (Vla.), 37.3 (Vla.), 90.1 (Vl. 2), 212.3

(Vl. 1+2, Vla.), 226.3 (Vla.).

274 Die letzte Achtel des Taktes 211 löst sich aus der Ganztönigkeit und bringt einen Fis-Dur-Akkord hervor.

154

veranlagt. Eine Ausnahme bilden die Takte 57f.: Die dort von der zweiten Violine gespielte

erste Themenvariante ist im Ganztonfeld auf cis angesiedelt, die begleitende Sechzehntel-

bewegung der ersten Violine dagegen im Ganztonfeld auf c.

Nach einem kurzen g-Moll-Intermezzo275 in T. 216–218 kehrt die Ganztönigkeit über das

Viertonmotiv wieder zurück. Der besseren Übersicht halber seien die ganztönigen und

übermäßigen Klänge und Gestalten der nun folgenden Takte in tabellarischer Form wieder-

gegeben:

Simultane übermäßi-

ge Akkorde

T. 222 ( Üc); T. 226 (2., 3., 5. und 7. Achtel) und 227 (1. und 5. Achtel so-

wie 228.1 und 229.1 (nur Vl. 1);

gebrochene übermä-

ßige Akkorde

T. 225 und 230.2-3;

Ganztonmelodik In T. 220 Vl. 1 und Vcl.;

Ganztonleitern In T. 231 konkurriert die Ganztonskala in Vl. 2 und Vla. mit diatonischen

Skalen in der Vl. 1; Ganztonleitern in T. 257 (Vl. 2, auf e) und 276 (Vl. 1,

auf es) korrespondieren auf Distanz; T. 272ff. (Vl. 1): Ganztonleiter mit

Störtönen.

Die Ableitung des übermäßigen Dreiklangs aus dem Motto ist unstrittig, ebenso die Bedeu-

tung des Viertonmotivs für die ganztönige Melodik. Wie so oft bei Jarnach, so sind auch

die Versuche mit ganztönigen Strukturen nicht systematisch durchgeführt.

Neben den verschiedenen Spielarten der Ganztönigkeit sind die Takte 208–230 von einer

starken melodischen Chromatisierung gekennzeichnet. Während die ganztönige Melodik

– vor allem in der Form der Viertonfigur – relativ dezentral über den ersten Satz des Quar-

tetts verteilt ist, kann man in Bezug auf den Chromatisierungsgrad der Melodik einige In-

tensivierungsabschnitte ausmachen. Diese befinden sich bei T. 76–82, 137–148, 157–159,

189–200, 233–242 und 303–319. Ist die horizontale Chromatik anfangs noch eng mit dem

chromatischen Motiv assoziiert (T. 76ff., 118ff.), so emanzipiert sie sich spätestens mit T.

139ff. zu einer eigenen Kraft.

Dem Aufeinandertreffen der Gegenpole Chromatik und Ganztönigkeit in T. 208ff. haftet

(vor allem aufgrund der dort demonstrierten Gleichrangigkeit) ein durchführungsartiger

Zug an. Mit einigen Abstrichen gilt dies noch bis T. 256, danach wird dieser Aspekt von

den aufwendigen Wiederherstellungsversuchen des Mottos überlagert. Festzuhalten ist,

dass in diesen Takten 208 bis etwa 255 die beiden materiellen Grundeigenschaften des

Satzmottos (Chromatik und der übermäßige Dreiklang) in eine Interaktion miteinander tre-

ten.

Es bleiben viele weiße Flecken auf der musikalischen Landkarte des ersten Satzes aus op.

16. Ein sehr ausgedehnter betrifft die Takte 83–96. Derart unvermittelt ist der Übergang

in die irisierende Flächigkeit des ‚Allegro moderato‘, dass der Hörer einen Satz im Satz

vermutet. Eine so schnell wie möglich auszuführende Zweiunddreißigstel-Linie in der

Bratsche wird von Liegetönen in zweiter Geige und Cello unterlegt. Später ändert sich die

Aufgabenverteilung, die erste Geige tritt überhaupt nur in den fahlen Flageolett-Episoden

in T. 86f. und 89f. in Aktion.

275 T. 224 bringt mit der Akkordfolge fis–Cis–e–H–B7<–F7> im Achtelrhythmus erneut eine dezidiert tonale Strecke.

155

Satztechnisch ist sie ein Fremdkörper, diese 14 Takte währende Klangstelle, vergleichbar

mit dem Mittelteil des zweiten Satzes aus der Violin-Solosonate op. 13. Anders als diese

ist die Klangstelle im Kopfsatz des Quartetts op. 16 aber materiell auf mehrfacher Ebene

mit der Umgebung verbunden. So wird in der jeweils schnell bewegten Stimme zweimal

der Gegensatz zwischen übermäßigem Dreiklang und Chromatik angespielt.276 Die Vier-

tonfigur taucht in T. 87 (3. und 5. Viertel in Vla.+Vl. 2), 90.6+7 (Vcl.+Vl. 2), 92.3 und 93.4

(beide Vl. 1) auf; das chromatische Motiv erscheint in T. 91 und 95 (Vl. 1). Schließlich

wird mit dem Rhythmus der Flageolett-Stimmen (T. 86f. und 89f.) auf die den vierten The-

menvarianten folgenden Takte 152 und 154 angespielt.

Damit könnte die Klangstelle als eine von mehreren durchführungsartigen Abschnitten die-

ses ersten Satzes angesehen werden. Das Verfahren, einen solchen Durchführungsteil cha-

rakterlich zu maskieren, ist aus den Scherzo-Teilen der Sonatine op. 12 bekannt.

Eine Kuriosität sind die Fugato-Abschnitte in T. 19ff., 171ff., 201ff. und 281ff. Alle vier

Passagen (sie sind motivisch nicht miteinander verwandt) geben sich im Notenbild wie

auch akustisch als imitatorisch gearbeitet zu erkennen, mit Ausnahme des Fugatos aus T.

171ff. fehlt aber allen ein stabiles Kopfmotiv. In T. 19ff. haben die Einsätze277 außer einem

rhythmischen Grundrepertoire nichts gemein, in T. 201ff. ist die Sache verwickelter: Von

den vier Einsätzen278 unterscheiden sich äußerlich alle bis auf die beiden letzten; auffal-

lende Übereinstimmungen bestehen allerdings zwischen den jeweils zweiten Takten aller

Fugato-Einsätze, zu finden in T. 202 (Vla.), 203 (Vcl.), 204 (Vl. 1) sowie 205 (Vl. 2).

Bei näherem Hinsehen fallen auch die diastematischen Verwandtschaften der Einsatzköpfe

auf. Jarnach arbeitet hier mit ‚Pfeilertönen‘, die ein in allen Einsätzen ähnliches, viertöni-

ges Intervallgerüst abgeben:

Viola T. 201f.: g-es’-d’-as’;

Cello T. 202f.: F-des-c-ges;

Violine 1 T. 203f.: a-ges’-f’-ces’’;

Violine 2 T. 204f.: e’-d’’-cis’’-g’’.

Wieder besser zu identifizieren sind die vier Einsätze des letzten Fugatos in T. 281ff.279

Hier bestehen Übereinstimmungen in den rhythmischen und diastematischen Umrissen.

Einen einzigartigen wie verblüffenden Vorgeschmack auf dieses Fugato-Motiv bietet die

Bratschenstimme von T. 73 – eine weiteres ‚loses Ende‘ auf motivischer Ebene. Wie könn-

te man die beiden weit auseinanderliegenden Zitate dieses sprunghaften Motivs erklären?

Ihnen gemein ist allein die unmittelbare Nachbarschaft des chromatischen Motivs.

Die Verteilung der vier Fugato-Stellen über den Kopfsatz des Quartetts op. 16 ist die

gleichmäßigste aller Themen und Motive. Einen Beitrag zur Gesamtarchitektur leisten sie

dennoch nicht.

Die Komplexität des Streichquartetts op. 16 greift auch auf den Parameter der Tempoor-

ganisation über. Gut 40 Anweisungen regeln im ersten Satz von op. 16 subtile wie heftige

Temposchwankungen wie das großangelegte Accelerando von T. 136–150. In der Regel

276 Vgl. T. 84.3+4 (Vl. 2) und 87.1+3 (Vla.) mit ihren gebrochenen übermäßigen Dreiklängen.

277 Die Fugato-Einsätze in T. 19ff.: T. 19.4 (Vl. 1); 21.4 (Vl. 1); 23.1 (Vla.).

278 Einsatzfolge bei T. 201ff.: T. 201.1 (Vla.); 201.3 (Vcl).; 203.1 (Vl. 1); 204.1 (Vl. 2).

279 Die Einsätze liegen bei T. 281.1 (Vl. 1), 282.4 (Vl. 2), 283.1 (Vcl.) und 287.1 (Vl. 1).

156

stehen die Themenvarianten in stabilen Verhältnissen (‚Tempo‘, ‚Pesante‘, ‚Breit‘ oder

‚Festes Zeitmaß‘), während motivisch aufgelockerte Passagen wie T. 155–184 durch eine

schnelle Abfolge von Beschleunigung und Abbremsung gekennzeichnet sind.

Zum Schluss noch einige Worte zur Harmonik im ersten Satz des Quartetts op.16. Sie be-

reitet im Vergleich mit den ungefähr zeitgleich entstandenen Werken Jarnachs keine großen

Abweichungen. Grundlegendes Prinzip des Klangaufbaus ist auch hier die traditionelle

Terzschichtung. Wie erwartet, geschieht die Aufeinanderfolge der Akkorde nicht nach tra-

ditionellen funktionalen Regeln280, auch dann nicht, wenn mehrere Dreiklänge zu freitona-

len Feldern verknüpft werden.281

Was die Verwendung von Quartenakkorden angeht, so finden sich (wie in den vorange-

gangenen Kompositionen) auch in diesem Quartettsatz regelrechte Ballungen282, allerdings

bringt Jarnach die Quartenakkorde auch in schnellem Wechsel mit Dreiklängen – die Har-

monisierung der ersten Themenvariante in T. 56f. ist dafür ein gutes Beispiel (siehe oben).

Insgesamt treten Quartenakkorde in diesem Quartettsatz zahlreicher und selbstverständli-

cher auf als in der Flötensonatine op. 12, der Violinsonate op. 13 und den Fünf Gesängen

op. 15. Eher selten sind Mischklänge anzutreffen. Außer in den T. 39 und 54 der dritten

Themenvariante findet sich nur eine auffällige Häufung bei T. 307–310: Hier macht sich

vor allem die erhöhte vierte Stufe (respektive die verminderte Quinte) bemerkbar.283

Über den hohen Grad an melodischer Chromatisierung ist ebenso berichtet worden wie

über die reichliche Verwendung übermäßiger Dreiklänge und ganztöniger Harmonik. Die

hohe Durchlässigkeit verschiedener harmonischer Prinzipien demonstrieren die beiden

Takte 291-292: In ihren zusammengenommen vier Viertelzählzeiten folgen ein milder

Mischklang F6>7>, ein vollständiger gtcis, ein bitonaler284 e+F7> und ein Q5h aufeinander. Jar-

nach verknüpft diese vier Klänge mit minimalen Stimmbewegungen.

280 Echte V–I-Progressionen beispielsweise kommen äußerst selten vor, nämlich in T. 20-21, 26.1-2, 105.2-3, 159-160

und 297.2-3. Die Takte 11/12 zeigen eine Reihe von Dominantseptakkorden, welche funktionslos und offenbar nur aus

klanglichen Gründen miteinander kombiniert sind.

281 Solche freitonale Dreiklangsharmonik findet sich in T. 15–21, 141–145, 189–194, 215, 224ff. und 252.

282 Quartenakkord-Ballungen finden sich in T. 9f., 56f., 62f., 128, 130, 131f., 234 und 241ff.

283 Vgl. T. 307.3, 308.3+4, 309.1, 310.1.

284 Die Außenstimmen formulieren einen e-Moll-Akkord, zweite Violine und Bratsche den F7>.

157

Stabile und reproduzierte harmonische Verhältnisse herrschen nur in den Themenvarianten

und dem lyrischen Seitensatzmotiv – mithin in jenen Passagen, deren Satzanlage von dem

Modell Hauptstimme + Begleitung geprägt ist. Viele dazwischen liegende, polyphon gear-

beitete Stellen285 dagegen weisen einen höheren Dissonanzgrad auf.

Im ersten Satz von Jarnachs op. 16 finden sich auch ausgesprochene Klangstellen. Die wie

eingeschobenen wirkenden Takte 83–96 gehören dazu, aber auch die Begleitung des hy-

pothetischen Seitensatzes in T. 101ff. Die Flächenhaftigkeit dieser Abschnitte beruht aller-

dings nicht auf der Übereinanderlagerung ostinater Bewegungen wie bei Bartók, sondern

verdankt sich einfachen, auf Dreiklängen oder bloßen Quinten basierenden Liegeklängen,

welche mit einer stärker bewegten Stimme angereichert sind.

V.2.1 Zusammenfassung op. 16, 1. Satz

Von der zeitgenössischen Kritik waren die formalen „Unebenheiten“ (Hugo Holle) des

Satzes, seine fehlende „Geschlossenheit“ (Friedrich Schwabe) und „Unübersichtlichkeit

der Gliederung“ (Alexander Jemnitz) sowie seine „verwirrende Fülle“ (Heinz Pringsheim)

bemerkt worden – ohne dass freilich das Gesamturteil negativ ausfiel. Theodor W. Adorno

sah den Grund für das ‚Entzweispringen‘ der Form des Satzes wie Holle und Jemnitz in

einer Überfülle musikalischer Gestalten, attestierte der Musik aber „bei aller Auflockerung

soviel Zug zur stetigen Sammlung, wie wenig Musik aus unseren Tagen.“ Es sind dies

sämtlich Einschätzungen, die auch nach der detaillierten Analyse Bestand haben.

Die Form des gut 340 Takte umfassenden ersten Satzes aus dem Streichquartett op. 16 gibt

viele Rätsel auf. Eine motivisch dicht gefügte und mit sehr unterschiedlichen Satzcharakte-

ren ausgestattete Exposition erstreckt sich über gut einhundert Takte. Ihr formales Verspre-

chen wird in der Folge aber nicht eingelöst: die Themenvarianten, das chromatische Motiv

und der potenzielle Seitensatz wirken in den letzten zwei Dritteln des Satzes wie unbetei-

ligt an dem musikalischen Ablauf, in dem überwiegend das Reihungsprinzip herrscht.

Im eigentlichen Sinn funktionale Bezüge einzelner Abschnitte untereinander lassen sich

mit Ausnahme der Motto-Reprise nicht ausmachen. Letzte allein ist zu schwach, um eine

den Satz prägende und stabilisierende Architektonik zu gewährleisten. Der kontrapunktisch

aufwendigen Wiederherstellung des Mottos folgt schließlich keine echte Reprise der üb-

rigen Motive – zwei Themenvarianten geben zusammen mit einigen Zitaten des akustisch

sehr zurückhaltenden chromatischen Motivs kaum mehr als ein schüchternes Stelldichein.

Die durch die Motto-Reprise eingeleiteten letzten 70 Takte besitzen denn auch eher den

Charakter einer Coda.

Zudem erlangen die sich in der ersten Phase des Satzes explosionsartig vermehrenden

Themenvarianten in keiner ihrer fünf Fassungen eine echt ‚thematische Festigkeit‘, von

ihrem geringen Umfang einmal ganz abgesehen. Dennoch sind sie ganz allein dafür verant-

wortlich, ein „dynamisches Gleichgewicht“286 herzustellen. – In der Sarabande op. 17 ist

die Variantenbildung bloß eine von mehreren formalen Gestaltungsebenen. Jarnach hat die

Themenvarianten durch ihre auffällig homophone Faktur und sehr ähnliche Begleitstruk-

turen als musikalische Protagonisten hervorgehoben und verfährt in dieser Hinsicht ganz

285 Es seien hier stellvertretend genannt: T. 22f., 27f., 33ff., 46f. oder 201ff.

286 Schultz 1974, S. 20.

158

ähnlich wie mit den beiden Themen der Flötensonatine op. 12. Zwischen den Einsätzen der

Themenvarianten komponiert Jarnach eine Art unverbindlicher Polyphonie, die vor allem

durch ihre rhythmische Feingliedrigkeit auffällt und sich in vielen anderen Kompositionen

wiederfindet.

Eine solche Markierung hätte der klanglich sehr ausgewachsen wirkende potenzielle Sei-

tensatz gar nicht nötig: Seine Relevanz leidet vielmehr darunter, mit nur einem großen

Auftritt ausgestattet zu sein. Die weiteste und gleichmäßigste Verbreitung kann mit der

Viertonfigur einem jener submotivischen Partikel bescheinigt werden, wie sie in fast allen

Kompositionen Jarnachs vorkommen. Zu sehr auf einer abstrakt materiellen Ebene ange-

siedelt und akustisch zu flüchtig, wirkt das Motiv jedoch nicht formbildend.

Die wenigen (und spät angesetzten) durchführungsartig konzipierten Passagen dieses

Satzes zeigen weder Spuren der Themenvarianten noch solche des chromatischen Motivs

oder des potenziellen Seitensatzes. Vielmehr zehren sie von dem Gegensatz ganztöniger

und chromatischer Anlagen (beide gehen auf das Motto zurück), oder sie beschäftigen sich

direkt mit der Wiederherstellung des Mottos. Bezeichnend für diese abstrakten, akustisch

schwer nachzuvollziehenden Operationen ist ihre Konsequenzlosigkeit für die folgenden

Werke.

Bei allem, was an formalen Zusammenhängen in diesem ersten Satz des Quartetts op. 16

nicht zu finden ist: In akustischer Hinsicht ist die Musik kohärent und musikalisch schlüs-

sig, wie dies der überwiegende Teil der zeitgenössischen Rezensionen auch reflektiert.

Wirkung und analytische Befunde sind hier nicht deckungsgleich. Diese Paradoxie mag

darin liegen, dass eine rhapsodische Erzählhaltung wie die vorliegende nicht so sehr von

motivischer Durchbildung als vielmehr von einem durchgehaltenen ‚Ton‘ und einer gut

austarierten Dramaturgie lebt.

V.3 Analyse zweiter Satz: Allegro molto e con fuoco

Länge 642 Takte; dominierendes Metrum 3/4; Tempoangabe Viertel = 192; keine Vorzeichnung, keine Rah-

mentonart.

Im vorhergehenden Abschnitt hatte ich mich über die von Jarnach gewählte Bezeichnung

des ‚Teils‘ hinweggesetzt und den eindeutigeren Terminus ‚Satz‘ gewählt. Gerade der

‚zweite Teil‘ von op. 16 zeigt nun allerdings, dass man mit der gängigen Kategorie des

‚Satzes‘ nicht weit kommt. Der Grund hierfür ist die für einen Streichquartettsatz unge-

wöhnlich große Länge von 642 Takten und das Vorhandensein eines in etwa zentral ange-

siedelten langsamen Abschnitts, dessen Gestaltung sich schon bei flüchtiger Betrachtung

als sehr eigenständig darstellt. Es ist ein ‚Satz im Satz‘.

Daraus und aus der Wiederaufnahme vieler Einzelmomente nach dem ‚langsamen Satz

im Satz‘ resultiert eine dreiteilige Anlage nach dem Schema ABA’. Der erste A-Teil reicht

von T. 1 bis 236, der mit ‚Lento sostenuto‘ überschriebene B-Teil umfasst T. 237–293, die

Reprise A’ beginnt mit T. 294 und endet mit dem Schluss des Satzes. Die mit jeweils etwa

300 Takten symphonisch anmutenden Ausmaße der Rahmenteile stehen im Gegensatz zu

der von Jarnach bekannten strukturellen Kleinteiligkeit mit viel sorgfältig konzipierter Po-

lyphonie und reicher Motivik.

159

Die formale Komplexität der A-Teile ist sehr hoch anzusiedeln und mit dem Stichwort ‚So-

natenrondo‘ nur ungenau beschrieben. Jarnach selbst hatte diesen Formvorschlage in der

schon oben zitierten Werkbeschreibung von 1923 gemacht:

„Im II. Teil – Rondosonate – stehen sich die beiden lebhaften Sätze vollkommen

symmetrisch gegenüber, wenngleich der zweite weniger die ‚Reprise‘ als die ‚Durch-

führung‘ des ersten darstellt. – Den Mittelteil bildet ein selbständiger Adagiosatz.

Das motivische Material der zwei Stretten ergibt sich aus teilweiser Umbildung der

Rondothemen.“287

Während sich das Konzept eines Rondos recht gut nachvollziehen lässt, bereitet der Zu-

satz ‚Sonate‘ gewisse Schwierigkeiten. Des Weiteren ist kaum zu klären, was genau mit

Themen-„Umbildung“ gemeint sein könnte. In einem für ein Studiokonzert in Jahr 1948

verfassten Programmheft schreibt Jarnach dann nur noch von „drei geschlossenen Ab-

schnitten“, deren dritter „thematisch erweiterte Veränderung“ aufweise.288

Wie in einigen seiner anderen Kompositionen hat Jarnach auch im zweiten Teil des Quar-

tetts op. 16 mittels doppelter Taktstriche auf formale Abschnitte hingewiesen. Und da sie

sich in den bisherigen Analysen als hilfreiche Orientierungspunkte erwiesen haben, gebe

ich die Abschnittsgrenzen hier wieder:

1 1–101 6 294–426

2 102–152 7 427–507

3 153–199 8 508–586

4 200–236 9 587–631

5 237–293 310 632–642

Die Abschnittsgrenzen sind vor allem für die Gestaltung der Temporelationen von Bedeu-

tung: Neue Tempoangaben fallen meist mit dem Doppelstrich zusammen. Wie die teils sehr

großen Ausmaße der Abschnitte vermuten lassen, bietet der zweite Satz viel differenzier-

tere Unterteilungsmöglichkeiten. Einige der von Jarnach markierten Abschnitte enthalten

sieben oder acht einzelne Formteile, andere hingegen geben den Rahmen für die Entfaltung

lediglich eines einzigen Couplets ab. Hier herrscht also eine gewisse Uneindeutigkeit.

Ganz explizit ist dagegen von Jarnach die Tempoorganisation im zweiten Satz des Streich-

quartetts op. 16 formuliert worden. Innerhalb der beiden schnellen Rahmenteile findet

jeweils eine Beschleunigung statt, die sowohl auf Tempoänderungen als auch auf der aus-

komponierten Diminution von Notenwerten beruht. Welche Formteile genau Jarnach in

dem oben wiedergegebenen Zitat als die „beiden Stretten“ bezeichnet, bleibt daher unklar.

Lediglich die Abschnitte 8 bis 10 der Reprise könnten eine Stretta im Sinne des Terminus’

darstellen.

Die Ausmaße des zweiten Satzes von op. 16, seine motivische Reichhaltigkeit sowie die

unkonventionelle Formanlage bedingen eine gewisse Unübersichtlichkeit. Hier verspricht

wieder eine kurze schematische Skizze mehr Klarheit, beginnend mit dem ersten, 236 Tak-

287 Siehe NMZ 44/17 (2.8.1923), S. 304f.

288 Philipp Jarnach: Beschreibung des Streichquartetts op. 16 [u. a.], in: Die Werkstatt. Kammermusikabend mit Werken

von Philipp Jarnach, 12. Mai 1948 [an der Universität zu Köln; Programmzettel].

160

te umfassenden A-Teil. Ich wiederhole mich, wenn ich betone, dass ein solches Schema

mehr als Wegweiser durch die Partitur denn als adäquate Wiedergabe der Form aufzufassen

ist. In der ersten Zeile finden sich die von Jarnach durch Doppelstriche markierten Ab-

schnitte, in der Mitte die Formteile, in der unteren Zeile schließlich die Taktzahlen.289 Mit

dem Großbuchstaben R ist das Ritornell bezeichnet, die Kleinbuchstaben a–f kennzeichnen

die Couplets.

1 2 3 4

R a R b c R d e f R e

1 18 45 51 71 83 102 139 163 202 226

Es ist zu betonen, dass auch mit der Bezeichnung ‚Couplet‘ eine Reihe sehr unterschied-

licher Gebilde umrissen sind: In einigen Fällen handelt es sich um größere (und doch ein-

heitliche) Motivkomplexe, oft aber lediglich um ein einzelnes Thema. Ausschlaggebend

für die Kennzeichnung als Couplet waren die Prägnanz des jeweiligen motivischen/thema-

tischen Kerns sowie seine formale Bestätigung in der Reprise.

Es folgt nun eine Beschreibung der einzelnen Abschnitte und der in ihnen enthaltenen Mo-

tive. Aufgrund des Umfangs des motivischen Materials sei die knappe Darstellung gestat-

tet.

Exposition

R Das Ritornell (T. 1–17)

Bereits das erste Ritornell verdeutlicht, was im zweiten Satz des Streichquartetts unter der

Kategorie ‚Themenkomplex‘ zu verstehen ist. Hauptcharakteristika dieser 17 Takte sind

das 3/4-Metrum mit seinen Achteltriolen und -Punktierungen sowie eine große Räume

durchmessende Diastematik. Dennoch ist das erste Ritornell nicht völlig homogen gestal-

tet: Die motivischen Eckpfeiler (T. 1–3 und 11–14), bestehend aus einer einleitenden Auf-

wärts- und einer schließenden Abwärtsbewegung im überwiegenden Unisono, umschließen

ein kontrapunktisch angelegtes Zwischenspiel. Verbindlich für alle weiteren Ritornellfas-

sungen sind aber lediglich die Rahmenmotive, daher seien nur sie hier wiedergegeben:

289 Die Taktahlen beziehen sich immer auf die Formteile selbst; Jarnachs Abschnitte beginnen teils etwas früher.

161

Die beiden Teile bilden zusammen das Ritornellthema und könnten – bei allen Vorbehalten

gegenüber einer solchen Zuordnung – als räumlich getrennter Vorder- und Nachsatz gelten.

Die Takte 15–17 bilden eine vermittelnde Überleitung zum ersten Couplet a.

Die Hauptmerkmale des Ritornellthemas sind eine hauptsächlich auf gebrochene übermä-

ßige Dreiklänge und Mollakkorde (zweiter Thementeil) abgestellte Melodik mit großem

Ambitus und eine Rhythmik, welche ausschließlich aus überbindenden Vierteln, Achtel-

triolen und punktierten Achteln besteht. In seinen Intervallverhältnissen entspricht der

zweite Teil des Ritornells dem Motto des ersten Satzes des Streichquartetts:

Die harmonische Ebene des Ritornells ist aufgrund von häufigem Unisono und Quint-

Quart-Klängen (T. 11f.) sehr schwach ausgebildet; die Dynamik rangiert vom Piano des

ersten Thementeils bis zum Fortissimo des zweiten.

162

Das Ritornell R hat im ersten A-Teil folgende Einsätze:

T. 45–50:

Die triolische Aufwärtsbewegung von T. 1 wird hier deutlich enger mit der punktierten

Abwärtsbewegung von T. 13 kombiniert, das Ergebnis ist eine komprimierte und sehr

schlüssige Fassung aus beiden Themenbestandteilen. Hierbei ist die Aufwärtsbewegung

gegenüber T. 1–3 untransponiert, die triolische Abwärtsbewegung dagegen um eine Quarte

nach unten versetzt (und daher mit dem Motto des ersten Satzes identisch). Die erst mit

Auftakt zu T. 46 einsetzende 2. Violine agiert imitatorisch, wodurch das ursprünglich stren-

ge Unisono des Satzbeginns aufgelockert wird. In T. 48 werden die Achtelpunktierungen

mit den Achteltriolen im Cello synchronisiert – eine Maßnahme, die durchführungsartigen

Charakter hat.

T. 83–92:

Auf eine noch dem vorausgehenden Couplet zuzurechnenden Fortissimo-Interpunktion

erklingt der Kopf des zweiten Thementeils jeweils in T. 83 und 84 der ersten Violine. Erst

in T. 88 wird der erste Thementeil nachgereicht. Ein Zwischenspiel in T. 86f. zeigt unter

der liegenden Quarte b-es’ eine diatonische Triolenbewegung, die den Zwischenspieltakten

9f. entlehnt sein mag (siehe auch T. 90, Vl. 1). Stark präsent ist die punktierte Abwärtsbe-

wegung, sie erscheint in T. 85 (mit originalen Intervallverhältnissen), 89 und, diastematisch

‚abgeflacht‘, noch in T. 94, 95 und 96.

Die Harmonik – im ursprünglichen Unisono wenig ausgebildet – entwickelt sich hier zu ei-

nem vollwertigen Parameter: T. 83.2 bringt einen C7>9>, T. 83.3 einen D7>, und der Themen-

kopf in T. 88 ist in es-Moll gefasst. Die Passage von T. 80 –101 ist insgesamt rhythmisch

vom Ritornell R gekennzeichnet, zeigt aber in zweiter Violine und Bratsche von T. 92 auch

das Kopfmotiv des ersten Couplets.

T. 202ff.:

Hier erscheint eine ganz anders geartete Fassung des Ritornellthemas, die sich unter an-

derem den geänderten metrischen Gegebenheiten anpassen musste: Das Violoncello spielt

unter einer „hell und scharf“ artikulierten Klangfläche der beiden Violinen den Themen-

kopf aus T. 1 in einer augmentierten Fassung.

Obwohl nicht auf Anhieb erkennbar, ist auch diese Ritornellfassung zweiteilig angelegt: T.

202f. bringen den ersten, aufsteigenden Passus in der Originaltonart, auf ein Zwischenspiel

folgt in T. 207f. (wiederum nur im Cello) der diastematisch und rhythmisch variierte Ab-

stieg.290 Sehr originell ist die Begleitung des Ritornellthemas: Die in Achtelquintolen oszil-

lierenden Violinen formulieren mit den Tönen f-b-es einen dreitönigen Quartenakkord, der

sich mit der Quinte c-g in Cello und Bratsche ab T. 201.2 zum Q5g erweitert.

Anders als in den vorangegangenen Ritornellen ist hier keine sinnvolle Umgrenzung des

Formteils möglich. Schließlich beginnt die Klangstelle bereits in T. 200 und dauert bis zum

Eintritt des langsamen Mittelteils in T. 237 an. Unterschiedliche Varianten ostinater Bewe-

gungen betten nicht nur das Ritornellthema ein:

290 In T. 204 könnte man eine Umkehrungsvariante des punktierten Abgangs sehen.

163

Ein von Weiss als fünftes Couplet (c5, siehe Weiss, S. 225) bezeichnetes Motiv er-•

scheint in der ersten Violine von T. 212ff. und wird in einer Wiederaufnahme in T.

587 augmentiert.

In T. 219 und 222 zeigen die Vierteltriolen der zweiten Geige eine Diastematik, die•

dem chromatischen Motiv aus dem Kopfsatz des Quartetts entspricht.

In T. 226 erklingt in der zweiten Violine das von mir so genannte Couplet e (siehe•

unten).

Diese vier Varianten des Ritornells aus dem ersten A-Teil sind von sehr unterschiedlichem

Profil, ohne dass ihr Wiedererkennungswert darunter litte.

a Das erste Couplet (T. 18–40)

Ein Themenkomplex wie das erste Ritornell und wie dieses besonders auf der rhythmi-

schen Ebene stabil, setzt das erste Couplet mit einem aus fünf Achteln bestehenden Auftakt

zu T. 19 ein. Das eigentliche Thema umfasst dabei lediglich die Takte 18–23.1:

Die Folgetakte 23–40 formuliert Jarnach zwar noch mit demselben motivischen Material,

zu einer weiteren Kondensation des Themas kommt es allerdings nicht. Mit der Achtelbe-

wegung in T. 25 könnte man den Beginn eines Nachsatzes assoziieren; die neuen Begleitfi-

guren, die ziellosere Diastematik und Rhythmik weisen die Takte 25–30 aber eher als eine

Fortspinnung aus.

Als Hauptmerkmale des ersten Couplets sind der aus fünf Achteln bestehende Auftakt zu

nennen, der einen Skalenausschnitt durchmisst (T. 18), dann die angedeutete Ganztönigkeit

der Hauptstimme ab dem c’’ in T. 20. Der in ein stabiles 3/4-Metrum eingebettete Saraban-

denrhythmus der drei oberen Stimmen in T. 19 und 22 gehört dazu wie die Zupfbassbe-

gleitung des Cellos in T. 19, 20 und 22 oder die Dreiviertelnoten der Takte 20f. Im Thema

selbst herrscht eine klare Trennung von Melodie und Begleitung sowie eine auf erweiterten

Dreiklängen basierende Harmonik des Hauptmotivs (T. 19–23). Beginnend mit einem

durchgehendem Piano, geht die Fortspinnung des Coupletthemas (T. 24ff.) a in ein Forte

über. Eine Überleitung in T. 41–44 vermittelt zum nächsten Ritornell.

Die fünftönige Auftaktfigur findet sich bis T. 40 in mehreren Varianten: In T. 25 und 29 löst

sie sich aus einer Überbindung, T. 29 und 36 zeigen sie in Umkehrungen, und selbst die

melodisch sprunghafteren Fünfachtelfiguren in zweiter Geige und Bratsche in T. 24ff. las-

sen sich als davon abgeleitet auffassen.

Seltener ist dagegen der punktierte Sarabandenrhythmus in seiner ursprünglichen Form in

diesem Themenkomplex des ersten Couplets anzutreffen.291 Die Dreiviertelnoten (siehe T.

20f.) verselbständigen sich in T. 24 (Vcl.) zu längeren Figuren, der Zupfbass schließlich

291 Siehe T. 22 und 27 (nur Vl. 1) mit Achteln auf der ersten Zählzeit, T. 38 in allen Stimmen.

164

spielt vor allem im weiteren Verlauf des Satzes eine Rolle – in diesem Couplet erscheint er

nach T. 22 nicht mehr. Von seinem Charakter her ist das Coupletthema a ein mustergültiger

Seitensatz, der perfekt mit dem ungestümen Ritornell kontrastiert.

Der nächste Auftritt des Couplets a findet an ungewöhnlichem Ort statt – nämlich mitten

im zweiten Couplet b. Der in T. 55 beginnende Achttakter zeigt diastematisch große Ab-

weichungen, allerdings werden gleich zu Beginn (mit Ausnahme der Dreiviertelnoten) alle

typischen Merkmale von a zitiert; die Motivbausteine sind im Folgenden wie durcheinan-

dergeschüttelt.292 Mit T. 67–70 kommen die Elemente von a dann nochmals zum Zuge.

Eher fragmentarisch ist dagegen ein Themeneinsatz von a in T. 92: Hier ist der Fünf-

achtelauftakt ausgespart, dafür finden sich in zweiter Geige und Bratsche recht genaue

Transpositionen der ersten Violine aus T. 19f., deren Bedeutung mit einem ‚Forte marcato‘

akzentuiert wird. Jarnach sieht hier allerdings von der ganztönigen Anlage ab, die mit dem

c’’ in T. 20 anklang. Bis zum langsamen Abschnitt 5 in T. 237 ist kein weiterer Einsatz des

Couplets zu verzeichnen.

b Das zweite Couplet (T. 51–71)

Das zweite Couplet folgt in T. 51 auf den komprimierten Ritornelleinsatz. Es basiert auf

Materialien des Ritornells und des vorangegangenen Couplets a, ohne jedoch bloß als Ab-

leitung einer der beiden Themen gelten zu können (dem widerspräche auch die Chronolo-

gie). Das folgende Beispiel gibt den ersten der beiden Viertakter des Couplets b wieder, die

wie im Fall des Ritornellthemas durch ein Zwischenspiel voneinander getrennt sind:

Die 4+4 Takte (T. 51–53 und 63–65) mit weitgehenden Entsprechungen beschreiben

wieder einen doppelten Kursus. Auffälligste Differenz der beiden Teile ist die Verlegung

der Melodiestimme von der ersten Violine in das Violoncello. Sowohl die einleitende Be-

292 Die Auftaktfigur findet sich in T. 55, 59 und 62 (Vl. 1) sowie 60 (Vcl.); die ‚Zupfbassbegleitung‘ ist in Vl. 2 und Vla.

der Takte 55–58 verlegt; der Sarabandenrhythmus und seine Umstellungsvariante treten in der Vl. 1 der Takte 56, 57 und

61 auf.

165

wegung in Dreiviertelnoten als auch die nachschlagenden Zählzeiten zwei und drei der

Begleitung verweisen auch das Couplet a, die punktierten Rhythmen der Takte 53 und 65

wiederum auf das Ritornell; die beiden korrespondierenden Teile von b nehmen den oben

beschriebenen Achttakter aus Couplet a in die Mitte. Wie a weist auch das zweite Couplet

eine deutliche funktionale Trennung von Melodiestimme und Begleitung auf. Das wuchti-

ge Fortissimo beider Themeneinsätze sichert ihnen Aufmerksamkeit, mit dem 3/4-Metrum

zeigt das Couplet b seine Verbundenheit mit Ritornell und Couplet a.

Auffällig ist die ausschließlich mit Dreiklängen bestrittene Harmonisierung der Melodie-

stimme. Sie zeigt auf den nachschlagenden Vierteln der Takte 51–54 die Folge

c g7> gtcis a

9< Ü

cis (Des7<) G c

sowie in T. 63–66 die Folge

fis Üc d

56< Ais7> h

56< c A eis.

Demgegenüber sind die mit dem Couplet a assoziierten Takte 55–62 stärker dissonant.

Durch die eng an andere Couplets angelehnten Merkmale ist das Couplet b als ein eher

schwaches Glied in der Reihe der Themen und Motive anzusehen. Es überhaupt als eigen-

ständiges Couplet aufzufassen, legt vor allem seine Wiederholung in der Reprise nahe, in

welcher sogar die Integration des Couplets a erhalten bleibt.

c Das dritte Couplet (T. 71–82)

Aus dem Viertakter T. 67–70 löst sich in der ersten Violine von T. 71 ein neues Motiv im

Dreivierteltakt. Es ragt mit seiner rhythmischen und melodischen Gleichförmigkeit aus den

umliegenden unverbindlicheren Gebilden heraus:

Die direkt aufeinanderfolgenden 4+4 Takte bilden eine zumindest proportional regelmäßi-

ge Periode. Hauptmerkmale sind ein Fünfachtelauftakt wie im Couplet a, das charakteri-

stische, dreimal wiederholte rhythmische Modell aus halber Note, übergebundener Achtel

und selbständiger Achtel, sowie eine kleinschrittige Melodik mit häufigem Richtungswech-

sel. Die Begleitfiguren in zweiter Geige und Cello sind wiederum deutlich abgesetzt; die

unruhige und rhythmisch durchbrochene Begleitung produziert dissonante, kaum klassifi-

zierbare Klänge.

Das Motiv erklingt in variierter Form in der Bratsche in T. 75–78, jetzt von den beiden

Violinen begleitet. Der vierte Takt ist ins Violoncello verlagert. Im Notenbild ins Auge

fallend, gibt sich dieses Thema akustisch recht unauffällig. Im ersten A-Teil kommt es zu

keinem weiteren Einsatz von Couplet c.

Frappierend ist die Ähnlichkeit dieses Coupletthemas mit einem Motiv aus Jarnachs Flö-

tensonatine op. 12. In T. 153ff. findet sich in der Flöte diese Tonfolge:

166

Dieses Motiv aus der Flötensonatine ist deutlich in d-Moll verankert; sein Pendant im

zweiten Satz des Quartetts op. 16 dagegen ist in Vorder- und Nachsatz freitonal gehalten.

Übereinstimmungen gibt es allerdings in der Begleitung, deren Achtelbewegung jeweils

am Taktende eine Lücke für die Melodiestimme lässt (op. 12: linke Hand des Klaviers).

d Das vierte Couplet (T. 102–138)

Die Taktgrenzen dieses Couplets wirken auf den ersten Blick etwas willkürlich, schließlich

reicht der mit T. 102 beginnende zweite Abschnitt des Satzes offensichtlich bis T. 152. Es

wird sich allerdings zeigen, dass es in diesem Abschnitt zwei relevante und durchaus ei-

genständige thematische Gestalten (und damit Couplets) gibt.

Der zweite Großabschnitt ist sowohl durch das nunmehr herrschende Alla breve als auch

die Anweisung ‚Piu animato‘ vom Vorangehenden abgegrenzt, fällt aber vor allem durch

die veränderte Satzstruktur auf. Die Liegetöne der drei Oberstimmen sowie eine scheinbar

ziellose Achtelbewegung im Cello erzeugen ein Moment des klanglichen ‚Heraustretens‘,

wie es sehr ähnlich schon in der ‚Klangstelle‘ (T. 83ff.) des ersten Satzes des Streichquar-

tetts op. 16 zu erleben war. Bezeichnenderweise werden diese beiden Klangstellen mit

demselben Quintklang f-c eingeleitet. Ein Decrescendo fokussiert auf T. 104, in dem sich

die drei Oberstimmen aus ihrer Bewegungslosigkeit lösen und Motiv werden:

Wie das Ritornell und das Couplet b liegt auch das Coupletthema d in zwei räumlich ge-

trennten Einsätzen vor (T. 104ff. und 120ff.) Das bisher unangefochten vorherrschende

3/4-Metrum wird hier zugunsten eines Alla breve aufgegeben. Charakteristisch ist neben

der Achtelbewegung des Cellos die Führung der drei Oberstimmen in parallelen Quint-

Quart-Klängen, von der es nur kurzzeitige Abweichungen gibt. Diese vier Takte stehen

167

stellvertretend für diesen ausgedehnten Themenkomplex, dessen Ablaufmuster aus zwei

oder drei 2/2-Takten und jeweils einem eingeschobenen 3/4-Takt besteht. Sinnvollerweise

könnte man von einer siebentaktigen Periode (4+3, T. 104–110) sprechen und die Folgetak-

te 111–119 als Auslaufphase bezeichnen.

In T. 114 der Auslaufphase friert die Bewegung ein, sodass das Coupletthema d auch bei

seiner Wiederholung in T. 120–126 aus einer statischen Konstellation hervorgeht. Diese

variierte Wiederholung, die in ihre Anlage (4+3 Takte, samt anschließender Auslaufphase)

dem Vorbild sehr ähnlich ist, wurde von Jarnach noch stärker in der Art einer ostinaten

Klangfläche gestaltet. Die Melodie liegt diesmal allein in der ersten Geige, die drei unteren

Stimmen bewegen sich in simultanen Achteln und Achteltriolen.

Die Harmonik oszilliert in der ersten Hälfte von T. 120 zwischen a-Moll und A-Dur, in der

zweiten Hälfte zwischen b-Moll und B-Dur. Diese reizvolle harmonische Uneindeutigkeit

setzt sich bis T. 124 weitgehend unverändert fort. Mit dem Einmünden in die Tonrepetitio-

nen des Cellos (T. 137f.) wiederholt sich Takt 118f., nur geht es diesmal nicht in eine wei-

tere Runde des Coupletthemas d – etwas Anderes geschieht.

e Das fünfte Couplet (T. 139–152)

So sieht kein Coupletbeginn aus – so mag man gegenüber dieser Festlegung einwenden.

Schließlich vollzieht sich der Wandel der Satzstruktur um T. 138/139 sehr behutsam – die-

se Technik der langsamen Strukturveränderung ist besonders häufig in Bartóks drittem

Streichquartett (1927) anzutreffen.

Zunächst wird – man befindet sich immer noch im Alla-breve-Metrum des zweiten Ab-

schnitts – in T. 139 ein dreitöniger Quartenakkord auf b (Q3b) installiert, der bis T. 146 die

Grundlage der weiteren Vorgänge bildet. Zweite Violine und später die Bratsche finden

sich in eine Bewegung, die sehr überwiegend aus ausnotierten Sekundtrillern besteht. In T.

143–149 dann hebt in der ersten Violine ein Thema an, dessen lange Notenwerte und ver-

hältnismäßig weite Intervallsprünge einen großen Bogen beschreiben:

Dieses ‚Thema‘ ist bekannt: Seine vollendete Form fand es bereits in T. 101ff. des ersten

Satzes, wo es als potenzielles Seitenthema identifiziert wurde. Wie im ersten Satz aber be-

sitzt dieses lyrische und ungewöhnlich weit ausschwingende Thema auch hier keine struk-

turelle Funktion: Jarnach belässt es bei einer Wiederholung in T. 226ff.; im zweiten A-Teil

sucht man das Thema vergebens.

Auch wenn das Couplet e vorrangig eine materielle Verbindung zum ersten Satz des Quar-

tetts op. 16 herstellen soll, lohnt ein Vergleich der anderen Parameter. Wie in T. 101ff. des

ersten Satzes ist das Thema von einer Kombination von Liegeklängen und einer schneller

durchlaufenden Stimme begleitet. War die deutlich diatonische Anlage der Melodik im

ersten Satz mit einem recht stabilen es-Moll-Klang unterlegt, ist es nun der erwähnte drei-

tönige Quartenakkord auf b.

168

In T. 226–232 erscheint die zweite Fassung von e. Die Elemente der Begleitung sind die-

selben, allerdings wird durch die Verlegung der Melodie in eine Mittelstimme (hier Vl. 2)

die Assoziation an einen Cantus firmus geweckt. Mittels einiger Oktavtranspositionen wird

der bogenförmige Umriss des Themas zerstört; seine noch intakten Morpheme (und vor

allem natürlich der klangliche Rahmen) garantieren die Identifikation. Als unterlegte Har-

monie fungiert bis einschließlich T. 228 ein dreitöniger Quartenakkord auf dis.

Das klanglich entrückte Coupletthema e erscheint wie eine ‚Krönung‘ gegen Ende der bei-

den durch Klangflächen gekennzeichneten Abschnitte 2 und 4.

f Das sechste Couplet (T. 163–184)

Der Vergleich des bloß aus einem Thema bestehenden Couplets e mit dem darauffolgenden

Couplet f zeigt, wie sehr diese Kategorie gedehnt werden muss. So sind die Takte 163–184

zugleich Exposition und Durchführung eines zweitaktigen Motivs, das es im Verlauf dieses

Abschnitts auf ein gutes Dutzend Einsätze bringt.

Wie in Abschnitt 2 beinhaltet auch der dritte Abschnitt (T. 153–199, es bleibt beim 2/2-

Metrum) mehr als bloß ein Motiv. Nur eines von ihnen aber drückt dem Abschnitt seinen

Stempel auf: Es ist der prägnante Zweitakter in der ersten Violine von T. 163f. Diesem

eigentlichen Couplet f gehen die Takte 153–162 voraus, welche einen vorbereitenden Cha-

rakter haben. Mit der schrittweisen Verdichtung eines polyphonen Profils wird die Rück-

kehr aus dem flächigen Abschnitt 2 eingeleitet. Bemerkenswert ist das explosionsartige

Auftreten gebrochener Dreiklänge in diesen Takten. Im Vordergrund stehen dabei vermin-

derte Dreiklänge (Vl. 1: T. 158.2, 159.1+1; Vla.: T. 157.2, 1601+2, 161.1; Vcl.: T. 159.2,

160.1), daneben finden sich Dur- und Mollakkorde sowie ein übermäßiger Dreiklang (T.

160.2 in den Violinen). Speziell für das massierte Auftreten verminderter Dreiklänge sehe

ich weder eine Motivation noch die Quelle.

Das zweitaktige Kernmotiv dieses Couplets f wird in zwei Episoden (T. 163–170 und T.

178–183) durchgeführt – wie schon in den Couplets b, c und d liegt ein doppelter Kursus

vor. Die markant knappen Züge dieses Motivs sowie seine intensive kontrapunktische Ver-

wertung sind allerdings ohne Parallele in diesem Satz. Das Notenbeispiel zeigt das Motiv

in seiner zuerst erklingenden Form:

Hauptcharakteristika sind der Kopfrhythmus aus halber Note und vier Achteln, der einem

Doppelschlag ähnelnde Umriss der Achtelgruppe sowie der in punktiertem Rhythmus293

293 Gerade der punktierte Rhythmus scheint auf den ersten Blick nicht zum unverzichtbaren Bestandteil des Motivs zu

gehören. Signifikant ist aber die Häufung der Punktierung in T. 169ff., 182ff. sowie ganz besonders in der Reprisenfas-

sung vom Couplet f.

169

gehaltene zweite Takt mitsamt seiner Beschränkung auf nur zwei verschiedene Tonqualitä-

ten. Durchführungsartige Arbeiten beginnen schon mit T. 164, wenn im Cello die isolierte

Achtelfigur sequenziert wird (siehe auch T. 181). Einsätze des lediglich ersten Motivtaktes

sind zahlreich vorhanden, in T. 167ff. kommt es dann zu einer regelrechten Engführung

des Motivkopfes. Bisweilen wird auch die Achtelfigur isoliert (Siehe T. 181ff.). Die Takte

178ff. zeigen mehrere Rhythmusmodelle aus halber Note plus vier Achteln unter Vermei-

dung der ursprünglichen Motivmelodik.

Besonders interessant ist die harmonische Gestaltung des Couplets f. Die Dominanz von

Quartenakkorden steht außer Frage. Darüber hinaus zitiert Jarnach hier eine neue Klasse

von Quartenakkorden, die sich bereits im Sichlein op. 15 Nr. 2 (wenn auch nicht in grund-

stelliger Struktur) angekündigt hatten: Es sind Gebilde aus vier Tönen, die einen unvoll-

ständigen fünftönigen Quartenakkord umreißen. Als Beispiel mag der Klang in T. 168.1

dienen:

In diesem Fall ist der mittlere Ton d’ ausgelassen, sodass die prinzipiell symmetrische

Form des Quartenakkords erhalten bleibt. Seine Struktur ließe sich mit Q5e[d] ausdrücken.

Dieser grundstellige Akkordtyp findet sich noch in T. 170.2 (Q5ais[gis]), 178.2 (Q5e[d])

und 188.3 (letzte drei Achtel: Q5f[es]). Die Akkorde in T. 169.1 (Q5es[des]294), 180.1+2

(Q5d[c] und Q5h[a]) und 186.2 (letzter Akkord: Q5e[d]) gehören ebenfalls zu diesem Ak-

kordtyp, auch wenn sie nicht mehr in der Grundstellung vorliegen. Es liegt in der Natur

dieser Klänge, dass sie außer als Quartenbildung auch als kleine Moll-Septakkorde ge-

deutet werden können. Diese zweite, konventionelle Deutungsperspektive drängt sich vor

allem aus akustischen Gründen bei T. 180.1+2 auf.

Daneben kommen noch unvollständige Quartenakkorde mit (von unten gezählt) fehlendem

zweiten Ton vor.295 Aufgrund des Vorhandenseins eines zusammenhängenden dreitönigen

Quartenakkords ist die klangliche Ausrichtung hier eindeutiger und die alternative Deutung

als Durakkord mit großer None wenig sinnvoll.

Die Ambivalenz dieser Klänge (‚elliptische Quartenakkorde‘ oder charakteristische Dis-

sonanzen?) wird durch das harmonische Umfeld nicht entschieden: Die Takte 163–184

beinhalten eben sowohl viele dur-molltonale Akkorden als auch ganz konventionelle Quar-

tenakkorde.296

Der Abschnitt 3 schließt mit einem Epilog (185–195), der mit dem Coupletmotiv f nicht

viel gemein hat. Die motivische Grundlage für die durch Tonrepetitionen gekennzeichneten

Takte kann meines Erachtens nur in einer unscheinbaren Figur liegen, die in T. 154ff. von

der Bratsche eingeführt wurde. In T. 185ff. wird die dort vorgebildete Achtelbewegung

sequenziert und durch die Ausdehnung auf alle vier Stimmen potenziert. Die Harmonik

bewegt sich dabei in den zuvor gezeichneten Bahnen aus konventionellen Dreiklängen und

294 Aus den Tönen fis-h-as-es ließe sich der unvollständige Quartenakkord es-as-[des]-ges(=fis)-ces(=h) erstellen.

295 Siehe T. 163.2 (H-a-d’-g’=Q5h[e]), 170.1 (fis-e’-a’-d’’=Q5fis[h]).

296 Siehe T. 164.2 (Q4

a), 178.1 (Q4

f) und 182.1 (Q3

cis).

170

Quartenakkorden. Neu hingegen sind dissonierende bitonale Klänge in T. 192.2 (f-Moll +

E-Dur), 194.2 (c+H) und 195.2 (es+D). Die Takte 196–199 stellen schließlich eine Überlei-

tung zum stark modifizierten Ritornell dar.

Diese Beschreibung des ersten A-Teils weist die Anzahl von sechs sehr unterschiedlich

gestalteten Couplets aus, deren Unterteilung durch das Ritornell R kaum Regelmäßigkeiten

erkennen lässt. Zur besseren Übersicht sei hier nochmals das Schema abgebildet:

1 2 3 4

R a R b c R d e f R e

118 45 51 71 83 104 143 163 202 226

Überprüft man das Ritornell und die sechs Couplets auf ihre thematische Prägnanz, so er-

gibt sich ein uneinheitliches Bild:

Das Ritornell R ist charakterlich stark ausgeprägt, bei jeder Wiederkehr ist minde-•

stens einer der beiden Thementeile einwandfrei identifizierbar. Sein schwaches har-

monisches Profil ist vom übermäßigen Dreiklang gekennzeichnet.

Das Couplet a kommt in seiner ersten Fassung (T. 18ff.) den Erfordernissen eines•

Seitensatzes sehr nahe. Seine nachfolgenden Varianten sind oft diastematisch un-

verbindlich und eher als Neuordnungen des motivischen Materials denn als Ablei-

tungen zu verstehen. Es dominiert eine tonale Harmonik.

Kaum mehr als ein Überleitungsmotiv ist das Couplet b. Bemerkenswert ist die•

dreiteilige Anlage mit einer Variante von a als Mittelteil.

Das Couplet c• ist schwerlich als eigenständiger Formteil anzusehen. Auffallend ist

die starke Verwandtschaft mit einem Motiv aus Jarnachs Flötensonatine op. 12.

Die Couplets d und e fallen wie die sie umschließenden Abschnitte 2 und 3 durch•

ihre flächige Gestaltung aus dem Rahmen. Die Oberstimmenmotivik von d löst sich

dabei kaum aus dem Satz. Charakteristisch ist die zwischen Dur und Moll oszillie-

rende Harmonik.

Satztechnisch ist e eine Fortführung von d und kein eigenständiger Formteil. Neu sind

aber eine Fixierung eines Quartenakkords sowie die Melodik der ersten Violine, welche in

puncto Expressivität alle anderen Themen und Motive des Satzes hinter sich lässt. Wollte

man überhaupt den Gedanken an eine Sonatenform verfolgen, so wäre in der stabilen The-

mengestalt e vielleicht am ehesten der Gegenpol zum Ritornell zu sehen;

Dem auf nur zwei Motivtakten basierenden Couplet f schließlich scheint die Aufgabe zu

obliegen, das Moment der Durchführung in den Satz zu tragen.297 Die harmonische Domi-

nanz von Quartenakkorden in f ist auffällig.

Rekapitulation der Exposition

Die von Jarnach selbst eingeführte Bezeichnung ‚Sonatenrondo‘ ist bis hierher nicht ohne

Weiteres nachzuvollziehen, denn dem Ritornell steht eine große Anzahl an Couplets von

sehr unterschiedlichem Gewicht gegenüber. Wenn auch ein dialektisches Verhältnis zweier

Themen in diesem Zusammenhang nicht vorliegt, sollten doch die beiden möglichen Deu-

tungsvarianten in Richtung auf ein mögliches Sonatenrondo einmal durchgespielt werden:

297 Besonders nachdrücklich gelingt dies in den Takten 508–577 der Reprise.

171

These I: Das Ritornell ist das Hauptthema, das Couplet a das Seitenthema. Die charakterli-

che Differenzierung der Themen ist offensichtlich, innerhalb von Abschnitt 1 ließe sich mit

Couplet c noch eine stimmige Schlussgruppe zutage fördern. Die Reprise lässt die Archi-

tektur einer solchen Exposition fast unberührt. Problem: Dieses Konzept trägt nur 100 der

knapp 240 Takte der Exposition. Die Abschnitte 2, 3 und 4 mitsamt ihren Couplets d, e und

f blieben dabei unberücksichtigt.

These II: Abschnitt 1 ist der Hauptsatzkomplex, Abschnitt 2 der Seitensatzkomplex. Damit

ergäbe sich eine vielleicht noch überzeugendere Kontrastierung der Teile in satztechnischer

und klanglicher Hinsicht. Der Abschnitt 1 enthält die Formteile R, a und b sowie das Mo-

tiv c, die sämtlich durch eine gemäßigt polyphone Schreibweise verbunden und deutlich

im 3/4-Metrum verankert sind. Exakt mit Abschnitt 2 tritt die Veränderung hin zu einer

flächenhaften Gestaltung ein, während das Metrum zu einem großzügigeren Alla breve

wechselt. Das Couplet d besitzt ein nur schwach ausgeprägtes thematisches Profil, mit dem

ausdrucksstarken Thema e erklingt eine Reminiszenz an den ersten Satz des Quartetts. Pro-

blematisch: Die Funktion der Abschnitte 3 und 4, der Verbleib des ‚Seitensatzes‘ in der Re-

prise (die Couplets d und e fehlen dort) sowie die Bedeutung des in den Abschnitten 3 (und

8) präsentierten Motivs f müssen offen bleiben. Letzteres könnte nur dann die (ihm übri-

gens gut passende) Stelle als Schlussgruppe ausfüllen, wenn man den gesamten Abschnitt

4 als ‚Coda der Exposition‘ auffasste.

Es sprechen zu viele Einwände gegen die Annahme einer Sonatenexposition auf Grundlage

der Abschnitte 1 bis 4. Die Analyse der Reprise, die hier unverzüglich folgt, wird diesen

Eindruck erhärten.

Reprise (T. 294–642)

Im II. Teil – Rondosonate – stehen sich die beiden lebhaften Sätze vollkommen sym-

metrisch gegenüber, wenngleich der zweite weniger die „Reprise“ als die „Durchfüh-

rung“ des ersten darstellt.298

Die ‚Tempo I‘-Anweisung in T. 294 sowie das 3/4-Metrum markieren die Rückkehr zur

ursprünglichen Gangart des zweiten Satzes von op. 16. In den nun folgenden 15 Takten

lässt eine schnelle Abfolge von Themenbestandteilen aus Ritornell und Couplet a zunächst

tatsächlich eine Ahnung der von Jarnach angekündigten „Durchführung“ aufkommen. Der

ganz überwiegende Teil der Reprise wird diesem Anspruch aber nicht gerecht. Sie zeigt

vielmehr eine ähnliche Aufstellung von Ritornellen und Couplets wie die Exposition.

Als eine generelle Eigenheit der Reprise kann die Verwendung auch kleinerer Bruchstücke

der bekannten Motive gelten. Damit geht eine stärkere Diffusion des motivischen Materials

einher, welches nicht mehr in dem Maße an seine Formteile gebunden ist, wie es in der Ex-

position der Fall war. Das folgende Schema hat gegenüber demjenigen für die Exposition

eine ‚feinere Auflösung‘, um dieser Motivsplittung Rechnung zu tragen:

298 Philipp Jarnach über das Streichquartett op. 16, in: NMZ 44/17 (2. 8. 1923), S. 304f.

172

6 7 8 9 10

R a b R x R f

294 331 373 420 427 500 508 587 632

Die geringe Zahl an Formteilen täuscht darüber hinweg, dass die Reprise mit viel mehr

thematischen und motivischen Anspielungen aufwarten kann als der erste A-Teil. Gleich-

zeitig verhindert genau diese Diffusion der kleineren Partikel, dass es zur Bildung in sich

abgeschlossener Couplets kommt. Auffällig ist das gänzliche Fehlen der Couplets d und

e – an ihre Stelle tritt in Abschnitt 7 ein Motiv, welches ich hier mit ‚x‘ bezeichnet habe.

Dieses Motiv bildet kein eigentlich eigenes Couplet, seine Erwähnung in obigem Schema

verdankt es seiner Platzhalterfunktion.

R Das Ritornell (T. 294–330)

Die gegenseitige Durchdringung von Motivbestandteilen macht sich bereits im ersten

Ritornell bemerkbar. Nach einer dreitaktigen Hinleitung erklingt in T. 297 eine (erneut

modifizierte299) Variante des Ritornellthemas. Zwischen diese punktierte und die in T. 301

folgende triolische Version des Motivs schiebt sich in T. 300 der Sarabandenrhythmus aus

dem Couplet a (für die Takte 303 und 305 passiert dasselbe). Jarnach markiert diese kleine

Vorwegnahme mit der Spielanweisung ‚molto marcato‘ sowie einer doppelten Punktierung.

Von den drei Anläufen zum Kopfmotiv des Ritornells ähneln diejenigen in T. 301 und 313

der Originalfassung aus T. 1 besonders stark.

Erst in T. 327–330 erscheint der abwärts geführte zweite Teil des Ritornellthemas – und

das in einer fast ganz der Originalfassung von T. 11 entsprechenden, untransponierten Ge-

stalt. Damit spannt das erste Ritornell der Reprise einen weiten Bogen von 34 Takten – das

ist gegenüber dem ersten Ritornell der Exposition eine Verdopplung des Umfangs. Verant-

wortlich dafür sind einerseits der dreimalige Anlauf des Themenkopfes, andererseits aber

ein Motiv, welches in den Takten 314ff. ansetzt und in T. 320 sogar die Gelegenheit erhält,

imitatorische Verfahrensweisen zu erproben.

Die Herkunft des neuen Motivs indes ist nicht zu klären. Außer in diesen Takten finden

sich überhaupt nur im Couplet f (Reprisenfassung ab T. 508) Gruppen aus mehreren zu-

sammenhängenden Sechzehntelnoten. Von f unterscheiden sich die Takte 314–326 aber

in Taktart, Diastematik und Begleitstruktur. Im weiteren Verlauf der Reprise spielt dieses

neue Motiv keine Rolle. Es ist eine von mehreren ‚überschüssigen Ideen‘ der Reprise. Für

lange 90 Takte pausiert das Ritornell, erst die T. 423f. präsentieren wieder seinen Themen-

kopf – hier im Fortissimo und mit einer den Abschnitt 6 deutlich beschließenden Geste.

Eine letzte, im Umriss leicht verschwommene Version des Ritornellthemas erklingt um T.

500: Rhythmisch ganz auf gerade Achtel abgestellt, tauchen schon in T. 493 (Vla.) und 494

(Vl. 2) abwärts pendelnde Quinten auf, deren Vorbild zweifellos in T. 13 aus dem zweiten

Thementeil des Ritornells zu sehen ist. Die Takte 495ff. zeigen dann in den beiden Violi-

nen eine ganztönige Diastematik, welche nur mit den im Ritornell vorkommenden übermä-

ßigen Dreiklängen in Verbindung gebracht werden kann.

299 Hier wird die ursprüngliche Aufwärtsbewegung mit dem der Abwärtsfigur eigenen punktierten Achtelrhythmus kom-

biniert. Der übermäßige Dreiklang erscheint in Form von d-fis-b in erster Geige und Bratsche.

173

In T. 500ff. schließlich erfolgt der Einsatz des Themenkopfes mit einer Unisono-Fortfüh-

rung, die ganz erheblich vom übermäßigen Dreiklang geprägt ist.300

Gegenüber der Exposition ist die hier zu beobachtende ‚Streuung‘ gewisser Themenbe-

standteile eine ganz neue Verfahrensweise. Im Fall des Ritornellthemas ist hiervon der

(eindeutig nur ihm zugeordnete) übermäßige Dreiklang betroffen. Kam er in der Exposition

nur in Verbindung mit R vor, macht er sich in der Reprise wiederholt selbständig. So auch

in der ersten Violine von T. 346ff.; hier entsteht quasi nebenbei ein Motiv, dessen angedeu-

tete Periodik (T. 347–350) eine durchaus thematische Anmutung schafft:301

Die Kontur dieses Motivs ist mit dem gleich darauf angedeuteten Coupletmotiv c ver-

wandt, seine locker gefügte Begleitstruktur in Bratsche und Cello hingegen ist ganz ohne

Vorbild.

Weitere übermäßige Dreiklänge lassen sich in T. 356 (Vl. 1), 393f. (Vl. 2+1) und 399 (Vl.

1) aufspüren. In den Takten 463ff.302 und 477–484303 ist eine regelrechte Durchführung die-

ses Akkords zu beobachten. Die dort vorgestellten Abwärtsgänge in Achtel- und Viertelno-

ten sind eine Ableitung der das Ritornell abschließenden Triolenfigur aus erster Violine und

Cello von T. 14. Für diese These mag auch die direkte Nachbarschaft des (äußerst sparsam

eingesetzten) verminderten Dreiklangs zu beiden Passagen sprechen: Auf der letzten Vier-

tel von T. 14 korrespondiert er mit dem übermäßigen Dreiklang am Beginn des Taktes, in

den Takten 466ff. substituiert er den übermäßigen Dreiklang in den charakteristischen Ab-

wärtsmotiven.304

Zurück zum Ritornellthema, dessen letzter richtiger Einsatz in T. 507 endet. In den letzten

140 Takten spielt es keine Rolle mehr, nur in der Coda-Apotheose (T. 632ff.) mit den sich

aufwärts wälzenden Achteltriolen ist noch eine kleine diastematische Reminiszenz ver-

steckt (T. 634, Vla.). Insgesamt unterscheidet sich der Einsatz des Ritornells in der Reprise

nicht grundlegend von demjenigen in der Exposition. Da aber die Reprise mit knapp 350

Takten die weitaus größeren Ausmaße besitzt, kann das Ritornell hier kaum mehr eine ar-

chitektonische Stütze abgeben.

a Das erste Couplet

Nachdem bereits der erste Ritornelleinsatz der Reprise den Sarabandenrhythmus von a ent-

hielt, erscheint das erste reguläre Couplet a in T. 331. Jarnach verzichtet hier auf eine allzu

große diastematische Ähnlichkeit zum Originalthema aus T. 18ff., aber die Fünfachtelauf-

takte, die Zupfbassbegleitung (T. 331ff., 342ff.), die Dreiviertelnoten (T. 334ff.) sowie der

300 Gebrochene übermäßige Dreiklänge finden sich in T. 501.1, 504.2, 505.2, 506.1 und 507.1.

301 Die Kontur dieses neuen Gebildes ist entfernt mit Couplet c verwandt.

302 Übermäßige Dreiklänge in T. 463 (Vla.), 464 (Vl. 2 und Vcl. [aufwärts gebrochen]), 465 (Vl. 2).

303 Siehe vor allem die erste Violine, ab T. 480 zusätzlich die zweite Violine, im Übergang von 483 auf 484 alle Stim-

men. T. 482 ist darüber hinaus mit dem Sarabandenrhythmus aus Couplet a versehen.

304 Verminderte Dreiklänge substituieren in T. 466.2 (Vl. 1), 467.2 (Vl. 2 und Vcl.) und 473f. (Vl. 2).

174

Sarabandenrhythmus sind der Zeichen genug. Eine Sequenzbildung (T. 342f. – 345f.) leitet

zu der bereits genannten motivischen Neubildung in den Takten 346ff. über.

Zwischen die erste Phase von a (T. 331–346) und eine Wiederaufnahme seiner Bestandteile

in T. 357ff. installiert Jarnach das Coupletthema c (T. 352ff., Vl. 1); in dessen Begleitstim-

men wirken mit Zupfbass (das Pizzicato ist durch ein Staccato ersetzt) und Dreiviertelnote

weiterhin Materialien aus a.

Schließlich zeigen sich Elemente von a zwischen den beiden Einsätzen des Couplets b

(387ff.) sowie in Takt 412ff. In dieser Anordnung besteht ebenso eine Übereinstimmung

mit der Exposition wie in der Tatsache, dass sich das erste Couplet nach ungefähr einhun-

dert Takten aus dem Geschehen der Reprise verabschiedet.

b Das zweite Couplet

Eines der Hauptargumente zur Begründung einer ‚Reprise‘ ab T. 294 ist die im Wesentli-

chen unveränderte Übernahme des kompliziert gebauten b-Couplets in T. 373ff. Dabei wird

die ungewöhnliche b-a-b-(a) Anordnung wiederholt, die Proportion der Teile zueinander

allerdings modifiziert. Der auf nunmehr 32 Takte verdoppelte Umfang des gesamten Cou-

plets b resultiert aus einer Verlängerung des Themas von vier auf sechs Takte, der soforti-

gen variierten Wiederholung dieses Sechstakters305 sowie einem geringfügig gestreckten

a-Mittelteil. Im Gegensatz zur ursprünglichen Fortissimo-Dynamik und den heftig arti-

kulierten Begleittönen auf den zweiten und dritten Zählzeiten herrscht in der Reprise des

Couplets b das Piano vor, in T. 373 ist gar die Anweisung ‚dolce‘ zu lesen.

Die Begleitfiguren sind modifiziert, haben sich in jeweils einer Stimme aber ihren rhyth-

misch nachschlagenden Charakter bewahrt. Gegenüber der Exposition fällt die harmoni-

sche Ebene weniger dicht aus, bemerkenswert sind nun vor allem die verkürzten Domi-

nantseptakkorde auf der jeweils zweiten Zählzeit von T. 376–378 und 380f.

c Das dritte Couplet

Eine besonders große Diffusion erfährt das Coupletthema c in der Reprise. Einige zarte

Andeutungen des Motivs finden sich in T. 352f. (Vl. 1), 379ff. (Vl. 2) und 409 (Vl. 1) und

412 (Vla.) – keine dieser Fassungen kann als befriedigende Wiederaufnahme der ursprüng-

lichen Themengestalt gelten.

Da erscheint in der zweiten Violine von T. 453ff. eine melodisch abgewandelte, rhythmisch

aber korrekte einfache Reprise des ersten Viertakters aus c. Die aus der Exposition bekann-

te, einprägsame Rhythmik der Begleitung wird von keiner der genannten Einsätze von c

wieder aufgenommen.

d, e Die fehlenden Couplets und ein neues Motiv

Von den in der Exposition durch ihre flächenhafte Satzstruktur und das Alla-breve-Metrum

auffallenden Couplets d und e (respektive den Abschnitten 2 und 3) ist in der Reprise ledig-

lich eine kurze Andeutung übriggeblieben: Die T. 364ff. sind den Einleitungstakten zu d (T.

305 Vergleiche T. 51–54 mit T. 373–378 + 379–384 und mit T. 399–404.

175

102ff.) sehr ähnlich und tragen sogar die „sotto voce“-Anweisung der früheren Stelle. Die

Positionierung dieses Elements noch vor dem Couplet b (und damit innerhalb des ersten

Reprisenabschnitts 6) entspricht nicht der ursprünglichen Lage. Diese sah mit dem Couplet

d die Eröffnung von Abschnitt 2 vor, der zusammen mit dem thematisch wirkenden Motiv

e den potenziellen Seitensatz einer hypothetischen Sonatenform abgibt.

Der in formaler Hinsicht dem Abschnitt 2 entsprechende Abschnitt 7 wird über einen

massiven Einsatz des Ritornellthemas in T. 427 erreicht, bleibt beim 3/4-Takt und trägt zu-

nächst alle Züge einer Stretta. An die Stelle der Motive d und e tritt nach einigem Vorlauf

in T. 435 eine neue Figur:

Das gänzlich neue Motiv besteht aus lediglich sechs Tönen,

deren Umriss an eine Allintervallreihe erinnert. So oft dieses

kleine Motiv im Verlauf der nächsten vierzig Takte auch er-

klingt306, so macht es doch keinerlei Entwicklung durch. Seine

Ursprünge bleiben unklar wie ihre Aufgabe im Rahmen der

Reprise. Es kann lediglich festgehalten werden, dass der Abschnitt 7 insgesamt ein lok-

keres Gefüge darstellt und bis zum Einsatz des Ritornells (T. 500) Motiven aus b307, c308

und d309 zu kurzen Auftritten verhilft. Verwandtschaftsbeziehungen zu der an diesem Ort

erwarteten Klangstelle mit den Motiven d und e (vergleiche Abschnitt 2) gibt es nicht. Wo

Abschnitt 2 einen seitensatzartigen Ruhepol in der Exposition bildet, fungiert Abschnitt 7

als eine (verfrühte) Stretta – eine interessante Substitution des Abschnitts 2.

f Die Durchführung des sechsten Couplets

Ganz unerwartet ist der Auftritt des Couplets f in T. 513 nicht; erstaunlich aber sind die

Ausmaße dieses Formteils. Während der 65 Takte bis T. 578 kommt es nur zu zwei kurzen

Unterbrechungen310 jener durchführungsartigen Arbeiten am Motiv f, welche dieses Cou-

plet im Rahmen dieses Satzes einzigartig machen.

Der das Couplet umschließende Abschnitt 8 (T. 508–586) beginnt mit fünf einleitenden

Takten, bis in T. 513 das Motiv f in der ersten Violine erscheint. Eine Gegenüberstellung

dieses Einsatzes mit demjenigen aus T. 163 zeigt als wesentlichen Unterschied die Dimi-

nution des Metrums und der Notenwerte in T. 513f. Darüber hinaus gibt es Differenzen

bei den Intervallverhältnissen – wieder einmal erweist sich die Kategorie der ‚Kontur‘ bei

Jarnach als entscheidender als die exakte Diastematik. Von der in g-Moll angesiedelten

Melodieharmonik der ersten Stelle bleibt nichts übrig – die erste Violine besitzt in T. 513

sogar einen ganztönigen Anklang. Nah am Original von T. 163f. sind nur die Takte 540f.;

hier verlaufen sogar die Begleitstimmen in sehr vertrauten Bahnen.

Als stabil erweisen sich indes jene Hauptmerkmale, die schon im Couplet f der Exposi-

tion vorhanden waren: der Kopfrhythmus (hier bestehend aus Viertelnote und vier Sech-

zehnteln) und der Umriss der Sechzehntelfigur. Die Zwei-Ton-Beschränkung des zweiten

306 Das neue Motiv erscheint in T. 435 (Vla.), 436 (Vl. 2), 440 (Vl. 2), 441 (Vla.), 442 (Vla.), 445 (Vl. 1 + Vla.), 446

(Vl. 2 + Vla.), 447 (Vl. 1), 450 (Vl. 2), 451 (Vl. 2) und, besonders hervorgehoben, in der ersten Violine von T. 473f.

307 Vgl. die Skalenausschnitte der ersten Violine in T. 435ff. und den Sarabandenrhythmus in T. 482.

308 T. 440ff.: nachschlagende Viertelbegleitung im Violoncello.

309 Vgl. das Motiv c in der zweite Violine von T. 453ff.

310 Siehe T. 524–532 und T. 569–571.

176

Taktes ist dagegen fakultativ. Der punktierte Rhythmus des zweiten Motivtaktes fehlt zwar

dort, tritt dafür aber in T. 517f., 528ff. (Vl. 1), 545ff. und 567f. stark in Erscheinung. Die

prononcierten doppelten Punktierungen in T. 555f. und 560 sind sicherlich als Intensivum

des ursprünglichen punktierten Rhythmus‘ anzusehen.

In dieser langen Passage zwischen T. 513 und 578 kommt es allein zu neun Einsätzen des

kompletten Zweitakters311; die charakteristische Vier-Sechzehntel-Gruppe allein erscheint

zunehmend auch außerhalb des Motivkopfes und wird ab T. 545ff. immer öfter zu längeren

Ketten verarbeitet. Ihre Umkehrungsform löst die Originalgestalt dabei vorübergehend ab

(T. 548–563). Kurz vor Ende des achten Abschnitts findet noch eine motivische Verkür-

zung statt: Ab dem ‚Furioso‘ von T. 572 zitieren alle Stimmen die Sechzehntelgruppe in

Parallelbewegung.

Wie in der Exposition, so ist auch in der Reprise des Couplets f besonders die Harmonik

sehr charakteristisch. Das anfängliche Miteinander von konventionell dur-moll-tonalen

Dreiklängen und Quartenakkorden wird mit T. 544 zugunsten der Quartenakkorde aufge-

geben. Die gesamte Strecke von dort bis T. 563 baut harmonisch auf Quartenakkorden auf;

Quartenakkorde werden in den drei oberen Stimmen von T. 548–551 in einer ganztönigen

Parallelverschiebung aufwärts geführt, während eine Abwärtsbewegung des Cellos sich des

sequenzierten Sechzehntelmotivs aus f bedient. In einem weiteren Schritt sind die beiden

auseinanderstrebenden Bewegungszüge fixiert (T. 553ff. und 559ff.) und rhythmisch um

die doppelte Punktierung bereichert.

Die Parametereigenschaften der Diastematik, des Rhythmus’ und der Harmonik (Wech-

selnotenmelos, punktierter Rhythmus und Quartenharmonik) unterliegen in T. 553ff. einer

Neusynthese – eine originelle Form der thematisch-motivischen Arbeit.

(g) Eine Art Coda

Der Abschnitt 9 (T. 587–631) sollte nicht als ein neues, eigenständiges Couplet aufgefasst

werden, denn die in der 44 Takte umfassenden Passage enthaltenen musikalischen Gestal-

ten sind viel zu unspezifisch. Hier tritt eine 6/8-Motorik in den Vordergrund, deren etwas

unspezifische Diastematik nur vordergründig ohne Vorbild ist. Die Takte 587ff. stellen

nämlich eine Variante von T. 212 der Exposition dar. Wie im Fall des Coupletmotivs f, auf

welches beide genannten Stellen direkt folgen, sind auch hier die Notenwerte diminuiert.

Die in T. 597ff. erklingenden Abwärtsbewegungen in gebrochenen verminderten Akkorden

sind mit ganz ähnlichen Figuren in T. 466f. und 473f. verwandt.

Für den ab T. 607 zu beobachtenden Übergang zu einer sehr kleinschrittigen Stimmführung

habe ich keine Erklärung gefunden. Eine Figur der ersten Geige (T. 610) ist der einzige

konkrete Verweis auf früher Erklungenes (siehe T. 95f., zweite Violine).

Abschnitt 10 schließlich markiert eine letzte Stretta innerhalb der sich stetig beschleuni-

genden Reprise. Ihr Material assoziiert ein letztes Mal die Sphäre des Ritornells mit Trio-

lenrhythmus im 3/4-Takt und rasant aufsteigender Melodik – den für R so typischen über-

mäßigen Dreiklang zeigen diese Takte allerdings nur einmal (T. 634.2, Viola). Das Quartett

endet mit dem Quintklang c-g.

311 Einsätze des Motivzweitakters f in T. 513, 516, 520, 522, 533, 535, 540, 543 und 544.

177

Der langsame Mittelteil – Ein Nachtstück?

Mit den im Abschnitt 5 zusammengefassten Takten 237–293 erklingt ein langsamer ‚Satz

im Satz‘, dessen Materialsphäre streng von derjenigen der beiden schnellen A-Teile ge-

trennt ist. Kein einziges der zahlreichen Motive der rahmenden Rondoteile findet Eingang

in den Mittelteil, und sogar die Rahmen-Taktarten 3/4 und 4/4 sind (bis auf die vermitteln-

den Takte 237–249) suspendiert. Als metrische Einheit fungiert nun die Achtel, bevorzugte

Taktarten sind 6/8, 9/8 und 12/8.

Die Binnenstruktur des Mittelteils ist von sieben unterschiedlichen Phasen gekennzeich-

net, deren Anordnung keiner erkennbaren Form zu folgen scheint. Wenn der Grundzug des

Mittelteils auch ein ruhiges Dahinströmen ist, so gibt es doch einige dynamische Ausbrü-

che. Dazu zählt die gesamte dritte Phase oder der damit verwandte Takt 279. Der besseren

Übersicht halber erscheinen die Phasen I–VII hier in tabellarischer Form:

I 237–249 Explizit polyphone Schreibweise mit wenig Rücksicht auf die harmonische

Gestaltung; überwiegend diatonische Melodik; Abwesenheit wiederkehrender

Motive;

II 250–258 Kontrast zur Phase I: eine rhythmisch unregelmäßig pulsierende Akkordpro-

gression, von der sich die erste Violine nur gelegentlich mit einem punktierten

Wechselnotenmotiv emanzipiert; Kombination von überwiegenden vieltönigen

Quartenakkorden mit Dur- und Moll-Dreiklängen; homophoner Satz;

III 259–264 Trotz ungefährer Weiterführung der Rhythmik starke Kontrastwirkung zur vor-

angegangenen Phase; unregelmäßig pulsierende Oktave a’-a’’ in Vl. 1; Vcl.

und Vla. setzen in T. 260 und 262 mit punktierten, weitgriffigen Brechungen

verminderter Dreiklänge aufwärts ein (vgl. T. 71, Vcl.); keine hervortretenden

Motive;

IV 264–266 Klangfläche mit ostinater Sechzehntel-Dreitonformel in der Vla.; beide io-

linen spielen darüber eine langsame Melodie in der Art eines Cantus firmus

(a’’-gis’’-h’’-c’’’-h’’-a’’); T. 264f. deutlich an d-Moll orientiert;

V267–274 Wiederum polyphone Schreibweise, aber dichter und rhythmisch komplexer

als in Phase I; wiederholungsfreie Diastematik, Rhythmik allerdings mit wie-

derkehrenden Zellen; bogenförmige Oberstimme in T. 267–269 mit themati-

schen Qualitäten, die aber formal nicht gerinnen;

VI 275–284 Verwandtschaft mit Phase III: ein zunächst noch regelmäßiger Sechzehntel-

puls wird von weitgriffigen Akkordbrechungen abwärts in Vl. 1 und Vcl. fla -

kiert (T. 275, 279, vergleiche T. 260 und 262); kurzzeitig d-Moll-Sphäre in T.

276 wie in Phase IV; punktierte Wechselnote wie in Phase II (T. 266.1-3); ab

T. 282 Verunsicherung des Pulses durch eingeschobene Sechzehnteltriolen;

VIIa 285–287 Verwandtschaft mit Phase IV: Klangfläche, hier mit Liegeklängen, später mit

verhaltener Bewegung in den drei unteren Stimmen; schnelle, diastematisch

freie Triolenfiguration in der Vl. 1

VIIb 288–293 Stabilisierung der Oberstimme zu einer ostinaten Dreitonformel (vgl. Vla. in T.

264ff. in IV); ausdrucksvolle Melodik in der Vla., von gezupften Akkorden des

Vcl. begleitet (in der Art eines ‚Ständchens‘); T. 288f. sind in e-Moll gehalten;

ab T. 290 läuft das Ostinato der Vl. 1 in den Triller gis’’’-a’’’ aus.

Zwar gibt es keine echten Wiederholungen in diesem langsamen ‚Satz im Satz‘, dennoch

lassen sich Verwandtschaftsbeziehungen zwischen einzelnen Phasen ausmachen: Die Pha-

sen I und V sind polyphon konzipiert, in III und VI werden pulsierende Tonrepetitionen mit

Akkordbrechungen in weiter Lage kombiniert, und die Phasen IV und VII zeigen Klangflä-

178

chen mit ostinaten Figuren. Einzigartig ist in diesem Zusammenhang allein die II. Phase in

ihrer Betonung der harmonischen Komponente.

Der erzählerische Ton des Mittelteils tritt in der ungezwungenen Reihung als auch in ei-

nigen Melodien312 hervor, welche meist mit ‚espressivo‘ bezeichnet sind und vor den Hin-

tergrund treten. Besonders stimmungsvoll ist eine Bratschenkantilene, die von gezupften

Celloakkorden begleitet wird und deren Charakter ein nächtliches Ständchen assoziiert:

Diese Tonfolgen sind echte ‚Einzelstücke‘ und spielen im weiteren Verlauf der Kompo-

sition keine Rolle mehr. Überhaupt scheint es, als habe Jarnach hier (im Unterschied zu

den Rahmenteilen) eine prinzipiell athematische Musik komponieren wollen. Ein größerer

Gegensatz zu der bis in jedes Detail durchstrukturierten Musik der zweiten Wiener Schule

ist kaum vorstellbar. Ein kleines musikalisches Partikel allerdings findet sich in fast allen

Phasen des Mittelteils und ist vor allem ihm eigen. Es handelt sich um die schon in der ta-

bellarischen Übersicht erwähnte punktierte Dreiachtelfigur:

Wie die Beispiele zeigen, kleidet sich der Rhythmus in zwei verschiedene melodische Er-

scheinungsformen: zunächst (und insgesamt ganz überwiegend) in eine Wechselnote auf-

wärts, in den Phasen III und VI zusätzlich in die weit gespreizten Akkordbrechungen. Die

punktierte Dreiachtelgruppe kommt in Phase I wohl aufgrund des Viertelmetrums, in Phase

IV dagegen trotz eines entgegenkommenden 9/8-Metrums nicht vor.313

Der Übergang zum folgenden Reprisenabschnitt 6 (T. 293/294) fällt sehr schroff aus, und

doch hat es Jarnach nicht unterlassen, die vielleicht wichtigste Materialeigenheit des lang-

samen Mittelteils ein Stück weit in die Reprise hineinzutragen. Die als Hinleitung fungie-

renden Takte 294–297 beherbergen jeweils eine punktierte Dreiachtelfigur in der zweiten

Violine. Sie besitzt in dem neuen metrischen Zusammenhang ein anderes Profil, ihr Melos

ist anders als im Mittelteil, und wenn sie in T. 297 in der punktierten Variante des Ritor-

nells aufgeht, mag sich eine mögliche entfernte Verwandtschaft enthüllen.

312 Auffällige Melodiestimmen erscheinen in T. 241ff. (Vla.), 264ff. (Vl. 1+2), 267ff. (Vl. 1), 286ff. (Vla. und die untere

der beiden Cellostimmen) und 288ff. (Vla.).

313 Punktierte Achtel mit Sechzehntel kommen allerdings sehr wohl in Phase I vor. Siehe hierzu T. 242 (Vla.), 243 (Vl.

1), 245 (Vla.) oder 246 (Vl. 1).

179

V.3.1 Zusammenfassung op. 16, 2. Satz

Die Form des ‚zweiten Teils‘ aus dem Streichquartett op. 16 ist weniger uneindeutig als

diejenige des ersten Satzes. In seiner äußeren Anlage zeigen sich einige Übereinstimmun-

gen mit dem zweiten Satz der Solo-Violinsonate op. 13. Sie reichen von der ABA’-Form

mit materiell völlig autarkem Mittelteil über den Rondo-Charakter der Rahmenteile und die

lockere Verfugung der Motive in den A-Teilen bis hin zur teilweise völligen Abwesenheit

echt thematischer Kräfte, wie sie im zweiten Satz von op. 13 in den A-Teilen, im II. Teil

des Streichquartetts dagegen in dessen langsamem Mittelteil zu beobachten ist. In punkto

Motivvorrat und Satzstruktur befindet sich der Quartettsatz auf einer höheren Niveau: Al-

lein die Vielfalt formaler Themengestaltungen ist beträchtlich.

Jarnach geht in der Reprise über eine ‚Wiederholung‘ des ersten A-Teils weit hinaus. Das

Wort von der „teilweise[n] Umbildung der Rondothemen“ (sprich der ‚Variantenbildung‘)

ist ein Euphemismus, schließlich fehlen in der Reprise ganze Formteile, während andere in

ihren Ausmaßen explodieren und zudem neue entstehen.

Große Ähnlichkeiten zeigen vornehmlich die Innendispositionen der Abschnitte 1 und 6.

Die zu Beginn dieses Kapitels als potenzielle ‚Hauptsatzkomplexe‘ betitelten Abschnitte

verfügen über ein weitgehend identisches Material, und sogar dessen Anordnung R-a-R-

b-R ist beiden Fassungen zu eigen. Der Hauptunterschied liegt in der Streuung auch kleine-

rer Motivpartikel in der Reprise, welche die exakten Abgrenzungen der Couplets gegenein-

ander bisweilen erschwert.

Eine Reprise des Abschnitts 2 (er war aufgrund seiner lyrischen Opposition zum Eingangs-

abschnitt als potenzieller Seitensatzkomplex bezeichnet worden) unterbleibt gänzlich, der

an seine Stelle tretende Abschnitt 7 ist kein Ersatz, sondern Kontrastmittel. Neben einigen

unverbindlichen Anspielungen auf bekannte Motive ist hierin nur die Bildung einer (the-

matisch nicht tragfähigen) Figur bemerkenswert.

Jarnachs eingangs zitierte Selbstauskunft zum Streichquartett bringt die Kategorie der

‚Rondosonate‘ ins Spiel. In der Analyse bestätigt sich diese Formkategorie nicht, da bereits

die Festlegung der thematischen Hauptakteure nicht befriedigend zu lösen ist. Dieser Sach-

verhalt berührt nicht die Entscheidung, ersten und zweiten A-Teil dieses Satzes als ‚Expo-

sition‘ und ‚Reprise‘ zu bezeichnen.

Jarnach wollte den zweiten A-Teil mehr als eine Durchführung denn als Reprise verstanden

wissen. Nun ist Jarnachs Variantenbildung der Themen und Motive ein elementarer Be-

standteil jeder seiner hier untersuchten Kompositionen. Dass dieses Verfahren ausgerech-

net im zweiten A-Teil des Quartetts op. 16 als ‚Durchführung‘ deklariert werden müsste,

leuchtet nicht ein. Vielmehr verlaufen die Veränderungen des Materials linear und sind

bereits in der ‚Exposition‘ unübersehbar angelegt. Wenn ein Formteil das Attribut ‚Durch-

führung‘ verdient, dann ist es die Reprise des Couplets f in Abschnitt 8. Nur hier findet

echte thematisch-motivische Arbeit statt – mit der Einschränkung, dass ihr nur ein einziges

Motiv als Grundlage dient. Die Coda schließlich umfasst die Abschnitte 9 und 10; in ihnen

finden sich vor allem die groben Bewegungszüge des Ritornells intensiviert und im Tempo

gesteigert.

Charakterlich ein ‚Nachtstück‘, bildet der langsame Mittelteil einen richtigen ‚Satz im

Satz‘. Peinlich genau wurde jedwede materielle Verbindung zu den Rahmenteilen gekappt,

und auch innerhalb dieses Mittelteils wird auf Wiederholungen weitestgehend verzichtet.

Das führt zu einer athematischen Reihungsstruktur, welche über längere Strecken auf-

180

rechtzuerhalten formal kaum zu lösen wäre. Über die vergleichsweise kurze Strecke des

langsamen Mittelteils aber trägt diese Vorgehensweise durchaus. In seinem Heraustreten

aus den musikalischen Koordinaten hat das ‚Nachtstück‘ zahlreiche Verwandte in Jarnachs

Kompositionen dieser Jahre – ich verweise teilweise vorgreifend auf die Durchführungen

im dritten Satz von op. 13 und im Kopfsatz der Sonatina op. 18, auf den Abschnitt D der

Burlesca oder die Klangstelle im ersten Satz des Streichquartetts. In all diesen Passagen

spielt die Harmonik eine hervorgehobene Rolle.

In satztechnischer Hinsicht spiegelt der Mittelteil den auch die Rahmenteile charakterisie-

renden Antagonismus polyphoner und horizontal-flächiger Passagen. Jarnach bediente sich

zur Erzielung flächiger Strukturen zweier verschiedener Methoden: ostinate Bewegungs-

muster einzelner Stimmen sowie unregelmäßig pulsierende Akkordwiederholungen und

-progressionen bewirken ein Quasi-Stillstehen der Zeit.

Jarnachs Harmonik baut im Streichquartett op. 16 wie in den vorangegangenen Werken

auf drei Säulen auf: Da ist erstens eine relativ konventionelle Dreiklangsharmonik mit

vielen charakteristischen Dissonanzen und Mischklängen, zweitens jene oft sich ballende

Verwendung von Quartenakkorden und drittens eine autonom dissonante Harmonik, die als

Resultat horizontaler Linienführung auftritt.

181

VI.

DREI KLAVIERSTÜCKE OP. 17

(1924)

VI.1 Einleitung

Bei Schott 1924 in drei Einzelheften mit individuellen Widmungen erschienen; Uraufführung aller drei Kla-

vierstücke am 18. Mai 1924 in der Donaueschinger Festhalle durch Philipp Jarnach selbst.

Zehn Jahre waren seit der letzten Klavierkomposition vergangen, als Jarnach seine Drei

Klavierstücke op. 17 im Jahr 1924 der Öffentlichkeit vorstellte. Die Anregung, einmal

wieder für das Klavier zu komponieren, war von Ferruccio Busoni ausgegangen. Die

Scheu Jarnachs vor diesem Vorhaben dokumentiert sich in einigen Briefen. Noch 1924,

mitten in der Arbeit an Sarabande und Burlesca op. 17, bekundete Jarnach seine Sorgen

bezüglich einer Beschäftigung mit „Sachen, von denen ich nicht weiß, ob sie mir gelingen

werden.“314

Der seit 1914 sich manifestierende stilistische Wandel im Werk Jarnachs war mit einer

gattungsmäßigen Hinwendung zur Orchester- und Kammermusik einhergegangen, und

schließlich waren es mit dem Streichquintett (1918) und dem Streichquartett op. 16 von

1923 Kammermusikwerke, die den Durchbruch des Komponisten Philipp Jarnach bewirkt

haben.

Ausschlaggebend für das Wagnis, sich nach langer Zeit doch wieder dem Klavier zuzu-

wenden, mag aber auch eine Liedkomposition gewesen sein. Im letzten der Fünf Gesänge

op. 15 (der Sturmnacht nach Rilke) hatte der Komponist einen Klaviersatz verwirklicht,

den er selbst als „ziemlich gelungen“ bezeichnete.315 Von hier aus ist es nur ein kurzer Weg

zur Sarabande op. 17.

Die Drei Klavierstücke op. 17 bestehen aus dem Ballabile (beendet im November 1923),

der Sarabande (Mai 1924) und der Burlesca (Februar 1924)316, die Widmungen der Stücke

gelten den Freunden Artur Schnabel (I), Eduard Erdmann (II) und Heinrich Burkard (III).

Bereits auf den 18. Januar 1924 datiert die Uraufführung des Ballabile durch Erdmann, der

gesamte Zyklus erklang zum ersten Mal am 18. Mai 1924 in der Donaueschinger Festhalle

mit Philipp Jarnach selbst am Klavier.

Der Titel ‚Klavierstücke‘ ist spätestens seit Brahms keine Verlegenheitsbezeichnung mehr

für Salonmusik ohne größeren Anspruch – das war Jarnach bewusst. Seine eigenen Kla-

vierstücke op. 17 sind aber von der dichten motivischen Integration bei Brahms ebenso

weit entfernt wie von der regulativen Anwendung von Grundgestalt und Reihe in Schön-

bergs Klavierstücken op. 23. Als bewusster Gegenentwurf zu Schönbergs Klavierstücken

ist das op. 17 allerdings – so schön eine solche These auch wäre – nicht zu verstehen.

314 Brief Jarnachs an Busoni vom 16. Januar 1924. Zitiert nach Weiss, S. 213.

315 Brief Jarnachs an Busoni vom 16.-17. Februar 1922. Zitiert nach Weiss, S. 213.

316 Ein viertes Stück, als Gondellied betitelt, kam nicht zur Ausführung. Siehe hierzu Weiss, S. 421.

182

VI.1.1 Zeitgenössische Rezensionen

a) NMZ 45/6 (1923-24), S. 148, Hugo Holle:

„So tiefe Eindrücke, wie sie sein Quintett und Quartett boten, können sie nicht (und

wollen sie wohl auch nicht) vermitteln, dazu ist die Ausdruckskraft des Klaviers zu be-

schränkt und auch – in der Richtung, in der es Jarnach hier verwendet, zu erschöpft.“

b) Die Musik 16/10 (Juli 1924), S. 771, Bruno Stürmer:

„Jarnach war mir in seinem Quintett und seinem Quartett näher als hier, wo er sich

bemüht, die feine Linie, die ihn immer auszeichnet, zu verbinden mit den rein pianisti-

schen Erfordernissen des Beiwerks der füllenden, klangverlängernden Figuren.“

c) Signale 82/46 (12.11.1924), S. 1755, Karl Westermeyer:

„An zweiter Stelle spielte Erdmann mit der ihm eigenen Intensität eine Novität von

Philipp Jarnach, eine Sarabande op. 17 Nr. 2, die in ungewöhnlicher Weise den Ernst

dieses modernen Wegesuchers wiedergab. Jarnach ringt um den neuen Ausdruck für

unsere Zeit, ohne ihn klar voraus zu empfinden. Sein bedeutender Formsinn und der

grundmusikalische Charakter seines Wesens bewahren ihn auch vor dem undurch-

dringlichen Chaos der Nichts- oder Alleskönner. Im Grunde liegen ihm Quartettmusik

und Lieder mehr als der abstrakte Klavierton.“

VI.2 Analyse op. 17 Nr. 1: Ballabile

Länge 168 Takte; Tempoangabe ‚Lento‘ (Dreiachtel = 42); dominierendes 3/8-Metrum; keine Vorzeichnung;

Rahmentonart es-Moll begründbar; Widmung: „An Arthur Schnabel“.

Das Ballabile ist wie die Burlesca ursprünglich ein aus der französischen Oper des neun-

zehnten Jahrhunderts stammender Tanz. Es genügt ein flüchtiger Blick auf die Noten, um

die dreiteilige ABA-Form zu erkennen. Zwei langsame Abschnitte umrahmen den quantita-

tiv umfangreichsten Mittelteil, ein ‚Allegro vivo‘. Der direkte Vergleich der Takte 1ff. und

151ff. lässt denn auch keine Zweifel: Natürlich setzt mit T. 151 die Reprise des Ballabile

ein.

Jarnach vermittelt den Übergang vom ersten A-Teil zum schnellen Mittelteil durch ein

Sekundmotiv in der rechten Hand von T. 30ff., das mit dem Doppelstrich auf T. 33 in eine

schnelle punktierte Bewegung ‚einrastet‘. Die Hinleitung zur Reprise des A-Teils ist dem-

gegenüber als deutliche Interpunktion ausgeführt: Auf einen ab T. 143 neunmal angeschla-

genen a-Moll-Akkord in tiefer Lage (dessen Verebben an Tschaikowskys Übergangspro-

blematik erinnert) folgt in T. 148 eine dreitaktige Generalpause, bevor mit dem „Come al

Principo dolce e tranquillo“ wieder die hohe Anfangslage aufgesucht wird. Ein vorletzter

Doppelstrich von T. 164 auf 165 markiert die schließende viertaktige Coda.

Die Takte 1–6 des Ballabile zeigen in der linken Hand ein Thema, wie es so explizit selten

bei Jarnach zu finden ist. Die Takte 1–4 bringen die Töne eines es-Moll-Akkords in ruhig

pendelnden Dreiachtelnoten, eine Fortführung hebt sich mit kleineren Intervallschritten

und einer belebteren Rhythmik ab

183

Die Anmutung des Thematischen wird noch verstärkt durch eine Satzstruktur, welche der

linken Hand eindeutig die Führung und der Rechten die Begleitfunktion in nachschlagen-

den Quintklängen zuweist.

Man sollte sich von dem freischwebenden, wie improvisiert klingenden Charakter der Ein-

gangstakte nicht täuschen lassen: Alles an ihnen ist vorausschauend durchdacht, hier mag

vorerst der Hinweis auf die kontrapunktisch streng durchgeführte Gegenbewegung zwi-

schen rechter und linker Hand genügen.317

Das ‚Problem‘ dieses Themas ist, dass es im Rahmen des Ballabile nicht als ein solches

funktioniert. Es erscheint nirgends ein zweites Mal im Verlauf des Stückes; vielmehr ist

sein Schicksal bereits in T. 18ff. besiegelt. Der dort beginnende erneute Anlauf der linken

Hand kann seine Gestalt nicht wiederherstellen, auch wenn die in der rechten Hand nach-

schlagenden Terzen wiederum der ursprünglichen es-Moll-Sphäre angehören. Das Schei-

tern des Themas dokumentiert sich schon in der nunmehr verminderten Quarte des The-

menkopfes sowie in der merkwürdigen Artikulation desselben: Das Pedal kann über den

beiden staccato-Tönen nur ein virtuelles Legato produzieren – und von dem ursprünglichen

„tenutissime“ bleibt in der polterigen Fortführung schon gar nichts übrig.

Selbst einem ‚Motto‘ würde man mehr Präsenz wünschen, als diesem Thema zugestanden

wird (und würde ein echtes Motto schon so bald aufgegeben?). So irrelevant dieses ‚Proto-

thema‘ in seiner vorliegenden Gestalt für den Formverlauf des Ballabile auch scheinen

mag: Es ist ein Ausgangspunkt, ein Materiallager für ein anderes Thema, welches diesen

Namen wirklich verdient, sowie für einige kleinere Motive. Jenes ‚echte Thema‘, das auch

beim ersten Hören sofort auffällt, findet sich im Mittelteil des Ballabile. Insgesamt viermal

erklingt dieses Thema, dessen erster Einsatz sich in T. 57–61 der linken Hand findet:

Dieses Thema identifiziert sich als eine etwas abstrakte Ableitung des ‚Protothemas‘. Die

gemeinsamen Merkmale sind der Quartfall und das punktierte Dreiachtelmotiv (vergleiche

die Takte 5 und 59). Die Begleitung in schnell wechselnden diatonischen Skalen hat mit

der ursprünglichen Akkordbegleitung aus T. 1ff. freilich keinerlei Ähnlichkeit.

In dieser ersten Fassung (in T. 57ff.) ist das Thema sowohl in diastematischer (zwei

Quarten sind um die Sekund-Wechselnote gruppiert) als auch in rhythmischer Hinsicht

(zweimal zwei Dreiachtelnoten umschließen die Punktierung in T. 59) fast symmetrisch

angelegt. Mit seiner diatonischen Melodik und der zweifachen Symmetrie steht das Thema

monolithisch innerhalb des diastematisch, metrisch und rhythmisch diffusen Umfelds des

317 Jarnach setzt sich mit dieser Umsicht in kontrapunktischen Angelegenheiten, wiewohl der Beginn an einen impres-

sionistischen Klaviersatz erinnert, deutlich von Debussy ab.

184

Ballabile. Ihm ist die Aufmerksamkeit auch in den drei weiteren Fassungen sicher, welche

sich in den Takten 66ff., 94ff. und 110 ff. (in Umkehrung) befinden. Zusätzliche Aufmerk-

samkeit sichern die in allen genannten Fällen durchlaufenden Sechzehntel in der Begleit-

stimme.

Das Thema mag ein Orientierungspunkt für den Hörer sein – meines Erachtens aber über-

nimmt es weder irgendeine Abschnittsgliederung noch anderweitige formale Funktionen.

– Das sind die thematischen Koordinaten des Ballabile. Bei dieser analytischen Auflösung

bleiben natürlich viele Fragen offen. Die formale Anlage dieses Klavierstücks aus op. 17,

und das ist ungewöhnlich, wird nicht klarer, wenn die Analyse ins Detail geht. Sie soll es

selbstverständlich dennoch tun.

Ich hatte mich oben, bei der Beschreibung des sogenannten ‚Protothemas‘ auf die linke

Hand, also das eigentliche Thema, konzentriert. Unscheinbarer, aber durchaus folgenrei-

cher für den weiteren Verlauf des Ballabile ist die Oberstimme der rechten Hand. Deren

Töne sind einer melodischen Bedeutsamkeit ganz unverdächtig, schließlich ‚schwimmen‘

sie nur (ganz in der Manier Debussys) auf der Oberfläche der Akkorde.

Die Tonfolge dieser Oberstimme von T. 1–6 lautet b’’’-ces’’’’-b’’’-a’’’-c’’’’-h’’’. Wichtiger

als das BACH-Motiv scheint mir dabei das Moment des halbtonartigen Kreisens um das

Zentrum b-ces zu sein. Dieses zunächst unscheinbare Motiv erlangt im weiteren Verlauf

des Ballabile eine nicht zu unterschätzende Bedeutung, denn es gerinnt in dessen schnel-

lem Mittelteil zu vier weiteren motivischen Gestalten. In

– T. 32ff. bildet es in der Oberstimme das Auftaktmotiv des schnellen Mittelteils. Die rhythmisch

sehr prägnante Oberstimme besteht aus den Tönen b’’-a’’-b’’-gis’’-h’’-ais’’ und hat damit

den Ambitus einer kleinen Terz. Dieses punktierte Motiv kehrt im Verlauf des Ballabile

nicht wieder;

– T. 38 erscheint ein kurzes, melismatisches Motiv (cis’-d’-dis’-e’-c’-des’). Weitere vier Varianten

dieses Motivs finden sich in den Takten 89, 140, 142 sowie 165. Der Ambitus variiert

zwischen einer kleinen Terz und einer kleinen Sexte. Die Ver-

sionen in T. 38 und 89 scheinen mit dem im Folgenden be-

schriebenen Motiv (T. 39–40) assoziiert zu sein, die drei letz-

ten Versionen haben eine abschnittsgliedernde Funktion;

– T. 39f. erklingt ein hemiolisch punktiertes Motiv mit Sekundschritt-Melodik. In T. 39-40 ist der

Rhythmus durch die Notierung verschleiert. Die drei Varianten des Motivs in T. 50–52,

86 –88, und 90ff. betonen stärker das diastematisch kreisende Moment.

Allen Versionen gemein ist eine Begleitung mit weit

ausholender Bewegung in der linken Hand. Charakte-

ristisch auch eine bitonal geschärfte Harmonik (außer

T. 50f.; siehe unten);

– T. 129 formulieren stark angeschlagene

und rhythmisierte Akkordfolgen in

ihrer Oberstimme die kreisende

Bewegung. Vgl. auch T. 135ff.

185

Die Existenz solch kleiner Motive scheint wenig zu sein, aber man darf nicht unterschät-

zen, wie auffällig sie sein können, wenn das musikalische Umfeld nur unübersichtlich ge-

nug ist. In einem derartigen Zusammenhang könnte sogar die (mit den genannten Motiven

nicht verwandte) crescendierende Bassfigur aus T. 121–126 bekannt vorkommen: Ein in

der Kontur ähnlicher Verlauf findet sich bereits in T. 20ff., also noch im ersten langsamen

Abschnitt.

Ich fasse bis hierher zusammen: In dem Protothema finden sich die Voraussetzungen zur

Bildung sowohl eines echten Themas als auch einer gewissen Zahl kleinerer Motive. Beide

‚Erbanlagen‘ – sowohl die diatonischen und rhythmisch einfachen des neuen Themas, als

auch die chromatischen und rhythmisch diffusen der kleinen Motive – sind zu Beginn des

Ballabile bereits vorgebildet.

Die Asymmetrie von echtem Thema und den kurzen Motiven erlaubt nicht, von einem

‚Themendualismus‘ zu sprechen (noch in der Sonatine für Flöte und Klavier op. 12 hatte

Jarnach einen solchen konzipiert, und zwar auf denselben Grundlagen von Chromatik/

Diatonik und rhythmischer Struktur); Thema und Motive treten hier auch in kein echtes

Verhältnis zueinander, eine thematisch-motivische Arbeit findet schon gar nicht statt. Im-

merhin aber bilden sich im Ballabile kontrastierende Elemente heraus. Deren Anlagen in

den sechs Takten des Protothemas simultan zu exponieren, ist eine sehr ökonomische Art

der Materialexposition.

Ein kleines Detail schließlich belegt, wie subtil Jarnach gestaltet: eine kleine Schlus-

sklausel in der Oberstimme von T. 15ff. fungiert als Interpunktion vor dem darauffolgen-

den Überleitungsteil zum schnellen Abschnitt. Die gleiche Tonfolge a-cis-h erscheint in

T. 131f., und wiederum schließt sich an diese Klausel eine Überleitung, in diesem Fall die

Rückführung zum langsamen A-Teil, an.

Das Zusammenhangsempfinden wird hier nicht ausschließlich durch melodisch (oder ge-

nauer: diastematisch) bestimmte Motive unterstützt, sondern in nicht unerheblichem Maß

auch von wiederkehrenden rhythmischen Gestalten. Zwar gibt es im Ballabile ihrer viele,

einige kehren jedoch regelmäßig und in exponierter Lage wieder und sichern sich auf diese

Weise Aufmerksamkeit.

Das wichtigste rhythmische Motiv ist die punktierte Dreiachtelgruppe. Das erste Mal er-

scheint sie in der linken Hand von T. 5, und zwar in einer Form, wie sie im gesamten Ball-

abile überwiegt: nämlich mit Überbindung. In T.16 (rechte Hand) ist die punktierte Drei-

achtelgruppe nach beiden Seiten angebunden; meist aber betrifft die Überbindung nur die

letzte Note (T. 33, 48, 82).318

In T. 151ff. der Reprise ist die punktierte Dreiachtelgruppe in das neue 5/8-Metrum einge-

bunden.Freigestellt ist die punktierte Dreiachtelgruppe zum ersten Mal in T. 45 der linken

Hand zu erleben, später dann ist sie rhythmischer und melodischer Angelpunkt des The-

mas. Verkürzte Zellen aus punktierter Achtel und Sechzehntel kommen natürlich noch häu-

figer vor319, und in drei Fällen macht sie sich in Form von Hemiolen selbständig, und zwar

in T. 42f., 50f. oder 86f.

318 Takt 48 zeigt eine rhythmisch analoge Fortführung zu T. 33ff.: Melodisch sieht es im ersten Takt nach einer Umkeh-

rung aus, die aber nicht durchgehalten wird.

319 Vgl. beispielsweise T. 34, 37, 40, 45, 49 oder 55.

186

Ein markantes rhythmisches Motiv ist die Bassbewegung vom Beginn des schnellen Mit-

telteils (T. 33ff.), welche in ihrer unregelmäßig nachschlagenden Führung in T. 18ff. vorge-

bildet ist. Später ist der von Jarnach des Öfteren eingesetzte ‚Rumpelbass‘ noch in T. 86ff.

zu hören.

Überhaupt ist das Nachschlagen auf den unbetonten Zählzeiten eines Taktes ein Haupt-

merkmal des Ballabile. An der Berechenbarkeit regelmäßiger ‚Offbeats‘ war Jarnach of-

fenkundig aber nicht gelegen – man betrachte nur die ersten drei Takte des Ballabile: Wäh-

rend die linke Hand ihre ruhige Pendelbewegung in Dreiachtelnoten vollführt, schlägt die

Rechte in T. 1 auf dem dritten Taktachtel, in T. 2 dagegen auf dem zweiten Taktachtel nach;

in T. 3 wird sogar eine Duole bemüht. Die Überbindungen verschleiern schließlich auch

das eingeschobene 4/8-Metrum von T. 6. Welcher Hörer wäre nach diesen wenigen Einlei-

tungstakten nicht desorientiert?

Es scheint, als habe Jarnach sich vorgenommen, dem Titel des Stücks (‚Ballabile‘ = ‚Tanz-

stück‘) ausdrücklich nicht zu entsprechen. Ein nochmals anderes rhythmisches Phänomen

mag dies belegen: die Komplementärrhythmik. Takte wie 36, 45, 47, 50 oder 92 zeigen auf

jeder einzelnen Sechzehntel ein Tonereignis. Eine solch enge rhythmische Verzahnung ist

angesichts der vorherrschenden Zweistimmigkeit erstaunlich (zumal viele Passagen nicht

linear konzipiert sind ...).320

Der dynamische Verlauf des Ballabile op. 17 ist gekennzeichnet von leisen Tönen in den

langsamen Rahmenteilen321 und einer unruhigen Dynamik im schnellen Mittelteil. Vermit-

telt durch zahlreiche Crescendi und deren Rücknahmen liegen Pianissimo und Fortissimo

stets nahe beieinander. Jarnachs Dynamik ist hier keineswegs immer thematisch moti-

viert322: Man beachte die drei Anläufe auf die Takte 44, 49 und 56. Das auf diese motivisch

unverbindlichen Hervorhebungen direkt folgende Thema kommt mit einem Mezzopiano

aus – allerdings verlangt Jarnach hier ein ‚Marcato‘.

Neben dem ‚Marcato‘ ist die Anweisung eines ‚Espressivo‘ ein von Jarnach gerne ein-

gesetztes Mittel, um wichtige Einzelheiten hervorzuheben. Das ist auch im Ballabile op.

17 der Fall. Interessanterweise werden hier aber hauptsächlich Nebengestalten mit einem

besonderen Ausdruck modelliert: In T.10f. ist es eine sprunghafte Oberstimme, in T. 154ff.

eine nicht-thematische Mittelstimme; in T. 163f. schließlich ist es eine melodisch überaus

reizvolle Schlussklausel, die in der Mittelstimme der rechten Hand aufgehoben ist.

Zu den bekannten italienischen Vortragsanweisungen treten auch im Ballabile einige weni-

ger geläufige wie ‚trattenuto‘ (‚zurückhaltend‘), ‚incalzando‘ (‚drängend‘) oder ‚trascinan-

do‘ (‚schleppend‘). Jarnach scheint entschlossen, das in op. 12 und besonders im Quartett

op. 16 zu beobachtende Nebeneinander italienischer und deutscher Begriffe zu vermeiden.

Verglichen mit den meisten anderen Kompositionen Jarnachs ist das Ballabile op. 17 von

schlichter Satzstruktur. Besonders im Mittelteil herrscht fast durchgängig ein ‚zweisträn-

giger‘ Satztypus. Das heißt nicht, dass Jarnach im Ballabile nicht kontrapunktisch sorgfäl-

320 Nebenbei sei erwähnt, dass das letzte der Klavierstücke op. 23 von Schönberg, der Walzer, seinem Titel ebenso

wenig gerecht wird wie das Ballabile. Auch Schönberg komponierte eine dichte Komplementärrhythmik, auch in dem

Walzer op. 23 wird das Dreiermetrum durch synkopische Überbindungen und sprunghafte Dynamikanweisungen unter-

miniert. Allein die Taktwechsel sind nicht so häufig wie bei Jarnach. Ganz anders dagegen die Suite 1922 von Paul Hin-

demith. Marsch, Shimmy und Ragtime sind hier zumindest in rhythmischer Hinsicht genau das, was sie versprechen.

321 Die Takte 19 bis 32 weisen eine Forte-Dynamik auf, sind aber auch schon als Vorwegnahme des schnellen Mittelteils

aufzufassen.

322 Eine Ausnahme ist die Fortissimo-Stelle von T. 129f.

187

tig verfährt: Es fehlen aber jene polyphonen Kompliziertheiten, wie sie beispielsweise in

der (im Tonfall ebenfalls leichten) Flötensonatine op. 12 durchaus vorkommen.

Für Abwechslung ist dennoch gesorgt, denn das Ballabile zeigt eine Vielfalt von Satztypen,

die gerne ineinander übergehen und häufig nicht eindeutig zu klassifizieren sind. Es folgt

eine kleine Übersicht ohne Anspruch auf Vollständigkeit:

Der Beginn ist auf den ersten Blick homophon gestaltet (Hauptstimme in der linken•

Hand, die akkordische Begleitung in der rechten. Die ‚chromatische Oberfläche‘ der

Begleitung ist aber für den weiteren Verlauf so wichtig, dass sie als eigenständige Stim-

me angesehen werden muss. Richtigerweise müsste man von einer akkordisch gefüllten

Zweistimmigkeit sprechen.

Ein zweistimmiger Inventionssatz ist in T. 46–53 oder T. 121–128 verwirklicht.•

eine deutlich homophone Schreibweise findet sich lediglich in den Takten 33–43 und•

86–91.

Die Takte 7–17 sowie 151–168 ähneln wieder dem Debussyschen Klaviersatz, in dem•

die Oberfläche der Akkorde als Oberstimme funktioniert. Eine Trennung in Melodie

+ Begleitung ist kaum möglich. In T. 14ff. verdeutlicht sich die Oberstimme zu einer

Schlussklausel.

Das Modell Melodie + Begleitung (in Abgrenzung zum homophonen wie zum po-•

lyphonen Satz) ist in allen Versionen des ‚Themas‘ vorzufinden (T. 57, 66, 94 und

110ff.).

Einige Passagen des •Ballabile lassen schließlich offen, welche der Stimmen eine füh-

rende Rolle einnimmt (T. 70ff., 81ff.).

Die Harmonik des Ballabile fällt einerseits nicht aus dem von Jarnach bekannten Rahmen,

zeigt andererseits aber einige sehr charakteristische Dissonanzen, denen besonderes Au-

genmerk gelten soll.

Zunächst ist festzustellen, dass Anfang und Ende des Ballabile eindeutig in es-Moll ange-

siedelt sind. Eine solche Rahmentonart ist bei Jarnach nicht selten zu beobachten323, und sie

betrifft im Fall des Ballabile auch nicht nur den Anfangs- und Schlussakkord. Es ist in den

ersten vier Takten vor allem die Melodik der linken Hand, die mit einem gebrochenen es-

Moll-Dreiklang für harmonisch klare Verhältnisse sorgt. In T. 4.3 kommt es aber bereits zu

einem grundständigen Quartenakkord auf ges/fis, und die Takte 7–17 lassen es-Moll hinter

sich. Mit der immer wieder angeschlagenen Terz ges-b wird ab T. 19 bis zum Ende des A-

Teils es-Moll immerhin assoziiert, auch wenn die linke Hand nur selten ‚mitspielt‘ und sich

komplette es-Moll-Akkorde lediglich in T. 22.1 und 31.1 bilden können. Dennoch kann

es-Moll damit nicht nur als die Rahmentonart des gesamten Ballabile, sondern auch dieje-

nige des ersten A-Teils angesehen werden. Dasselbe gilt für die zunächst im 5/8-Metrum

stehende Reprise des A-Teils: Zwar fehlt den mit Quint-Quart-Klängen (b-es) ausgestatte-

ten einleitenden Takten 151f. die klärende Mollterz ges, das Tongeschlecht aber erschließt

sich auch so durch den Ton ces in T. 151.5 und 152.4. Wenn die Terz ges in T. 153.2 in der

Oberstimme erklingt, könnte sie allerdings genauso gut als oberster Ton eines Q5b ange-

sehen und gehört werden. In den Folgetakten weicht Jarnach beispielsweise in die fernen

Tonarten e-Moll (T. 156), Cis-Dur (157) oder Fis-Dur (158) aus, um in T. 160 wieder zum

323 Vgl. op. 12, op. 15 Nr. 1, 2, 4 sowie alle Sätze der Sonatina op. 18.

188

Quint-Quart-Klang es-b zurückzukehren. Das Ballabile endet in einem wuchtig angeschla-

genen es-Moll, das (wie öfter in den Schlüssen Jarnachs324) nicht in der Grundstellung, son-

dern als Quartsextakkord vorliegt.

Es-Moll ist die Tonart des Anfangs, und auch die mit T. 18 beginnende Überleitung zum

schnellen Mittelteil steht noch unter ihrem Einfluss; der tatsächliche Beginn des ‚Alleg-

ro vivo‘ in T. 33) ist dann allerdings harmonisch indifferent, dieser Formteil im weiteren

Verlauf wenig einheitlich. Tonale Zentren gibt es (mit Ausnahme der Themenversionen in

T. 57ff. und 110ff.) nicht, und die von Deutsch so genannten „Stammharmonien“325 – es

wäre hier vorrangig es-Moll – sind analytisch nicht nachweisbar. Umso mehr erstaunt es,

dass eben dieser Mittelteil am Ende in einem neunmal angeschlagenen a-Moll-Akkord aus-

klingt.326

Dieses Tritonusverhältnis von Rahmen- und Mittelteil (es-Moll/a-Moll/es-Moll) korrespon-

diert mit demjenigen der Sonatina op. 18: dort stehen sich die Rahmentonarten der drei

Sätze im Verhältnis fis-Moll/C-Dur/Fis-Dur gegenüber. Die von Jarnach damit beabsichtig-

te Kontrastwirkung hat in dem insgesamt freitonalen Kontext von op. 17 und 18 eine eher

geringe Stärke.

Wenn, wie im Mittelteil des Ballabile der Fall, eine übergeordnete tonale Architektur nicht

erkennbar ist, richtet sich der Blick auf kleinere harmonische Phänomene. Aufmerksamkeit

verdient ein bereits in T. 7 erklingender Akkord:

Aus den fünf Tönen von T. 7 lassen sich die Dreiklänge von

F-Dur, A-Dur, a-Moll sowie ein übermäßiger Dreiklang auf

des bilden (wenn auch sicherlich nicht heraushören). Ein in

der Art der Zusammensetzung aus im Großterzabstand zu-

einander stehender Dreiklänge identischer, strukturell aber

anders gelagerter Akkord erklingt in T. 9.1: Hier finden C-

Dur, E-Dur, e-Moll und ein übermäßiger Dreiklang auf as

zusammen. In den beiden letzten Taktdritteln von T. 9 ergibt

sich noch die Kombination von As-Dur, C-Dur, c-Moll und

dem (aus der linken Hand übernommenen) übermäßigen Dreiklang auf as. Jarnach schlägt

mit diesen mild dissonierenden polytonalen Akkorden einerseits impressionistische Töne

an; auch die häufig anzutreffenden Sixte-ajoutée-Klänge und Dreiklänge mit hinzugefügter

kleiner Sexte wie in T. 6.1 (f5

6<), 10 (D5

6<), 14.2 (B5

6>) oder 15.3 (A5

6>) stammen aus jener

Richtung. Alternativ allerdings bietet sich in all diesen Fällen auch die Deutung als ‚Misch-

klang‘ an. Schärfere Dissonanzen kommen im ersten A-Teil des Ballabile nicht vor.

Die Reprise des A-Teils ab T. 151 operiert mit einer sehr ähnlichen Harmonik, betont aber

die ‚Grundtonart‘ Es-Dur wesentlich stärker – sie liegt in T. 151–153 und T. 160–168 als

‚harmonischer Orgelpunkt‘ vor (bemerkenswert ist in diesem Zusammenhang die kleine

e-Moll-Episode von T. 156). Auch zwei große Quartenakkorde kommen vor: ein Q4

ges in T.

152.5 und ein Q5

b im Gesamttakt 153.

324 Quartsextakkorde finden sich als Schlussklänge auch im Wunden Ritter op. 15 (c5), im Schlusssatz der Sonatina op.

18 (Fis5

6) sowie in der dritten Rhapsodie op. 20 (H5).

325 Vgl. Deutsch, S. 22.

326 Solche charakteristischen Akkordrepetitionen fanden sich bereits an den Abschnittsenden der Flötensonatine op. 12;

die Assoziation an Glocken wird auch am Ende der Sonatina op. 18 hervorgerufen.

189

Der Mittelteil des Ballabile op. 17 ist in harmonischer Hinsicht sehr detailliert gestaltet. Es

gibt wiederkehrende harmonische Phänomene, aber Jarnach vermeidet (trotz des demon-

strativen a-Moll-Schlusses in T. 143ff.) eine tonartliche Zentrierung. Das Repertoire der

zustande kommenden Zusammenklänge umfasst zahlreiche einfache Dreiklänge, aber auch

viele alterierte und mit Zusätzen versehene sowie kleinere Ballungen von Quartenakkor-

den.327

Harmonisch besonders eindeutige Verhältnisse herrschen in der ersten der vier Versionen

des Themas. So korrelieren die oktavierte Hauptstimme sowie die Art der durchlaufenden

Skalenbewegung unmittelbar. Die taktweise Skalenfolge in der rechten Hand aus c-, g-, f-,

und c-Moll beschreibt eine (auch gehörsmäßig) nachvollziehbare plagale Kadenz.

In der zweiten Themenvariante in T. 66ff. sind nur die beiden ersten Takte in dieser Art

gestaltet, die dritte Variante in T. 94ff. zeigt zwar Skalenausschnitte (a-Moll, Des-Dur, Ces-

Dur), sie stehen aber in keinem Zusammenhang mit der Hauptstimme. Ein Halbtontriller

auf g-as ersetzt die Skalenbegleitung in der vierten Variante in T. 110ff.

Harmonische Prägnanz ist ein Akzentuierungsmittel, von dem nicht nur das Thema aus

dem Mittelteil profitiert. Auch das punktierte Motiv fällt wiederholt durch die offene Drei-

klangsharmonik seiner Begleitung auf:

Kennzeichnend ist die bitonale Färbung: Über einer Bassbegleitung, die nacheinander den

Quint-Quartklang A-e-a, c-Moll und d-Moll anschlägt, liegt die teilweise mit fis-Moll zu

assoziierende, durch das c’’ in T. 41.2 auch im Bartókschen Sinn modal gefärbte Melodie-

stimme. Die Motivvariante in T. 50 besitzt keine akkordische Begleitung, aber in T. 86f.

wird eine in es-Moll angesiedelte Melodiestimme mit fis-Moll und F-Dur in der Begleitung

konfrontiert, T. 90f. kombinieren melodisches b-Moll mit begleitendem cis-Moll und e-

Moll. Diese bitonalen Momente sind klanglich sehr herausgehoben und erinnern an ver-

gleichbare Passagen bei Strawinsky, Satie oder auch Schostakowitsch.

Eine konzentrierte Dreiklangsharmonik findet sich im dynamischen Höhepunkt des Balla-

bile. Der rein akkordische Satz der Takte 129–132 bringt folgende Klänge hervor:

327 Quartenakkorde finden sich etwa in T. 65, 69 und 74.

190

Ces7<+as7< F B es7> F5

6>  G [+F] A5

6< H5

Interessant sind die Durakkorde mit kleiner Sexte im Bass. Jarnach komponiert ihrer noch

zwei unmittelbar nach dem Höhepunkt (Vergleiche T. 138.2: C5

6>; 138.4: D5

6>). Diese

Akkorde, denen der enthaltene übermäßige Dreiklang wieder eine impressionistische Her-

kunft attestiert, sind wie die genannten Klänge in T. 14.2 (B5

6>) oder 15.3 (A5

6>) einfache

Verwandte der polytonalen Akkorde aus dem ersten A-Teil. An dieser Stelle mögen sie an-

gebracht worden sein, um die Reprise harmonisch einzuläuten.

Eher im Verborgenen hält sich eine musikalische Anspielung, deren tieferer Sinn sich nicht

erschließt. Jarnach zitiert im Mittelteil des Ballabile nämlich mehrfach den Tristan-Ak-

kord samt Auflösung.

Er tut dies auf klanglich so unauffällige wie strukturell einfallsreiche Weise. Ich greife bei

der Interpretation des Akkords auf die gängige Interpretation Ernst Kurths zurück, der im

ersten der beiden Akkorde ein doppeldominantisches H-Dur mit tiefalterierter Quinte f und

dem Vorhalt zur Septime a auffasst (H5>

6<-7>), den Zielakkord als E-Dur-Septakkord mit

Halbtonvorhalt ais zur Quinte h (E7 4<-5).328

328 Ich halte Kurths harmonische Auffassung des Tristan-Akkords generell für am meisten plausibel; es ist unwahr-

scheinlich, dass Jarnach Kurths Schrift Romantische Harmonik und ihre Krise in Wagners ‚Tristan‘ von 1919 nicht ge-

kannt hat.

191

In T. 49 des Ballabile versammeln sich alle Töne des Tristanakkords mit Ausnahme des

Vorhalts-gis’ (mit enharmonischen Vertauschungen). Jarnach vermeidet in T. 49 jegliche

Chromatik (was ihm schwer gefallen sein dürfte), allein der Halbtonschritt f’–e’ der un-

tersten Stimme ist aus Wagners Akkordfolge übriggeblieben. Die Notation als f-ces-es-a

und die Lage des Akkords verschleiern nicht bloß das ursprüngliche H7>

5>, es wird damit

auch eine andere Deutung evoziert, nämlich den Klang als F5>

7> zu begreifen. Diese Lesart

machte ihn zu einem unmittelbaren Strukturverwandten des zweiten Akkords aus dem Tri-

stan-Komplex (wenn die Gleichsetzung von verminderter Quinte und übermäßiger Quarte

erlaubt ist).

Nur wenig nach dieser Stelle erscheint der Tristanakkord erneut. Takt 54 ist der Ort, an

dem eine Transposition des Akkords in Es-Dur erklingt. Bemerkenswert ist, dass in diesem

Fall Vorhalts- (c) und Zielton (des) der Sopranstimme vertauscht sind:

Drei weniger aufwendige Versionen des Tristanakkords, welche sich mit der Struktur des

Vorbildes begnügen, sind noch in T. 76.1-2 (D-as-c’-f’ As6<

5>), 77.2 (c-ges-b-es’ Ges6<

5>)

und 82.1-2 (a-dis’-g’-c’’ A6<

5>) zu finden, bevor sich mit T. 89 ein letztes Kabinettstück prä-

sentiert.

Der erste Akkord enthält mit as-ces’-es’-f’ alle

Töne des originalen Tristanakkords – allerdings

zum Teil enharmonisch verwechselt und in ande-

rer Schichtung. Nach Jarnachs Schreibweise liegt

hier eindeutig ein as-Moll-Akkord mit großer

Sexte vor, mithin ein typischer Subdominantak-

kord mit Sixte ajoutée in der Grundstellung.

Zwei Details bürgen für die Herkunft aus dem Tristan: Zum einen fügt Jarnach eine vier-

tönige chromatische Linie ein (f’-ges’-g’-as’), die allerdings weder vom Tonmaterial noch

funktional (Vorhaltsbildungen) mit der Originalfigur übereinstimmt. Auf der letzten Achtel

des Taktes 89 erscheint in der linken Hand schließlich mit e-b-d’-as’ ein Tristan-Akkord,

dessen große Sexte bereits in die kleine Septime ‚aufgelöst‘ wurde (das Vorhalts-g kommt

eine Triolensechzehntel zu früh).

Die Beschäftigung mit dem Tristan-Akkord geht vor allem qualitativ über diejenige im

Wunden Ritter op. 15 hinaus. Anders als im vierten der Fünf Gesänge, wo die Ironie der

Heineschen Textvorlage durch die Tristan-Klänge verstärkt wird, ist das Motiv ihrer Einbe-

ziehung ins Ballabile op. 17 unklar.

192

VI.2.1 Zusammenfassung op. 17 Nr. 1

Als ein ‚Tanzstück‘ ist das erste der drei Klavierstücke op. 17 eines der eher locker gefüg-

ten Kompositionen Philipp Jarnachs. Wirklichen Tanzcharakter besitzen allerdings nur der

Beginn des schnellen Mittelteils sowie einige weitere, bloß wenige Takte umfassende Epi-

soden.

Von der formalen Seite ist die ABA-Form offensichtlich. Die langsamen A-Teile sind in

sich andeutungsweise (und zwar durch die Harmonik) dreiteilig gegliedert, während der

ausgedehnte schnelle Mittelteil völlig frei gestaltet zu sein scheint. Wie die Sonatine op.

12, der erste Satz der Sonatina op. 18 oder die erste der Rhapsodien op. 20 ist das Ballabile

mit einem ruhigen Epilog ausgestattet.

Es gibt im Ballabile eine interessante thematisch-motivische Konstruktion zu entdecken, in

der aus einem zu Beginn exponierten ‚Protothema‘ ein ‚richtiges‘ Thema mit einigen Wie-

derholungen sowie ein chromatisches Motiv abgeleitet werden. Letzteres verdichtet sich

im schnellen Mittelteil zu einigen überwiegend unauffälligen motivischen Neubildungen.

Gleich im Folgestück, der Sarabande op. 17, verfeinerte Jarnach dieses Konzept.

Das einzige Thema des Ballabile gehört der Gruppe linear abwärtsgerichteter Themen an.

Durch seinen zentral angeordneten ‚Treppenabsatz‘ ist es gleichzeitig auffallend symme-

trisch geformt. Unter der spielerischen Oberfläche des Ballabile existieren noch weitere,

kleinere motivische Geflechte rhythmischer wie diastematischer Natur, die wiederholt über

die Harmonik, selten durch dynamische Mittel akzentuiert werden. Allein das Vorhanden-

sein motivischer Bezüge macht aber noch keine Form aus: Diese Musik besitzt wenige

große Stützpfeiler.

Das Ballabile beherbergt auch wenig linearen Kontrapunkt, und schon gar keinen rück-

sichtslosen – das wiederum bedeutet, dass die Harmonik kein nachgeordneter Parameter,

sondern durchaus autonom konzipiert ist. Überhaupt weist die Harmonik, so wenig sich ihr

Repertoire von Jarnachs anderen Kompositionen dieser Jahre unterscheidet, einige Phä-

nomene auf, deren interessantestes die Manipulationen am Tristan-Akkord sind. Jarnach

betreibt wie im Wunden Ritter aus op. 15 eine kontrapunktisch Dekonstruktion der Ak-

kordauflösung, die akustisch allerdings unauffällig bleibt. Die das Ballabile umgreifende

es-Moll-Tonalität bleibt Behauptung, gerade im gewichtigen Mittelteil fehlt jedwede tonale

Zentrierung.

VI.3 Analyse op. 17 Nr. 2: Sarabande

Länge 110 Takte; Tempoangabe ‚Adagio molto sostenuto‘ (Viertel = 42); überwiegendes 3/8-Metrum mit

Ausweichungen vor allem nach 2/4; keine Vorzeichnung; tonartlicher Rahmen h-Moll  fis-Moll; Widmung:

„An Eduard Erdmann“.

Wie das Ballabile, so ist auch die Sarabande nach dem ersten Hören als ABA-Form zu

identifizieren. Anders als im ersten der Klavierstücke op. 17 ist aber hier nicht der schnel-

le Mittelteil der proportional dominierende Formteil; in der Sarabande sind diesem ‚Più

mosso‘ gerade einmal 16 von 110 Takten zugestanden. Der erste A-Teil fällt mit 28 Takten

bereits deutlich länger aus, die Reprise besitzt mit knapp 50 Takten sogar mehr als den

193

dreifachen Umfang. Hier sind die an den Temporelationen orientierten Taktgrenzen der

Formteile:

ABA (Reprise und Coda)

1–28 28–44 45–110

Die Empfindung von Dreiteiligkeit beruht in der Sarabande nicht nur auf der bloßen Tem-

poorganisation. An den beiden großen Schnittstellen des Klavierstücks findet jeweils auch

eine Art Klärung der Verhältnisse statt. So schlägt das ‚Più mosso‘ in T. 28 eine echte

Schneise in das diastematische, rhythmische und satztechnische Dickicht der davor liegen-

den Takte – hier passiert hörbar etwas ganz Neues, die Musik hat einen bislang unbekann-

ten Vorwärtszug. In den der donnernden h-Moll-Reprise vorausgehenden Takten besteht

das Krisenhafte in einer immensen Beschleunigung und dem unaufhaltsamen Abwärts-

rausch des Klaviersatzes.

Eine der hervorstechenden Merkmale der Sarabande ist ihre ‚gefühlte Länge‘. Zum einen

ist das der Aufführungsdauer von knapp zehn Minuten geschuldet; psychologisch wirksam

mag jedoch auch sein, dass Jarnach dieses Klavierstück musikalisch kein Ende finden lässt.

Er lässt die Gelegenheit bei T. 79 ebenso verstreichen wie die Schlussmöglichkeiten in T.

93, 100 und 102. Jenes immer wieder erneute Ansetzen lässt die letzten 30 Takte der Sa-

rabande wie eine Reihe von Codas erscheinen. Die zunehmende Kleinteiligkeit der Musik

dokumentiert sich in den vielen Doppelstrichen329, die in anderen Kompositionen Jarnachs

als formale Interpunktionen angesehen werden konnten. Hier aber scheint die Anbringung

der Doppelstriche sehr willkürlich zu erfolgen: Schließlich wurde noch nicht einmal der

Einsatz des schnellen Mittelteils mit einer solchen Zäsur versehen. Während sich die Drei-

teilung der Sarabande auf der Ebene der Tempoorganisation eindrücklich manifestiert, ist

die Materialanordnung (Motive, Themen) komplexer gestaltet.

Das Protothema

Ballabile und Sarabande, so unterschiedlich sie charakterlich sind, ähneln sich nicht nur in

der Verwendung des übergeordneten ABA-Aufbaus. Ins Auge fallen auch die Quart-Quint-

Klänge jeweils in den Anfangstakten der rechten Hand. Sie sind in beiden Fällen statischer

Kontrapunkt für Vorgänge in der linken Hand. In der Sarabande erklingt im Bass aller-

dings kein weit ausschwingendes Thema, sondern ein Motiv chromatischer, lombardisch

punktierter Bewegungen:330

329 Die Doppelstriche finden sich in den Takten 44/45, 50/51, 57/58, 79/80, 87/88, 93/94 sowie 100/101 der Sarabande.

330 Es besteht eine Verwandtschaft dieses Motivs mit einem Motiv aus dem 1929 uraufgeführten dritten Streichquartett

Béla Bartóks, welches dort besonders deutlich in T. 37 (Vl. 1) und 40 (Vl. 1) hervortritt.

194

So unscheinbar übrigens die Eingangstakte der Sarabande sind: Auch hier wird wieder ein

‚Protothema‘ formuliert, welches über ganz ähnliche Eigenschaften verfügt wie dasjeni-

ge im Ballabile. Im Fall der Sarabande könnten sogar Vorder- und Nachsatz ausgemacht

werden: Die Takte 1 –4 fungieren als Vordersatz, der in T. 5 sich anschließende Nachsatz

verläuft bis T. 7 sehr kongruent. Der Vordersatz selbst besteht sehr gut nachvollziehbar aus

zweimal zwei Takten: T. 1 und 2 exponieren die erwähnte kleinschrittig kreisende Bewe-

gung im Bass (‚H–C–Cis–‚H) und den Quint-Quart-Klang in der rechten Hand. Diese erste

zweitaktige Zelle ist charakterlich statisch – das bewirken die bloß minimalen Tonbewe-

gungen und der lombardische Rhythmus – der möglicherweise von Jarnach bewusst als

stark diminuierter Sarabandenrhythmus eingesetzt wurde. Im zweiten Teil des Vordersatzes

(T. 3–4) finden sich dieselben Materialien wieder, allerdings geraten sie nun in Bewegung:

Die Bassstimme kennt jetzt nur noch die Aufwärtsbewegung, die terzlosen Klänge in der

rechten Hand vollführen eine ausgreifende Geste, der die Hauptaufmerksamkeit sicher

ist. Unterstrichen wird diese Animierung des musikalischen Geschehens von einem dyna-

mischen Schweller. Unschwer lässt sich h-Moll als tonartlicher Rahmen des Vordersatzes

ausmachen.

Mit einer Expansion in die Vertikale setzt in T. 5 der Nebensatz ein. Lombardischer Rhyth-

mus und kleinschrittige Melodik sind immer noch zu beobachten, die prinzipiell noch

terzenbasierte Harmonik wird, ausgehend von einem d-Moll-Klang, zügig angereichert. In

Takt 7 entspricht die Aufwärtsbewegung im mittleren System noch derjenigen in T. 3, mit

dem Auftakt zu T. 8 aber erscheint neues motivisches Material, welches nicht mehr dem

Nachsatz zuzurechnen ist.

Dieses formal zwischen Periode und Satz anzusiedelnde Thema ist, wie das sogenannte

‚Protothema‘ aus den Anfangstakten des Ballabile, wiederum lediglich ein Ausgangspunkt

für weitere Entwicklungen. Es erklingt in seiner nachvollziehbaren Ganzheit nur einmal,

nämlich hier am Beginn der Sarabande. Der mit kräftig angeschlagenen h-Moll-Akkorden

versehene Reprisenbeginn (T. 45) ist, wiewohl in die Ausgangstonart zurückkehrend, dia-

stematisch und rhythmisch zu sehr verfremdet, um wirklich als Wiedergänger des Protothe-

mas gelten zu können.

Auch die weiteren thematisch-motivischen Entwicklungen vollziehen sich einigermaßen

parallel zum Ballabile, denn zum einen geht aus diesen Anfangstakten der Sarabande ein

wirkliches Thema hervor, zum Anderen wird mit dem lombardisch punktierten, kleinschrit-

tigen Viertonmotiv die Keimzelle der Sarabande exponiert.

Das ‚echte‘ Thema

In T. 13–20 kristallisiert sich ein neues Thema heraus. Nach einem improvisiert wirkenden

‚Vorhang‘ in T. 11 und 12 erklingt eine achttaktige Periode (4+4 Takte); Vorder- und Nach-

satz entsprechen sich in rhythmischer wie in melodischer Hinsicht weitgehend. Interessant

ist, dass der Vordersatz wieder zu seinem Ausgangspunkt h-Moll zurückkehrt, der Nachsatz

dann aber in d-Moll fortfährt (T. 17.1), um in B-Dur auszulaufen (T. 20.1).

In seiner Gestalt ähnelt dieses Thema dem Protothema, und man hat es hier sicherlich mit

einer Ableitung zu tun. Anders als im Protothema gibt es in diesem Thema allerdings eine

durchgehende Melodiestimme, welche nur deshalb nicht die akustische Führung über-

nimmt, weil sie sich in der Mitte des weitgespannten, auf drei Systemen notierten Klavier-

195

satzes versteckt. Im folgenden Notenbeispiel ist die Themenmelodie ihrer Begleitstimmen

entkleidet, sodass die deutlich periodische Ausprägung gut erkennbar ist:

Die jeweils ersten Zweitakter von Vorder- und Nachsatz (T. 13/14 und 17/18) zeigen eine

vergleichbar statische Diastematik (wenn auch nun auf diatonischer Basis), und die Klän-

ge sind mit ihren Oktavrahmen ähnlich aufgebaut. Auch die bogenförmige Führung der

Oberstimmen von T. 15 und 19 sind ererbt (siehe T. 3). Schließlich ähneln sich die rhyth-

mischen Konturen von Protothema und eigentlichem Thema stark, beide zelebrieren den

Sarabandenduktus sehr ausdrücklich.

Die Entscheidung, erst die Takte 13–20 als ‚Thema‘ zu bezeichnen und nicht auch schon

das einleitende Protothema, hat zwei Gründe: Nur in T. 13–20 wird eine stabile Periode

exponiert, und nur diese Thema erscheint im Verlauf der Sarabande in deutlich erkennba-

rer Form wieder.

Zunächst füllen die Folgetakte 21 und 22 die Lücke bis zum Beginn eines neuen Gedan-

kens in Takt 22 aus und führen dabei die kontrapunktische Komplexität des Nachsatzes

unverändert weiter331, aber er zeigt mit seinem eigenständigen melodischen Bogen, dass er

nicht eigentlich als zum ‚Thema‘ gehörig betrachtet werden sollte.

Noch dreimal erscheinen im Verlauf der Sarabande Teile dieses Themas. In T. 51–54 und

94–97 zitiert Jarnach den Themenvordersatz332, in beiden Fällen ist der jeweils dritte Takt

augmentiert. Mit dem wiederum augmentierten dritten Thementakt allein wartet T. 63f.

auf; schon in T. 35f. ist in der Oberstimme eine Tonfolge zu hören, die sich wie eine dimi-

nuierte Variante des Themas ausnimmt.333

Allen Versionen dieses Themas außer T. 63f. sind der diastematische Umriss sowie die

Rhythmik gemein. Diatonik, drei aufsteigende Noten am Beginn, gefolgt von einer Wech-

selnote und einem bogenförmigen dritten Takt; sehr prägnant der einfache Sarabanden-

rhythmus aus Viertel und halber Note am Themenkopf.

331 Dieses zeichnet sich durch eine im Rahmen dieses Stückes ungewöhnlich klare Harmonik aus: Es finden sich zum

Teil erweiterte Dreiklänge (T. 13.1, h-Moll; T. 13.2, C-Dur-Septakkord; T. 14.1, h-Moll; T. 15.1, gis-Moll; T. 17.1, d-

Moll-Septakkord; T. 19.3, Gis-Dur-Septakkord; T. 20.1, B-Dur/b-Moll-sixte-ajoutée) und milde Biharmonien (T. 18.1,

d-Moll + B-Dur; T. 18.2, a-Moll + C-Dur. Vergleiche auch ‚Thema‘ ab T. 51). Die Fortsetzung ab T. 21 bringt vor allem

eine Verdichtung der Biharmonik (T. 21.1 [letztes Sechzehntel], G-Dur + e-Moll; T. 21.2, Des-Dur + d-Moll; T. 22.2,

Ces-Dur + as-Moll, in dessen zweitem Achtel Des-Dur + b-Moll; T. 22.3, B-Dur + g-Moll).

332 Die Zuordnung der Takte 51–54 und 94–97 zum Vordersatz des Themas beruhen auf den aufsteigenden Linien g-gis-

ais (T. 51f.) bzw. f-g-a (T. 94f.), welche mit d-e-fis aus T. 13f. korrespondieren. Dagegen zeigt sich die Rhythmisierung

der Wechselnoten sowie die Stimmführung in parallelen Oktaven in T. 52 und 95 eher vom Nachsatzbeginn des ursprüng-

lichen Themas (T. 18) inspiriert.

333 T. 35.2, Oberstimme: Aufgang, sequenzierte Wechselnote und ein mit einem Terzsprung eingeleiteter Lauf abwärts

(T. 36.1).

196

In architektonischer Hinsicht markieren die drei ausführlichen Themenvarianten drei

Grundpfeiler der Sarabande: T. 13 liegt in der Exposition, T. 51 in der Reprise, T. 94

schließlich leitet die vorletzte Coda der Sarabande ein. Ungewöhnlich ist die bogenförmi-

ge, Exposition und Coda verbindende Dynamik der Themeneinsätze geregelt: T. 13 und 94

bringen das Thema im Pianissimo, der Repriseneinsatz erfolgt im dreifachen Forte.

Das Viertonmotiv und seine Varianten

Die produktivste rhythmisch-melodische Keimzelle dieses Klavierstücks aus op. 17 liegt

aber nicht im Thema, sondern in einem viertönigen Motiv, das zuerst in der Bassstimme

des Protothemas (T. 1+2) erscheint. Bereits hier liegt es in zwei Varianten vor, welche aber

beide die Hauptmerkmale des Viertonmotivs exponieren: die chromatische Melodik und

die flach bogenförmige Kontur:

Es ist evident, dass die Rückkehr zum Ausgangston (T. 1), das chromatische Tetrachord

(T. 2; vergleiche die Verwandtschaft zur von Jarnach z. B. im Ballabile zitierten BACH-

Formel) und die ‚Harmonisierung‘ mit Quart-Quint-Klängen nicht zum Kernbestand des

Viertonmotivs zählen. Gleiches gilt, das wird sich beim Vergleich aller hieraus entstehen-

den Motivableitungen zeigen, für die Rhythmik des Motivs. Was die Motivvarianten des

Viertonmotivs für die Form der Sarabande leisten, soll später erörtert werden.

Motivvariante A: T. 7f. und 69f.

Gleich mit der Auswertung der ersten Motivvariante allerdings wird deutlich, dass die Ab-

straktion der Varianten nicht chronologisch organisiert ist:

Gleich die erste der sechs Ableitungen des Viertonmotivs ist die am weitesten entfernte.

Sie erscheint in T. 7f., wobei das Kernmotiv, am Taktübergang 7/8 bestehend aus den Tö-

nen d’’’-e’’’-fis’’’d’’’, nach beiden Seiten hin verlängert ist. Trotz der diatonischen Melodik

und einer Harmonisierung in ungewöhnlich ungetrübten Molldreiklängen sollte das Gebil-

de aufgrund seiner Umrissform und nicht zuletzt wegen der punktierten Rhythmik als eine

Ableitung des Viertonmotivs gewertet werden. T. 9ff. gehören nach Diastematik,

Satzstruk-tur und Harmonik (Quartenakkorde) nicht mehr zum Motivkorpus.

Bei dem zweiten Erscheinen von Motivvariante A in T. 69–71 ist die Punktierung ver-

schärft (und entspricht damit derjenigen des Viertonmotivs in T. 1/2) sowie das ganze Mo-

tiv weiter verlängert; Melodik und die Harmonik wurden aber beinahe unverändert über-

nommen

197

In T. 24 und 25 sind mit der Anweisung „quasi tromboni“ zwei Einsätze einer akkordisch

geprägten Ableitung des Viertonmotivs markiert. Überwiegend in der kleinen Oktave

sich aufhaltend, ist das ursprünglich chromatische Viertonmotiv – es bildet hier wie in

der M otivvariante E den melodischen Außenrand der Akkordflächen – in T. 24 zur diato-

nischen Folge c-d-es-c geworden, in T. 25f. wird mit g-as-c-h sogar eine große Terz inte-

griert.

Die Akkordfüllungen in der rechten Hand bestehen aus sehr weit voneinander entfernten

Dreiklängen. In T. 24 werden As-Dur, h-Moll, as-Moll und a-Moll miteinander kombiniert.

Die linke Hand sorgt mit ihrer kleinschrittigen Bewegung für eine klangliche Schärfung

der Akkorde in Richtung der ‚Mischklänge‘. Mit charakteristischen Dissonanzen versetzt,

geht es in T. 25f. zu (es folgen Akkordsymbole): c, Des6>, d7>, gis7>.334 Die nicht zur Moti-

vableitung B gehörende Bewegung in der linken Hand ist in einem imitatorischen Verfah-

ren aus T. 22.3 hervorgegangen.

In T. 58 erklingt Motiv B erneut mit einer vergleichbaren Dreiklangsharmonik, jedoch mit

einer Diastematik des Umrisses, welche derjenigen des Viertonmotivs aus T. 1 entspricht.

Als Begleitung fungieren diesmal ein in der Mittelstimme (Jarnach notiert hier auf drei Sy-

stemen) liegender cis-Moll-Klang und eine Fortspinnungsvariante des Viertonmotivs (siehe

unter ‚Motivvariante E‘), wodurch der Eindruck einer Engführung entsteht.

Ableitungen der Motivvariante B: B’: T. 37f.; B’’: T. 79f., 80; B’’’: T. 103ff.

In T. 37ff. findet sich in der rechten Hand eine durch Überbindungen synkopierte Kette von

Oktavrahmenklängen, deren Kontur zweimal das Viertonmotiv zitiert: f-ges-g-f und b-h-

c-as ähneln in ihren Eigenschaften T. 1 und 2 weitgehend. Diese beiden Durchgänge der

Ableitung auf die Motivvariante B zu beziehen und nicht als eigenständige Varianten anzu-

sehen, liegt in der Verwendung der Oktavrahmen und der feingliedrigen Begleitung (vgl. T.

24f.) begründet. Die Dynamik der hier erscheinenden Variante B’ liegt im Piano.

Die Varianten B’’ in T. 79ff. haben mit B die Dreiklangsbildung sowie den engen Akkord-

satz mit Rahmenoktaven gemein. Neu hingegen sind die nunmehr doppelte Punktierung,

eine Fortissimo-Dynamik und die Vertauschung der chromatischen Motivtöne zu einem

Zickzackkurs. Mit den Rahmentonfolgen a-b-gis-h und g-as-fis-a wird wie in T. 2 ein chro-

matisches Tetrachord exponiert.

Motivvariante C

334 Im Fall der letzen beiden Akkorde sind auch die Töne der linken Hand zur eindeutigen Identifizierung vonnöten.

Motivvariante B: T. 24, 25f., 58f., 60f.

198

Mit Beginn des schnellen Abschnitts in T. 29 kommt eine neue, aggressivere Motivvariante

ins Spiel, deren rhythmisch kräftig konturierte Hauptstimme von komplementären Akkor-

den der linken Hand begleitet wird. Diese Motivableitung besitzt eine stark thematische

Ausstrahlung und bietet sich daher als Gegenpol zum Thema aus T. 13ff. an. Anders als

dieses ist C nicht periodisch angelegt: Die melodische Fortspinnung ab T. 30 geht sehr bald

in einen kontrapunktisch verwickelten Satz über, dessen Harmonik lediglich schwach aus-

geprägt ist. Wie gesagt, C positioniert sich in Vielem als Seitensatz, wird aber der formalen

Funktion nicht gerecht – schließlich ist seine Präsenz auf den schnellen Mittelteil der Sa-

rabande beschränkt. Die vermeintlich rein vertikal angelegten Begleitklänge in T. 29 (samt

Auftakt) zitieren übrigens, in Stimmen aufgelöst, Varianten des Viertonmotivs.335

Verfolgt man die nur wenig später (T. 32 und 34) in Form eines gestreckten Fugato einset-

zenden Motivableitungen C, so mag man das ‚Più mosso‘ mit seinem Protagonisten C als

durchführungsartigen Abschnitt ansehen. Auch der rhythmisch wie diastematisch stark

kontrapunktisch angelegte Klaviersatz legt eine solche Interpretation nahe. Allein, es fehlt

diesem Abschnitt das zentrale Merkmal einer Durchführung: nämlich jener Ort zu sein, an

dem vornehmlich die thematisch-motivische Arbeit stattfindet. Genau diese thematisch-

motivische Arbeit findet sich aber an allen Enden der Sarabande – siehe Protothema, The-

ma und Motivableitungen. Dennoch ist es nicht auszuschließen, dass Jarnach mit der hier

stattfindenden satztechnischen Verdichtung und dem sich im Verlauf des Mittelteils stetig

beschleunigenden Tempo eine Durchführung assoziieren wollte.

Motivvariante D: T. 45ff.

Auf dem dynamischen Höhepunkt der Sarabande (T. 45ff.) erscheint die Motivvariante D.

Der durch Doppelstriche abgegrenzte Abschnitt beginnt mit wuchtigen h-Moll-Akkorden,

deren Bezug zu den Anfangstakten der Sarabande außer Zweifel steht. Das lombardisch

punktierte Viertonmotiv im Bass fehlt hier, dafür erklingt aber in den höheren Registern

eine Tonfolge, die „wie starke Glocken“ angeschlagen werden soll und, wenn man die ver-

schiedenen Lagen des Umrisses entzerrt, folgende Diastematik offenbart:

Die ersten drei Töne entstammen dem chromatischen Viertonmotiv, und auch die Töne 4

und 5 bilden einen Halbtonschritt. Aus diesem Grund können die Tonfolgen in T. 45f. und

47f. durchaus als (wenn auch klanglich extrem abstrahierte) Ableitungen des Viertonmotivs

bezeichnet werden.

335 Vgl. z. B. die oberste Stimme im Bassschlüssel: f-g-gis-f. Vertikal aufgefasst, lauten die Akkorde der linken Hand ab

Auftakt zu T. 29 d, G, B7>10>, (d6<), d7>9<, Cis+E.

199

Motivvariante E: T. 58–62

Als vorletzte Motivvariante erscheint im Bass der Takte 58 bis 62 eine zu Beginn sehr eng

an das Viertonmotiv angelehnte Ableitung. Ab T. 59 nimmt sie einen vorwiegend aufstei-

genden Zug an; die motivischen Kerne liegen in den Tonfolgen cis-d-dis[-his]-cis (T. 58)

und e-f-fis-dis (T. 60f.) vor.

Motivvariante F: T. 66ff., 103ff.

In T. 66.1 (oberes System), 66.2 (unteres System; in T. 66 liegt somit ein imitatorischer

Einsatz vor) und 68.1 (‚Altstimme‘) erklingen kleine Partikel aus punktierter Achtel und

32steltriole, die sich als weitere kleine Ableitungen des Viertonmotivs zu erkennen geben.

Ihre Diastematik ist, was die Richtungswechsel angeht, mit derjenigen von B’’ verwandt.

Diesem Geschehen ist ein viertöniger Quartenakkord auf a unterlegt.

Kurz vor Schluss der Sarabande, in T. 103ff., erklingt die ‚Zickzackmelodik‘ von F in ei-

ner verklärten Fassung, deren Ende sich – und das ist im Rahmen der überwiegend abwärts

gerichteten Diastematik der Sarabande auffällig – nach oben bewegt. Grundiert wird die

Oberstimme hier von einem gehaltenen fis-Moll-Akkord – der Molldominante des die Sa-

rabande abschließenden h-Moll-Klangs.

Die hier beschriebenen Motivvarianten werden im Verlauf der Sarabande von weitgehend

unveränderten Zitaten des Viertonmotivs ergänzt. So enthält der schnelle Mittelteil in T.

34.2 (Oberstimme der linken Hand) f’-ges’-g’-f’ und T. 35.3, (unterste Stimme) d’-es’-e’-

cis’. In T. 42.1+2 und 43 (Oberstimme) werden jeweils nur die ersten beiden Noten akzen-

tuiert336, ebenso in T. 64 und 65 (mittleres System: absteigende Sekundschritte). Ein voll-

ständiger, wenn auch mittendrin oktavversetzter Durchlauf des Viertonmotivs erklingt in T.

63ff., ganz regulär wiederum T. 88.1 (Oberstimme) sowie 97.1 (Tenor). Eine augmentierte

Rückübertragung des lombardisch punktierten Rhythmus‘ in den Sarabandenschritt aus

Viertel und halber Note erfolgt dann am Ende des Stücks (T. 106–110); die dazugehörige

Diastematik besteht aus einem Halbtonschritt. Für den Titel ‚Variante‘ fehlt all diesen Ein-

sätzen des Viertonmotivs das Spezifische.

Die Wahrnehmung der Jarnachschen Variantenbildung in der Sarabande op. 17 gestaltet

sich nicht ganz einfach, denn das Ausgangsmotiv ist recht unauffällig und abstrakt; zudem

erscheint mit A in T. 7 ausgerechnet die am weitesten entfernte Ableitung des Viertonmo-

tivs. Auch hier scheint diese Methode eher dem materiellen Zusammenhalt als der Form-

konstitution zu dienen – und in dieser Hinsicht wie die Zwölftontechnik, nur um Einiges

freier.

Die Form im Licht neuer Erkenntnisse

Die folgende Tabelle zeigt eine Montage der verschiedenen, für das Erfassen der Form

wichtigen phänomenologischen Ebenen der Sarabande.

336 In den Takten 42 und 43 findet zudem eine Durchführung des lombardischen Rhythmus‘ statt.

200

Dabei wird deutlich, wie wenig die großen Formteile samt der Themenwiederholungen und

die Disposition der Motivvarianten synchronisiert sind:

A-Teil (langsam) B-Teil (schnell) A’-Teil + Codas (langsam)

1–28 28–44 45–110

Thema Thema Thema Thema

13 51 63 94

A B C B’ D E, B F A B’’ F

7 24 28 37 45 58 66 69 79 103

Für den Hörer der Sarabande vermittelt sich nach wie vor das durch die Tempoanlage

assoziierte ABA-Schema am deutlichsten. Möglicherweise teilt sich auch der Codacharak-

ter der letzten 30 Takte auf akustischem Wege mit und macht die Asymmetrie der Form

erklärlich. Die fulminante Rückkehr zum Sarabandentempo und -Rhythmus, die tiefen h-

Moll-Akkorde in dreifachem Forte und das baldige Erscheinen des Themas (T. 51) lassen

die Reprise in T. 45 unmissverständlich erscheinen. Und mehr noch: Mit der erstmaligen

Wiederkehr von Motivvariante A in T. 69 ergäbe sich ein Bogenschluss zum Beginn, dem

sich die Takte 74–79 mit ihrer vergleichsweise ruhig pendelnden Rhythmik und den über-

schaubaren Stimmbewegungen als typische Coda anschließen.

Letzteres ließe sich jedoch, mit Ausnahme des heftigen Einbruchs von E in T. 79ff., von

beinahe allen noch folgenden Abschnitten der Sarabande sagen. Besonders die verklär-

ten Versionen von Thema (T. 95ff.) und Motivableitung F (T. 103ff.) klingen wie zarte

‚adieux‘ und lassen an die Hinweise denken, die Brahms seinem Intermezzo op. 119 Nr. 1

auf den Weg gegeben hatte: „Jeder Takt und jede Note muss wie ritard. klingen, als ob man

Melancholie aus jeder einzelnen saugen wolle ...“337 Anders gesagt: die letzten 35 Takte der

Sarabande wirken wie ein nicht enden wollendes Schließen. Auch dies ist ein Grund für

die gefühlte Asymmetrie dieses Klavierstücks.

Wenn die Anordnung der Themen den zyklische Formvorschlag der Tempoorganisation

spiegelt, so lässt sich ähnliches auch für den Klaviersatz konstatieren: Er ist in den lang-

samen Außenteilen stärker vertikal ausgerichtet als im schnellen Mittelteil, der schon in

seinem zweiten Takt in eine diastematisch und rhythmisch komplexe Linearität übergeht.

Diese im geforderten hohen Tempo zu realisieren, ist durchaus eine pianistische Herausfor-

derung.

Gegenüber der rundenden ABA-Form verhält sich die Exposition und Entwicklung der

Motivvarianten eher linear. Im ersten A-Teil werden die Varianten A und B vorgestellt;

Bemerkenswert ist dabei, dass mit A gleich diejenige Variante mit der längsten Evolutions-

geschichte vorgestellt wird. Ihre Verwandtschaft mit dem ursprünglichen Viertonmotiv ist

akustisch schwer nachzuvollziehen. Besser sieht es in dieser Hinsicht mit Variante B aus,

deren diastematische Kontur mit dem Viertonmotiv eher übereinstimmt.

Oben wurde die These erörtert, bei dem schnellen Mittelteil könnte es sich um den Durch-

führungsteil der Sarabande handeln. Bei einem Blick auf die Sukzession der Motivvari-

anten (siehe Tabelle) ist diese These nicht haltbar: Mit C und B’ befinden sich in diesem

337 Aus einem Brief Johannes Brahms‘ an Clara Schumann vom Mai 1893. Zitiert nach Imogen Fellinger (Hrsg.):

Brahms Klavierstücke op. 119, Vorwort. Wien und Mainz 1974.

201

Abschnitt zu wenige der Varianten, deren Herausbildung in Ermangelung thematisch-

motivischer Arbeit schließlich als einzig durchführungsartiges Element in der Sarabande

herhalten muss. Von einem Vakuum in den letzten 30 Takten des Stücks abgesehen ist die

Verteilung der Motivvarianten ziemlich gleichmäßig. Hier findet also keine Unterstützung

der ABA-Form statt.

Parameter konkret

Nach der Analyse und Darstellung formaler Gegebenheiten soll in einer Elementarisierung

auf die konkreten Parameter fokussiert werden – bestimmte musikalische Eigenschaften

der Sarabande kristallisieren eben nicht an Motiven und Themen.

Der Klaviersatz

Wie das Ballabile, so zeigt auch die Sarabande eine schnelle Aufeinanderfolge verschiede-

ner Satztypen. Und ähnlich wie im ersten der Klavierstücke aus op. 17 fällt die Zuordnung

einer Passage zu einem bestimmten Satzcharakter häufig schwer. Dies mag an dem steten

Ineinandergreifen von linearen und vertikalen Aktionen liegen, das im Ansatz (nicht im

Ergebnis) an Bachs Kompositionsweise in den Chorälen erinnert (Jarnach wird, wie die

meisten seiner Generationsgenossen, die wichtigste Publikation Ernst Kurths aufmerksam

gelesen haben338).

Wie dicht die beiden Satztypen Polyphonie und ‚Melodie plus Akkordbegleitung‘ räumlich

beieinanderliegen können, zeigen beispielhaft die Takte 28–29:

Takt 28, letztes Glied eines Dreitakters, weist einen geradezu mustergültigen Quartettsatz

auf. Die dichte Polyphonie bekommt durch die rhythmische Parallelität zweier Stimmen

immerhin einen vereinheitlichenden Zug – ein seltenes Phänomen in der Klaviermusik Jar-

nachs. Wie anders das Bild im Folgetakt – zumindest auf den ersten Blick: In die zweifel-

los führende Oberstimme verzahnen sich kompakte Akkorde im tiefen Register. Der homo-

phone Schein trügt indes, weil die Akkordtöne teilweise als Einzelstimmen lesbar sind: Sie

spiegeln gelegentlich das chromatische Viertonmotiv der Oberstimme (siehe Ausführungen

zur Motivvariante C). Ein weiteres Aufeinanderprallen unterschiedlicher Satzarten ist im

Taktübergang 44/45 zu beobachten. Meistens aber sind die Übergänge von vertikaler zu

338 Ernst Kurth: Grundlagen des linearen Kontrapunkts. Einführung in Stil und Technik von Bachs melodischer Poly-

phonie. Bern 1917.

202

eher horizontaler Schreibweise in der Sarabande fließend.339 Wie Jarnach hingegen auch in

harmonischer Hinsicht auf Kontrastwirkungen baut, soll weiter unten dargestellt werden.

Jarnach hat die Harmonik der Sarabande jederzeit unter Kontrolle, und so gibt es nur weni-

ge Abschnitte in diesem Klavierstück, in denen von einem wirklich freien linearen Ablauf

gesprochen werden kann: Es sind dies die Takte 30–31 und 34–39 – beide Stellen liegen

im schnellen Mittelteil der Sarabande. Die Folgetakte 40–44 machen ebenfalls einen linear

konzipierten Eindruck, aber die geballt ganztönige Harmonik dieses Abschnitts (einzigartig

in der Sarabande) und die langen, zum Teil parallel geführten chromatischen Abwärtsbe-

wegungen340 machen deutlich, dass es hier vor allem um eine klangliche Zuspitzung341 im

Vorfeld von T. 45 geht.

Ähnlich sieht es in den Takten 21f. aus. In der rechten Hand umschlingen sich zwei schein-

bar autarke Stimmen, die linke Hand spielt dazu Akkorde, aus denen Jarnach allerdings

einige Töne per Akzent hervorgehoben haben will. Trennt man die mäandernde Mittel-

stimme der rechten Hand von dem zuerst auf-, dann abwärts gerichteten Oktavenzug, dann

offenbart sie mit ihrer Gestalt auch ihre Funktion: Sie ist wohl vor allem darauf abgestellt,

die komplexen harmonischen Gänge dieser Takte zu stützen.

Eine Polyphonie ganz eigenartiger Ausprägung gibt es in T. 24f.: Die rechte Hand beschäf-

tigt sich mit der vertikal angelegten Variante B des chromatischen Viertonmotivs, die lin-

ke ergeht sich, davon in rhythmischer, diastematischer und harmonischer Hinsicht völlig

unbeeindruckt, in einem mit ‚obskur‘ bezeichneten Gemurmel. Die gänzliche Trennung

dieser beiden Bewegungen, deren eine ja rein akkordisch gedacht ist, müsste wohl als kom-

plexe, übergeordnete Zweistimmigkeit bezeichnet werden.

Diesen mehr oder weniger polyphonen Abschnitten stehen zahlreiche Passagen gegenüber,

in denen ein akkordischer Satz überwiegt, so in T. 5f., 9–11, 33, 45–50, 70ff. oder 80–82.

Selbst in diesen Takten aber lösen sich immer wieder einzelne Stimmen aus den Akkord-

progressionen.

Das Modell ‚Melodie plus Akkordbegleitung‘ findet sich sehr selten, so etwa in T. 15 sowie

angesichts der Einsätze von Motivvariante C in T. 32 und 34. Stärker vertreten ist wieder-

um der sogenannte ‚Debussy-Satz‘, also eine Akkordprogression, deren höchste Töne eine

Melodie bilden. Einem solchen Satztypus, der zudem oft von parallel geführten, strukturell

sehr ähnlichen Klängen gekennzeichnet ist, begegnet man unter anderem in T. 3, 7f., 13f.

(Hauptstimme in der Mitte), 17–19, 51–56, 63f., 79ff. und 94ff. – die Assoziation mit dem

‚Thema‘ ist unübersehbar; unüberhörbar gleichzeitig auch die impressionistische Harmo-

nik jener Passagen.

In seiner alle Merkmale umfassenden Expressivität ist der Klaviersatz der Sarabande op.

17 nicht voraussetzungslos: Bereits das Lied vom Meer und besonders die Sturmnacht op.

15 haben den Weg gewiesen. Später greifen der letzte Satz der Sonatina op. 18 sowie die

erste der drei Rhapsodien op. 20 diesen in seiner Komplexität barock wirkenden Klavier-

satz auf.

339 Vgl. T. 25–27, 51–57 oder 94–100.

340 Siehe T. 42f. mit der fast durchgängig chromatischen Abwärtsbewegung in großen Terzen.

341 Nach all den übermäßigen Dreiklängen und ganztönigen Gebilden besitzt das h-Moll in T. 45 eine umso stärkere

Wirkung.

203

Die Harmonik

Der Parameter der Harmonik ist im langsamen Sarabandentypus traditionell stark aus-

geprägt, und Jarnachs Sarabande op. 17 macht hier keine Ausnahme. Ihre harmonische

Reichhaltigkeit verdankt sich den vertikalen Satzstrukturen vor allem der Rahmenteile –

allerdings komponiert Jarnach immer wieder auch Abschnitte von diastematisch wie rhyth-

misch dichter Polyphonie.

Das akkordische Vokabular der Sarabande op. 17 besteht (in absteigender Folge der Häu-

figkeit) aus herkömmlichen Dreiklängen, Septakkorden, Quartenakkorden, Sixte-ajoutée-

Klängen und übermäßigen beziehungsweise ganztönigen Akkorden.342 Mir sind drei Fälle

von symmetrisch gebauten Akkorden (T. 6.1, 7.2, 46. letzter Klang) aufgefallen, grundsätz-

lich aber vertraut Jarnach weiterhin auf das Prinzip der Terz- oder, weit seltener, der Quar-

tenschichtung. Mit vereinzelten Ausnahmen sind die oben genannten Akkorde stets ‚rich-

tig‘ notiert, enharmonische Vertauschungen von Einzeltönen kommen so gut wie nicht vor.

Charakteristische Dissonanzen wie der Dominantseptakkord oder der ehemals subdo-

minantisch konnotierte Sixte-ajoutée-Klang sind aus ihren bekannten Zusammenhängen

herausgelöst und prinzipiell auch nicht auflösungsbedürftig. Durterzen oder kleine Septen

werden mit wenigen Ausnahmen nicht aufgelöst beziehungsweise weitergeführt. Jarnach

setzt Dreiklänge mit kleiner Sexte gerne so, dass es zur hörbaren Bildung von übermäßigen

Dreiklängen kommt.343

Neben einer isolierten Betrachtung einzelner Klänge interessieren vor allem die Verbin-

dung und Abfolge von Akkorden. Zunächst stimmen, anders als im Ballabile aus op. 17,

Anfangs- und Endklang in der Sarabande nicht miteinander überein: Eingangs findet sich

ein h-Moll, am Ende ein (mit fis-Moll zu assoziierender) Quintklang fis-cis mit beigefüg-

tem und schließlich nicht mehr aufgelöstem Sextvorhalt d. Diese beiden Mollklänge liegen

nicht sehr weit auseinander, bilden aber eben keine echte Klammer.

Es ist immerhin festzustellen, dass Jarnach in der ersten Hälfte der Sarabande immer wie-

der auf die Tonart h-Moll zurückgreift. Das Protothema vom Beginn, das eigentliche The-

ma in T. 13, die mächtige Glockenstelle (Motivvariante D) in T. 45 und die reprisenartige

Wiederaufnahme des Themas in T. 51 sind in h-Moll angesiedelt. Daraus folgt allerdings

keine vorrangige Stellung von h-Moll; die Harmonik der Sarabande ist nicht tonal, das

heißt auf ein verbindliches Zentrum bezogen. Zumal die Tonart h-Moll nach T. 54 keine

Rolle mehr spielt.344

Wie sieht es nun mit der Art der Akkordverbindungen im Inneren der Sarabande op. 17

aus? Besonders bevorzugte Akkordsukzessionen sind nicht auszumachen.345 In der Sara-

bande op. 17 stehen (wie in den übrigen Kompositionen Jarnachs aus diesen Jahren) weit

auseinanderliegende Harmonien unvermittelt nebeneinander. Jarnach komponiert bewusst

342 Wenn auch eine Statistik der Akkordtypen in freitonaler Musik gewisse Unsicherheiten der Zuordnung mit sich

bringt, so sei doch angedeutet, dass die Dreiklangsharmonien in etwa doppelt so häufig vorkommen wie die Septakkorde;

letzteren wiederum stehen ungefähr halb so viele Quartenakkorde, Sixte-ajoutée-Akkorde und übermäßige/ganztönige

Akkorde gegenüber.

343 Siehe etwa T. 7, letzter Akkord oder T. 54, ebenfalls letzter Akkord.

344 In T. 58 entsteht mit cis-Moll ein kurzzeitiger Gravitationskern; T. 63f., 67 und 85 stabilisieren sich vorübergehend

nach g-Moll/G-Dur.

345 Eine Ausnahme ist hier wie in den anderen Kompositionen Jarnachs das meist gruppenweise Auftreten von Quarten-

akkorden.

204

mit unterschiedlichen harmonischen Abständen, was immerhin so viel bedeutet, dass er

diese auf der relativen Entfernung von Akkorden im Quintenzirkel basierende Qualität

anerkennt. Als ein Beispiel mag die Gegenüberstellung der Takte 13–16 und 33 dienen.

Die Takte 13–16 zeigen den Vordersatz des ‚Themas‘. Auf h-Moll folgt ein C7<, in T. 14

wird ein erneuertes h-Moll von einem Q5fis (Ton d auf der letzten Zählzeit) abgelöst; T. 15

bringt viertelweise gis-Moll, einen ganztönigen Komplex auf cis und einen Q4h in Quint-

schichtung, bevor in T. 16 h7> angespielt wird. Alle genannten Klänge kommen aus einer

ähnlichen Region des Quintenzirkels, sogar die Quartenakkorde bedienen sich der leiter-

eigenen Töne von h-Moll. Das harmonische Tempo ist mit acht Akkorden in dreieinhalb

Takten vergleichsweise niedrig.

Ganz anders sieht es in T. 33 aus: Die kurze, in Sechzehnteln verlaufende Abwärtsbewe-

gung der rechten Hand ist in jedem ihrer Glieder neu harmonisiert – und das mit Akkorden,

die meist weit auseinanderliegenden Sphären entstammen:

Das ist eine zweifache Intensivierung einer Stel-

le, deren Charakter als Bindeglied zwischen zwei

Einsätzen der Motivableitung C eher nebensäch-

lich zu sein scheint. Jedenfalls kann die harmoni-

sche Sprunghaftigkeit kaum als eine Konsequenz

des chromatischen Abwärtsgangs gelten.

Es gibt noch einige Stellen mehr, an denen weit

entfernte Akkorde unmittelbar gereiht werden.

Besonders auffällig ist in diesem Zusammenhang

Ües B Fis7> C Q3c Adie Motivableitung B. Bei ihrem ersten Erschei-

nen in T. 24 und 25 ist jeweils die rechte Hand

akkordisch kompakt aufgestellt, zu hören sind die

Klangfolgen As–h–as–a (T. 24) und c–Des6>–d7>–gis7>. Anlässlich der Wiederaufnahme von

B in T. 58ff. sind es die Akkordfolgen cis–d–Dis6>–eis sowie e–f6>–Fis+h6<–e.

Eine solcherart verdichtete Harmonik kehrt noch einmal mit der Motivableitung E in T.

79ff. wieder.346 Jarnach komponiert aber auch auf einer anderen Ebene mit harmonischen

Kontrasten: In T. 45f. werden Dreiklänge mit Klängen kombiniert, welche gezielt disso-

nante Sekundreibungen enthalten (T. 46.3, 48.3). Eine andere Kombination verschiedener

Akkordklassen ist bereits in T. 14–19 anzutreffen: Hier alternieren Dreiklänge und Quar-

tenakkorde – mit erstaunlich geringen klanglichen Reibungen übrigens. Der größte Teil der

Sarabande, das soll über diese Beispiele nicht vergessen werden, verläuft aber in harmo-

nisch ruhigerem Fahrwasser.

Eine umfangreiche Komposition wie die Sarabande besteht natürlich aus mehr Abschnit-

ten, als es die Formel ABA+Coda wiedergeben kann. In der Regel markiert Jarnach Ab-

schnittsgrenzen durch Doppelstriche oder Atemzeichen, gelegentlich mit auslaufenden

Tonrepetitionen. An solchen Stellen, wie auch am Ende von Themen erscheinen Kadenzen.

346 Die Akkordfolgen lauten hier: d–B–cis7>, Q3dis–c (zweite Takthälfte) und c–As–h7>–b7>.

205

Es sind dies überwiegend nicht Kadenzen im herkömmlich tonalen Sinn, aber eben doch

Schlussformeln. Es zeigt sich, dass Jarnachs Schlussformeln häufig besser als ‚Klausel‘

denn als ‚Kadenz‘ beschrieben sind. Es folgt eine Zusammenstellung größerer in der Sara-

bande zu beobachtender Schlusswendungen:

T. 4:Abschluss des Vordersatzes des Protothemas. Eher linearer Abschluss mit

Rahmen oktave fis in der rechten Hand. Zielklang unklar: 5

fi auf den ersten beiden

Zählzeiten, ein flüchtiges d-Moll auf der dritten

T. 10–11:Ende der Motivvariante A. Spreizung des Ambitus’ in extreme Lagen; rechte Hand

mit der Akkordfolge C–Cis–G, letztgenannter Akkord wird vom f der linke Hand zum

G7> komplettiert (Halbschluss-Assoziation); sich anschließender formaler Angel-

punkt in Form eines Unisono-Rezitativs in tiefer Lage.

T. 15–16:Abschluss des Vordersatzes des ‚Themas‘. Rückführung nach h-Moll; ab T. 15.3

lineare Schlussklausel e-c-d im Alt, gleichzeitige harmonische Kadenz mit Domi-

nantsubstitution: Q4h–h7>.

T. 19–20:Abschluss des Nachsatzes des ‚Themas‘. Zu T. 15f. analoge Klausel gis-eis-e im

Sopran; harmonische Kadenz Gis7>–B6< (B-Dur bleibt nur kurz stehen, ist kein ech-

ter Zielklang).

T. 28:Übergang zum ‚Più mosso‘. Lineare Anbahnung in der zweiten Takthälfte. Der An-

schlussakkord, ein d-Moll-Sechzentelauftakt, wird dabei von einem nicht bestimm-

baren Klang aus Es–cis–fis–d angesteuert; Es und cis gehen leittönig in die Oktave

D–d, das (in dieser Hinsicht ‚falsch‘ notierte) fis des Alt rutscht in ein f.

T. 44–45:Hinleitung zum h-Moll der Glockenstelle. Letzte Sechzehntel in T. 44 mit Tönen aus

Cis-Dur und cis-Moll, keine dominantische Wirkung. Schlüssig ist der Übergang

durch die treppenstufige Bassfig , die nachvollziehbar folgerichtig auf dem h-Moll-

Akkord zum Stehen kommt.

T. 46–47:Kadenz zum zweiten h-Moll dieser Stelle. Doppelt punktierter Auftakt aus zwei stark

dissonanten Akkorden mit zahlreiche Sekundreibungen; ‚Kadenz‘ beim Wort ge-

nommen: die Töne fallen ‚krachend‘ in den h-Moll-Akkord.

T. 50–51:Hinleitung zum Themeneinsatz in h-Moll. Dominantersatzklang aus Q4c plus ver-

mindertem Septakkord auf cis.

T. 57–58:Kadenz zur Motivableitung B. Harmoniefolge Fis-Dur–cis-Moll, auch eine plagale

Kadenz scheidet aus. Größere lineare Schlüssigkeit: Altstimme mit chromatischem

Abgang as-g-fis-f zum e des cis-Moll; Bassstimme F-Fis-D-‚ zum ‚Cis des cis-Moll-

Akkords mit einiger linearer Stringenz.

T. 66:Ausklingen des bogenförmigen Thementaktes. Beginnend mit Q4

a; die folgenden

Melismen in oberem und unterem System verunklaren den Akkord. Schließlich

bleibt ein dissonanter Klang aus g-fis’a’es ’g’’ übrig.

206

T.79:Zielklang d-Moll (79.3) mit konventionellem Vorhalt e-f erreicht; T. 79.1 mit eini-

ger Phantasie deutbar als A5>

6>3<. Drei Leitton-Stränge: EsD, ges(e)f und

(f’)cis’d’; letztgenannte Tonfolgen sind ähnlich den in T. 15f. und 19f. genannten

Schlussklauseln. Kadenzwirkung nur in linearer Hinsicht zwingend

T.106–110: Schluss der Sarabande. Quint-Quart-Klang fis-cis mit wiederholt aufgelöster Vo -

haltssexte d, die schließlich aber im Bass stehenbleibt.

Jarnach vermeidet konventionelle harmonische Kadenzbildungen und ersetzt sie durch

stimmführungstechnisch ungewöhnliche, aber klanglich oft stringente lineare Klauseln. Als

Dominantsubstitute kommen überdurchschnittlich starke Dissonanzen vor. Bisweilen wird

eine Schlusswirkung lediglich durch richtungsgebundene Gesten oder eine räumliche Öff-

nung erzielt.

Rhythmus und Metrum

Gesondertes Augenmerk schließlich verdient noch die Gestaltung der rhythmisch-metri-

schen Ebene. Wie bereits im Abschnitt über den Klaviersatz bemerkt, gehört die Sarabande

zum komplizierten Typus Jarnachscher Klaviersätze. Komplex ist auch die Rhythmik des

Stücks – zwar nicht im Sinn von unregelmäßigen Proportionen, aber in Hinsicht auf die

Übereinanderlagerung sehr kleinteiliger rhythmischer Verläufe. Die Zweiunddreißigstelno-

te ist in weiten Teilen der Sarabande ein gängiger Notenwert.

Insgesamt ist ein Wechsel von einfacher (T. 1–20, 70–83) und differenziert rhythmisierten,

polyphonen Passagen (T. 23–28, 30–40) auszumachen. Selbst die stimmenübergreifend

einheitlich rhythmisierten Stellen bleiben rhythmisch und metrisch oft diffus, auch weil es

so viele Überbindungen gibt (siehe etwa T. 15f., Mittelstimme, die Motivvariante B in T.

24f. oder die Oberstimmen in T. 46ff.). Dem Hörenden erschließen sich viele rhythmische

Gestalten nicht – aber das liegt auch an einem instabilen Metrum.

Vierzehnmal verlässt Jarnach in der Sarabande op. 17 das 3/4-Metrum. Meist finden Aus-

weichungen zum 2/4-Takt statt, und bis auf wenige Beispiele (T. 40–44, 65f., 76f. und 83f.)

ist bereits nach einem Takt das dominierende Dreiermetrum wieder etabliert. Die Gründe

für die Metrumswechsel sind vielfältig: Mal ist eine Verdichtung des metrischen Pulses in-

tendiert (T. 36, 40ff.) oder eine Dehnung (T. 66, 97); in T. 50 funktioniert der 2/4-Einschub

als Interpunktion vor dem erneuten Einsatz des ‚echten‘ Themas, im Fall von T. 67 und

76f. scheint der Komponist schlicht längere rhythmisch und metrisch eindeutige Passagen

vermeiden zu wollen. Die meisten anderen hier besprochenen Werke Jarnachs zeugen von

solchen Bemühungen.

207

VI.3.1 Zusammenfassung op. 17 Nr. 2

Jarnachs Sarabande aus op. 17 ist eng an den musikalischen und charakterlichen Vorgaben

der Gattung orientiert. Dazu tragen der Rhythmus und die gravitätische Grundstimmung

entscheidend bei. In seiner teilweise sehr offenen Pathetik geht dieses Klavierstück aller-

dings seinen eigenen Weg.

Ähnlich dem vorangegangenen Ballabile weist die Sarabande mit einem Protothema und

dem darin enthaltenen punktierten Viertonmotiv zwei musikalische ‚Generatoren‘ auf, die

im Verlauf des Stücks produktiv werden. Wie die meisten formalen Experimente Jarnachs

ist auch das Experiment mit diesem Verfahren nur von kurzer Dauer: Nach der Sarabande

operiert keine Komposition mehr mit einem Protothema.

Der formale Ersteindruck dieses Klavierstücks ist eine schlüssige, durch die Tempoorga-

nisation vermittelte ABA-Anlage, welche allerdings durch die Existenz mehrerer Codas in

ihren Proportionen verunklart wird. Neben den verzerrten Proportionen ist auch die Orga-

nisation der Dynamik verwirrend: Anstatt die leise konzentrierte Ausgangsstimmung wie-

der aufzunehmen, erklingt die Reprise in heftigem Forte; erst die Codas warten mit einer

diesbezüglichen Lösung und Abrundung auf.

Das Auftreten und die Disposition eines ‚echten‘ Themas untermauert die ABA-Form: Sei-

ne Wiederholungen haben sowohl abrundenden als auch architektonisch stabilisierenden

Charakter. Die Form sowohl des Protothemas als auch des echten Themas sind periodisch

geprägt – das ist eher selten bei Jarnach. Wie die Themenvarianten im Streichquartett op.

16 ist auch das echte Thema der Sarabande durch eine betont homophone Anlage hervor-

gehoben.

Die elementarste Ebene wird vom lombardisch punktierten Viertonmotiv – rhythmisches

Sigel und Mikroform des Sarabandenrhythmus‘ zugleich – und seinen Ableitungen gestal-

tet. Eine solch explizite Variantenbildung (in Abgrenzung zur ‚natürlichen Varianz‘ Jar-

nachscher Themen und Motive) ist sonst nur im Streichquartett op. 16 anzutreffen. In der

Sarabande sind Exposition und Evolution der Motivvarianten nicht linear angelegt. Wie

im ersten Satz des Streichquartetts zeichnet die Variantenbildung für die Herstellung eines

dynamischen Gleichgewichts verantwortlich, wie dort ist diese Gliederung eines ansonsten

weitgehend athematischen Geschehens akustisch nicht unbedingt nachvollziehbar.

Aufgrund seiner kontrapunktischen Verdichtung vermittelt der schnelle Mittelteil durch-

führungsartige Qualitäten. In der Tat spielt hier aber bloß eine von sechs Motivvarianten

eine Rolle. Eine Durchführung wäre nur als eine vom Thematisch-Motivischen abstrahierte

Kategorie denkbar – und das ist eher unbefriedigend, zumal sich die formal relevante Vari-

antenbildung gleichmäßig über die Sarabande erstreckt.

Eine besonders reichhaltige, überwiegend auf Dreiklängen basierende, Mischklänge aber

meidende Harmonik trifft in der Sarabande auf eine oft selbstbewusste horizontale Ebene.

Deren Linien sind aufgrund häufigen Oktavversatzes mitunter schwer wahrnehmbar, außer-

dem regiert über weite Strecken die Vertikale. Besonders produktiv wird das spannungs-

volle Verhältnis zwischen akkordischen und melodischen Anteilen in den musikalischen

Interpunktionen und Schlusswendungen. Einmalig in den hier untersuchten Kompositionen

ist die Markierung einiger musikalischer Protagonisten durch eine Tonart: Das Protothema,

das echte Thema, die Glockenstelle und die Reprise stehen in h-Moll – einer Tonart, wel-

che ansonsten quantitativ nicht auffällig wird. Mit seinem nicht aufgelösten Schlussklang

mit hinzugefügter kleiner Sexte (hier ein fis6>) befindet sich dieses Klavierstück in exklusi-

208

ver Gesellschaft mit dem Schlusssatz der Sonatina op. 18.

Im weitgriffigen, teilweise auf bis zu vier Systemen notierten Klaviersatz zeigt sich eine

Verwandtschaft zur expressiven Sturmnacht aus op. 15. Dieser zerklüftete Akkordsatz ist

nicht unbedingt pianistisch und doch kaum auf andere Instrumente zu übertragen. Ob die

„Ausdruckskraft des Klaviers zu beschränkt“ ist, wie Hugo Holle in der oben wiedergege-

benen Rezension schreibt, „und auch – in der Richtung, in der es Jarnach hier verwendet,

zu erschöpft“ – drüber könnte man angesichts des phantasievollen Klaviersatzes besonders

der Sarabande streiten.

VI.4 Analyse op. 17 Nr. 3: Burlesca

Länge 206 Takte; Tempoangabe ‚Rasch und verwegen‘ (‚Allegro risoluto‘, Viertel = 138); überwiegende

Metren 3/4 (Rahmenteile) und 2/2; keine Vorzeichnung; tonartlicher Rahmen e-Moll  g-Moll; Widmung:

„An Heinrich Burkard“.

Wie die Sarabande, so entspricht auch die Burlesca der charakterlichen Vorgabe ihres

Titels: Possenhaft gibt sich das dritte und letzte Klavierstück aus op. 17 mit polterndem

Übermut und grimmigem Humor. Diese Eigenschaften werden kontrastierend mit Passagen

altertümlich strenger Polyphonie verbunden. Der Reiz des Stückes verdankt sich auch die-

ser Kombination heterogener Elemente.

Konnte der Klaviersatz der Sarabande als eine Fortsetzung der im Lied Aus einer Sturm-

nacht gefundenen Mittel angesehen werden, orientiert sich die Burlesca hier und auch

in anderer Hinsicht an einem anderen Gesang aus op. 15: Gerade die charakterliche Ver-

wandtschaft mit dem Wunden Ritter ist ganz eindeutig und schlägt sogar auf die themati-

sche Ebene durch. Es ist, als hätte die ironisch-parodistische Lyrik Heinrich Heines auch

bei der Komposition der Burlesca als Folie gedient.

Wenn eine Eigenschaft der Burlesca schon nach einmaligem Hören haften bleibt, dann ist

es ihre mozartische Fülle an Themen, Motiven und Gestalten, denen allerdings auch viele

scheinbar unstrukturierte Abschnitte gegenüberstehen. Der Formeindruck der Burlesca

dürfte erst einmal diffus ausfallen – nichts an diesem Stück deutet darauf hin, dass sein

Schöpfer von der zeitgenössischen Kritik vor allem als ein klar und verständlich Formen-

der gepriesen wurde.

Die Burlesca op. 17 folgt einem nicht ganz symmetrischen Schema, welches sich folgen-

dermaßen wiedergeben lässt:

ABCDB’A’ Coda

1–47 48–60 61–91 92–109 109–128 129–146 147–206

209

Mit Ausnahme der Reprise von A sind alle Abschnittsgrenzen von Jarnach mit Doppelstri-

chen versehen.347 Zusätzlich zu diesen (siehe Sarabande: nicht immer zielführenden) Mar-

kierungen geben musikalische Kriterien eindeutige Hinweise. Der Übergang von Abschnitt

A nach B etwa ist gleich in mehrfacher Hinsicht kenntlich gemacht: Wechsel vom 3/4- zum

Alla-breve-Metrum, neue Tempoanweisung (‚Più allegro‘), subito Pianissimo nach drei-

fachem Forte sowie der Auftritt eines neuen Themas. Formteil C exponiert einen völlig

neuen, streng polyphonen Satztypus, D bildet mit seiner durchlaufenden Achtelbewegung

im 6/4-Takt den Kontrast dazu. Die Coda schließlich ist als Presto-Stretta ausgebildet und

hält sich trotz ihrer Länge von fast 40 Takten in thematisch-motivischer Hinsicht fern von

allem Gewesenen. Auch hier also, in der Existenz einer langen, motivisch armen und die

Proportionen des Werks verzerrenden Coda, besteht eine Ähnlichkeit zur vorausgehenden

Sarabande.

Damit nicht genug: Der erste, außerordentlich phantasievoll gestaltete A-Teil selbst enthält

nicht weniger als vier thematisch anmutende Elemente – eine ganze Menge für Jarnachs

Verhältnisse; noch dazu fühlt man sich bisweilen an eine Potpourriouvertüre (im nicht-pe-

jorativen Sinn) erinnert. Von ‚der‘ Exposition der Burlesca zu sprechen wäre dennoch ver-

fehlt, da alle anderen Formteile, auch wenn sie auf Material aus A zurückgreifen, gleich-

falls eigene Themen und Motive vorstellen. Die formale Unübersichtlichkeit setzt sich im

Detail fort.

Das „rasch und verwegen“ zu interpretierende Allegro risoluto (Viertel = 138) erlebt einige

Temposteigerungen (T. 48: Più allegro, Viertel = 152; T. 61: Un poco più mosso, Halbe

= 84, T. 147: Presto, Dreiviertel = 84) und gipfelt im Prestissimo (Dreiviertel = 132) der

letzten neun Takte. Die meisten Temposteigerungen machen sich nicht direkt bemerkbar,

weil mit ihnen ein schrittweiser Verzicht auf die kurzen Notenwerte einhergeht. Allerdings

gelingt es auf diese Weise, die Spannung dieses insgesamt motorisch aktiven Klavierstücks

zu halten.

Takt 1–5: Das Motto

Der erste A-Teil beginnt mit einer Aufmerksamkeit einfordernden Fanfare im Fortissimo.

Diese einleitenden viereinhalb Takte sind rhythmisch weitgehend identisch (eine Beson-

derheit in Jarnachs Musik!), Unterschiede liegen in der Richtung der jeweiligen Zwei-

unddreißigstel-Skalen. Sie sind diatonisch angelegt und assoziieren teilweise Mollskalen

(etwa c-Moll in T. 1). E-Moll ist der Rahmen dieses ausgesprochen stark geschlossenen

thematischen Gebildes (vergleiche T. 1.1 und 5.1). Am Beginn der ersten beiden Takte

stehen punktierte Wechselakkorde, deren mittlere zwar dissonant sind, mit ihrer Parallel-

verschiebung von Dreiklängen (T. 1 und 2: e-Moll–d-Moll–e-Moll) aber stets in Rufweite

traditioneller Dreiklangsbildungen stehen. Dasselbe gilt für den aus einem vermindertem

Septakkord (A-c’-dis’-fis’) und c-Moll kombinierten Klang in T. 3.1 sowie für jene Drei-

klänge, welche den Zweiunddreißigstelläufen unterlegt sind (T. 1.3: c6<; T. 2.3: E7>; T. 3.3

347 Der durch Metrum und Thematik eindeutig lokalisierbare Übergang vom Mittelteil zur Reprise (T. 128 auf 129) wird

durch einen zu spät angesetzten Doppelstrich bei T. 131 auf 132 optisch verschleiert.

210

und 4.3: Des). Bemerkenswert sind die Mischklänge in T. 1.3 (C6<

9<) und 2.3 (E7>10>), deren

Klang erstaunlich stark in Richtung Jazz tendiert.

Es wäre wohl denkbar, dieses dreimal wiederholte und nur geringfügig variierte Fanfa-

renmotiv zusammengefasst als das erste Thema der Burlesca zu denken. Paradoxerweise

spricht gerade seine Kürze und Abgeschlossenheit gegen eine solche Deutung: Jarnach

komponiert in der Regel Themenkomplexe, deren Ende ‚offen‘ ist, zudem liegt die Essenz

seiner Themen eher in der Horizontale. Diese Eröffnungsfanfare scheint mir besser mit

dem formal unverbindlicheren Begriff des ‚Mottos‘ denn als ein ‚Thema‘ gefasst zu sein.

Takt 5–17: Stream of Consciousness

Auf die unmissverständliche Interpunktion in Form der Oktave ‚E-E in Takt 5 leistet die

Quintole den Auftakt zum nächsten Abschnitt, der bis zur nächsten starken Interpunktion

in T. 17 reicht. Trotz einer nicht unerheblichen motivischen Heterogenität sind diese zwölf

Takte unbedingt als eine Einheit aufzufassen; die Gründe liegen dabei in der Unmöglich-

keit, Einschnitte auszumachen: Die durch eine kleine Pause abgetrennten Takte 8–9 schlie-

ßen sich ebenso logisch an das Vorhergehende an, wie das punktierte, sequenzierte Akkord-

motiv in T. 9.3 aus der Sechzehntelbewegung hervorgeht (Vgl. auch die Artikulationsan-

weisung), in einem diastematischen und dynamischen Spannungsbogen, dessen Höhepunkt

mit dem Forte-Einsatz in T. 11 exakt mittig angeordnet ist sowie in einer motivischen Sym-

metrie: Um die vom punktierten Motiv beherrschten Takte 10, 11 und 12 gruppieren sich

die durch Sechzehntelketten dominierten Takte 8/9 und 13/14; schließlich entsprechen sich

die den Abschnitt einleitende Quintole (T. 5.3) und die oktavierte Sextole (T. 16.2) sehr

deutlich: Sie nehmen die Funktion von Ein- und Ausgang wahr.348

Außerordentlich auffällig sind die narrativen Qualitäten dieser mit vielen verschiedenen

Gestalten bevölkerten Takte – mit stockendem Beginn, dann langsam Fahrt aufnehmend,

eine Klimax in T. 9ff., die zu einem Erregungsplateau führt und schließlich eine rückleiten-

de Entspannungsphase.349 Wenn die Burleske ein „Schwank“ ist, dann hat nun ein talentier-

ter Erzähler begonnen, eine Geschichte zu entfalten. Ein wirkliches Thema lässt sich hier

nicht isolieren, bei den zwölf Takten handelt es sich eher um einen musikalischen ‚stream

of consciousness‘, einen eher amorphen Bewusstseinsstrom also, wie er mit James Joyces

Ulysses bekannt wurde.350

In diesen Gedanken fügt sich die linear vom Geordneten zum Ungeordneten führende Har-

monik: Die Takte 7–9 formulieren noch eine authentische Mollkadenz (T. 7.3: c-Moll; T. 8:

D7>; T. 9.1: g-Moll), in T. 10 gerät man mit Ces-Dur, des-Moll und einem Quartenakkord

schon auf Abwege. Ab T. 11 ist die harmonische Ebene so gut wie nicht mehr präsent, in T.

15 allerdings erklingen zwei markige Quartakkorde.

348 Es könnte mit diesem ungewöhnlichen, symmetrisch gebauten Abschnitt musikalischer Prosa ein formales Modell

der Burlesca im Kleinen entworfen sein.

349 Man ist geradezu versucht, eine eigene Erzählung zu dieser Musik zu verfassen – aber solche gattungsübergreifenden

Inspirationen verlaufen interessanterweise immer nur in der umgekehrten Richtung. – Als eine Seltenheit bei Jarnach sind

Sequenzen wie diejenige von T. 9/10 zu 10/11 beachtenswert.

350 Jarnach hatte bereits 1916 die Bekanntschaft von James Joyce gemacht, aus der eine vor allem künstlerisch motivier-

te Freundschaft entstand. Wenn es stimmt, dass Jarnach seinen Anteil am Kapitel The Sirens aus dem Ulysses (1922) hatte

(siehe Weiss, S. 84f.), dann könnten ebenso gut Ideen des Schriftstellers ihren Niederschlag in Jarnachs Musik gefunden

haben. Obschon die Freundschaft mit Joyce mit dessen Wegzug aus Zürich im Jahr 1919 endete, beabsichtigte Jarnach

noch 1930, zu einer Anthologie auf Joyce-Texte ein Lied beizutragen. Es sollte allerdings bei der Absicht bleiben.

211

Takt 18–26: Der erste Themenkomplex

Auf die musikalisch überdeutlich pointierte Interpunktion folgt das erste ‚richtige‘ Thema,

welches auch in der Reprise in voller Entfaltung zu hören sein wird. Hier, in T. 18, stellt es

sich zunächst mit einem Viertakter vor:

Die Hauptmerkmale diese Themas sind eine häufig die Richtung wechselnde, ‚torkelnde‘

und punktierte Melodiestimme sowie eine viertelweise Bassbegleitung, die immer auf den

Hauptzählzeiten liegt.351 Genau dieser Duktus kennzeichnet auch die Bassstimme des Wun-

den Ritters op. 15, dessen Strophenzwischenspiele eine besonders nahe Verwandtschaft zu

dem Thema aus op. 17 bezeugen.

Hier ist die Oberstimme aus T. 11ff. wiedergegeben:

Die scheinbar naive Ziellosigkeit des Themas aus der Burlesca bedarf des Verweises auf

das Lied nicht, sie erschließt sich beim Hören von selbst. Ein Teil dieser Wirkung geht auf

die ungewöhnliche metrische Einordnung des Themas zurück – Jarnach ‚bessert‘ in diesem

Punkt nach und präsentiert das einleitende Wechselnotenmotiv in T. 21.3 sowie in der Re-

prise (T. 131) als Auftakt.352

Und dann ist da noch die scheinbar ‚ungelenke‘ Harmonisierung: Sie bleibt in den ersten

beiden Takten noch wie suchend unbestimmt, mündet aber in T. 20 in die drei Akkorde

F6>, C6> und a6<9<. Enden wird das Thema auf einem verkürzten H-Dur-Akkord mit kleiner

Septime, kleiner None und tiefalterierter Quinte im Bass – einem Dominantklang, der seine

Auflösung mit dem erneuten Einsatz des Themas auf E erfährt. Selten komponiert Jarnach

so klare Dreiklangskadenzen wie hier.

In den Folgetakten entspinnt sich eine kurze Imitation des Themas. Nach dem zweitakti-

gen Einsatz der ersten Themenhälfte (mit ungefährer Diastematik) in der linken Hand von

T. 21.3 folgt die rechte mit dem Themenkopf in T. 22.1, 22.3 und 24.1. Bemerkenswert

ist, dass Jarnach (entgegen seiner Gewohnheit) die Intervallfolge des Themenkopfes stets

gleich belässt: Sie besteht aus einer halbtönigen Wechselnote nach unten und einem Ganz-

tonschritt abwärts (dieses Profil erlebt darüber hinaus noch eine viel weitere Verbreitung,

351 Man beachte übrigens die metrische Verschiebung des Themas, erkennbar auch am taktübergreifend gezogenen Bal-

ken der punktierten Achtel. In der Reprise wird das Thema auftaktig angelegt sein.

352 Bezeichnend ist, dass ein drei Achtelpunktierungen zusammenfassender Balken die Taktgrenze 19/20 überschreitet.

Es ist dies eine bei Jarnach sehr seltene optische Irregularität.

212

wie sich zeigen wird). Mit den Takten 18–26 lieg also ein ganzer Themenkomplex vor: Auf

den abgegrenzten Themenviertakter folgt eine kontrapunktisch angereicherte Passage mit

thematischem Bezug, bis der Abschnitt ab T. 24 motivisch zerfasert. Abschluss und Über-

leitung zum nächsten Abschnitt leistet in T. 26.1 der Kopf des Fanfarenmotivs.

T. 26–47: Das Akkordthema

Der folgende Abschnitt, der durch wuchtige Dreiklänge eingeleitet wird, ist wiederum

symmetrisch gebaut, denn das markante Akkordthema im Viertelrhythmus erklingt nach T.

26ff. auch in T. 37ff. In der rechten Hand finden sich zunächst ausschließlich abwärts ge-

führte, einfache Dreiklänge (g, D, f, A) die sich zusammen mit den aufsteigenden Oktaven

der Linken zu Akkorden mit hinzugefügten Sexten (der Minimalform Jarnachscher Misch-

klänge) komplettieren. Die Platzierung der kleinen Sexten in der Bassstimme sorgt dafür,

dass das Ohr übermäßige Dreiklänge wahrnimmt.353 Takt 29.1 (Es7>10>) bringt eine Transpo-

sition des jazzigen Mischklangs aus T. 2.3 in Erinnerung354, und im Folgetakt 30 wird ein

h-Moll-Akkord in der rechten Hand durch die Bassstimmen zu Mischklängen angeschärft

(h6>

3< und h4<

3<). Ein typischer Mischklang liegt noch mit dem as4<6< in T. 40.2 vor.

Mit seiner elementarisierenden Rhythmik fällt das Akkordthema einigermaßen aus dem

Rahmen. Nach den einleitenden Vierteln von T. 26f. erscheint eine punktierter Dreiviertel-

zelle (T. 28, Wiederholung in T. 30), die gut als augmentierte Ableitung des Fanfarenmo-

tivs gelten könnte. Die überbindende Artikulation von T. 28 auf 29 sowie die korrespondie-

renden Zweitakter 28/29 und 30/31 legen den Schluss nahe, dass die einleitenden Akkorde

im Viertelrhythmus sämtlich (und nicht nur 26.3) als Auftakt zu sehen sind. Zur wuchtigen

Umständlichkeit des Akkordthemas passte diese Zuordnung jedenfalls recht gut.

In einem Übergangsabschnitt, der von T. 32 bis 35 reicht, löst sich der kompakte Akkord-

satz auf; die Oberstimmen bewegen sich zunächst noch in Vierteln, und im Bass erinnert

eine punktierte Achtelbewegung an das Thema aus T. 18. Dasselbe gilt für die Oberstimme

von T. 34. Dies sind sehr zarte Andeutungen durchführungsartiger Tendenzen, dargebracht

in einem luftigen, sprunghaft linearen Klaviersatz.

Eine Massierung der Vertikale in T. 36 führt wieder zu Akkordsatz und vorherrschender

Viertelbewegung. Mit dem Auftakt zu T. 38 setzt eine Variante des Akkordthemas ein, die

allerdings mit einem diminuierten Punktierungsmotiv in T. 39.1+2 bereits wieder endet. An

der abrundenden Wirkung des Einsatzes ändert das nichts: Die Takte 26–39 sind unbedingt

als Einheit und Themenkomplex aufzufassen.

Die letzten, bis zum Doppelstrich in T. 47/48 verbleibenden Takte sind einer Art

Schlussgruppe gewidmet, die sich aus dem vorhandenen Materialfundus bedient. So

stammen die vollgriffigen Dreiklänge und Akkorde in T. 40f. vom Akkordthema ab, die

punktierten Achtel in T. 41.2+3, 42.1+3. sowie 44.1 von Fanfarenmotiv und erstem The-

ma. Relativ neu ist die (meist oktavierte) Bewegung in Triolen und diatonischen Skalen-

ausschnitten355: Sie wurde unter der Hand noch im Zusammenhang mit dem Akkordthema

eingeführt. Ab T. 42 sieht auch die Schlussgruppe ihrer Auflösung entgegen, mit ihr endet

353 Dieser Akkordtyp und diese Struktur (der Jazzmusiker würde den Begriff des ‚Voicings‘ heranziehen) ist in allen drei

Klavierstücken aus op. 17 zu finden.

354 Die Akkordstruktur legt in diesem Fall auch die Deutung als bitonaler Klang aus Es-Dur und Fis-Dur nahe.

355 Vgl. T. 40 (Auftakt), 42.2, 43.3, 44.1, 45.1.

213

der erste A-Teil der Burlesca, und er tut dies auf eine für Jarnach typische Weise: mit okta-

vierten Tonrepetitionen, in diesem Fall auf dem Ton c.

Der erste A-Teil der Burlesca hat zwei als Thema wirkende Gestalten exponiert, deren

Charakter durchaus den traditionellen Themendualismus formulieren könnten. Hinzu

kommt ein von mir als ‚Motto‘ bezeichneter Motivkomplex. Eine Besonderheit ist der auf

das Motto folgende Abschnitt musikalischer Prosa, dessen großer Bogen eine reiche Moti-

vik vorstellt. Nur zwei der vier genannten Komplexe kehren im Verlauf der Burlesca wie-

der, nämlich das Motto und das erste Thema.

T. 48–60: Marschthema im Alla-breve

Mit dem Alla-breve-Mittelteil verhält es sich nicht anders als mit dem ersten A-Teil: Er ist

satztechnisch wie dynamisch abwechslungsreich, motivisch phantasievoll, insgesamt aber

ob fehlender Hierarchisierung der musikalischen Gestalten Verwirrung hinterlassend. Zu-

nächst tritt in T. 48 ein neuer Themenkandidat auf den Plan:

Es sind hier nur die ersten beiden Takte wiedergegeben, denn mit T. 50 endet die rhyth-

mische und vor allem die diastematische Geschlossenheit (als Themenkern fungieren hier

wie an späterer Stelle nur die beiden ersten Takte). – Neue und bekannte Elemente vereini-

gen sich hier: Neu ist der Kopfrhythmus in halben Noten, vertraut dagegen ist der trocken

marsch artige Viertelschritt in der Begleitung. Das Markige des Themenkopfes wird durch

das Tritonusintervall D-As gebrochen, die sehr tiefe Lage trübt zudem die Wahrnehmung

der genauen Intervallverhältnisse. In T. 51 kommt es zur Wiederholung dieses Marschthe-

mas in der linken Hand; zwischen den beiden Einsätzen und in der Begleitung des zweiten

liegen Takte freier Erfindung mit angedeuteter Polyphonie, die rhythmisch wie diastema-

tisch stark aufgelockert, beinahe ‚zerfahren‘ wirkt und die an den Mittelteil des Akkordthe-

menkomplexes (T. 32ff.) erinnert. Dieser kurze thematische Komplex endet in T. 53 in

einem motivisch unverbindlichen, strengen dreistimmigen Satz.

T. 54 und 55 zeigen zwei dynamisch schüchterne Varianten des Fanfarenmotivs, hier an

das Alla-breve-Umfeld angepasst und mit aufwärts gerichteten Terzkaskaden statt der Ska-

len. Die Folgetakte nehmen Elemente aus T. 35ff. (der Fortspinnung des Akkordthemas)

wieder auf, so etwa den marschartigen Viertelrhythmus mit punktierten Einsprengseln, die

Achteltriolen (T. 57, Mittelstimme) oder kurze ausnotierte Triller (T. 60).356

356 Vgl. T. 60 und 35.

214

T. 61–91: Archaische Polyphonie

Mit dem nächsten, ‚Un poco più mosso‘357 überschriebenen Abschnitt (T. 61–91) ändern

sich erneut die Koordinaten; am auffälligsten ist hier der Klaviersatz, der in seiner an Bici-

nien erinnernden Strenge eine stilistische Rückblende besonderer Art darstellt – es schlägt

hier wohl der Kontrapunktlehrer Jarnach durch. Eingerahmt von jeweils einem Alla-breve-

Takt erklingt in der Oberstimme der rechten Hand von T. 61–65 folgendes Thema, dessen

Grenzen – unüblich im Rahmen der Burlesca – recht fest umrissen sind:

Es gibt keinen triftigen Grund, den durch Doppelstriche markierten Abschnitt von T. 61 bis

91 weiter zu unterteilen. In bekannter Weise trägt auch hier das ‚polyphone Thema‘358 zur

Grenzziehung bei, denn in T. 86–91 erfolgt eine eng ans Original angelehnte Variante des

Themas. Es scheint, als etabliere sich hier ein Gestaltungsprinzip von Themenkomplexen:

Auch die Abschnitte T. 5–17 und 26–39 zeigten eine thematische oder motivische Markie-

rung ihrer Außengrenzen. Die zwischen den beiden Fassungen des polyphonen Themas

angesiedelten T. 65–85 sind demgegenüber motivisch sehr unverbindlich; allerdings wird

der polyphone Satz – und dabei besonders die enge, auf eine Hand gelegte Zweistimmig-

keit – recht lange beibehalten. In Kombination mit einer dritten, gern weit ausgreifenden

Stimme ergibt sich ein ungewöhnlicher, nicht unbedingt pianistischer Klaviersatz.

In seiner ersten Fassung zeigt das polyphone Thema in der Oberstimme der rechten Hand

eine Melodik, die, zunächst sehr zögerlich, einen Bogen über eine Oktave beschreibt und

in T. 65.1 wieder zum Ausgangspunkt f’ zurückkehrt.359 Der ebenfalls in der rechten Hand

angesiedelte Kontrapunkt zur Melodiestimme zeigt ein weder rhythmisch noch diastema-

tisch auffälliges Profil aus einer Kombination von Intervallsprüngen und chromatischen

Skalenausschnitten. Bemerkenswert sorgfältig ist in den beiden Oberstimmen das Gebot

der Gegenbewegung ausgeführt.

357 Die angewiesene Erhöhung des Tempos wird von der Verwendung vergleichsweise längerer Notenwerte mindestens

neutralisiert.

358 Die Bezeichnung ‚polyphones Thema‘ passt vor allem auf dessen erste Fassung in T. 62ff.

359 Ich schließe den Takt 61 trotz des übergreifenden Bogens und der beide Oberstimmen betreffenden Verbindungen zu

T. 62 aus dem Thema aus, da das Kopfmotiv aus T. 62 deutlich an dasjenige des Themas aus T. 18 angelehnt ist und bei

der Wiederholung des polyphonen Themas in T. 86 ein solcher eintaktiger Vorlauf ebenso wenig existiert wie das in T. 65

vorzufindende ‚Themensuffix‘, dessen vierteilige Intervallformel mit T. 61 korrespondiert.

215

Die chromatischen Wechselnoten der Themenfassung in T. 62ff. (f’-ges’-f’-ges’) verraten

die Herkunft des Kopfmotivs noch nicht; die zweite Version des polyphonen Themas in T.

86 lässt aber kaum Zweifel: Die Töne fis’-g’-fis’-gis sind nichts anderes als eine transpo-

nierte Umkehrung des ersten Themas aus T. 18.

Weitere konkrete diastematische Übereinstimmungen zwischen beiden Themen gibt es

nicht, und da auch charakterlich Welten zwischen diesen beiden Protagonisten liegen,

sollte das polyphone Thema als eigenständig und nicht als Ableitung des ersten Themas

angesehen werden. Immerhin aber verschafft Jarnach dem Wechselnotenmotiv an zentra-

ler Stelle der Burlesca Aufmerksamkeit: In T. 105 erklingt es über einem ungetrübten fis-

Moll-Grund.

Die Harmonik des polyphonen Themas ist seinen Anlagen entsprechend schwach aus-

geprägt, allerdings scheint im Anfangstakt 62 eine b-Moll-Grundierung durch, und in T.

64.1+3 blitzen kurzzeitig Dominantseptakkorde auf (Fis7> und H7>). Ansonsten ist der Satz

von einer Jarnach-typisch herben, aber selten scharfen Dissonanz geprägt.

Das polyphone Thema erlebt in T. 86–91 eine variierte Wiederholung, deren offensichtlich-

ste Differenzen zum Modell zunächst die Satzstruktur sowie den Wechsel vom 3/2- zum

2/2-Metrum betreffen.360 Bei genauerem Hinsehen fallen Unterschiede in Diastematik

und Rhythmik der führenden Stimme auf, die freilich an der wahrnehmbaren Ähnlichkeit

der Themenfassungen (und nur darum, und nicht um die diastematische Identität, geht

es Jarnach in solchen Fällen) nichts verändern. Es fehlt die strenge Zweistimmigkeit der

Rechten; die linke Hand bringt Akkordbrechungen, die lediglich in T. 85 bestimmten Drei-

klängen zuzuordnen sind (hier C7< und b). Eine Streckung der zweiten Themenvariante

von dreieinhalb auf sechs Takte resultiert vornehmlich aus der Verlängerung der abwärts

gerichteten Themenhälfte (vgl. T. 64f. und 89–91).

EXKURS: Die kleinen Motive

Am diastematischen Scheitelpunkt des polyphonen Themas (T. 64) lässt sich ein viertöni-

ges Motiv isolieren, das aus einer von zwei Sekundschritten flankierten (meist großen) Terz

besteht:

Es ist dies ein typisch Jarnachsches Motiv, nah verwandt mit den als ‚Treppenmotiv‘ und

‚Dreitonfigur‘ bezeichneten Tonfolgen aus der Sonatine op. 12, dem ‚Viertonmotiv‘ aus

dem ersten Teil des Streichquartetts op. 16. In diesem Takt sind drei der Viertonmotive in-

einander verschränkt (e’’-f’’-des’’-c’’, c’’-des’’-b’a’ und a’-h’-g’-f), in der Oberstimme von

T. 66f. finden sich nochmals zwei der Motive aneinandergereiht; im Sopran von T. 79f.

greifen wieder zwei Viertonmotive ineinander, ihrer drei sind wieder in der zweiten Fas-

sung des polyphonen Themas verschränkt (Oberstimme, T. 89ff.). Es zeigt sich wieder ein-

mal, dass für Jarnach die Kategorie des ‚Umrisses‘ wichtiger ist als genaue Intervallver-

360 Es ist unklar, warum Jarnach den in T. 65–84 etablierten Alla-breve-Takt nach dem 1/2-Zwischenspiel in T. 85 in ein

2/2-Metrum (T. 86–91) umbenennt.

216

hältnisse. Die Verbreitung des Viertonmotivs ist nicht auf den ‚linearen Abschnitt‘ be-

schränkt. Hier eine kleine Aufstellung der Einsätze:

T. 6.2:Oberstimme: h-c’-as-g

T. 31.3:Oberstimme: fis’’-g’’-es’’-d

T. 33.2:Mittelstimme: fis’-g’-es’-[a]-d’

T. 56.3:Oberstimme: g’’-a’’-f’’-es’’

T. 102ff.:Mittelstimme unvollständig: cis’-d’-b’-

T. 114.3:Bassstimme: Es-F-D-C

T. 115.2:Bassstimme: Eis-Fis-D-‚B

T. 118.2:Bassstimme: Cis-D-‚B-‚A

Die Takte 107–109 bereiten dem Motiv einen harmonisch angereicherten, äußerst wir-

kungsvollen Soloauftritt:

Diese Motivapotheose ist, wie übrigens auch die Präsentation des Wechselnotenmotivs,

ziemlich genau in der Mitte der Burlesca angeordnet, sie könnte als Angelpunkt des Stü-

ckes gelten. Drei der vier Akkorde des Motivs lassen sich identifizieren: Fis6<–[?]–Dis6>–D.

So wie zumindest der Kopf des polyphonen Themas als Ableitung des Themas aus T. 18

gesehen werden sollte, so könnten auch die Wurzeln des Viertonmotivs eben dort gefunden

werden. Die Oberstimme in T. 18/19 bringt nämlich zwei viertönige Gestalten, die zum

Viertonmotiv in der Krebsumkehrung stehen.361

Es ist wohl einzuräumen, dass die angenommene Verwandtschaft dieser Tonfolgen nicht

zwingend ist, zumal wenn man Jarnachs Vorliebe für kleine, chromatische Gestalten in

Rechnung stellt. Festzuhalten ist, dass nach dieser Betrachtungsweise sowohl das erste als

auch das polyphone Thema vom Wechselnotenmotiv eröffnet und vom Viertonmotiv be-

schlossen würden.

Das chromatische Viertonmotiv ist nicht die einzige Tonfolge, die sich aus dem polypho-

nen Thema isolieren lässt. Da ist noch eine Folge von drei Tönen, die, fast ausschließlich

361 Es sind dies ab T. 18.2 die Tonfolgen b’’-a’’-fis’’-g’’ und f’’-e’’-cis’’-d’’. Einziger Makel: Das Zentralintervall ist

keine große, sondern eine kleine Terz. Vgl. auch T. 23.1, 132.1, 133.1, 136.2 und 137.2.

217

im Rhythmus zwei Achtel + Viertel notiert, den Beginn der Mollskala beschreibt. Die Figur

lässt sich leicht im Notenbild identifizieren: T. 63 (5. Viertel), 67.3, 68.1, 69.1+2+3; 70.4,

73.2+4+6, 74 (4. Viertel), 75.3, 76.3+4, 78.2; oktaviert in T. 83.4 sowie 84.1+2+3+4. Mit

T. 86 ist die Inflation des Dreitonmotivs vorerst vorbei; einige spätere Nachklänge bringen

das kleine Motiv dann in punktiertem Rhythmus, (T. 114 [letzte Viertel], 119.3, 121.1,

122.2,123.3+4, 125.2 und 127.1) oder in Triolen (T. 122.2, 127 [2. und 4. Viertel], 128.1).

Es besteht eine Verwandtschaft des Dreitonmotivs zum oben beschriebenen triolischen

Motiv, das sich gegen Ende des Komplexes mit dem Akkordthema bildete.362 Es ginge zu

weit, dieses Triolenmotiv als Ableitung des eben besprochenen Dreitonmotivs zu bezeich-

nen – dagegen sprechen Verteilung und Chronologie der Motive. Einen Ehrenplatz erhält

das nunmehr um den Faktor 1,5 augmentierte Motiv im Auftakt zu T. 135 – hier kulminiert

das Burleske in der Burlesca op. 117.

EXKURS ENDE

T. 92–104: Wechselnoten

Der nächste, wiederum durch Doppelstrich abgegrenzte Abschnitt von T. 92 bis 104 ist

Übergang und Vorbereitung zugleich. Deutlich fühlbar scheint die Zeit für einen Moment

ausgesetzt zu sein. Über Liegeklängen der linken Hand erscheint in T. 92 eine gestreckte

Variante des Wechselnotenmotivs (f’-ges’...f’-g’); T. 102 versteckt das chromatische Vier-

tonmotiv zwischen einem Oktavtremolo auf fis, begleitet von den Akkorden Fis6>, c und a

in der linken Hand. Am oben beschriebenen Mittelpunkt der Burlesca werden Wechselno-

tenmotiv und Viertonmotiv mit einer Jarnachschen Repetitionsfigur verbunden. Das ‚Bur-

leske‘ ist hier völlig abwesend.

T. 109–128: Die Reprise des Marschthemas (des B-Teils?)

Die Beruhigung währt nur kurz, denn in T. 109 nimmt die Musik mit einem ‚Molto vivace‘

wieder Fahrt auf. Tief im Bass kündigt sich in T. 110f. Neues an – die Tonfolge ‚Fis-‚G-

‚Eis-‚A-‚Dis lässt den Beginn einer Allintervallreihe vermuten. Das gilt auch für die punk-

tierte Fortsetzung in T. 112.1 (Bass) und 113.1 (Oberstimme) die sich als Wechselnotenmo-

tive zu erkennen geben. In der zweiten Hälfte von T. 113 schließlich erklingt das Marscht-

hema, das in T. 48 den Mittelteil der Burlesca eingeleitet hatte – und zwar in einer bis auf

den ersten Ton getreue Transposition um einen Halbton nach oben.Wie zu Beginn des Mit-

telteils folgt auch hier eine Wiederholung des Marschthemas auf dem Fuße (T. 115f.), nun

etwas stärker variiert als zuvor. Die Sechzehntelfigur aus T. 116 wird noch in T. 119 und, in

getreuer Transposition, in T. 123 reflektiert, ansonsten kommt ein marschartiger Zug zum

Tragen, wie er aus T. 56ff. bekannt ist.363

362 Das Triolenmotiv findet sich in T. 37.1, 38.3, 39.3, 42.2, 43.3, 44.1, 45.1, 58 (letzte Viertel) und 118 (3. Viertel).

363 Es sei noch auf das B-A-C-H-Motiv hingewiesen, das sich aus den beiden Oberstimmen der Takte 119–121 herausar-

beiten lässt.

218

T. 129–146: Die Reprise des A-Teils

Die Reprise des A-Teils wird von Jarnach aus unerfindlichen Gründen im Notenbild ver-

schleiert. Schon in T. 129 findet die Rückkehr zum 3/4-Metrum und dem Fanfaren-Motto

statt (ihm werden zwei Takte zugestanden), drei Takte später erst folgt der Doppelstrich.

Er trennt den Auftakt des ersten Themas (hier erst scheint es in seiner korrekten metri-

schen Position ‚eingerastet‘ zu sein) von seinem weiteren Verlauf.364 Und vielleicht ermög-

licht diese Tatsache auch erst jene humorige, an Ragtime-Musik erinnernde Fortführung

(T.134f.), die durch ihre offene Rhythmik und die ungewöhnlich konventionelle Harmoni-

sierung (T. 134.1: D-Dur; 134.3: G-Dur; 135.1: c-Moll – eine Quintfallsequenz) aus dem

Rahmen fällt.

Die Reprise des ersten Themas erfolgt übrigens in einer exakten Transposition um eine

kleine Septime nach oben. Analog zum ersten A-Teil wird auch hier der Themenkopf samt

einer kleinen Imitation wiederholt (T. 136f.). Takt 139 bringt in der linken Hand noch ein-

mal den Rhythmus des Mottos, ansonsten herrscht bis zum Doppelstrich nach T. 146 eine

motivische ‚Sendepause‘. Dem zweiten A-Teil, mit nur 17 Takten Länge weit weniger als

halb so lang wie der erste, fehlen der symmetrische Prosa-Abschnitt und das Akkordthema

gänzlich. Hinzuweisen wäre allenfalls auf die wieder nach Allintervallreihe aussehende

Bassfigur in T. 144f.365

Gegen Ende dieses Abschnitts ist eine harmonische Fixierung auf H-Dur festzustellen, wie

sie sich in T. 139.2, vor allem aber in T. 142 und 143 zeigt. Die Hinleitung zum folgenden

Presto geschieht mit Oktavrepetitionen auf h.

T. 147–206: Die Stretta

Die Stretta (T. 147–206) schließlich weist eine weitgehende thematisch-motivische Eva-

kuation auf. Wären da nicht der Krebs des Wechselnotenmotivs im Bass von T. 147f. (E-

D-E-Dis-E), eine komprimierte Version des Mottos in T. 154 (der Bass zeigt das punktierte

Fanfarenmotiv, in der rechten Hand erklingt eine dorisch-Moll-Skala auf gis) und die

Andeutung eines Halbtontrillers in T. 169ff. (Oberstimme), könnte man diese knapp 60 (!)

Takte für einem anderen Stück entstammend halten – der Vergleich mit den ebenfalls wie

abgelöst wirkenden Takten 584–639 des Streichquartetts op. 16 liegt nahe, wenn auch die

Stretta dort proportional viel weniger Raum einnimmt.

Im diesem Schlussteil der Burlesca op. 17 huschen nur wenige neue Motive vorüber, und

sie sind kaum prägnant. Gleich zu Beginn in T. 147ff. ließe sich in der Oberstimme ein

kurzes, von Tonwiederholung und Punktierung gekennzeichnetes Motiv isolieren. In der

linken Hand folgt auf das Wechselnotenmotiv in T. 148–153 eine oktavierte e-Moll-Skala

über zwei Oktaven – denkbar als Reminiszenz an T. 8f.

In seiner Kargheit kaum aufsehenerregend schließlich das Quartmotiv in T. 197ff. (rechte

Hand). Der Rest sind rasend schnelle Dreiklangsbrechungen (T. 153, 164f., 178 und 180),

diatonische Skalen (T. 151, 165ff., 174ff.) und Strecken mit ausgesprochen perkussiven

und dissonanten Elementen (T. 156ff., 186ff.). Die letzte Zeile, überschrieben mit ‚Pre-

364 Möglicherweise ist der Doppelstrich ein Druckfehler, der sich in die 1999er Neuausgabe der Klavierstücke op. 17

hinüberretten konnte.

365 Vgl. T. 110f.

219

stissimo‘, läuft schließlich auf die finale Tonart g-Moll zu – wie in der Sarabande existiert

auch in der Burlesca kein einheitlicher tonartlicher Rahmen.

VI.4.1 Zusammenfassung op. 17 Nr. 3

Die Burlesca op. 17 zeigt einmal mehr Philipp Jarnachs ungewöhnliche Formgebung.

Diesmal hat die Analyse eine Annäherung an das sogenannte ‚Zwiebelschalenmodell‘

ergeben – eine insgesamt bogenförmige Anlage der Abschnitte (A-B-C-D-B-A), die in ih-

ren Proportionen bloß durch die lange Stretta aus dem Gleichgewicht gebracht wird. Ein

Hauptmerkmal des Klavierstücks ist sein thematischer und motivischer Reichtum. Der

erste A-Teil verdient wie kaum ein anderer Formteil von Jarnach die Bezeichnung ‚Exposi-

tion‘: so viele Themen(komplexe) in schneller Abfolge gibt es selten zu hören – man fühlt

sich beinahe an eine Potpourriouvertüre erinnert. Darüber hinaus warten auch die Formtei-

le B und C mit thematischem Material auf, während Abschnitt D einer jener motivisch

kargen Klangstellen gehört, die sich in fast allen hier besprochenen Werken Jarnachs finden

lassen.

Aus einem großen motivischen Vorrat kristallisieren sich in der Burlesca fünf relevante

Gestalten heraus: Fanfarenmotto, erstes Thema, Akkordthema, Marschthema und das po-

lyphone Thema. Ihnen allen ist eine thematisch wirkende, bei Jarnach kaum wieder anzu-

treffende Plastizität gemein sowie die Tatsache, dass sie wiederholt werden. Zudem sind

viele der Themen mit einer sehr expliziten Dreiklangsharmonik ausgestattet, zu der sich

das polyphone Thema als Gegenentwurf präsentiert. Dessen weiter, bogenförmiger Verlauf

verweist auf das erste Thema im Kopfsatz der Violinsonate op. 13, während die das Thema

rahmenden Intervallembleme eine Besonderheit sind.

Das erste Thema ist eng mit dem Zwischenspielthema des Wunden Ritters verwandt, wel-

ches wiederum selbst Ähnlichkeiten zum Hauptthema aus der Flötensonatine op. 12 auf-

weist. Jarnachs Themenerfindung, hier den humorig-torkelnden Typus fortschreibend, zeigt

also eine gewisse Konstanz. In noch stärkerem Maße gilt dies für die Aufstellung kleiner

Motive; so hat das Viertonmotiv der Burlesca op. 17 Ähnlichkeiten mit Tonfolgen etwa aus

op. 12 und 15.366

Die beiden wichtigsten Motive der Burlesca sind das Viertonmotiv (Terz, von zwei Sekun-

den flankiert) und das Wechselnotenmotiv. Sowohl das erste Thema als auch das polyphone

Thema verwenden diese Motive als diastematische Eckpfeiler.

Der ziemlich exakt in der Mitte des Klavierstücks platzierte, wirkungsvolle Soloauftritt

beider Motive steht dennoch in keinem rechten Verhältnis zu ihrer Bedeutung, da sie eher

als Abspaltungen größerer Einheiten denn als präexistente Generatoren der Themenbildung

wirken.

Es ist unmöglich, den Abschnitten der Burlesca eindeutige Funktionen zuzuteilen. Selbst

der als ‚Exposition‘ bezeichnete Teil A ist keinesfalls allein für die Aufstellung von The-

men und Motiven zuständig. Und wenn es einige Abschnitte mit einer leichten motivischen

Verdichtung gibt (T. 51–55, 106–109 oder 129–134) so kann doch von echten Durchfüh-

366 Vgl. das Viertonmotiv mit dem ‚Treppenmotiv‘ aus der Flötensonatine op. 12 (z.B. T. 2, Oberstimme: h’-c’-a’-gis’)

und zahlreichen Tonfolgen im Wunden Ritter op. 15 (z.B. T. 3.3, Oberstimme: es’-d’-f’-g’ oder 14.3, Singstimme: c’’-h’-

es’’-d’’)

220

rungsteilen keine Rede sein. Selbst die Stretta verhält sich nicht als eine Coda, denn eine

inhaltliche Rekapitulation findet nicht statt. Hier zeigen sich Parallelen einerseits zum

Streichquartett op. 16 als auch zur Sarabande op. 17, deren codaartiger Schlussteil eben-

falls große Ausmaße annimmt.

Über weite Strecken ist die Burlesca eine nicht-thematische Musik. Eine besonders interes-

sante, als echte musikalische Prosa formulierte Strecke findet sich gleich nach dem Fanfa-

renmotto.

Gerade gegenüber der Sarabande findet sich die Komplexität der Harmonik in der Burles-

ca stark zurückgenommen; Ähnlichkeiten bestehen diesbezüglich eher mit dem Ballabile.

Insgesamt betrachtet bilden die Klavierstücke op. 17 wiederum eine symmetrische Drei-

teiligkeit. Die schwere und in jeder Hinsicht komplizierte Sarabande wird eingerahmt von

zwei Exponaten für den spielerischen Zug in Jarnachs Musik.

Der Charakter der Burlesca ist, und darin erfüllt sie ihren Namen, prosaisch, humorig, mit

etwas abseitigen Episoden und stilistischen Rückblenden. Sowohl der Klaviersatz als auch

die Tonlage erinnern sehr an den Wunden Ritter aus den Fünf Gesängen op. 15.

Was die Dramaturgie angeht, so leidet die Burlesca wie bereits die Sarabande unter ihrer

formalen Asymmetrie und der motivischen Evakuation der Stretta. Jarnach gelingt es trotz

kontinuierlicher Steigerung des Tempos nicht, die Spannung bis zum Schluss zu halten.

221

VII.

SONATINA FÜR KLAVIER OP. 18

(1924)

Abgeschlossen im November 1924; verlegt 1925 bei Schott, Mainz; Uraufführung am 3. April 1925 im Rah-

men des 12. Abends der ‚Novembergruppe‘, der Interpret war Philipp Jarnach selbst.

VII.1 Einleitung

Die bereits im November 1924 fertiggestellte Sonatina für Klavier op. 18 trägt den Unter-

titel Romancero I und weist sich damit als Teil eines Zyklus‘ aus, zu dem noch das 1926

entstandene Morgenklangspiel für Orchester (Romancero II) sowie das Konzertstück für

Orgel (1928, Romancero III) gehören. Mit diesen drei Werken366, die einen jeweils unter-

schiedlichen Aufführungsraum verlangen (Kammermusiksaal oder Privaträumlichkeiten,

Konzertsaal, Kirche), legte Jarnach auf dem Höhepunkt seiner Karriere ein Zeugnis seiner

kompositionstechnischen Kompetenz ab. Diese ‚Selbstdarstellung‘ ist nach Weiss (S. 238)

die einzig denkbare Klammer um die genannten Werke.

Während das Morgenklangspiel und das Konzertstück für Orgel sehr bald nach ihrer Ur-

aufführung in Vergessenheit geraten waren, überlebte die Sonatina eine längere Zeit unter

den Händen Jarnachs, der sie „überall gespielt“367 hat. Unter den wenigen Pianisten, die das

technisch wie musikalisch überaus anspruchsvolle Stück in ihr Repertoire aufnahmen, sei-

en Eduard Erdmann und Claudio Arrau genannt.

Die Anlage der Sonatina ist dreisätzig, die Satzfolge mit schnell – schnell – langsam (1.

Allegretto vivace; 2. Concitato; 3. Sostenuto assai quasi largo e con summa espressione)

eher ungewöhnlich. Man könnte die sehr unterschiedlichen Sätze als Charakterstücke auf-

fassen: leicht und geschmeidig der an die Sonatine für Flöte und Klavier op. 12 erinnernde

Kopfsatz; der mit ‚Concitato‘ bezeichnete Mittelsatz ein Scherzo, schließlich der schwere,

später außerordentlich massige langsame Schlusssatz – dieser eine Trauermusik assoziie-

rende Satz ist ein Beispiel für Jarnachs kompliziertere Schreibweise, wie sie sich bereits in

der Sturmnacht op. 15 und in der Sarabande op. 17 ankündigt. Und natürlich ist der Titel

‚Sonatina‘ ein Euphemismus: es gibt wenige ausgewachsene Sonaten aus den zwanziger

Jahren des vorigen Jahrhunderts, die von ihren Interpreten technisch wie musikalisch auch

nur vergleichbar viel abfordern wie diese ‚kleine Sonate‘ op. 18 von Philipp Jarnach.

366 In dieser Reihe fehlt die Musik für die Bühne. Der Plan zu einer Opernkomposition – das hypothetische Romancero

IV – ist durch einen Brief Jarnachs an den Chefredakteur des Berliner Börsen-Couriers, Emil Faktor, vom 25. August 1928

überliefert. Siehe hierzu Weiss, S. 238.

367 Jarnach in einem Rundfunkinterview des WDR mit Reinhold Schubert vom 20 Juli 1977. Zitiert nach Weiss, S. 239.

222

VII.1.1 Zeitgenössische Rezensionen

a) AMZ 52/15 (10.4.1925); Eberhard Preussner:

„Enttäuschend war dagegen eine Sonatina für Klavier op. 18 von Philipp Jarnach, von

dem man sonst gehaltvollere und ideenreichere Werke gewohnt ist. Diese Sonatina

mutete wie reine Verstandesmusik an.“

b) Die Musik 17/12 (Sept. 1925), S. 913; Adolf Weißmann:

„Jarnach versagt dem Publikum die fetten und süßen Bissen, die es begehrt. Es ist eine

Zurückhaltung im Sichbekennen hier zu spüren, dabei doch das Walten einer Phanta-

siekraft, die mit dem Gefühl der Verantwortung für die Form arbeitet. Jeder der drei

Sätze ist von eigenem Charakter. Das Concitato am aufgeschlossensten. Dies ist Mu-

sik, bei der man nicht nach Atonalität fragt, obwohl sie vorhanden ist.“

c) Zeitschrift für Musik Jg. 92 (1925), S. 525; Joseph Lossen-Freytag:

„... und endlich eine Klaviersonate (Romancero I) von Phil. Jarnach, leider viel zu

schwer und kompliziert, zudem von undurchdringlicher Herbheit und Eigenwilligkeit,

trotzdem in einem von allen anderen unterschieden: in der inneren Spannung und der

äußeren Vornehmheit, hinter der sich ein Ethos wirksam zeigt.“

d) AMZ 53/2 (8.1.1926, in der Rubrik vom ‚Musikalienmarkt‘); Heinz Pringsheim:

„Die vorliegende dreisätzige Sonatine in Fis knüpft unmittelbar an den Stil der schö-

nen fünf Lieder, op. 15 an, nicht an das verstiegene, kaum noch zugängliche Streich-

quartett, op. 16; es ist unverkennbar die gleiche Handschrift wie in ‚Rückkehr‘, im

‚Sichlein‘, im ‚wunden Ritter‘. […] Bei aller Wertschätzung dieser wesentlichen

positiven Eigenschaften kann ich mich aber diesem jüngsten Werk des Tondichters

gegenüber des Gefühls nicht erwehren, dass der Intellekt stärker daran beteiligt ist, als

schöpferisches Müssen. Der ‚Einfall‘ ist eigentlich nirgends wirklich bedeutend. Be-

sonders die Entwicklung der etwas blassen Thematik des ersten Satzes wirkt mehr ge-

macht als organisch gewachsen; so scheint sie die Form weniger aus sich zu erzeugen

als einen vorgezeichneten Rahmen auszufüllen. Etwas Ergrübeltes hat auch die ständig

ausweichende, verschleiernde Harmonik, die gemeinsam mit weitgehender metrischer

Freiheit zur Erweichung aller Konturen beiträgt.“

e) Signale 85/49 (7.12.1927), S. 1697f.; Hans Pasche:

„Er [Jarnach] spielte zunächst (ein Pianist von Rang) seine schon bekannte Sonatine

für Klavier op. 18 (Romancero I), die durch ihre Feingeistigkeit und Meisterlichkeit

mehr für sich einnimmt, als dass sie durch Schwung und Reichtum das Blut in Wal-

lung brächte.“

f) AMZ 54/49 (9.12.1927), S. 1279; Paul Schwers:

„Philipp Jarnachs Sonatine für Klavier (op. 18) bringt kräftigere Konturen, greifbarere

Einfälle. Sie ist nicht gleichwertig, überrascht aber durch erhebliche Schwungkraft

und rhythmische Vielseitigkeit. Doch was haben diese drei ausgedehnten, technisch

wie musikalisch durchaus komplizierten Sätze mit dem Begriff der Sonatine zu schaf-

fen? Ich möchte wissen, wie dann eine ausgewachsene Sonate Jarnachs sich ausneh-

men mag.“

223

g) AMZ 55/26 (29.6.1928), S. 816; Dr. Hanschke:

„Es half nichts, der glühenden Werbung des genialen Ed. Erdmann für Jarnachs in der

Form etwas rhapsodische, in der Farbe gedämpft graue Sonatine op. 18 sowie vor al-

lem für Busonis grandiose Fantasia contrappuntistica musste man nachgeben.“

VII.2 Analyse erster Satz: Allegretto vivace

Länge 205 Takte; Tempoangabe Viertel = 126; dominierendes Metrum 3/4; keine Vorzeichnung, Rahmenton-

art fis-Moll.

Im ersten Satz der Sonatina op. 18 kombiniert Philipp Jarnach wie in der Sarabande op.

17 drei Ebenen formaler Gestaltung miteinander. Die Entschiedenheit indes, mit der im

Kopfsatz der Sonatina die (gegenüber der ABA-Form viel verbindlichere) Sonatenhaupt-

satzform zitiert wird, kann ohne weiteres klassizistisch genannt werden. In der durch Ge-

neralpausen markierten Dreiteiligkeit ist Platz für zwei Themen, eine in der Durchführung

lokalisierte, klassische motivisch-thematische Arbeit sowie Hinweise auf traditionelle Ton-

artenverhältnisse der Sonatenform. Die Abschnittsgrenzen verlaufen folgendermaßen:

Exposition: Takte 1 bis 92,

Durchführung: Takte 93 bis 150

Reprise: Takte 151 bis 205.

Der Grund für die erstaunlichen Ausmaße der Exposition liegt im Vorhandensein der zwei-

ten Gestaltungsebene: Wie in einigen früheren Kompositionen betreibt Jarnach auch in die-

sem Satz eine intensive thematische Variantenbildung.

Auf einer noch tieferen Ebene angesiedelt ist wiederum die Arbeit mit wenige Töne um-

fassenden Motiven. Sowohl die Ausarbeitung dieser Schicht als auch ihre Bedeutung errei-

chen im Kopfsatz der Sonatina op. 18 ein bisher bei Jarnach nicht gekanntes Niveau.

Die formalen Widersprüchlichkeiten spiegeln sich in den musikalischen Eigenschaften der

ersten 10 Takte. Der Beginn mit zweitaktigem Vorlauf der Begleitfigur, dem melodisch wie

rhythmisch tonalen Themenbeginn, dem periodischen Viertakter, der klaren Aufteilung von

Melodiestimme und Begleitung und den milden Dissonanzen scheint diese Musik in die

Nähe des Neoklassizismus‘ zu verweisen. Sehr bald jedoch zerfasert der Klaviersatz, wird

die Harmonik gezielt dissonant – und einen Nachsatz des Themas sucht man vergebens.

Die Exposition

Die Exposition des Kopfsatzes aus op. 18 bietet weit mehr als die Formulierung zweier

Themen. Jarnach verlegt mit der ausführlichen Variantenbildung einen großen Teil der the-

matisch-motivischen Arbeit in diesen Abschnitt. Von der Variantenbildung ist nur das erste

Thema betroffen – es kommt im Verlauf dieses Satzes auf 20 Versionen und wird dabei

Veränderungen unterworfen, die seine diastematische und rhythmische Struktur betreffen.

Eine Analyse der Exposition wird sich daher ausführlich mit diesem Aspekt zu beschäfti-

gen haben.

224

Die Sonatina op. 18 beginnt nicht mit dem eigentlichen Hauptthema, sondern mit dessen

Begleitfigur, die aus einer Achtelbewegung mit im Viertelrhythmus unterlegten Akkorden

besteht. Sie bleibt quasi unverändert, wenn in der Oberstimme von Takt 3 die Melodiestim-

me einsetzt. Diese klassische Kombination von Melodie und akkordischer Begleitung wird

das erste Thema bereits in seiner ersten Variante in T.11f. einbüßen.

Das Hauptthema des Kopfsatzes ist in seiner ersten Fassung ein konventionell gebauter

Viertakter. Seine beiden ersten Takte (T. 3+4) ähneln sich stark: Das Umkreisen der Note

cis’’’, der übergebundene punktierte Rhythmus und die zum zweiten Zweitakter leitende

Achteltriole in T. 4 sind die Hauptmerkmale dieses Themenkopfes. Die Fortführung (T.

5+6) ist rhythmisch und diastematisch geradliniger und endet in T. 6 mit einer Aufwärts-

geste, mit der in der Regel Vordersätze ausgestattet werden (man beachte den Schlusston c

statt cis):

In dieser ersten Fassung ist die Melodik des Themas insgesamt diatonisch, allerdings be-

schränkt sie sich nicht auf eine einzige zugrundeliegende Skala – vielleicht wäre die Be-

zeichnung „frei diatonisch“ hier ein angemessener begrifflicher Behelf. Was die Harmonik

angeht, so bleibt das in den Einleitungstakten 1 und 2 präsentierte Muster (fis7>–es7>–Q3d

auf den Hauptzählzeiten) bei Einsatz des Themas in der Oberstimme nicht erhalten: Reibe-

klänge (c’’-cis’’’ in T. 3.2) und Querstände (b’+h’’ sowie d’+es’’ in T. 3.3) schärfen die Har-

monik. Immerhin bleibt die fis-Moll-Basis virtuell noch für einen Moment bestehen (T. 3.1

und 4.1), sodass der erste Melodieton cis’’’ (T. 3.1) eindeutig als Quintton wahrgenommen

wird. Dieser Sachverhalt ist – das sei vorweggenommen – ebenso wenig eine Konstante

des Hauptthemas wie die anderen Parameter.

Einen Nachsatz besitzen diese in periodischer Hinsicht vielversprechenden Einleitungstak-

te nicht, denn die Folgetakte 7–10 gehen deutlich andere Wege: Der geschlossene Klavier-

satz wird dabei genauso aufgegeben wie die überschaubare Rhythmik. In T. 7 kehren noch

einmal Dreiklangsbildungen zurück (F6> und E6> auf den Zählzeiten 1 und 3), die Takte 9f.

sind dann allerdings sehr dissonant gefärbt.

Die Takte 3 bis 6 stellen die umfassendste Ausformulierung des ersten Themas dar und ha-

ben Modellcharakter. Allen seinen weiteren Erscheinungsformen mangelt es an bestimmten

Merkmalen: Sie weisen Verkürzungen, brüchige Neukombinationen des motivischen Ma-

terials oder Variationen in Melodik oder Rhythmik auf. Die Geschlossenheit und Stringenz

dieser ersten Takte wird im Verlauf dieses Satzes nur einmal annäherungsweise wieder er-

reicht (vgl. T. 26–29). Diese ‚Ursprungsgestalt‘ des ersten Themas erklingt am Satzbeginn

– hierin unterscheidet sich das Thema von seinen gleichnamigen Vertretern in den Drei

Klavierstücken op. 17. Dort ist ein derartiges ‚Urmodell‘ ebenso wenig auszumachen wie

im Kopfsatz des Streichquartetts op. 16. Allein die Sonatine für Flöte und Klavier op. 12

besitzt ein zu Beginn voll entfaltetes Modellthema – die Parallelitäten zwischen dem Kopf-

satz aus op. 18 und dem op. 12 Jarnachs sind in der Tat weitgehend.

Es sei auf ein Detail am ersten Thema hingewiesen, welches in einem späteren Zu-

sammenhang von Bedeutung sein wird. Das eben gezeigte Notenbeispiel zeigt das Haupt-

225

thema in einer Fassung mit einem Wechselnoten-Halbtonschritt zwischen dem zweiten und

dritten Ton. Ebenso häufig ist jedoch an dieser Stelle eine kleine oder große Terz eingesetzt

(im Folgenden ‚Terzvariante‘ genannt). In der folgenden Tabelle (sie zeigt alle Einsätze des

Hauptthemas in der Exposition) ist neben Art sowie Grad der jeweiligen Veränderungen

gegenüber der Ursprungsgestalt auch diese Eigenschaft vermerkt:

Das 1. Thema in der Exposition:

T.3–6:Beginn mit Vorlauf in der Begleitung; Themeneinsatz in T. 3 mit gegenüber T. 1f. et-

was veränderter Begleitharmonik, allerdings immer noch in fis-Moll angesiedelt; M -

dell aus Melodie plus Begleitung (ben legato); Sekundvariante;

T.11f.:erster Thementakt, veränderte Intervallabstände; Beginn mit einem Quartenakkord

unterlegt; eigenständige, kontrapunktierende Mittelstimme; Terzvariante;

T.17f.:Thementakte 1+2, anfangs originale Intervallabstände, variierter Rhythmus; wieder-

um Quartenakkord am Themenbeginn; akkordische Begleitung; (più marcato, ma

sempre leggiero); Sekundvariante;

T.22:erster Thementakt in der linken Hand, variiert und kompakt akkordisch gesetzt; klare

Dreiklangsharmonik (gis, A, H7>, e); (più marcato); Terzvariante;

T.26–29: viertaktige Themenvariante, zum Teil ganztönige Anlage; durchgehende Achtelbeglei-

tung; viertaktige, der Urfassung am nächsten stehende Variante; angesiedelt in g-do-

risch, Melodiebeginn wie in T. 1 auf der Quinte; Melodie plus Begleitung; in T. 28.3f.

transponiertes BACH-Motiv in der Melodiestimme; (marcato); Terzvariante;

T.30:variierte Umkehrung des 3. und 4. Thementakts in einem 5/4-Takt vereinigt;

T.31f.:dreistimmige Engführung des Themenkopfes mit Fugato-Fortspinnung; Terzvariante;

T.35f.:komprimierte Themenvariante: Themenkopf und -ende (1. und 4. Takt) aneinander-

montiert, ohne Punktierung; dissonante Harmonik; angedeutete Zweistimmigkeit in

der rechten Hand; (espressivo); Terzvariante;

T.73f.:kleinstes diastematisches Molekül: wiederholter Halbtonschritt in doppelter Punktie-

rung in Ober- und Mittelstimme enggeführt; d-Moll-Sphäre in der Linken, ansonsten

eher dissonant; (Cadenza misurata);

T.77f.:augmentierter Themenkopf in der linken Hand; ganztönig (rfz- ff, Akzentzeichen);

Terzvariante.

Das erste Thema liegt also in zahlreichen verschiedenen Fassungen vor, die sich in Hin-

sicht auf Taktzahl, Diastematik, Harmonik, den Rhythmus und in der Art der Begleitung

deutlich voneinander unterscheiden. Die Vielzahl der verschiedenen Beleuchtungen für das

in seiner Gestalt recht stabile Thema lässt an eine Charaktervariation denken. Wichtigste

verbindende Merkmale der Hauptstimme sind das melodische Umkreisen des Anfangstons

und die Punktierungen. Es fällt auf, dass die Musik bis zum Auftritt des Seitensatzes in T.

44 sehr gleichmäßig mit den Varianten des Hauptthemas überzogen ist. Zwischen Seiten-

satz und dem Ende der Exposition ist das erste Thema demgegenüber nur mit zwei kurzen

und entfernten Ableitungen vertreten.

226

Während es der zweiten Hälfte der Exposition zu sehr an motivischem Zusammenhalt

fehlt, um es als Einheit aufzufassen, können die ersten 43 Takte durchaus als lose gefüg-

ter368 ‚erster Themenkomplex‘ bezeichnet werden. Ein kleiner Vorgriff: Die Durchführung

ist nur anfänglich vom ersten Thema geprägt; ab T. 112 nimmt die Musik einen zunehmend

athematischen Charakter an. In der Reprise schließlich kommt es gar nicht zur Wiederher-

stellung der originalen Themenkontur.

Zurück zur Exposition des Kopfsatzes: Erst nach langen 43 Takten wird das zweite Thema

vorgestellt. Es ist in der Exposition weniger präsent als das erste, denn es wird hier ledig-

lich in drei direkt aufeinanderfolgenden Themendurchläufen vorgestellt, welche bloß die

Takte 44–59 umfassen.

Das Seitenthema beinhaltet drei Motive, die an späterer Stelle getrennt voneinander ver-

wertet werden: Der erste Teil umfasst den Dreiachtelauftakt samt der fallenden verminder-

ten Quarte sowie die beiden folgenden Viertel; der viertönige Aufstieg in Ganztonschritten

ist das zweite Motiv; das dritte, in der ersten Themenfassung noch fehlende Motiv besteht

aus dem aufsteigenden Quintsignal.369 Hier ist die zweite, in diesem Sinne vollständige

Themenfassung aus T. 50–54 wiedergegeben:

Wenn immer das Seitenthema oder eines seiner Teile oder Ableitungen auftaucht, ist die

jeweilige Diastematik verbindlich – eine echte Ausnahmeerscheinung, denn diastematische

Identität zwischen zwei oder mehreren Themenfassungen ist in Jarnachs Kompositionen

äußerst selten. Das ‚lyrische Thema‘ im Schlusssatz der Violinsonate op. 13 (T. 17ff. und

92ff.) ist so ein Fall, mit leichten Einschränkungen auch das zweite Thema aus der Flöten-

sonatine op. 12. Auffallend ist die (mit Ausnahme des ersten Intervalls) ganztönige Kopf-

melodik (T. 50f.: [e’’]-f’’-cis’’-h’-a’) und der ebenfalls ganztönige Viertonzug aufwärts im

zweiten Motiv (T. 51f.: c’’-d’’-e’’-fis’’). Ganztönige Skalenausschnitte waren auch zuvor

schon erklungen370, gehörsmäßig aber weniger auffällig gewesen. Als motivisches Vorläu-

fermaterial scheiden sie wohl aus.

Charakteristisch für das Seitenthema ist schließlich der akkordisch blockhafte Klaviersatz

des dritten Thementeils (vgl. T. 46f., 52f., 57f.). Nicht verbindlich sind demgegenüber die

Auftaktigkeit von einleitender Dreiachtelgruppe und ganztönigem zweiten Thementeil.

368 Auf die Art der Verfugung der Themenvarianten nicht nur im ersten Themenkomplex, sondern auch in der zweiten

Hälfte der Exposition wird weiter unten eingegangen.

369 Das Quintsignal kommt nur in den Fassungen von T. 50, 54 und 153 vor.

370 Vgl. T. 12.2 (Bass: C-D-E-Fis), 15.2f. (Sopran: c’’’-b’’-as’’ges’’) oder 21.2 (Sopran: b’-c’’-d’’-e’’).

227

In harmonischer Hinsicht kehrt das zweite Thema wieder zum Beginn des Satzes zurück.

Mit einem besonderen harmonischen Profil ist vor allem der jeweils dritte Thementeil aus-

gestattet. In den Takten 46f. wird die übergebundene Oktave h-h’ von den Akkorden h, a7>,

E6> und h ‚umspielt‘; die entsprechenden Stellen in T. 52ff. und 57ff. sind vorwiegend mit

Quint-Quart-Klängen, teilweise auch mit Dreiklängen ausgestattet.371 Wirklich dissonant

fällt innerhalb des zweiten Themas lediglich Takt 55 aus. Details zu den einzelnen Einsät-

zen sind der folgenden Auflistung aller Einsätze des 2. Themas und seiner Ableitungen zu

entnehmen:

Das 2. Thema in der Exposition

T. 44–50:Thema mit Unisonobeginn und Halteton h ab T. 46 (Mittelstimme der rechten Hand,

dort mit ganztöniger Diastematik), aber schon mit typisch grober und großschrittiger

Begleitung (molto marcato);

T. 50–54:Thema mit verhaltener Dreiklangsharmonik im ersten Teil (T. 50.3: Ges7<; 51.1: C7<);

im zweiten und dritten Teil Quartenakkorde und Quintklänge (espressivo);

T. 55–59:rhythmisch veränderte Fassung, stark gedehnter Themenkopf; stärker dissonante

Harmonik, in T. 55 mit Sekundreibungen, später auch mit Dreiklängen;

T. 75ff.:eine entfernte Variante des zweiten Thementeils: Triller ersetzen die Haltetöne, Ach-

tel + Pause die Viertelbewegung. Die eingestreuten Töne gis, e, d, fis verweisen auf

die ganztönige Mittelstimme von T. 46f.;

T. 79:Zitat des Themenkopfes in der Oberstimme der linken Hand.

Wenn Jarnach seine beiden Themen im Kopfsatz der Sonatina op. 18 als gegensätzliche

Charaktere hat anlegen wollen, so ist ihm das nur teilweise gelungen. Wirkliche Unter-

schiede zwischen den Themen betreffen auch tendenziell abstraktere Eigenschaften: So

sind die Varianten des ersten Themas weit gestreut, während das zweite als kompakter,

dreimaliger Durchlauf vorliegt; der diastematischen Flexibilität des ersten Themas steht

eine diesbezüglich strenge Verbindlichkeit des zweiten Themas (und aller seiner Fassungen

im ersten Satz) gegenüber.

Und es gibt weitere Unterschiede: So ist das Hauptthema kleinschrittig, das Seitenthema

dagegen mit einer ausgreifenden Melodik ausgestattet. Ein wichtiges Merkmal des zweiten

Themas ist seine melodische Ganztönigkeit; genau in diesem Punkt zeigt sich das erste

Thema von Beginn an flexibel – man vergleiche dessen Themenvarianten in T. 11, 26, 77f.,

170f. und 177f., deren Themenköpfe ebenfalls ganztönig angelegt sind. Auch ist der Kla-

viersatz des Hauptthemas variabler, häufig linear angelegt und rhythmisch feingliedriger

als derjenige des Seitenthemas. Schließlich kontrastieren ein ‚ben legato‘ im Mezzoforte

im ersten Thema) und im zweiten Thema das ‚molto marcato‘ im Fortissimo.

Aufschlussreich ist der Vergleich der Kopfsatzthematik aus op. 18 mit der etwa fünf Jahre

zuvor entstandenen Sonatine für Flöte und Klavier op. 12. Vier der eben genannten, die

Themen betreffenden Charakteristika gelten auch für die Sonatine op. 12: Auch dort liegt

das Hauptthema in vielen Fassungen vor, das Seitenthema dagegen ist diastematisch und

rhythmisch stabil; auch in op. 12 durchziehen Varianten des ersten Themas den ganzen

371 Vgl. T. 54.3: d7<; 57.1 und 58.1: c7>; 58.3: fis (mit Zusätzen); 59.1: f7>.

228

Satz, während das zweite einen eng umgrenzten Bereich zugewiesen bekommt; schließlich

korrelieren auch die Unterschiede in Melodik und Klaviersatz von erstem und zweitem

Thema. Bezeichnend darüber hinaus die Gegenüberstellung der beiden Anfänge der Haupt-

themen aus op. 12 und dem ersten Satz der Sonatina op. 18 (denen man ohne Weiteres

auch den Beginn des Ballabile op. 17 an die Seite stellen könnte):

Im Bewusstsein, dass mit den bisherigen Ausführungen weite Teile des Kopfsatzes der So-

natina op. 18 noch nicht kartographiert sind, mag hier eine vorläufige Zusammenfassung

angebracht sein:

Der Satz folgt der Sonatenhauptsatzform mit Exposition, Durchführung und Reprise.1.

Nach op. 13, dem Streichquartett op. 16 und den Drei Klavierstücken op. 17 bedeutet

dies einen bemerkenswerten Rückgriff Jarnachs auf die konservative Form. Die materi-

ellen und formalen Ähnlichkeiten zur Sonatine für Flöte und Klavier op. 12 sind dabei

unübersehbar.

Es gibt zwei ausformulierte Themen, deren Differenzierung über die musikalischen Pa-2.

rameter, nicht so sehr über Charakterliches möglich ist.

Bereits in der Exposition beginnt die Variantenbildung des ersten Themas; das zweite3.

Thema zeigt dagegen kaum eine Entwicklung.

Es bleiben offene Fragen. Zahlreiche kleinere und größere Abschnitte der Exposition sind

noch weiße Flecken auf der Karte: so etwa die kleinen Viertakter wie T. 7ff. oder 13ff. Die

nicht-thematischen Abschnitte in der Exposition weisen zusammengenommen einen be-

trächtlichen Umfang auf.

Die Takte 7 bis 10 verhalten sich in keiner nachvollziehbaren Weise zum vorausgehenden

‚Vordersatz‘ des ersten Themas. Zu viele Elemente kommen neu hinzu, so wie die Akkord-

begleitung in T. 7, die Zweiunddreißigstelnoten, die oktavierte Bassstimme ab T. 8.4 oder

der gleichzeitig einsetzende lange chromatische Abwärtsgang in der Mittelstimme. Der zu-

vor funktional stabile Klaviersatz bricht auf. Nur wenige Elemente aus dem Thema bleiben

erhalten, wenn man denn eine Achteltriole oder den punktierten Rhythmus nicht als musi-

kalische Allerwelts-Bausteine auffasst. Hätte Jarnach in diesem recht traditionell geformten

Umfeld des Kopfsatzes einen Nachsatz komponieren wollen, so wäre er anders ausgefal-

len.372 Handelt es sich bei diesen Takten 7 bis 10 um ein unverbindliches Zwischenspiel?373

372 Man vergleiche das Protothema und das ‚echte Thema‘ aus der Sarabande op. 17.

373 Von einer ‚Überleitung‘ zu sprechen wäre schon deshalb verkehrt, da in T. 11 erneut das erste Thema und nicht ‚et-

was anderes‘ erklingt.

229

Die plötzlich expansive Dynamik lässt ebenso wie die (schwerlich durch eine etwaige

‚rücksichtslose Polyphonie‘ sich erklärende) dissonante Harmonik der Takte 8–10 Zweifel

aufkommen. Es scheint vielmehr, als hätte Jarnach mit diesen Takten das gegensätzliche

Element zur Ordnung des ersten Themenviertakters aufstellen wollen.

Eine ähnliche thematische Unverbindlichkeit zeigen die Takte 13–16, 20f., 23–25, 33f.,

37–44, 60–72 und 81–92. Bei allem scheinbaren Verzicht auf motivischen Zusammenhang

ist doch zu beobachten, dass die Zwischenspiele satztechnisch öfters an ihre Umgebung

angepasst sind. Das gilt besonders für die Takte 59–72, die ganz in der durch Halbe und

Viertelnoten gekennzeichneten rhythmischen Sphäre des zweiten Themas verbleiben. Die

sich anschließende ‚Cadenza misurata‘ ist im Klaviersatz sehr frei gestaltet, enthält nur

sehr abstrakte Themenableitungen (siehe oben) und läuft in einem von akkordisch gesetz-

ten Dreiklängen dominierten Teil aus, der sich damit an das zweite Thema anschließt. Die

‚Cadenza‘ ist sicherlich einer der rätselhaftesten Abschnitte dieses Satzes.

Wie die vorangegangenen Analysen erbracht haben, arbeitet Jarnach in den meisten Kom-

positionen mit submotivischen Gestalten. Das ist auch im Kopfsatz der Sonatina op. 18 der

Fall, und nach dem bisher Ausgeführten überrascht vielleicht nicht, dass auch auf diesem

Gebiet ein enger Zusammenhang mit der Sonatine für Flöte und Klavier op. 12 besteht. In

beiden Werken existiert ein untergründig wirkendes Dreitonmotiv, das aus Sekund- und

Terzschritt in entgegengesetzter Richtung gebaut ist. Zwar verdichtet sich diese Gestalt wie

in der Sonatina für Klavier op. 18 vor allem in der Durchführung. Seinen ersten Auftritt

hat das Dreitonmotiv allerdings schon in T. 4.3, wenn es zusammen mit der neuen rhyth-

mischen Figur der Achteltriole eingeführt wird (Oberstimme). Nur wenig später, zu Beginn

der zweiten Themenvariante (T. 11f.) findet sich eine erste Verkettung des Motivs:

Solche Verschachtlungen der Figur treten in der Exposition immer wieder auf, etwa in

T. 27.2, 28.3 oder 35–37. Jarnach macht dabei von Umkehrungen und Krebs ganz selbst-

verständlich Gebrauch.

Das Dreitonmotiv ist indes mehr als ein kleiner Partikel im ersten Satz der Sonatina op. 18:

Es bildet das Kopfmotiv beider Themen. Das zweite Thema beginnt (die Notation einmal

außer Acht gelassen) immer mit der Intervallkonstellation kleine Sekunde aufwärts plus

große Terz abwärts; im Fall des ersten Themas ist die Lage aufgrund der Variantenbildung

komplizierter (etwa die Hälfte der Einsätze zeigt die Wechselnote wie in T. 3, die andere

Hälfte besitzt im Themenkopf das Dreitonmotiv; siehe unten). Jarnach scheint überdies die

themenübergreifende Bedeutung des Dreitonmotivs in einer besonderen Gegenüberstellung

zu verdeutlichen gewollt haben:

230

Das erste der beiden Motive (T. 77f.) ist dem Rhythmus nach eine Variante des ersten The-

mas, T. 79f. steht dem Seitenthema näher – beide Varianten sind ihren Vorbildern gegen-

über augmentiert und wie zum Vergleich nebeneinandergestellt.

Beim Vergleich der vielen Erscheinungsformen fällt auf, dass die Dreitonmotive mal mit

großer, mal mit kleiner Terz plus Halbtonschritt operieren. Diese beiden Varianten waren

auch in der Sonatine op. 12 anzutreffen – in der Sonatina für Klavier kommen insgesamt

fünf verschiedene Varianten des Dreitonmotivs vor, die sich nach ihrem Intervallmuster

klassifizieren lassen:

D1 große Sekunde + kleine Terz ab T. 4

D2 kleine Sekunde + kleine Terz ab T. 9

D3 große Sekunde + große Terz ab T. 11

D4 kleine Sekunde + große Terz ab T. 35

D4v kleine Sekunde + verminderte Quarte ab T. 44

Die verschiedenen Varianten des Motivs werden im Verlauf der Exposition sukzessive

eingeführt (vgl. dritte Spalte der Tabelle) – dies ist übrigens der einzige Grund, eine sol-

che Kategorisierung vorzunehmen, denn Jarnachs Motive sind in der Regel diastematisch

ohnehin nur ungefähr definiert. Es spricht einiges für eine bewusste Materialdisposition,

zumal das Dreitonmotiv im 17-taktigen Einschub der Durchführung nur einmal (T. 145.2)

auftaucht.

Erwartungsgemäß enthält die Durchführung die größte Verdichtung des Motivs: Nach T. 97

zeigt vor allem der Themeneinsatz von T. 101 mit seiner punktierten Fortführung viele der

Dreitonmotive. Die statistisch größte Dichte fällt aber auf die Reprise, die mit zwei Eng-

führungen des Dreitonmotivs in T. 177ff. und 180ff. auch qualitativ am meisten bietet374:

Insgesamt bringt es das Dreitonmotiv auf gut 60 Einsätze in der Exposition, auf etwa 50 in

der Durchführung und auf immerhin knapp 40 in der vergleichsweise kurzen Reprise. Wie

in vielen anderen Werken stellt Jarnach seine wichtigen musikalischen Gestalten auch in

diesem Kopfsatz von op. 18 kurz vor Schluss noch einmal in eine besondere Beleuchtung:

siehe T. 200f., wo das Dreitonmotiv, mit einer ‚molto espressivo‘-Anweisung versehen, die

Schlussklänge einleitet.

374 Vgl. auch die aus T. 4 hergeleitete Triolengestalt der Figur in T. 180ff. und 189ff.

231

In T. 15 befindet sich eine weitere motivische Trouvaille:

Dieses kleine, rhythmisch (und mit Abstrichen auch diastematisch) symmetrische Motiv

hat einen C6>-Akkord375 als Grundlage. In eben dieser Form ist das symmetrische Motiv

auch noch in T. 19 (A6>), 112 (mit einigen Abweichungen; eis7>), 113 (H6>), 114.1 (stärker

variiert; Gis7>,) und 123 (D6>) zu hören. Bis auf T. 112 und 114 sind es exakte Transpositio-

nen des ersten Motivs. Zwei Ableger des symmetrischen Motivs erklingen in T. 24.1 und

25.1. Die beiden erstgenannten Fassungen des Motivs finden sich im ersten Themenkom-

plex der Exposition, die drei weiteren recht dicht beieinander in der Mitte der Durchfüh-

rung; einen festen Platz im thematisch-motivischen Gefüge hat das symmetrische Motiv

nicht.

Schließlich basiert auch dieses symmetrische Motiv auf dem eben beschriebenen Dreiton-

motiv. Jenes wird mit seiner eigenen Krebsumkehrung376 kombiniert und kommt in seiner

Gestalt nah an das BACH-Motiv heran. Jarnach hatte in der Sonatine op. 12 bis kurz vor

Schluss gewartet, bis als Ergebnis der kontrapunktischen Arbeit mit den Dreitonmotiven

das BACH-Motiv präsentiert (siehe dort T. 203) und enggeführt wurde (T. 205). In der

Sonatina op. 18 erscheint die berühmte Tonfolge bereits früh (T. 9, Krebs der originalen

Tonqualitäten); weitere Transpositionen, Umkehrungen und Krebse sind über den Kopf-

satz verteilt (T. 28.3f. [cis’’-c’’-es’’-d’’], 103.2 [a’-gis’-h’-ais’], 167.3f. [Originalgestalt],

190.3f. [Krebs cis’’’-d’’’-h’’-c’’’]). Eine Verkettung dreier Krebsformen in T. 194.4ff. (h’-

c’’-a’-b’ / a’-g’-b’-as’ / g’-as’-f’-fis’) zeigt eine akustisch unauffällige Material-Kulminati-

on.

Bei aller Sorgfalt in der Disposition ist offensichtlich, dass das Dreitonmotiv nicht in der

Lage ist, die zahlreichen nicht-thematischen Zwischenspiele in der Exposition (oder an-

derswo) formal zu strukturieren. Wie so oft in den Kompositionen Jarnachs aus den zwan-

ziger Jahren bildet die Arbeit mit solchen kleinen, teilweise submotivischen Einheiten nicht

mehr als ein zusätzliches, materiellen Zusammenhalt herstellendes Geflecht. Die im Fall

der Sonatina für Klavier op. 18 festzustellende Bedeutung eines solchen Motivs für die

Themenbildung ist ein Sonderfall, der nicht überschätzt werden sollte.

Wie wenig nachvollziehbar die formalen Prozesse der Exposition auch ausfallen: Dieser

Formteil läuft in T. 90 regelgerecht in die Dominante der Ausgangstonart fis-Moll aus.

375 In diesem wie in allen entsprechenden Fällen handelt es sich um eine bei Jarnach häufig anzutreffende Akkordstruk-

tur, deren im Bass befindliche kleine Sexte einen übermäßigen Dreiklang produziert.

376 Im symmetrischen Motiv ist es nie die korrekte Krebsumkehrung, da das Sekundintervall erst klein, dann groß aus-

fällt.

232

Durchführung

Die Durchführung wird von Jarnach mittels leichter Doppelstriche in drei Teile getrennt:

Teil 1: T. 93–125,

Teil 2: T. 126–133,

Teil 3: T. 134–150.

Die beiden letzten Teile sind in motivischer Hinsicht, vor allem aber auch mit Blick auf

den Klaviersatz in einem Maße homogen, wie es bei Jarnach selten anzutreffen ist. Jeweils

eine Druckseite umfassend, fallen sie in fast jeder Beziehung aus dem Rahmen dieses er-

sten Satzes aus op. 18. Anders dagegen der erste, mit gut 30 Takten umfangreichste Teil der

Durchführung: Er ist mit seinem abwechslungsreichen, oft polyphonen Klaviersatz weitge-

hend an der Exposition orientiert – was nicht zuletzt darauf zurückzuführen ist, dass dieser

erste Durchführungsteil noch stark vom ersten Thema geprägt ist. Hier sind seine Einsatz-

daten:

Das 1. Thema in der Durchführung:

T. 93ff.:Begleitfigur zum 1. Thema mit leicht verändertem Satz, aber identischem Tonmateri-

al fungiert als Vorlauf zum Einsatz des 2. Themas; fis-Moll-Sphäre

T. 99f.:komprimiertes Thema, Neukombination der rhythmischen Elemente; in fis-Moll b -

ginnend, Melodie startet von der Quinte cis; (hervortretend); Terzvariante;

T. 101–103: Thema, variiert, mit punktierter Fortspinnung ab dem dritten Takt; g-Moll-Sphäre,

Melodiebeginn auf der Oktave; aufgelockert akkordische Begleitung; (espressivo);

Sekundvariante;

T. 104f.:erste Themenhälfte, mit Füllnoten und Fortspinnung; deutlich in ais-Moll angesie-

delt, Melodiebeginn auf der Terz cis; Akkordbegleitung; (giocoso); Sekundvariante;

die Fortsetzung in T. 106 weist signifikante Ähnlichkeiten mit dem hemiolischen

Motiv aus T. 90f. des Ballabile op. 17 auf. Neben einer fast übereinstimmenden

Diastematik im Sopran korrespondieren erstaunlicherweise auch die harmonischen

Gegebenheiten: Im Ballabile grundiert die Begleitung mit cis-Moll, die punktierte

Wechselnote sitzt auf dem b’; in T. 106 dieses Satzes sind es g-Moll in der Beglei-

tung und ein Wechselnoten-e’’. Die Gründe für ein solch konkretes Zitat erschließen

sich mir nicht;

T. 107:Themenkopf; bitonaler Beginn (C-Dur + E-Dur); Terzvariante;

T. 110:Themenkopf; dissonant; kontrapunktierende Mittelstimme; Terzvariante;

T. 126–129: Thementakte 1 und 2 in ursprünglicher Version; Fortspinnung mit aufsteigender

Ganztonfigur aus dem 2. Thema, augmentierte Triole (vgl. T. 2.3) bei T.131; fis

Moll-Sphäre; Begleitung mit ausgreifenden Quartakkordarpeggien; (ben marcato);

Sekundvariante.

In Bezug auf das zweite Thema gilt, was schon in der Exposition Tatsache war: Die Rol-

lenverteilung fällt quantitativ eindeutig zugunsten des ersten Themas aus. Darüber hinaus

erscheinen vom zweiten Thema in der Durchführung lediglich einzelne Motivbestandteile.

233

Das 2. Thema in der Durchführung:

T. 94f.:Erster Thementeil, mit der Begleitung des Hauptthemas unterlegt; daher auch zu-

nächst fis-Moll-Ausgangspunkt; erster Thementon ist cis’’’, damit Anspielung auf er-

stes Thema;

T. 97f.:Wiederholung des ersten Thementeils, mit der Begleitung des Hauptthemas unter-

legt; harmonisch von T. 94f. abweichend und dissonanter;

T. 129f./

T. 132f.:

stark augmentierter zweiter Thementeil (aufsteigendes ganztöniges Tetrachord), kom-

biniert mit dem vorangestellten Themenkopf des Hauptthemas; Begleitung in gebro-

chenen Quartenakkorden.

Der Beginn der Durchführung mit ihrer plakativen Kombination aus der Begleitung des

Hauptthemas mit der Oberstimme des Seitenthemas ist geradezu klassisch gestaltet, bis T.

111 dominiert darüber hinaus die Melodiestimme des ersten Themas. Danach aber bricht

die thematisch-motivische Arbeit ab. Bekannte Gestalten lassen sich nur noch schwer iden-

tifizieren.377 In T. 108 erklingt ein Durchgangsmotiv, dessen Oberstimme (wiewohl enhar-

monisch verschleiert) eine Leittonspannung zu einer V-I-Verbindung aufbaut, die von der

durchlaufenden Mittelstimme sogar gestützt wird (in T. 108 scheint der Es-Dur-Dreiklang

der rechten Hand in die Zieltonika As-Dur einlaufen zu wollen; tatsächlich folgt auf der

dritten Zählzeit ein gebrochener Akkord, der zur Klasse der von Jarnach gerne verwende-

ten Durdreiklänge mit kleiner Sexte im Bass gehört – hier ein Cis6>). Die trugschlüssige

Wirkung wäre gleichwohl größer, wenn nicht die linke Hand diesen Ablauf mit dissonie-

renden Oktaven verunklaren würde:

In dem vorherrschenden Tempo ist dies eine wenig auffällige Stelle, die aber in T. 20 ei-

nen fast identischen Vorläufer hat. T. 108 ist gegenüber T. 20 um einen Ganzton nach oben

transponiert, und das bezieht sich sogar auf die jeweils auftaktigen Dreiklänge der rechten

Hand in T. 19 und 107. Man verfolge des Weiteren die Ähnlichkeiten im Vorfeld der bei-

den Takte 20 und 108 (immer jeweils rechte Hand), und es wird deutlich, dass die ganze

Strecke von T. 17–20 als Vorlage für T. 104–108 dient.378 Die Transplantation eines solchen

kurzen Abschnitts aus der Exposition in die Durchführung ist ungewöhnlich, und es bleibt

unklar, aus welchen Gründen Jarnach ausgerechnet diese eher unbedeutende Stelle wieder-

holt.

Neben den beiden Themen ist im ersten Teil der Durchführung auch das Dreitonmotiv in

einigen Verdichtungen nachzuweisen: In der linken Hand von T. 98–102 tritt es achtmal

377 Eine Ausnahme ist das beziehungs- und funktionslose symmetrische Motiv in T. 112ff.

378 Die Ähnlichkeiten beziehen sich vor allem auf die rechte Hand. Dieser Zusammenhang wäre noch offensichtlicher,

wenn die eingeschobenen vier Viertel von T. 105.4–106.3 entfernt würden. Die Oberstimme von T. 106 zeigt eine große

Ähnlichkeit mit dem hemiolischen Motiv, wie es zum Beispiel in T. 90ff. des Ballabile op. 17 zu hören ist.

234

auf, teils in Verkettungen (T. 99.2f.). Die Vierfachverkettung des Motivs in T. 103f. bringt

auch eine Transposition des BACH-Motivs hervor (ab T. 103.2: a’-gis’-h’-ais’). Zwei Ver-

sionen des symmetrischen Motivs in T. 112 und 113 markieren die Abkehr von der dichten

thematischen Arbeit: Erst im Folgeteil werden erstes und zweites Thema wieder zu hören

sein. Bis dahin komponiert Jarnach – unter Einbezug einiger Dreitonmotive – frei. Von

Dreiklängen dominierter Akkordsatz (T. 114–116, 120, 122) wechselt sich mit leichter Po-

lyphonie ab, neue motivische Wegmarken fehlen gänzlich.

Mit T. 126–133 folgt ein Durchführungsabschnitt, dessen strenge übergeordnete Zwei-

stimmigkeit sich einem äußerst ungewöhnlichen Klaviersatz verdankt. Eine sukzessive

Kombination der ersten beiden Takte des ersten Themas mit dem zweiten Thementeil des

zweiten Themas (dem aufsteigenden ganztönigen Tetrachord) wird von einem den ganzen

Zirkel durchmessenden Quartenakkord-Arpeggio umspielt, dessen Klangwirkung so im-

pressionistisch wie exotisch ist. Gibt es eine strukturelle Begründung für diese Flut von

Quarten? Zwar kommen Quartenakkorde im Kopfsatz der Sonatina op. 18 wiederholt vor,

allerdings gibt es keine quantitative Entwicklung, deren Höhepunkt der Abschnitt T. 126ff.

hätte darstellen können. – Interessant ist ein Vergleich mit der Klangstelle im ersten Teil

des Streichquartetts op. 16 (T. 83–113): Auch dort war eine völlig neue Satzstruktur aufge-

treten, auch dort waren durchführungsartige Arbeiten zu beobachten, wenn auch auf einem

abstrakteren Niveau als im vorliegenden Durchführungsabschnitt aus dem Kopfsatz der So-

natina op. 18. Hier nun findet mit der sukzessiven Montage von Themenkomponenten die

fehlende Ergänzung zur vertikalen Übereinanderlagerung am Durchführungsbeginn statt.

Mit dem folgenden Abschnitt (T. 134–150), welcher wie der vorige auf genau einer Druck-

seite Platz findet, implementiert Jarnach wieder einmal einen jener motivisch hermeti-

schen Einschübe, vergleichbar mir denjenigen im zweiten und dritten Satz (T. 53ff. bzw.

T. 51ff.) der Solosonate op. 13 oder im zweiten Teil des Streichquartetts op. 16 (T. 237ff.).

Auch die hier vorliegenden siebzehn Takte verbindet so gut wie nichts mit der umliegen-

den Musik. Weder das auffällig rhythmisierte Quintmotiv in der rechten Hand von T. 134ff.

noch die Wechselnoten der Begleitung (T. 134.2+3, 135) haben ein Vorbild. Wenn man

unbedingt wollte, so könnte man die Wechselnotenfiguren der Linken mit der Hauptstimme

des ersten Themas assoziieren und das Quintintervall der rechten Hand als vom dritten Teil

des zweiten Themas abgeleitet verstehen. Wahrscheinlicher ist aber ein kalkulierter Ein-

bruch des ‚anderen‘ in eine wohlgeordnete Durchführung.

Reprise

Eine eintaktige Pause signalisiert den Beginn der Reprise, die mit gut 50 Takten Umfang

gegenüber der Exposition (92 Takte) erheblich eingebüßt hat. Hier haben sich die Ver-

hältnisse der Themenpräsenz – wenn davon überhaupt noch die Rede sein kann – in ihr

Gegenteil verkehrt. Lediglich das zweite Thema erlebt gleich zu Beginn dieses Formteils

eine rhythmisch etwa um den Faktor zwei augmentierte Reprise aller drei Thementeile.379

Dabei wird die ‚Tonart‘ aus T. 50 wieder aufgenommen. Die Begleitung besteht aus einer

trockenen, von Pausen durchbrochenen Viertelbewegung mit ungewöhnlich klarer Drei-

379 Eine letzte Parallele zwischen op. 12 und dem Kopfsatz von op. 18 ist die Eröffnung der Reprise jeweils mit dem

zweiten Thema. Vgl. hierzu op. 12, T. 176ff. und op. 18, T. 151ff.

235

klangsharmonik mit zwei eingestreuten fünftönigen Quartenakkorden (T. 159.1, T. 160,

Töne der linken Hand). In T. 164 erklingt ein ganztöniger Anlauf des zweiten Thementeils

in der Mittelstimme, augmentiert und mit einer Variante des 1. Themas kontrapunktiert.

Schließlich gibt es noch den erwähnten, das Ende des Satzes einleitenden ersten Themen-

teil in T. 200ff. Dabei wird ein außerordentlich dissonanter, fast symmetrischer Mischklang

(Cis4<

3>7<) in T. 202 von einem es-Moll- und dem fis-Moll-Schlussklang in die Mitte ge-

nommen.

Von der satzbeherrschenden Präsenz des ersten Themas ist in der Reprise nichts übrigge-

blieben. Es gibt keinen einzigen vollständigen Themendurchlauf. Die vier Themenvarian-

ten der Reprise zeigen eine rhythmische und melodische Erosion des Themas, wie sie in

einer Sonatenform sonst nur in der Durchführung zu erwarten wäre.

Die Überreste des 1. Themas in der Reprise:

T. 164–166: Themenkopf mit originalen Intervallabständen und verschärfter Punktierung; die Be-

gleitung ist deutlich von derjenigen des 2. Themas abgeleitet; linke Hand unterlegt

Dreiklänge (ab T. 164.3: c, fi 6>, e); Sekundvariante;

T. 170–172: Themenkopf, stark variiert, auf das Zitat wesentlicher Elemente beschränkt (u.a.

Triole und Ganztonlauf (vgl. T. 5.2ff.) abwärts); Dreiklangsharmonik mit As7>, b6<,

cis6<, C7<, b7>, Ges7< (T. 170.3–172.2); latent mehrstimmiger Satz; (poco cresc. e

sostenuto); Terzvariante;

T. 177–179: reduziert auf kaskadiertes Punktierungsmodell und Treppenmelodik – traditionell

durchführungsartige Motivabspaltung; rechts überwiegend ganztönig; linke Hand

mit freier Imitation; (fff - sempre marcatissimo); Terzvariante;

T. 189–197: ‚Themenabgesang‘ mit Coda-Charakter; rhythmisch gleichförmige Begleitung, Li-

quidation des Elements der Achtelpunktierung; a-Moll-Assoziation; Begleitung mit

Quint-Quart-Klängen; (senza espressione); Terzvariante.

Erkennbare Themenvarianten des Hauptthemas sind zwar rar in der Reprise, dafür aber ist

sie übersät mit kleineren Abspaltungen des Themas: So sind die punktierten Achtel fast all-

gegenwärtig, und auch die Achteltriole erfährt in T. 180ff. eine eigene kleine Durchführung

– diastematisch gesehen wird hier auch das Dreitonmotiv enggeführt. Es ist die Reprise

ohnehin ganz eigentlich dem Dreitonmotiv gewidmet. In puncto Häufigkeit und Grad der

Motivverkettung (siehe T. 177ff. und 189ff) ist nur der Durchführungstakt 98ff. ebenbürtig.

Die Emanzipation des Dreitonmotivs geschieht um den Preis einer gründlichen Liquidie-

rung des Hauptthemas.

Schließlich nimmt Jarnach in der Reprise die Komplexität von Klaviersatz und rhythmi-

schen Modellen stark zurück; auch gibt es keine schnellen Lagenwechsel mehr. Beruhi-

gung auch im Tempo: Der Ausgangspunkt des Satzes (Viertel = 126) wird nicht wieder

erreicht das Anfangstempo der Reprise (Viertel = 100) wird im weiteren Verlauf sogar noch

verlangsamt, zwischenzeitig auf 52 (T. 85). Einzig die dynamischen Kontraste sind stärker

ausgeprägt als in den vorangegangenen Formteilen.

Mit der Harmonik des Kopfsatzes der Sonatine op. 18 greift Jarnach auf das bekannte

Repertoire zurück. Es dominiert die Dreiklangsbildung, dazu kommen die schon in op.

17 zur besonders charakteristischen Dissonanz geadelten Durdreiklänge mit kleiner Sexte

236

im Bass, die stets auch einen übermäßigen Akkord implizieren.380 Auffallend ist die weit-

gehende Abwesenheit von dissonanten Mischklängen: Eines der sehr seltenen Exemplare

fungiert immerhin als Dominantsubstitut zum fis-Moll-Schlussklang. Wie es bei einem

der charakterlich ‚leichteren‘ Sätze Jarnachs zu erwarten war, sind auch Quartenakkorde

unterdurchschnittlich häufig vorhanden. Bemerkenswert ist die harmonische Heterogenität

des Satzes: Die einleitenden Takte halten sich noch in der freitonalen und überaus mild

dissonanten Sphäre der Flötensonatine op. 12 auf, aber schon T. 6 mit seinen gezielten Se-

kundreibungen dringt in Bereiche vor, die in op. 12 noch undenkbar waren.

Jarnachs Themen- und Motivbildung ist in der Regel melodisch sehr geschmeidig, gerne

wird auf tonale Wendungen zurückgegriffen – das erste Thema dieses Satzes ist schließlich

kein Einzelfall. Umso mehr erstaunt der dissonante Kontrapunkt in den Takten 15f., 23,

28f. oder in T. 33f:

Interessanterweise läuft diese Stelle letztlich doch noch in eine Kadenz (Fis7>–H) ein. Ähn-

lich dissonant fällt die Begleitung zur Themenvariante in T. 35 aus: Hier kann von eventu-

ellen Auflagen einer ‚rücksichtslosen Polyphonie‘ keine Rede sein; Jarnach gestaltet in der

Begleitstimme frei von motivischen Zwängen. Häufig sind es übrigens einfach Sekundrei-

bungen, welche den Klang verschärfen: siehe dazu etwa T. 55, 98 oder 109.

Mit den beiden letzten Abschnitten der Durchführung (T. 126–133 und 134–150) führt Jar-

nach die Harmonik zu einer mehr impressionistischen Klangwelt, verlässt diese jedoch in

der Reprise wieder. Der Dissonanzgrad der Exposition wird hier dennoch in keiner Weise

wieder erreicht. Ist die klangliche Rundung der Reprise ein Widerschein der tonikalisierten

Verhältnisse der traditionellen Sonatenreprise?

380 Siehe hierzu T. 7.1, 7.3, 15.1, 16.4 und, mit einer Reihe solcher Akkorde, T. 113f.

237

VII.2.1 Zusammenfassung op. 18, 1. Satz

„Die alte Sonate stützt sich, es ist wahr, auf das Prinzip der tonalen Einheit; wird die-

ses aufgegeben, so bleibt das konstruktive Element zurück [...].“381

„Wer ihn [Busoni] verstanden hatte, lernte die Form nicht als Gerüst, sondern als Er-

lebnis zu sehen, Ebenmaß der Proportion und Ökonomie im Ausdruck als Gefühl zu

werten.“382

Die von Strawinsky geprägte Spielart des Neoklassizismus, so Jarnach, sei die

„... Folge einer stilistischen Unsicherheit, die in den überlieferten Formen eine tra-

gende Basis finden möchte. Wer den Geist dieser Formen lebendig empfindet, und aus

ihm die Anregung zu einem wirklich Neuen, Wandlungsfähigen schöpft, wird es nie

nötig haben, am Schema festzuhalten...“383

Es scheint legitim, die Form der Sonatina op. 18 an diesen Äußerungen Jarnachs zu

messen. Zumindest die Fassade des Kopfsatzes der Sonatina gibt sich in diesem Zusam-

menhang aufreizend klassizistisch. Es gibt einen Sonatensatz mit zwei kontrastierenden

Themen, eine Durchführung mit einer sehr expliziten thematisch-motivischen Arbeit sowie

eine Reprise. Hatte die Sonatenform in der Sonatine op. 12 nicht bereits einen phantasie-

volleren Weg der Formadaption gewiesen? – Verwirrend konservativ muten auch einige

Tonartendispositionen an: so die Tonartenklammer fis-Moll, das Ende der Exposition auf

der Dominante Cis-Dur und ein zweites Thema, welches in der Reprise in der Dur-Tonika

Fis-Dur einläuft.

Heinz Pringsheim kritisiert diese Art von klassizistischer Formadaption in seiner Rezensi-

on sehr präzise (siehe oben). Fungiert hier nicht doch die „überlieferte Form“ als „Gerüst“?

Und worin besteht angesichts dieses Sonatensatzes jenes „konstruktive Element“ als Es-

senz der modernen Sonate?

Mit dem konstruktiven Aspekt der Sonate ist gemeinhin eine thematisch ausgetragene

Dialektik gemeint. Jarnachs Aufstellung und Verarbeitung der beiden Themen ist in eini-

gen Bereichen (Durchführung!) sehr nah am überlieferten Schema orientiert; andererseits

weisen die beiden Themen in ihrer Melodiestimme eine derart ähnliche Diastematik auf,

dass die Interpretation einer monothematischen Anlage nicht fern liegt. Gegen eine solche

Annahme spricht nur die prinzipielle Ähnlichkeit vieler Jarnachscher Themen und Motive:

Kleinschrittigkeit sowie diastematisch pendelnde Umrisse bilden hier ein fast verbindlich

wirkendes Repertoire.

Die von Jarnachs Kompositionen dieser Jahre bekannte Variantenbildung – sie nimmt teil-

weise Züge einer Charaktervariation an – existiert demgegenüber als völlig autarke Schicht

381 Philipp Jarnach: Die zeitgenössische Musik in Deutschland und Österreich, 1924. In: Jers, S. 144.

382 Philipp Jarnach: Bemerkungen zur Kunst Busonis (1932). In: JS, S. 44.

383 Philipp Jarnach: Die Musik und die Völker (1927). In: JS, S. 152. Auf die knapp fünfzig Jahre später datierende

Anfrage des Musikwissenschaftlers Uwe Kraemer nach einer Einschätzung der Rolle Igor Strawinskys schrieb Jarnach:

„Strawinsky hat sich intensiv beschäftigt mit den musikalischen Formen und Stilen vergangener Zeiten und daraus

Anregungen geschöpft, deren Spuren man in vielen seiner Werke wieder findet – wie z. B. in Oedipus rex und Apollon

musagète. Es fällt aber in solchen Fällen auf, dass diese Einflüsse stets vollständig assimiliert und gleichsam Bestandteil

seines eigenen Stils erscheinen, so dass kein Bruch entsteht und sie nicht als Fremdkörper wirken.“ (Kraemer, S. 199f.).

Es sind dies Äußerungen aus einer Zeit, als die Bedeutung Strawinskys für die Musik des 20. Jahrhunderts nicht mehr

anzuzweifeln war. Jarnach hegte allerdings mehr Sympathie für Strawinskys Werke der russischen Phase.

238

und hat mit den Gesetzmäßigkeiten eines Sonatenhauptsatzes nichts zu tun. Gleiches gilt

für das Geflecht von Dreitonmotiven – sie schaffen eine lockere materielle Vernetzung und

verbinden auf diese Weise eben auch die beiden Themen.

Es bleiben Fragen: Welche Folgerichtigkeit hat die räumliche Trennung von Motivkombi-

nation in der Durchführung und der in der Reprise erfolgenden Motivabspaltung, zumal in

dieser nicht chronologischen Anordnung? Was bedeutet es für die Idee eines Sonatensatzes,

wenn die Reprise nicht den Ausgleich zwischen den Themen, sondern die völlige Liquida-

tion des Hauptthemas beinhaltet? Und was haben die traditionellen tonartlichen Markierun-

gen in einem freitonalen Stück zu suchen?

In seiner Kombination aus formalem Eklektizismus und sehr eigenen Verfahrensweisen

ist dieser erste Satz der Sonatina op. 18 ambivalent. Darüber hinaus muss seine enge

Verwandtschaft zur bereits 1919 komponierten Sonatine für Flöte und Klavier op. 12 er-

staunen – vor allem, wenn man die musikalischen Errungenschaften in Betracht zieht, die

zwischenzeitlich in Form etwa des Streichquartetts op. 16 oder in einem Klavierstück wie

der Sarabande op. 17 offenkundig geworden waren. Reflektiert wird dieser stilistische und

formale Rückgriff in der oben wiedergegebenen Rezension Heinz Pringsheims, der erken-

nen wollte, die Sonatina schließe „unmittelbar an den Stil der schönen fünf Lieder, op. 15

an, nicht an das verstiegene, kaum noch zugängliche Streichquartett, op. 16.“ Dies trifft vor

allem für den Kopfsatz zu, dessen Charakter mit denjenigen des Sichleins oder der Rück-

kehr verwandt ist. Nicht auszuschließen ist, dass der relative Misserfolg seiner Drei Kla-

vierstücke op. 17 den noch jungen Komponisten bewogen hat, mit der Sonatina op. 18 in

stilistischer wie formaler Hinsicht wieder auf besser erschlossenes Terrain zurückzukehren.

Auch dieser Kopfsatz aus op. 18 kann mit sehr unterschiedlichen Satzstrukturen aufwei-

sen: Die erste Satzhälfte zeigt einen prinzipiell homophonen Satz, dessen Stimmen immer

wieder ein Eigenleben entwickeln – wenn auch jeweils nur für kurze Zeit. Die ‚Cadenza‘,

die Quartenarpeggien und der Einschub in der Durchführung bilden satztechnisch autarke

Abschnitte, insgesamt aber komponierte Jarnach hier weichere Übergänge zwischen den

Aggregatzuständen als in den meisten anderen Werken.

Wenigstens eine Innovation gibt es aber doch zu verzeichnen: Nirgendwo sonst erlangt das

Dreitonmotiv eine solch prominente Rolle wie in diesem ersten Satz der Sonatina. Beide

Themen eröffnen mit der kleinen Gestalt aus Sekunde und Terz, im Umspielungsmotiv

werden zwei Motive miteinander zu einer auffälligen symmetrischen Formel verknüpft.

Die Durchführung und besonders die Reprise mit ihrer Liquidierung des Hauptthemas sind

vom Dreitonmotiv beherrscht, welches schließlich in der Mitte des Satzes sowie in der

Schlusskadenz besonders gewürdigt wird.

239

VII.3 Analyse zweiter Satz: Concitato

Länge 108 Takte; Tempoangabe Achtel = 184; Taktart 4/8 mit vereinzelten Ausweichungen; keine Vorzeich-

nung, Rahmentonart c-Moll denkbar.

Der zweite Satz der Sonatina op. 18 ist charakterlich ungeachtet seines 4/8-Metrums ein

typisches Scherzo. Die Satzbezeichnung ‚Concitato‘ bedeutet ‚erregt‘ und bildet einen in-

teressanten Kontrast zur gleich nebenan sich befindlichen Vortragsanweisung ‚präzis und

trocken‘. Jarnachs eigene, ungemein spannungsvoll kontrollierte Interpretation aus den

50er Jahren vermag dieser Ambivalenz voll zu entsprechen.

Überschaubare 108 Takte umfasst der Mittelsatz der Sonatina op. 18, und überschaubar ist

auch seine Form. Zur Interpretation des Satzes als Rondo gibt es keine echte Alternative,

und das liegt in erster Linie am satztechnisch wie gehörsmäßig leicht identifizierbaren Re-

frain mit seinen Staccato-Sechzehnteln in Oktav-Quint-Anordnung.

Zahlreiche und sehr genaue Dynamikanweisungen und Artikulationsvorschriften belegen,

wie differenziert Jarnachs Klangvorstellung war. Auffallend sind vor allem die auf engem

Raum platzierten starken Lautstärkekontraste sowie eine penible Abstufung vor allem der

kurzen Anschlagsarten.

Die Form des Rondos stellt sich folgendermaßen dar:

A1 B1 C1 B2 A2 D A3 B3 C2 B4 E A4

1–8 9–14 14–18 19–28 28–32 33–41 41–46 47–52 52–60 60–72 73–86 87–108

Die Refrains sind mit A gekennzeichnet, die Couplets mit B, C und D; die Nummerierung

kennzeichnet allein die Reihenfolge. Abschnitt E ist ein Einschub, der mit keinem der ge-

nannten Formteile assoziiert werden kann. Motivisch autarke ‚Einschübe‘ gehören aller-

dings zum formalen Repertoire Jarnachs, daher ist zu vermuten, dass auch hier ein solcher

vorliegt. Wie bei den meisten anderen Kompositionen Philipp Jarnachs sind auch in diesem

zweiten Satz die Themen eher schwer fassbar und gegen ihr Ende diffus begrenzt.

Das Schema zeigt den Aufriss eines vielteiligen Sonatenrondos mit dem typischen dop-

pelten Kursus (hier A B C B A), und in der Tat ließe sich der Formteil D als – wenn auch

äußerst knappe – Durchführung begreifen. Ich werde an gegebener Stelle auf diese Überle-

gung zurückkommen.

240

A Der Refrain

Der Refrain liegt in vier eindeutig zu identifizierenden Fassungen vor:

A1 T. 1

A2 T. 28

A3 T. 41

A4 T. 87

Die vor allem rhythmisch prägnante Gestalt des Refrains (A) wird im Gegensatz zu den

anderen Themen am konsequentesten beibehalten. Seine Hauptmerkmale sind der durch

staccato-Sechzehntel plus Sechzehntelpause hervorgerufene Achtelschlag, der stets zu Be-

ginn des zweiten Taktes um das eingeschobene rhythmische Profil des dreitönigen Motivs

bereichert wird (es sorgt für eine Verschiebung der als Schwerpunkt wahrgenommenen

Oktavklänge). Vom melodisch-harmonischen Standpunkt fallen die sich wiederholenden

Oktav- und Quart-Oktav-Klänge auf. Die Basis384 dieser Tonkonstellationen ist in allen

Versionen der Ton C. In den Begleitfiguren der linken Hand dominiert in den Versionen

A1–3 ebenfalls der Achtelpuls, allein die Stretta-Variante A4 ist mit einer Begleitung aus

Sechzehnteltriolen versehen.

Von klanglicher Relevanz sind die vielen Sekundreibungen385 des Refrainthemas, welche

vor allem in A1 und A3 gezielt eingesetzt werden. Es finden sich zwar in A1 auch Drei-

klänge (T. 2.2: c7>; 2.3: a) und ein Quartenakkord (T. 3.4: Q3g), insgesamt ist die harmoni-

sche Ebene dissonant gehalten. Die Parallelführung von Sextakkorden in der linken Hand

von T. 5f. ist eine Ausnahme und wohl nicht zufällig am Ort der Auflösung des Themas

platziert: Mit T. 5 endet nämlich die sehr einheitliche Struktur des Refrainthemas, ohne

dass dezidiert neue Motive aufträten – der Achtelpuls wird aufrechterhalten, T. 7.3 und 8.2

haben jeweils das dreitönige Rhythmusmotiv in der linken Hand, in T. 6 und 8 wird aber

vorübergehend ein 3/8-Metrum eingeführt Das Zerfasern des festen Satzgefüges am The-

menende ist ein grundsätzliches Charakteristikum Jarnachschen Komponierens.

Wie die Coupletthemen B und C ist das Refrainthema in der rechten Hand realisiert. Größ-

te Ähnlichkeiten sind zwischen den Refrains A1 und A3 auszumachen: Hier stimmen The-

384 Von einem Grundton kann angesichts des atonikalen Gesamtcharakters der Musik nicht gesprochen werden. Die An-

nahme, das C möge die Unterquarte von f sein, muss angesichts der Takte 42ff. verworfen werden. Es wird deutlich, dass

Jarnach an einer im Verlauf des Stückes sich verschärfende Quartenschichtung über der Basis C gelegen ist.

385 Diese Sekundreibungen sind Kennzeichen vor allem der Refrainversionen A1 und A3. Vgl. in T. 1 die den Ton c’

der rechten Hand umspielenden Töne des’’ und b’; in T. 2.4 die Sekunde h’’-c’’’; in T. 5.1 den zum c’’ der rechten Hand

dissonierenden Fis-Dur-Sextakkord. In T. 42.1+2 lassen sich die vielfachen Sekundreibungen zum Quartenakkord Q7d

entfalten – auch akustisch ist diese Deutung nachvollziehbar.

241

menumriss, Begleitstruktur und die Platzierung der rhythmischen Motive weitgehend über-

ein. In A2 ist die Oktavlage der rechten Hand nicht stabil, A4 schließlich ist als Teil eines

größeren Stretta-Zusammenhangs am weitesten von der Ursprungsgestalt entfernt.

Gleich zu Beginn des Satzes, noch im ersten System, fallen drei aus dem gleichmäßigen

Achtelraster herausstechende Gebilde auf, die mit der Anweisung ‚marc.‘ zusätzlich her-

vorgehoben sind. In Erinnerung an die vielen Drei- oder Viertonformeln, welche zahlreiche

Kompositionen Jarnachs untergründig durchziehen, vermutet man hier ganz Ähnliches.

Wie sich im weiteren Verlauf zeigt, ist aber aus einem diastematischen Modell ein auch

rhythmisch und artikulatorisch festgelegtes Motiv geworden, dessen Funktion nicht mehr

derjenigen der besprochenen dreitönigen Rhythmusmotive entspricht. Hier geht es nicht

mehr um verborgen wirkende materielle Zusammenhänge, sondern um ein kleines, wie-

wohl akustisch sehr auffälliges Partikel, welches vor allem dazu dient, den gleichmäßigen

Achtelpuls zu stören.

B Das erste Couplet

B1 T. 9

B2 T. 18

B3 T. 47

B4 T. 60

Das Couplet B erscheint zum ersten Mal in Takt 9. Obwohl es hier in seiner kürzesten,

noch nicht ausformulierten Variante vorliegt, sind bereits die wesentlichen Merkmale aus-

geprägt:

der erste Intervallschritt ist ein Halbtonschritt abwärts aus einer synkopischen Überbin-•

dung, gefolgt von einem größeren Fall, dessen Intervall variiert386;

durchlaufende Sechzehntelbewegungen•387, die in einen Triller münden;

ferner den Trillern angehängte erneute Sechzehntelgruppen, die reelle oder virtuelle•

Töne umspielen;

alle Einsätze von B fallen auf das zweite Achtel eines Taktes (B1 und B3 besitzen zu-•

sätzlich den genannte Sechzehntelauftakt mit Intervallsprung).

Im Fall von B1 und B3 ist dem ersten Halbtonschritt noch ein größerer Intervallsprung auf-

wärts vorgeschaltet. Er ist in B2 und B4 durch oktavierte Tonwiederholungen ersetzt. Der

gemeinsame Nenner der Varianten des Couplets B besteht also vornehmlich aus dem The-

menkopf und dem Vorhandensein der ‚Trillerpassage’. In B4 sind die Triller durch über-

gebundene Töne ersetzt.388 Der darauffolgende Abschnitt ist bei B4 stark ausgeweitet: Fast

386 B1: kleine Septime; B2: reine Quinte; B3: reine Quinte; B4: kleine Sexte.

387 Diese sind außerhalb der B-Komplexe nur sehr selten zu finden, so z.B. in T. 55 und den quasi B4 vorbereitenden

Takten 60ff.

388 Im Kopfsatz von op. 18 sind die Haltenoten des 2. Themas in T. 46ff. bei T. 75ff. durch Triller ersetzt. Die jeweiligen

Mittelstimmen, wiewohl anders gesetzt, entsprechen sich im Tonmaterial.

242

durchführungsartig mutet die Fortspinnung des Sechzehntelmotivs in T. 65ff. an. Während

sich in den Takten 65 bis 67 die Umspielungen in Ganztonschritten389 vollziehen, zitieren

die Sechzehntelfiguren beider Hände ab Takt 68 die Stufen 3 bis 5 der Zigeunermoll-Skala.

Aufschlussreich ist der Vergleich der Varianten B1 und B3 einerseits und B2 und B4

andererseits. B1 und B3 haben die Ausdehnung von fünf Takten ebenso gemein wie ei-nen

synkopierten vierten Ton, der analog zum Beginn des Themas um einen Halbtonschritt

abwärts weitergeführt wird – erst danach erfolgt ein erneuter Richtungswechsel.

Eben jene Richtungswechsel schließen sich in B2 und B4 dem dort vorausgehenden Quint-

fall direkt an und formulieren damit eine geläufige390 Erscheinungsform des dreitönigen

Rhythmusmotivs (Quinte abwärts, Tritonus aufwärts). Auch die Fortsetzung beinhaltet

melodische Übereinstimmung bis in den nächsten Takt hinein – in beiden Fällen folgt eine

mehrmalige Wiederholung des vom Rhythmusmotiv gekennzeichneten Themenkopfes391.

Schließlich weisen B2 und B4 dieselbe Länge von 11 Takten392, eine latente Zweistimmig-

keit, eine ähnliche, aus dem Couplet C gewonnene Begleitung und deckungsgleiche Spiel-

anweisungen (‚marcatissimo‘ bzw. ‚molto marcato‘) auf. Aus diesen Korrelationen ergibt

sich der Reprisencharakter des zweiten A B C B (E) A-Kursus’.

C Das zweite Couplet

C1 T. 14

C2 T. 52

Die beiden C-Couplets sind von ihrer Umgebung durch eine markant kurzatmige Phrasie-

rung und die heftige sforzato-Dynamik abgesetzt. Beiden gemeinsam ist dieselbe abwärts

verlaufende, ganztönige Bewegung der Oberstimme sowie die sich im Inneren zahlreich

ergebenden Quartbildungen393. Die Rhythmik weist (artikulationsbereinigt) den gleichen

Achtelpuls wie der Refrain A auf und kontrastiert mit dem rhythmisch und melodisch flie-

ßender gestalteten Couplet B.

389 Die ganztönige Anlage hat als einziges Vorbild die Oberstimme von C, deren wiegende Bewegung sie in Ansätzen

übernimmt.

390 So zu finden in T. 2, T. 40/41 (Oberstimme), T. 41 (Oberstimme), T. 41 (Unterstimme, Krebsumkehrung) sowie T. 98.

391 Hier nun die Version mit kleiner Sexte abwärts und Quinte aufwärts: T. 19.4, 20.4, 21.1, 22.3 sowie T. 62.4, 63.4 und

64.1.

392 Die Längen von B2 und B4 betrügen 12 bzw. 13 Takte, wenn man die jeweiligen Vorlaufphasen (T. 18 und T. 60 f.)

mit einbezöge.

393 In C1 finden sich die Quarten in der rechten Hand auf der jeweils ersten und dritten Achtel im Takt, in C2 werden sie

von den Rahmenoktaven der rechten und den Oktavläufen der linken Hand, später allein von der rechten Hand gebildet.

243

C1 ist zweiteilig angelegt: beide Teile (T. 14–16 und 16–18) weisen die oben genannten

Merkmale auf, unterscheiden sich jedoch in der sequenzierten Motivik und ihrer Artiku-

lation. Im ersten Teil fallen die Terzsprünge auf, ab T. 16 sorgen Sechzehntelnoten für

eine flüssigere Bewegung. Eine auch akustisch nachvollziehbare Kadenz im Taktübergang

17/18 (G5>–Oktavklang C) markiert sehr eindeutig das Ende des kurzen Couplets C1, das

damit die stärkste Kontur aller Formteile im zweiten Satz der Sonatina aufweisen kann.

Auch in harmonischer Hinsicht ragt das Couplet C aus dem Umfeld heraus. Zur Ganztö-

nigkeit der Oberstimmenmelodik tritt in C1 ein streng dreistimmiger Satz, welcher (mit

teilweise harmonischer Sequenzierung) von T. 14.2 an achtelweise folgende unvollständige

Sept- und Nonakkorde hervorbringt394:

[Cis7>] Fis9> cis7> Fis9> | g9< E9> h7> E9> | f9< D9> Ges7< C9> | Fes7< B9> es7> G5> | [C]

Passend zur ganztönigen Melodik bilden die Grundtöne der auf den unbetonten Achteln

liegenden Akkorde (also: fis–e–d–c–b) ebenfalls eine ganztönige Progression. Dazu stehen

die vielen Halbtonschritte in der Mittelstimme ebenso im Kontrast wie die kleinen Sekun-

den in den Nonakkorden. Dominantische Wirkungen stellen sich vor allem aufgrund der

Moll-Septakkorde nicht ein.

Gegenüber C1 fällt die Reprisenversion C2 formal weniger stringent aus – sie besteht aus

drei Teilen, die allerdings eng mit der Ursprungsversion verwandt sind. In T. 52f. erklingt

zunächst eine analog zu T. 14 mit fis einsetzende Oberstimme – der Klaviersatz aber und

insbesondere der Ambitus sind gegenüber C1 viel umfänglicher geworden. Mit T. 54 setzt

der zweite Coupletteil ein (wiederum mit identischen Tonqualitäten wie in T. 16), bricht

aber in T. 55 zugunsten zweier gegenläufiger Ganztonskalen ab. Ein Neuansatz in T. 57

nimmt den zweiten Coupletteil nochmals auf und führt ihn nach einem dreitaktigen Verlauf

der Kadenz E–A (lediglich aus den Oktaven bestehend) zu.

Der Anfang von C2 (T. 52f.) weist einige zu den Terz-Oktav-Klängen der rechten Hand

gezielt dissonierende Töne in der Linken auf; erst mit T. 56.4ff. setzt wieder eine harmoni-

sche Sequenz ein, jetzt sogar ganz ohne Zusätze und ausschließlich in Dur. Wie oben folgt

die Harmoniefolge achtelweise, hier ab T. 56.4:

Dis | G [?] B E | As H Es A | Des G [E] | [A]

Die Schlichtheit der Dreiklänge wird durch die Kombination entfernter Tonarten klanglich

kompensiert, zudem ist der harmonische Rhythmus sehr zügig. Zusammen mit der ‚con

fuoco‘-Anweisung und der fortissimo-Dynamik ergibt sich der dramatische Gestus von C2.

Schließlich ist zu bemerken, dass die markanten, auf den unbetonten Taktzeiten liegenden

sforzato-Akzentuierungen der C-Couplets auf die ihnen folgenden Teile B2 beziehungs-

weise B4 ausstrahlen: deren Begleitungen jeweils in der linken Hand sind Fortsetzungen

von C.

394 Die senkrechten Striche markieren die Taktgrenzen. Jarnachs Vorzeichengebung ist hier wie in vielen Fällen nicht

harmonisch, sondern stimmführungstechnisch bedingt.

244

D T. 33

Zwischen die beiden Refrains A2 (T. 29ff.) und A3 (T. 41ff.) schiebt sich der neuntaktige

Abschnitt D, der zu den am wenigsten profilierten Formteilen des Satzes gehört. D (T. 33

bis 41) setzt mit einer stark markierten und oktavierten Tonwiederholung auf b ein – eine

Beziehung dieses Motivs zum Refrain A ist immerhin denkbar, aber nicht zwingend. Der

Ton b ist bis T. 38 das diastematisch dominierende Element, allerdings sieht sich der

repe-tierte Ton (wie im Refrain) einigen Störungen ausgesetzt: in T. 34 durch ein

eingeschobe-nes 3/8-Metrum und eine mit Dreiklängen operierende Begleitung395; in T.

36 durch eine punktierte Sechzehntelfigur, die sich in T. 37f. unter Missachtung der

metrischen Struktur hemiolisch selbständig macht und einen marschartigen Zug

entwickelt:

Der Abschnitt D schließt mit einer Engführung des dreitönigen Rhythmusmotivs, die durch

ihren staccato-Achtelrhythmus fast unmerklich in den Refrain A3 einläuft.

Für eine Interpretation des Formteils D als Durchführung eines Sonatenrondos spricht

die motivische Isolierung der Hauptbestandteile des Refrains, namentlich Achtelpuls und

Rhythmusmotiv. Erklärlich wäre in diesem Zusammenhang auch die Abwesenheit eines

neuen Themas. Gegen die Durchführungsthese spricht lediglich der sehr geringe Umfang

des Abschnitts, sein beschränkter Motivvorrat und eine mehr episodenhafte Ziellosigkeit.

Eine gewisse Ratlosigkeit hinterlässt die Betrachtung der letzten beiden Druckseiten des

Satzes. Die Takte 65 bis 72 waren noch als Fortspinnung des Trillermotivs beschrieben

worden und damit als zu B4 gehörig. Die in diesen Takten offenbarten Auflösungsten-

denzen setzen sich im Folgenden fort. So ist die einleitende Tonrepetition auf B-b (T. 73)

auf den Formteil D und damit letztlich auf den Refrain A zurückzubeziehen. Bis zum Be-

ginn des Molto vivace (T. 87) hat auch das dreitönige Rhythmusmotiv noch fünf Einsätze

(T. 73.3, 80.1, 80.2, 85.1 und 85.3), auch gibt es eine ‚schattenhafte‘ Andeutung des Re-

frains in T. 78f. Neu und nicht auf bisher Erklungenes zu beziehen sind die chromatischen

Skalenausschnitte in T. 74f. und 80f.396 Das Satzgefüge der Takte 84ff. hinterlässt einen

besonders chaotischen Eindruck. Ich nenne diesen Abschnitt E, und wenn ich ihn als eine

sehr distanzierte Fortsetzung von D deute, so geschieht dies vor allem in Ermangelung an-

derer möglicher Bezüge.

395 Unter der in der rechten Hand fixierten Oktave b-b’ erklingen die Dreiklänge c–d–g und bilden eine Mollkadenz, die

in T. 35 in ein Des-Dur einmündet.

396 T. 74f. in der linken Hand: F bis zum ‚H und T. 80f. ebenda: B-E.

245

Mit dem ‚Molto vivace‘ setzt eine Stretta ein. Über einer leise dahinhuschenden, diatoni-

schen Skalenbewegung der linken Hand hat der Refrain A einen letzten, bis T. 90 reichen-

den Auftritt. Die Takte 93–94 bringen eine Apotheose des dreitönigen Rhythmusmotivs,

die in einer akkordischen Version im dreifachen Forte endet. Der Schluss kündigt sich

in T. 95 mit einem hart angeschlagenen C-Dur-Akkord in der rechten Hand an, der fünf

Takte Zeit hat, zu verklingen. Währenddessen erscheint noch einmal der trockene Achtel-

rhythmus des Refrains (Takt 97ff.), analog zum verklingenden Akkord diminuierend397.

Ein Quartenaufschwung schließlich führt zum Schlussklang C-G-C. Der 2. Satz der Sona-

tina steht zu den Ecksätzen (fis-Moll beziehungsweise Fis-Dur) somit tonartlich in einem

Tritonusverhältnis – eine ungewöhnliche Relation, die durch den attacca-Übergang zum

Schlusssatz noch hervorgehoben wird.

Wie immer in den meisten Klavierkompositionen der zwanziger Jahre ist auch der Klavier-

satz des mittleren Satzes aus op. 18 sehr eigenwillig. Das ‚Concitato‘ gehört zu den motori-

schen Sätzen Jarnachs, für rhythmische und harmonische Komplexität ist hier naturgemäß

wenig Spielraum. Dennoch ist die skeletthafte Faktur gerade des Satzbeginns auffällig, und

die letzten vierzig Takte kommen über die Zweistimmigkeit selten hinaus. Jarnach scheint

in diesem Satz zudem den Tonraum bewusster zu umreißen als in den anderen Klavier-

werken: So wird der Ambitus meist nur langsam und kontrolliert erweitert398 oder verscho-

ben.399 Erhebliche Dichtekontraste vermeidet Jarnach, lediglich bei T. 38/39 und 64/65 sind

diesbezügliche Überraschungen zu erleben.

VII.3.1 Zusammenfassung op. 18, 2. Satz

Sonatensatz und Rondo-Scherzo: Klassischer könnte die Formsprache von op. 18 nicht for-

muliert sein. Jarnach zitiert mit dem Rondo – dem ersten ‚richtigen‘ nach dem Mittelsatz

aus op. 13 und dem zweiten Satz des Streichquartetts – ein Modell, welches seit der Wiener

Klassik (im Gegensatz zur Sonatenform) immer mehr an Bedeutung verloren hatte und zu-

letzt kaum noch Verwendung fand. Erst zu Beginn des 20. Jahrhunderts erfuhr das Rondo

eine Renaissance bei Bartók und den Komponisten der Zweiten Wiener Schule.

Das Vorhandensein eines doppelten Kursus’ der Abschnittfolge ABCBA sowie eines zen-

tralen, bescheiden und kompakt durchführungsartig gestalteten Teils (D) lässt die Interpre-

tation eines Sonatenrondos zu. Jarnachs Interpretation der Form vertraut auf einen dem ba-

rocken Fortspinnungstypus nahestehenden Refrain mit hohem Wiedererkennungswert so-

wie sehr plastischen Couplets. Die deutliche Artikulation der Form ist daneben einer meist

homorhythmischen Faktur zu verdanken – Paul Schwers’ Rede von „kräftigeren Konturen“

und „erheblicher Schwungkraft“ (siehe Kapitel VII.1.1) dürfte sich besonders auf diesen

Mittelsatz der Sonatina beziehen. Jarnach konnte aus diesen Gründen die Harmonik disso-

nanter gestalten als im komplexeren Kopfsatz.

397 Auffällig sind die chromatischen Fortschreitungen in der linken Hand der Takte 91f., 95, 96 und 99. Herleitbar sind sie

nur aus der bereits genannten chromatischen Terzbewegung in B3.

398 Vgl. beispielsweise linke Hand T. 1–5, 29f., 55f. oder 90ff.

399 Vgl. T. 14ff., 18–26 oder 42–45.

246

Das Satzgefüge des Mittelsatzes, in den ersten gut zehn Takten sehr locker, verdichtet sich

im weiteren Verlauf zunehmend, ohne jemals wirklich undurchsichtig zu werden. Unter der

Voraussetzung, dass man der Kategorie der ‚Stimme‘ mehr als einen Ton zur gleichen Zeit

zugesteht, kann von einer vorherrschenden Zweistimmigkeit gesprochen werden. Zahlrei-

che große Bewegungszüge durch den Tonraum und die kontrastreiche Dynamik verleihen

diesem Mittelsatz seinen unverwechselbaren Charakter.

Aufgrund der vielfältigen und untereinander deutlich abgrenzbaren musikalischen Gestal-

ten mag Jarnach die Schaffung eines submotivisch wirksamen materiellen Zusammenhalts

im Mittelsatz der Sonatina op.18 als nicht so zwingend angesehen haben wie im Kopfsatz.

Möglicherweise kommt dem dreitönigen Rhythmusmotiv daher keine generative Bedeu-

tung zu; hier ist es vielmehr autark als rhythmischer ‚Widerhaken‘, der den ansonsten

gleichförmigen Achtelpuls belebt.

VII.4 Analyse dritter Satz: Sostenuto assai quasi largo

e con summa espressione

Länge 48 Takte; Tempoangabe Achtel = 54–58; dominierendes Metrum 6/8; keine Vorzeichnung, Rahmen-

tonart Fis-Dur.

‚Sostenuto assai quasi largo e con summa espressione‘ – das ist eine lange und gehaltvol-

le Spielanweisung mit einem bei Jarnach höchst selten anzutreffendem Bestandteil: Der

Ausdruck ‚espressione‘ findet sich überhaupt nur noch zwei weitere Male in Jarnachs Satz-

überschriften, nämlich am zweiten Satz der Sonate für Violine allein op. 8 (Revisionsfas-

sung von 1924) sowie am sechsten der ‚Zehn kleinen Klavierstücke‘ (1927).

Indes ist der Schlusssatz nicht nur charakterlich von den beiden anderen Sätzen der Sona-

tina abgegrenzt: Auch in Fragen der Form werden hier Wege beschritten, die auf folgende

Kompositionen vorausweisen und summarisch als ‚Abkehr vom Thematischen‘ bezeichnet

werden könnten. Die äußerlich durchaus übersichtlichen Verhältnisse liegen wieder einmal

in der einfachen ABA-Form; die Dreiteiligkeit des Satzes zeigt folgende Grenzen:

A T. 1–14 (14 Takte)

B T. 15–32 (18 Takte)

A’ T. 33–48 (16 Takte)

Die rein zahlenmäßig fast perfekten Proportionen täuschen, denn der zweite A-Teil ist von

ungleich größerer musikalischer Dichte als der erste (und als der Mittelteil) – in diesem

kleineren Maßstab der Satzgliederung spiegeln sich noch einmal die ähnlich gelagerten

Verhältnisse der gesamten Sonatina op. 18, deren charakterliche Satzfolge sich mit leicht–

leicht–schwer wiedergeben ließe.

Der Schlusssatz wird im ersten A-Teil von dem einzigen vorhandenen thematischen Gebil-

de eingeleitet – einem Siciliano-Thema in vollgriffigem Klaviersatz:

247

Themen von einer solchen melodischen, harmonischen

und formalen Geschlossenheit sind bei Jarnach eine

Ausnahme. Gerade die hier offensichtlich ganz mühe-

los erreichten Qualitäten legen die Vermutung nahe,

dass dem Komponisten in den anderen Fällen nicht an

Geschlossenheit lag. Seine ruhige Bewegtheit verdankt

das Thema der Kombination einer kleinschrittigen Me-

lodiestimme über einem weit pendelnden Bass.400 Zwei

rhythmisch identische und diastematisch sehr ähnliche

Takte 1 und 2 münden in den von chromatischen Ab-

wärtsbewegungen gekennzeichneten dritten Takt; der vierte richtet sich in e-Moll ein und

bereitet unter Verbreiterung des Ambitus’ den Nachsatz vor. Klanglich besonders auffällig

sind die zahlreichen Quartbildungen in T. 3ff.401

Seine homophone ‚Naivität‘ verliert das Thema schon im zweiten Takt, ab T. 3 entwickelt

auch die Bassstimme ein Eigenleben, das sie bis zum Schluss nicht mehr aufgeben wird.

So ist in den ersten drei Takten vorgezeichnet, was den ganzen Satz bestimmen wird: die

unaufhaltsam fortschreitende Anreicherung und Verdichtung der satztechnischen Faktur402.

Es öffnet sich der erste Viertakter des Siciliano-Themas am Ende zu einem fünftaktigen

Formteil, dessen Beginn recht klar und nicht unvorbereitet in e-Moll angesiedelt ist. Da

diese Takte bekannte Elemente wie die Wechselnote, die Achtelpunktierungen oder die

zweigeteilte (und rhythmisch fast identische) Abwärtsbewegung (T. 8; die Abwärtsbewe-

gung verläuft hier nun überwiegend ganztönig statt chromatisch wie in T. 3403) aufweisen

und mit T. 9 sogar wieder in die Ausgangstonart Fis-Dur einlaufen, soll hier vom Nachsatz

des Themas gesprochen werden. Allerdings ist im Nachsatz alles ein wenig in Unordnung

geraten. Eine hemiolischen Punktierung in der Melodiestimme von T. 5 verweist unauffäl-

lig auf das Hauptthema des Kopfsatzes der Sonatina (siehe dort T. 3); der eingeschobene

7/8-Takt bringt den Siciliano-Schritt zum Wanken, motivische Symmetrien wie zwischen

T. 1 und 2 fehlen hier. Takt 9 schließlich, der die Tonwiederholungen und das Fis-Dur von

400 Ein Vergleich der ersten vier Takte mit Bachs Choralsätzen erscheint angesichts der Ausgewogenheit von linearer

und horizontaler Konzeption nicht unangebracht.

401 In den Mittelstimmen des Siciliano-Themas finden sich bemerkenswert viele Quarten. Vgl. T. 3.1+3+4+5, 5.4-6,

6.1+2+3+7. 7.1, 8.3+6. Teilweise sind diese Intervalle Teil größerer Quartenakkorde.

402 Die ungewöhnlich zügige Vorgehensweise ist nicht typisch für Jarnach – man denke an die stetigen, aber eben be-

dächtigen Entwicklungen in der Sonatine op. 12, im Kopfsatz der Violinsonate op. 13, an das lange Vorspiel im Ballabile

op. 17 oder die schnelleren Sätze von op. 18. Dem Modell der langsamen Entfaltung bleibt Jarnach auch in der Elegie

des Amrumer Tagebuchs (op. 30), im Wiegenlied der Adventsmusik (op.32) oder in der Sonatine über eine mittelalterliche

Volksweise (1945) treu.

403 Es sei auf das ebenfalls periodisch angelegte Hauptthema der Flötensonatine op. 12 verwiesen: Es ist im Vordersatz

chromatisch, im Nachsatz ganztönig angelegt.

248

T. 1 wieder aufnimmt, ist als rundender Abschluss konzipiert. Weitgehend unbemerkt hat

sich in die Oberstimme von T. 6 (Nachsatz) eine Tonfolge aus dem ersten Satz des gut ein

Jahr älteren Streichquartetts op. 16 eingeschlichen: diastematisch liegt in der Sonatina eine

bis auf den letzten Ton exakte Transposition der Quartetttakte 42f. und 101ff. vor. In rhyth-

mischer Hinsicht sind die Takte 42f. aus dem Streichquartett das Vorbild:

Im Streichquartett war diese Tonfolge in T. 101 sehr wirkungsvoll platziert gewesen und

vom Verfasser als „potenzielles Seitenthema“ bezeichnet worden. Diesen Status kann die

Tonfolge im Schlusssatz der Sonatina nicht beanspruchen: Sie ist lediglich Teil des Nach-

satzes, und zwei ihrer Motive sind erkennbar aus zuvor Erklungenem abgeleitet.404

Die Harmonik des Siciliano-Themas bewegt sich vom Einfachen zum Komplizierteren.

Ausgehend von einem Fis-Dur in T. 1.1 wird über die angereicherten Es6< (1.4) und Es6>

(1.6; ) ein Kreis zum erneuten Fis-Dur in T. 2.1 geschlossen. Weitere Kreise zieht der zwei-

te Takt mit einem Q3eis (2.3), e7>6< (2.4) und einem übermäßigen Dreiklang (4.6). Die drei

Quartenakkorde im dritten Takt (erste, dritte und vierte Achtel) sind bemerkenswert. Auf

der ersten Zählzeit findet sich ein grundständiger Q3c in der rechten Hand, der von einem

D im Bass flankiert wird. Nicht nur, dass das D den Quartenakkord nach unten hin virtu-

ell zum Q5d (mögliche Schreibweise: Q5d[a]) erweitert405. Parallel dazu ergibt sich noch

die tonale Deutung eines B3

9<. Analoge Klänge finden sich auf den Zählzeiten 3 und 4 des

Taktes (Q3h[e]/G3

9< und Q3c[f]/As3

9<). Jarnach schafft somit eine perfekt austarierte harmo-

nische Ambivalenz, indem er die Quartenakkorde durch ihre grundständige und enge Lage

in der rechten Hand betont, den jeweiligen Terzen im Bass der Dreiklangsharmonien aber

eine leittönige Aufwärtsbewegung (D-Es, ‚H-C und C-Des) zukommen lässt. Diese gleich-

zeitig als Quarten- wie als Nonakkord deutbaren Klänge machen auf eine Schwierigkeit bei

der Interpretation der Quartenakkorde aufmerksam, auf die in der Zusammenfassung (Kap.

IX) zurückzukommen sein wird. Die harmonischen Eckpfeiler dieses Schlusssatzes aus op.

18 finden sich in den Takten 1 bis 3 bereits weitgehend abgesteckt: konventionelle Drei-

klänge, Quartenakkorde, Sixte-ajoutée-Klänge (T. 1.4, 2.4) – ein solcher wird die Sonatina

auch beschließen) sowie der übermäßige Dreiklang (1.6, 2.6). Gegen Ende dieses dritten

Satzes erst gewinnen die Polyharmonien an Bedeutung.

404 Die punktierte Dreiachtelgruppe (T. 6.1-3) ist ein Hauptmotiv des Siciliano-Themas, die sich anschließende Abwärts-

bewegung aus zwei Sechzehnteln und Achtel ist aus T. 5.5-6 bekannt.

405 Das fehlende G würde den Akkord zum Q5d komplettieren. Es erscheint sinnvoll, wie bei den konventionellen Drei-

klängen hier von ‚unvollständigen Quartenakkorden‘ zu sprechen. Bereits im zweiten Satz des Streichquartetts op. 16

(etwa in T. 168.1 oder 170.2) war dieser Akkordtyp beobachtet worden.

249

Die verbleibenden fünf Takte bis zum Beginn des Mittelteils müssen als weitere Auflösung

der im Thema zusammengeschnürten Motivbestandteile gelten. Auch wenn in T. 10 noch

scheinbar Neues ansetzt: Die folgenden, weiter ausgreifenden Gesten kondensieren zu

keinem neuen Thema, selbst neue prägnante Motive sind nicht zu entdecken. Jarnach ope-

riert vielmehr mit den schon zuvor exponierten Elementen. Satztechnisch freier, mit einer

bisweilen kleinschrittigen, immer wieder aber auch sprunghaften Stimmführung sind die

Takte 10–14 unübersichtlicher geworden als der Beginn: musikalische Prosa eben.

So ist der erste A-Teil lediglich durch das einzige Thema gestaltet, welches in einer (wenn

auch ungewöhnlichen) Periode vorliegt; in einem dritten Abschnitt gehen die diastemati-

schen, rhythmischen und harmonischen Elemente des Themas neue Kombinationen ein,

ohne dass es zur Herausbildung prägnanter Motive käme. Bemerkenswert sind die mit

4+5+5 Takten sehr ausgewogenen Proportionen, in denen sich die übergeordneten Verhält-

nisse des Schlusssatzes wiederfinden.

Der Beginn des B-Teils ist demjenigen des A-Teils in satztechnischer Hinsicht nicht ganz

unähnlich; allerdings macht sich in T. 15ff. eine musikalische Lähmung bemerkbar, die

sich in allen drei Grundparametern widerspiegelt. So sind die diastematischen Bewegun-

gen der sechs Stimmen auf ein Minimum eingefroren, während der gesamte erste Takt über

sein cis-Moll (beziehungsweise einen in Quintklängen vorliegenden Q3dis) nicht hinaus-

kommt. Einen besonderen Effekt haben die lombardisch punktierten Sechzehntelfiguren,

die für den gesamten Mittelteil charakteristisch sind. Die gleichförmige rhythmische ‚Pha-

se‘ dieser Anfangstakte hat aufgrund des Abstands der Punktierungsformeln (T. 15.1, 15.4,

16.3, 16.6) eine Länge von drei Achteln, kollidiert also mit dem 4/8-Metrum von T. 15.

Schließlich bestätigen die Spielanweisung ‚Gleichmäßig leise, ohne Betonungen‘ sowie ein

flächiger Klaviersatz mit den Tonraum sehr gleichmäßig ausfüllenden Stimmen die Mono-

chromie dieser Takte:

Von einem ‚Thema‘ kann angesichts dieser recht ereignisarmen musikalischen Prozession

nicht gesprochen werden. Ab T. 17 ist eine maßvolle Belebung zu spüren, damit verbunden

auch eine gelinde Auflockerung des Klaviersatzes. Hier gibt es einen Vorgeschmack auf die

später dominierende Bewegung in Oktaven in der linken Hand – durchaus eine satztechni-

sche Verarmung gegenüber dem A-Teil. Taktwechsel setzen auch im B-Teil die hierarchi-

sierende Funktion eines Metrums außer Kraft; Jarnach hätte hier über weite Strecken ohne

Taktstriche arbeiten können, mag dies aber als Zumutung für die Interpreten angesehen

haben.

Die Harmonik jener Takte unterscheidet sich nicht grundlegend vom Bisherigen – sie fußt

auf Dreiklängen, die häufig erweitert sind (vornehmlich durch Sexten und Septimen); es

250

gibt regelmäßig eingestreute Ausweichungen in Quartenakkorde406 und einige übermäßige

Dreiklänge. Recht häufig kommen solche Akkorde vor, bei denen die rechte Hand reguläre

Dreiklänge greift, die Linke aber harmoniefremde Töne beisteuert. Beispiele dafür sind

etwa in T. 17.1+4 zu finden Dort werden ein Fis-Dur-Akkord mit einem d sowie ein Dis-

Dur mit einem e versehen.407 In T. 21 werden erste bitonale Bildungen aneinandergereiht.

Es sind auf den ersten fünf Achteln die Kombinationen Es+c6<, G+d, As+f, B+g und F+d.

Immer wenn parallele Dreiklänge miteinander verheiratet werden, lässt sich der Ergebnis-

klang auch als Sixte-ajoutée-Akkord begreifen – zumal in klanglicher Hinsicht.

Ich habe vorgegriffen: Nach einer per Atemzeichen markierten Zäsur folgt in T. 20 eine

Variante von T. 15ff.; dank einer Klärung nach a-Moll erhält die kaum merkliche Stimmbe-

wegung zumindest in T. 20 einen nachvollziehbaren harmonischen Fluchtpunkt. Hier und

im Folgetakt 21 verdichten sich lombardische Rhythmuszellen und herkömmlich punktier-

te Sechzehntel zu einem festen Bestandteil des Satzes. Die punktierten Partikel beschreiben

fast immer Sekundschritte, und sie sind vorzugsweise abwärts gerichtet.

Aus größeren Zusammenhängen (T. 21f.) schälen sich knappe Gesten wie in T. 24/25 her-

aus, wo eine Sequenz einer Figur in Nachhinein Profil verleiht, die andernfalls nicht weiter

beachtet worden wäre; den Höhepunkt bilden große Bewegungszüge, die in T. 26f. und 29

in Gegenbewegung zueinander ablaufen und in kräftigem Forte gehalten sind. In den Tak-

ten 30 bis 32 ist die Zurücknahme dieser Vergrößerung zu beobachten, die Oberstimmen-

melodik von T. 31f. zeigt sogar gewisse Ähnlichkeiten mit dem dritten Takt des Siciliano-

Themas.

Der athematisch konzipierte Mittelteil dieses Schlusssatzes, ohnehin nicht reich an motivi-

schen Gestalten, wird von kaum individuell ausgeprägten Elementen wie Skalenausschnit-

ten beherrscht. Die zahlreichen Punktierungen – und darunter vornehmlich die lombardi-

schen, hemmen den musikalischen Fluss, der im Siciliano-Thema seinen ersten und besten

Ausdruck gefunden hatte.

Eine Art Reprise?

Der Wiedereinstieg des Siciliano-Themas in T. 33 gestaltet sich dementsprechend schwie-

rig. Wohl ist die Ausgangstonart Fis-Dur in der Ausgangs-Oktavlage wiederhergestellt.

Allerdings dringen die Sechzehntelpunktierungen in die Reprise hinein und konterkarieren

eine regelgerechte Wiederaufnahme des Themas in T. 33: die Oberstimme kann sich erst

in T. 34 vom ais’ in die Wechselnote lösen. Die in der zweiten Hälfte von T. 34 erwartete

punktierte Dreiachtelfigur mit Wechselnote b’-ces’’-b’ ist aus dem komplizierten Notenbild

nur schwer herauszulesen und auch dem Ohr nicht leicht identifizierbar. Im zweiten ‚richti-

gen‘ Thementakt 35 reißt die Oberstimmenmelodik nach dem dis’’ in T. 35.5 ab.

Der Satz gerät im 7/8-Takt 35 aus den Fugen. Die vielen Punktierungen, die schwärzenden

Balken der kleinen Notenwerte, ein vielleicht nicht zufällig sehr kompakter, gedrängter

Drucksatz versinnbildlichen die lähmende Verkomplizierung der Musik – das ist Augen-

musik durchaus:

406 Quartenakkorde im Mittelteil finden sich in T. 16.3, 20.4, 21.6, 22.4+6, 23.2, 27.1, 29.5-7, 30.3, 31.3 sowie 32.4.

407 Weitere Akkorde mit harmonisch kontrapunktierenden Basstönen: T. 18.2+3, 19.1+2. In diesem Zusammenhang sei

auf die Harmonisierung der Couplets C1 und C2 aus dem Mittelsatz der Sonatina op. 18 verwiesen.

251

In T. 37 scheint sich die Musik wieder etwas zu sammeln, und die Tonwiederholungen auf

der Oktave b-b’408 vermögen tatsächlich zum Nachsatz des Themas überzuleiten, der in T.

38 mit der Anweisung ‚dolce espressivo, delicatissimamente‘ erklingt. Im Gegensatz zum

Vordersatz gelingt mit dieser Nachsatzvariante ein recht langer Ablauf – wenn auch gegen-

über T. 5ff. um einen Tritonus nach oben transponiert und rhythmisch leicht variiert. Jar-

nach hat sogar den ursprünglichen Metrumswechsel nach 7/8 übernommen (dort T. 6, hier

T. 39).

Die letzten acht Takte des Satzes sind von vergeblichen Wiederherstellungsversuchen des

Siciliano-Themas gezeichnet, schließlich aber läuft alles auf dessen völlige Liquidierung

hinaus. Die Tonwiederholungen auf b in den Rahmenstimmen von T. 40 beschwören wie-

der das Thema herauf, sie sind aber nur eine erstarrte Hülle, in deren Innerem die punktier-

ten Sekundzellen große Aktivität entwickeln. Es ist nun auch nicht mehr Fis-Dur, sondern

g-Moll die zugrunde liegende Harmonie.

‚Majestätisch‘ ist ein erneuter Themenanlauf in T. 43 überschrieben. Wiederum ist ein

fis-Moll-Akkord unterlegt; sechs Mal erklingt der Ton ais/b in der Oberstimme, wie drei

Takte zuvor aber kommt es nicht mehr zur erforderlichen Loslösung vom Ausgangston.

Die akkordische Mittelstimme und die oktavierte Bassstimme gehen in T. 44 zur doppelten

Punktierung über, ein kräftiges crescendo untermauert die massive Aufwärtsbewegung, die

in einem D7>9> kulminiert (T. 45.1). Die schiere Tonqualität ais ist nach einem letzten, dia-

stematisch geringstmöglichen Ausweichen in T. 46 (ais’-h’-his’-ais’) alles, was vom Sici-

liano-Thema geblieben ist, denn selbst der Rhythmus der Oberstimme ist jetzt von Punk-

tierungen durchsetzt. Der Satz endet mit dem letzten Schritt zur vollständigen Liquidierung

des Siciliano-Themas: der de-facto-Umwandlung des 6/8-Metrums in einen 3/4-Takt.

In die Harmonik der letzten Takte des Satzes haben unterdessen zahlreiche stark dissonan-

te Klänge Einlass gefunden. Andeutungen von bitonalen Akkorden finden sich bereits in

T. 35.3 (Kombination der Quint-Quart-Klänge D-G-d + fis-cis’-fis’) oder 35.6 (über einem

c6< in der linken Hand erklingt die Quinte h’-fis’’). In T. 36.2 werden D-Dur und es-Moll

kombiniert, ebenso in 42.5, gleich darauf sind es die Dreiklänge von F-Dur und es-Moll.

Komplizierter ist der Klang in T. 45.2 (zweite Sechzehntel), wenn sich dis-Moll und ein

verminderter Dreiklang auf c mit einem tiefen oktavierten h zu einem komplizierten Klang

amalgamieren. Die Deutung als H7<7>9> ist natürlich unbefriedigend und entspricht wohl

408 Hier vermittelt sich deutlich ein Bezug zu den Takten 33ff. und 73ff. des zweiten Satzes von op. 18. Tonwiederholun-

gen haben bei Jarnach meistens Signal- und Gliederungsfunktionen.

252

nicht dem Vorgehen Jarnachs: Dissonanz war das Ziel, die Dreiklänge sind dabei akkordi-

scher Restbestand.

Gelegentlich sind die Bestandteile eines bitonalen Akkordes übersichtlich auf linke und

rechte Hand aufgeteilt wie in T. 46.1: Die linke Hand zeigt einen korrekt notierten Ais7>, in

der Rechten erklingt ein h7<, dessen Töne allerdings in der Notation (h-cisis’-fis’-ais’) am

Ais-Dur-Akkord der linken Hand ausgerichtet sind. Der Hörer nimmt aber natürlich keinen

solcherart synthetisierten Ais7>

7>9> wahr, sondern die scharfe Dissonanz zwischen den Drei-

klängen Ais-Dur und h-Moll.

Nur wenig unübersichtlicher ist die Situation auf der vierten Achtel von T. 46: In der lin-

ken Hand wird ein G7>9> arpeggiert, dessen Terz h in Form eines ces’ in der rechten Hand

nachgeliefert wird; darüber ist noch ein Es-Dur-Dreiklang platziert. Dieser eindeutig und

akustisch nachvollziehbar auf Terzschichtung basierende, dissonante Akkord impliziert

noch einen g-Moll-Akkord, ein as-Moll, den verminderten Septakkord auf f sowie einen

übermäßigen Dreiklang auf ces’. Klanglich wirksam sind bei alldem die Sekundreibungen

g-as, d-es und b-ces.

253

Stefan Weiss hat auf den bemerkenswerten letzten Akkord des Taktes 46 hingewiesen.409

Im Notenbild sieht er aus wie ein Verwandter der eben besprochenen Akkorde: In der rech-

ten Hand findet sich ein H7<, die Linke mit ihrer Quint-Quart-Schichtung einen Q4dis. Der

Dreiklänge ließen sich aber, nähme man alle Töne zusammen, noch mehr extrahieren (dis-

Moll, gis-Moll, Fis-Dur), und der Quartenakkord lässt sich mit den Tönen dis’ und ais’ auf

einen Q6ais ausweiten. Kurz vor Ende des Taktes 46 schiebt sich mit einem clusterartigen

Klang noch ein eis in den Akkordzusammenhang, der nunmehr summarisch als Q7eis zu

bezeichnen wäre.410

Eben dieses zuletzt eingereichte leittönige eis verleiht dem Klang andererseits einen zum

Schlussakkord Fis-Dur dominantischen Charakter. Die zur gleichen Zeit in der rechten

Hand wiederholten Töne gis und h stabilisieren die Deutung als Cis7>. Dieser vieldeutige

Klang teilt seine verschiedenartigen Interpretationsmöglichkeiten dem Ohr des Hörers nur

undeutlich mit; letztlich dominiert trotz überwiegender Terzschichtung wiederum der Ein-

druck einer starken Dissonanz.

Auf gleiche Weise wirken auch solche Akkorde, deren Lage eine Identifizierung erschwert.

Als Beispiel mag T. 45.1 mit seinem in der Kontraoktave angesiedelten D-Dur-Akkord

dienen: im Fortissimo in solch tiefer Lage angeschlagen, wird der Dreiklang aufgrund der

reichlich mitschwingenden Obertöne ebenfalls als Dissonanz wahrgenommen.

Quartenakkorde treten in der Reprise des Schlusssatzes ebenfalls häufig auf411, allerdings

machen sie sich gegen Ende des Satzes auffällig rar – und das, obwohl hier der Disso-

nanzgrad besonders hoch ist. Festzuhalten bleibt, dass Jarnach generell im Schlusssatz der

Sonatina op. 18 von Quartenakkorden besonders starken Gebrauch macht – es finden sich

hier insgesamt gut 40 dieser Klänge.412

VII.4.1 Zusammenfassung op. 18, 3. Satz

Der dritte und letzte Satz ist zweifellos das Gravitationszentrum der Sonatina op. 18. In der

Art und Heftigkeit des Ausdrucks ist er der Sarabande op. 17 wie der Rilke-Vertonung Aus

einer Sturmnacht aus den Fünf Gesängen op. 15 verwandt und damit ein Beispiel für die

komplizierte, schwere und pathetische Schreibweise Jarnachs, wogegen die Sätze eins und

zwei zu einem leichten Spielcharakter tendieren.

Im Schlusssatz der Sonatina findet sich ein Klaviersatz, dessen wuchtige Akkordik sich im

Gleichgewicht mit der bisweilen exzessiv ausgeführten Horizontale befindet – ein Klavier-

satz auch, welcher jeden Pianisten, der die Struktur der Musik zu Gehör zu bringen ver-

sucht, vor sehr große Herausforderungen stellt.

Die Form des Schlusssatzes ist einfach und komplex zugleich. Da ist zunächst die offen-

sichtliche Anlehnung an die dreiteilige Liedform; sie wird jedoch in vehementer Weise

von nichtzyklischen und unumkehrbaren Verläufen überlagert. Für Jarnachs Verhältnisse

409 Siehe Weiss, S. 243f.

410 Vgl. auch T. 45.1, 47.1, 48.1. Über die Plausibilität dieser wie weiterer Interpretationen von dissonanten Klängen als

Quartenakkorde schreibt auch Weiss (S. 244f.). Im vorliegenden Fall von T. 46.5 fordern die Töne der linken Hand eine

solche Deutung heraus. Es sollte darüber hinaus bedacht werden, dass zahlreiche auf Dreiklänge abgestellte Akkorddeu-

tungen ähnlich ‚gewollt‘ sind.

411 Es gibt 15 Quartenakkorde in der Reprise: T. 34.6, 35.5+6, 39.2+3+4+5+6, 40.3+6, 41.1+2, 42.7, 44.1+4.

412 Es gibt 15 Quartenakkorde allein in der Reprise: T. 34.6, 35.5+6, 39.2+3+4+5+6, 40.3+6, 41.1+2, 42.7, 44.1+4.

254

neuartig ist die ausschließlich destruktive Themenbehandlung. Gab es in den meisten an-

deren Kompositionen dieser Jahre mehrere (und meist gleichberechtigte) Varianten eines

Themas, so wird das Siciliano-Thema des Schlusssatzes zu Beginn in vollendeter Form

vorgestellt, um dann vor allem in der Reprise sukzessive liquidiert zu werden.

Der Auslöser für die schrittweise Zerstörung des musikalischen Ausgangszustands ist der

punktierte Sechzehntelrhythmus, als dessen Ausgangspunkt der athematische Mittelteil an-

zusehen ist. Destruktion als formales Konzept: Das ist meiner Ansicht nach zu ungewöhn-

lich für Jarnach, als dass es nicht außermusikalisch motiviert sein sollte.

„Ich möchte [...] erklären, dass diesem Werk keinerlei programmatische Tendenzen zu-

grundeliegen. Es ist auch keine Trauermusik, ja nicht einmal eine Musik, die bewusst

irgendeine bestimmte Gefühlssphäre betont. […]“413

Diese Worte Jarnachs stammen von 1956 und beziehen sich nicht auf die Sonatina op. 18,

sondern auf das 1952 komponiertes Streichquartett Musik zum Gedächtnis der Einsamen.414

Die Äußerung tritt einem (dem Anschein nach allgemeinen) Missverständnis in der Rezep-

tion des Streichquartetts entgegen und bekräftigt gleichzeitig noch einmal die Abneigung

des Komponisten gegen das Eindringen außermusikalischer Inhalte in eine Komposition.

In die Entstehungszeit der Sonatina op. 18 fällt der Tod von Jarnachs wichtigster künstleri-

scher Bezugsperson: Am 24. Juni 1924 stirbt Ferruccio Busoni. Und wenn ich eine Verbin-

dung zwischen diesem für Philipp Jarnach schmerzlichen Verlust des Freundes einerseits

und der bizarren Gestaltung des Schlusssatzes der Sonatina andererseits herstelle, kann

sich meine Argumentation auf keine anderen als die oben dargelegten Fakten beziehen. Es

sind weder mündliche noch schriftlichen Bemerkungen Jarnachs überliefert, welche meine

These bestätigen könnten, diese Musik sei dem Andenken an eine verehrte Person gewid-

met.415

‚Con summa espressione‘ – nur dreimal im gesamten Œuvre Jarnachs findet sich überhaupt

die Bezeichnung ‚espressione‘ als Satzüberschrift verwendet. Dem pathetischen Schluss-

satz der Sonatina op. 18 fehlt das Glänzende, das Auftrumpfende anderer Werke dieser

Schaffensperiode. Mit sehr ungewöhnlichen Ausführungsanweisungen wie ‚stentato‘ (dt.

‚mühsam, gequält‘; T. 44) oder ‚incalzando‘ (dt. ‚bedrängend‘; T. 45) werden sehr konkrete

Affekte assoziiert.

In der Rückschau auf den ersten, thematisch scheinbar noch intakten A-Teil fallen die

kleinen rhythmischen ‚Keime‘ kaum auf, die (vom Mittelteil ausgehend) auch schon in

Teil A eindringen. Die kleinmaßstäblichen Punktierungen nehmen sich in diesem Umfeld

wie Fremdkörper aus. Beinahe von ‚Inkubation‘ ließe sich angesichts des durch diese

Partikel verursachten Stolperns des Themas in T. 9.3+4 sprechen. Die drei übrigen Sech-

zehntelpunktierungen bewirken eine ähnliche Verunsicherung: In T. 6 und 13 ist es ein

Ausweichen auf das 7/8-Metrum, darüber hinaus gibt es dynamische ‚Schwellungen‘ und

akzentuierte ‚Abwehrreaktionen‘ durch die umliegenden, ‚heimischen‘ punktierten Drei-

achtelgruppen in T. 10–11 und 12–13. Was hier vonstatten geht, ließe sich als eine musi-

kalische Infektion bezeichnen. Im Verlauf der Reprise findet eine musikalisch sehr genau

413 Philipp Jarnach: Musik zum Gedächtnis der Einsamen (1956). In: JS, S. 199.

414 Thematisches Zentrum der Musik zum Gedächtnis der Einsamen ist bezeichnenderweise ebenfalls eine Siciliano-

Melodie.

415 Dies bestätigten mir die Tochter des Komponisten, Ulrike Jarnach, sowie der Musikwissenschaftler und Autor Stefan

Weiss.

255

kalkulierte Eskalation zur Liquidierung des Siciliano-Themas statt: In T. 33ff. kann sich

die Oberstimme nur schwer aus der Tonwiederholung lösen, der Klaviersatz entspricht aber

noch in etwa dem Originalthema in T. 1ff. Freilich behindern die kleinen Punktierungen

(und darunter besonders die lombardischen) den musikalischen Fluss bereits hier. Im näch-

sten Themenanlauf (T. 40) findet sich die destruktive punktierte Mittelstimme bereits okta-

viert, T. 43f. zeigen sie in ihrer kräftigen Aufwärtsbewegung bereits als das musikalisch

dominierende Element. Der ehemals übersichtlich akkordische Klaviersatz ist hier bereits

in Auflösung begriffen. Es bleibt dem diastematisch, rhythmisch und metrisch entstellten

Siciliano-Thema am Ende nur noch die Behauptung eines (allerdings mit der großen Sexte

versehenen) Fis-Dur-Akkords mit der Tonqualität ais in der Oberstimme.

Ich nehme die induktive Wirkung des medizinischen Vokabulars gerne in Kauf, um die

Prozesse von Zerstörung und Erstarrung plastisch darzustellen. So unzweifelhaft, wie hier

der Ausdrucksgehalt bis in kompositionstechnische Details diffundiert, so klar scheint

mir mit diesem Satz eine Trauermusik für Ferruccio Busoni intendiert zu sein416 – für den

Freund und Lehrer, dem Jarnach nach eigener Aussage alles verdankt, was aus ihm „ge-

worden sein mag“.417

VII.5 Auswertung: Op. 17 und 18 und die ‚Junge Klassizität‘

Die drei Klavierstücke op. 17 und die Sonatina op. 18 Philipp Jarnachs repräsentieren Mu-

sik von künstlerisch höchstem Anspruchsniveau. Ihren Interpreten verlangen sie eine abso-

lut sicher beherrschte Spieltechnik, äußerste Präzision und eine geistige Durchdringung der

überaus komplexen musikalischen Strukturen ab. Die dem Hörer gestellten Anforderungen

sind vergleichbar hoch, sofern die Rezeption nicht an der Oberfläche haltmachen soll. Hat-

ten die zeitgenössischen Kritiken in Bezug auf jene beiden Klavierwerke aber noch von

„undurchdringlicher Herbheit“ und „Verschlossenheit“ gesprochen, wirken sie auf den heu-

tigen Hörer zumindest klanglich weit weniger fremdartig.

Im Klavierwerk Philipp Jarnachs nehmen op. 17 und op. 18 eine chronologisch und stilis-

tisch herausragende Stellung ein: Die zehn Jahre zuvor komponierten Quatre humoresques

pour le piano (1914) entstammen noch der impressionistisch beeinflussten Schaffenspe-

riode des Komponisten, während mit dem Amrumer Tagebuch op. 30 von 1942 und der

Adventsmusik (Marsch, Wiegenlied und Pastorale) op. 32 (1945) eine deutliche stilistische

Beruhigung festzustellen ist.418 Eine stilistische Weiterentwicklung kennzeichnet auch

die zeitlich sehr eng beieinanderliegenden Opera 17 und 18: Die latent impressionistisch

gefärbte Harmonik der Drei Klavierstücke (und besonders der Sarabande) tritt in der So-

natina zugunsten dissonanterer Klänge zurück; eine Zunahme an polyphoner Komplexität

findet ihren Höhepunkt im Schlusssatz der Sonatina; von den eher unverbindlichen For-

men der Klavierstücke schließlich findet eine Entwicklung zu stark individualisierten, aber

gleichwohl formal traditionellen Modellen in der Sonatina statt.

416 Jarnach wäre nicht der Einzige mit einem solchen Vorhaben. Es sei in diesem Zusammenhang auch auf das Streich-

trio op. 45 (1946) Arnold Schönbergs verwiesen.

417 Jarnach 1956: NDR-Sendung aus der Reihe ‚Das musikalische Selbstportrait‘.

418

Diese ‚Beruhigung‘ besteht aus einer wesentlich weniger dissonanten Harmonik, einer Zurücknahme der extremen

Kontrapunktik und nicht zuletzt aus reduzierten Anforderungen an den Interpreten.

256

Ein Schwerpunkt dieser Zusammenfassung hat die Klärung der Frage zu sein, inwieweit

Jarnachs Klavierstücke op. 17 und die Sonatina op. 18 mit dem theoretischen Überbau der

‚Jungen Klassizität‘ (nach Busonis und Jarnachs Darstellung) in Einklang zu bringen sind.

Es folgt noch einmal eine Auflistung ihrer wichtigsten Merkmale:

Aufgabe außermusikalischer Vorstellungen („Musik ist Musik und weiter nichts“1. 419)

Individuelle formale Entfaltung jedes musikalischen Einfalls2.

Abschied vom Thematischen3.

Wiedergeburt des Rhythmus‘ und der Melodie; Harmonik lediglich als Ergebnis „der4.

höchst entwickelten [...] Polyphonie“420

„Sichtung und Ausbeutung aller Errungenschaften vorausgegangener Experimente“5. 421

Ad 1: Keinem der Klavierwerke Jarnachs, die hier behandelt wurden, ist ein programma-

tischer Titel beigefügt. Nirgends ist ein Bezug auf außermusikalische Bereiche (wie Lite-

ratur, Bild oder psychologisierender Schilderung) auszumachen. Unter (eventueller) Ein-

schränkung im Bezug auf das Finale der Sonatina handelt sich um absolute Musik.

Ad 2: Es ist kaum möglich, die tatsächlich aus den „Einfällen“ hervorgegangenen formalen

Entwicklungen auf ihre absolute ‚Folgerichtigkeit‘ hin zu evaluieren. Festzuhalten ist aller-

dings die große Variationsbandbreite in der Behandlung der Motive und Themen, die weit

entfernt von jeder schematischen Starrheit ist. Mit der frei gehandhabten Variantenbildung

setzt Jarnach darüber hinaus auf eine recht unverbindliche Methode.

Dem Anspruch der Busonischen wie der eigenen Ästhetik auf individuelle, niemals sche-

matische Formgestaltung wird Jarnach auch dort gerecht, wo er äußerlich eine Anleh-

nung an traditionelle Modelle vornimmt. Mit der Komposition von Ballabile, Sarabande

und Burlesca in op. 17 griff Jarnach keinesfalls auf Formschemata zurück (die in jenen

Bezeichnungen schließlich auch gar nicht angelegt sind), vielmehr extrahierte er ihre

charakterlichen Eigenschaften. Ballabile und Burlesca sind als mehr oder weniger stark

modifizierte ABA-Formen aufzufassen, angesichts der Sarabande versagen herkömmliche

Deutungsmuster.

In der Sonatina – die von Umfang und Gewicht eine ausgewachsene Sonate ist – wird der

Gebrauch traditioneller Formmodelle durch deren weitgehende Ab- und Umwandlung

kompensiert. Die Motivation für den Rückgriff auf das Leitbild der Sonate in der Sonatina

op. 18 liegt im Dunkeln. Anders als die Zwölftonmethode Schönbergs hat Jarnachs durch

wahrnehmbare musikalische Zusammenhänge gekennzeichnete Musiksprache eine formale

Absicherung durch übergeordnete Muster nicht dringend nötig.

Ad 3: Der „Abschied vom Thematischen“ ist in den Klavierstücken oder der Sonatina Jar-

nachs nicht erfolgt. Die strukturelle Bedeutung des Themas (als „prägende Substanz“422

eines größeren musikalischen Zusammenhangs) ist in allen sechs untersuchten Stücken

Jarnachs ebenso ungebrochen. Etwas anders sieht es mit der Forderung nach der „wieder-

419 Busoni: Junge Klassizität. In: WEM, S. 36f.

420 Ebenda.

421 Ebenda.

422 Artikel ‚Thema‘ in: Brockhaus / Riemann Musiklexikon in zwei Bänden, hg. von C. Dahlhaus und H. H. Eggebrecht.

Wiesbaden/Mainz 1979, Bd. 2, S. 589.

257

erkennbaren […] Physiognomie“423 des Themas aus: Hier sorgt so manche Permutation für

recht abstrakte Verwandtschaftsbeziehungen – zumindest in akustischer Hinsicht.

Eine Schwierigkeit besteht allerdings in den oftmals nicht klar umrissenen und gelegentlich

wenig prägnanten Themengestalten bei Jarnach: Wie bei Brahms scheint diese vermeintli-

che Schwäche aber Voraussetzung für eine erfolgreiche Variantenbildung zu sein.

Schließlich existieren in fast allen Stücken und Sätzen aus op. 17 und 18 athematisch kon-

zipierte Abschnitte – es sind dies allerdings Episoden, die sich in ihrer Themenlosigkeit

gegenüber dem Normalfall einer thematisch bestimmten Musik abgrenzen.

Ad 4: Rhythmische Freiheit ist ein Hauptmerkmal der hier besprochenen Kompositionen

Philipp Jarnachs. Es ist nicht zuletzt die Übereinanderschichtung von bereits in sich fle-

xiblen und außerordentlich differenziert gearbeiteten Linien, welche jeden Interpreten vor

erhebliche Probleme stellt. Man könnte durchaus von rhythmischer Polyphonie sprechen.

Eine Kausalität, wie sie aus Busonis Forderung von der Harmonik als ‚vertikalem Resul-

tat‘ der melodischen Polyphonie hervorscheint, ist an den Klavierstücken und der Sonatina

Jarnachs indes nicht zweifelsfrei abzuleiten. Zwar ist eine Vorliebe des Komponisten für

polyphone Satzstrukturen unübersehbar, andererseits aber gibt es ein typisches harmoni-

sches Vokabular, auf welches Jarnach gerne zurückgreift und dessen Erfordernisse immer

wieder den Verlauf der Linien beeinflussen.424 Außerdem führt Jarnach – anders als etwa

Schönberg und seine Schüler – in seinem Repertoire nach wie vor Dreiklänge neben den

neuen Zusammenklängen; der immer wieder offenkundig gezielte Einsatz der jeweiligen

harmonischen Ausdrucksmittel spricht gegen das uneingeschränkte Primat der melodischen

Linie.

Ad 5: Die „Sichtung und Ausbeutung aller Errungenschaften vorausgegangener Experi-

mente“ ist ohne Zweifel der Hauptgedanke der ‚Jungen Klassizität‘. Dabei ging es Busoni

zumindest theoretisch weder um die Übernahme formaler Modelle (wie etwa der Sonate,

der Fuge oder der Liedform) noch um neoklassizistische Stilkopien, Stilparodien oder gar

um Restauration. Sein Anliegen war die Nutzbarmachung musikalischer Verfahrensweisen

wie der Polyphonie, der Variation oder der thematisch-motivischen Arbeit. In diesem wich-

tigsten Punkt der Busonischen Theorie ist Jarnach dem Lehrer und Freund am weitesten

gefolgt.

Über den Zugriff Jarnachs auf den Fundus polyphoner und kontrapunktischer Techniken ist

schon unter Punkt 4 berichtet worden. Die Meisterschaft des Komponisten in ihrer Anwen-

dung ist unbestritten.

Sehr undogmatisch zeigt sich Jarnach in der harmonischen Gestaltung: Im Gegensatz zu

Schönberg oder Webern tabuisiert er die traditionelle Dreiklangsbildung nicht. Andererseits

macht er sich die Möglichkeiten von Quartenakkorden und bitonalen Klängen zunutze und

scheut auch herb dissonante Konstellationen nicht. Eine Systematisierung dieser neuen har-

monischen Mittel findet allerdings nicht statt; ihr Einsatz scheint durchweg klanglich moti-

viert zu sein. ‚Atonal‘ hingegen wäre schlicht das falsche Attribut für die Musik Jarnachs.

Das universale psychologische Prinzip der Fasslichkeit durch Wiederholung von Bekann-

423 Ebenda.

424 Im Fall der Klavierstücke op. 17 sind dies vorwiegend impressionistische Mischklänge, in der Sonatina op. 18 Bihar-

monien und stark dissonante Quartenakkorde.

258

tem ist in den Drei Klavierstücken wie der Sonatina durchgängig wirksam. Es greift auch

in solchen Passagen, wo nicht mehr von eindeutiger Thematik die Rede sein kann: in den

Drei- beziehungsweise Viertonformeln der Sarabande, der Burlesca und den ersten beiden

Sätzen der Sonatina.

Variation oder Variantenbildung ist eine weitere bedeutende Methode, die gleichermaßen

die Thematik und die Motivik betrifft. Es ist eine Eigenart Jarnachscher Einfälle, dass sie

fast nie in einer als endgültig empfundenen Fassung vorliegen425, sondern sich in Diaste-

matik, Rhythmik, Harmonik und der Art des (hier: Klavier-) Satzes flexibel geben. Diese

Modifikationen gehen in einem Fall so weit, die ursprüngliche Gestalt eines Themas gänz-

lich unkenntlich zu machen: Die Rede ist vom ‚Siciliano-Thema‘ aus dem Schlusssatz der

Sonatina op. 18.

Fast könnte man jenen beinahe völligen Verlust der Physiognomie als das Resultat the-

matisch-motivischer Arbeit ansehen. Das ‚Siciliano-Thema‘ war mit dem rhythmischen

Modell der Achtelpunktierung aus dem Mittelteil kombiniert worden und unterlag letztlich

gegenüber dem nun entfesselt triumphierenden Rhythmus. Generell aber vermeidet Jarnach

in diesen beiden Klavierwerken die traditionelle thematisch-motivische Arbeit weitgehend.

Eine Ausnahme ist der Durchführungsbeginn im Kopfsatz der Sonatina op. 18: Die hier

vorgenommene vertikale und sukzessive Kombination von erstem und zweitem Thema ge-

rät dabei derart plakativ und schulmeisterlich, dass man eine Parodie vermuten möchte.

Das Komponieren aus kleinsten, nur wenige Töne umfassenden Gebilden nimmt in den

Klavierstücken op. 17 wie auch in der Sonatina op. 18 zunehmend klare Gestalt an. In

der Sarabande ist es eine gleich zu Beginn vorgetragene chromatische Viertonformel, die

im Verlauf des Stückes immer wieder neue Motive gebiert. Eine dreitönige Folge durch-

zieht die Burlesca, wird als fester Bestandteil in eines der Themen integriert und sogar

an herausragender Stelle als eine Art Motto präsentiert. Der Kopfsatz der Sonatina weist

ebenfalls ein Dreitonmotiv auf, welches in zahlreichen Varianten vorliegt und als ungebun-

dene Materie durch den musikalischen Raum geistert. Eben jenes Gebilde erweist sich als

integraler Bestandteil beider Themen. Ein weiteres Dreitongebilde schließlich kann sich

sowohl melodisch als auch rhythmisch im zweiten Satz der Sonatina profilieren.

Philipp Jarnach war als Lehrer für Komposition tätig und wird sich auch in seiner Tätig-

keit als Wettbewebs-Juror eingehend mit zeitgenössischer Musik beschäftigt haben. Ob die

Verwendung kompositorischer Keimzellen bei Jarnach auf die Kenntnis der Webernschen

Technik zurückgeführt werden kann, ist nicht zu klären. Der Vorgang entspricht aber so-

wohl der ästhetischen Prämisse einer organisch strukturierten Formanlage als auch der

Grundidee der ‚Jungen Klassizität‘, kompositionstechnische Errungenschaften – welchen

Datums sie auch seien – verfügbar zu machen.

Die musiksprachliche Evolution ist bei Jarnach das Ergebnis von harmonischer Erweite-

rung und allergrößter melodischer und rhythmischer Freiheit. Nah an den Erfordernissen

der ‚Jungen Klassizität‘ Busonis werden traditionelle Kompositionsmethoden übernommen

und mit neugeschaffenen Techniken kombiniert. Die Fasslichkeit der Drei Klavierstücke

op. 17 und der Sonatina op. 18 beruht auf wahrnehmbaren internen musikalischen Zusam-

menhängen, die eines Außenhaltes durch überlieferte Formmodelle nicht eigentlich bedürf-

ten.

425 Eine Ausnahme liegt im 1. Thema des Kopfsatzes der Sonatina op. 18 vor.

259

VIII.

DREI RHAPSODIEN

FÜR VIOLINE UND KLAVIER OP. 20

(1927)

Abgeschlossen im November 1927; verlegt 1928 bei Schott, Mainz; die Umstände der Uraufführung sind

nicht einwandfrei geklärt: Entweder wurden die drei Rhapsodien op. 20 von Stefan Frenkel und Jarnach

selbst am 30.11.1927 in Berlin (1. Konzert des Bundes Deutscher Komponisten) oder durch Alma Moodie

und Eduard Erdmann (siehe Weiss, S. 427) aus der Taufe gehoben.

VIII.1 Einleitung

Den Drei Rhapsodien für Violine und Klavier op. 20 war, wie den vorausgegangenen Drei

Klavierstücken op. 17 und der Sonatina op. 18, nur geringer Erfolg beschieden. Wie schon

so oft war Jarnach auch hier selbst der wichtigste Interpret: Bis auf zwei Mal426 saß bei den

überlieferten Aufführungen der zwanziger und dreißiger Jahre stets der Komponist am Kla-

vier. In den Anfangsjahren war der Geiger Stefan Frenkel der wichtigste Duopartner, später

scheint Licco Amar diese Stelle eingenommen zu haben. Eine Aufnahme der Drei Rhapso-

dien mit dem Geiger Bernhard Hamann und Jarnach am Klavier wurde 1952 – mithin ein

Vierteljahrhundert nach Komposition des Werkes – beim Nordwestdeutschen Rundfunk

in Hamburg unternommen. Sie ist ein interpretatorisch bedeutendes Dokument von leider

nicht gerade befriedigender Klangqualität.

Stilistisch markieren die Drei Rhapsodien den wohl weitesten Außenposten in Jarnachs

Œuvre. Bereits die wenigen Noten des ersten Taktes der ersten Rhapsodie geben einen

Eindruck von der dissonanten Klangsprache; hier lässt sich vielleicht am besten jener Weg

ermessen, den Jarnach seit der bloß acht Jahre zuvor komponierten Sonatine für Flöte und

Klavier op. 12 zurückgelegt hat. Wenn man bedenkt, wie wenige Kompositionen in diesem

knappen Jahrzehnt entstanden sind, so gewinnt man einen Eindruck von der skrupulösen

Konzentration in ästhetischen Dingen, die Jarnach immer nachgesagt wurde.

Was die Drei Rhapsodien op. 20 angeht, so scheinen die zahlreichen kritischen Rezen-

sionen, in denen die Schwierigkeit seiner neuesten Musik reflektiert wurde, Jarnach nicht

unberührt gelassen zu haben. So zeigt das gut ein Jahr später uraufgeführte Vorspiel für

Orchester bereits einen viel zugänglicheren Stil.

VIII.1.1 Zeitgenössische Rezensionen

Signale 85/49 (7.12.1927), S. 1697f.; Walther Hirschberg;

„Philipp Jarnach war der zweite Komponist, der selbst für sein Schaffen eintrat. Er

spielte zunächst (ein Pianist von Rang) seine schon bekannte Sonatine [sic] für Klavier

op. 18 (Romancero I), die durch ihre Feingeistigkeit und Meisterlichkeit der Faktur

mehr für sich einnimmt, als dass sie durch Schwung und Reichtum der Einfälle das

Blut in Wallung brächte. In der sich anschließenden Uraufführung seiner ‚Drei Rhap-

426 Siehe hierzu Weiss, S. 252.

260

sodien für Violine und Klavier op. 20‘ (mit dem vortrefflichen Stefan Frenkel als

Geiger) ist das Bild kaum anders: ein starker Könner, aber ein nur mäßiger Erfinder

spricht.“

AMZ 54/49 (9.12.1927), S. 1279; Paul Schwers

„... Besser noch haben mir übrigens die drei neuen Rhapsodien zugesagt. In ihnen sehe

ich wirklich Neuschöpferisches, das sich nicht gewaltsam von der Vergangenheit los-

reißt, sondern aus ihr herauswächst. Hier dokumentiert sich das wieder, was als schöp-

ferische Phantasie zu allen Zeiten Geltung hatte; diese Musik ist erlebt und aus diesem

Erlebnis heraus gestaltet. Jarnach selbst spielte seine Werke mit Eindringlichkeit.“

AMZ 56/45 (8.11.1929), S. 1116; Heinz Pringsheim

„Gleich schwer in den Anforderungen, die in technischer und musikalischer Hinsicht

an die Ausführenden, in der Auffassung der Zusammenklänge und der außerordentlich

komplizierten Rhythmik an die Aufnehmenden gestellt sind, werden sich diese Stücke

nur eines kleinen Kreises esoterischer Liebhaber einer auf die Spitze getriebenen indi-

vidualistischen Ausdruckskunst zu erfreuen haben. Die Freiheit in der Behandlung der

melodischen, harmonischen, rhythmischen und metrischen Elemente, die eigenwillige

Gestaltung der Figurationen, der häufige Wechsel der Dynamik und Agogik in eng

begrenztem Raume – das alles sind Züge, die bei einem Meister von künstlerischem

Verantwortungsgefühl ohne Zweifel subjektiv notwendig sind, die aber nichtsdesto-

weniger für den Nachschaffenden ebensoviele schwer deutbare Rätsel bieten. So muss

ich mich auf die Hoffnung beschränken, dass anderen ihre Deutung leichter gelingen

möge als mir.“

AMZ 56/48 (29.11.1929), S. 1188; A. Weber

„In der ‚Musikalischen Gesellschaft‘ spielten Licco Amar (Violine) und Philipp Jar-

nach (Klavier) Pfitzners e-Moll-Sonate, Regers Sonate d-Moll und Ravels Sonate G-

Dur. Dazwischen eingestreut waren die geistig fein kultivierten ‚Drei Rhapsodien‘ (op.

20) von Jarnach. […] Als Pianist von überraschenden Qualitäten zeigte sich Jarnach,

in dem Zusammenspiel führend, mit fein ausgeprägtem Sinn für Farbenvaleurs.“

VIII.2 Analyse Rhapsodie Nr. I: Moderato, liberamente e rubando

Länge 48 Takte; Tempoangabe Viertel = 63–69; vorwiegendes Metrum 4/4 mit zahlreichen Abweichungen; keine Vor-

zeichnung, Stück endet in d-Moll.

Gleich mit der ersten der drei Rhapsodien aus op. 20 schlägt Jarnach einen neuen Ton an.

Insgesamt noch dissonanter als die Klavierstücke op. 18, bewahrt sich speziell die erste

Rhapsodie eine zurückhaltende wie melancholische Leichtigkeit, in der sich die komplexen

Satzstrukturen der ‚komplizierten‘ mit der schwebenden Stimmung der ‚leichten‘ Schreib-

weise Jarnachs vereinigen.

Ein erster Blick über die Rhapsodie Nr. 1 gibt keine Aufschlüsse über ihre Form, bei ge-

nauerer Betrachtung scheint hier insgesamt eine eher lose gefügte Reihungsform zugrunde

zu liegen. Man kann durchaus Abschnitte voneinander abgrenzen, indes ist die gewählte

261

Aufteilung nicht immer zwingend. Als Argumente für die Abschnittsgliederung dienen da-

bei neues motivisches Material, manchmal aber auch bloß eine veränderte Satzstruktur. Die

derart gewonnenen Abschnittsgrenzen verlaufen folgendermaßen:

1T. 1–8:Klaviereinleitung, mit der Exposition von zwei Hauptmotiven (T. 1 und

T. 6);

28–19:erweiterte und variierte Wiederholung der Exposition mit der Violine;

319–32:Mittelteil mit überwiegend flächigem Satz, enthält neues motivisches

Material, welches aber unterhalb der beiden Hauptmotive angesiedelt

ist;

433–36:Klangteil mit Quartenharmonik;

537–41:‚Quasi cadenza‘: Trillerpassage; doppelte Motivapotheose (Akkord-

motiv + Dreitonformel);

646–48:Epilog, materiell völlig eigenständig.

Bemerkenswert ist die ungeachtet der formalen Indifferenz große Intensität und Dichte

der musikalischen Gesten in dieser ersten Rhapsodie. Das Notenbild zeigt einen schnellen

Wechsel verschiedener Satzcharaktere, was sich auch in der Takteinteilung und der Wahl

des jeweiligen Metrums niederschlägt: Sie ist mit wenigen Ausnahmen motivisch oder

strukturell bedingt.427

Der erste Abschnitt (T. 1–8) der Rhapsodie beginnt mit einer siebentaktigen Klavierein-

leitung. Als Vorbild diente offenkundig das Rezitativ, und dazu passt auch die Spielan-

weisung: ‚liberamente e rubando‘. Abgesehen vom ersten Takt besteht die linke Hand des

Klaviervorspiels lediglich aus drei gehaltenen Akkorden, über denen die Rechte ein kom-

pliziert rhythmisiertes Melos entfaltet. Diese Oberstimme hat nichts Sangliches an sich,

allerdings ist die orientalisch wirkende, kleinteilige Melismatik auch kaum klavieristisch

angelegt. Was den Klaviersatz angeht, so sind die einleitenden Takte nur ein Vorgeschmack

auf Kommendes: Einen weniger pianistisch gedachten Klaviersatz als in dieser Rhapsodie

hat es zuvor noch nicht gegeben – der ‚Pianist‘ Philipp Jarnach ist hier jedenfalls nicht prä-

sent.

Ungewöhnlich für eine Jarnachsche Eröffnung sind die starken Dissonanzen. Die beiden

über mehrere Takte ausgehaltenen Akkorde (T. 2ff. und 5ff.) enthalten jeweils die Interval-

le kleine Sekunde, große Septime und Tritonus. Mehr Spannungen sind in einem viertöni-

gen Klang kaum unterzubringen:

In materieller Hinsicht bietet die Klaviereinleitung eine echte Exposition. Allerdings sollte

man eher Motive und Gestalten denn echte Themen erwarten; zudem ist das vorgestellte

427 Die aus den fünfziger Jahren stammende Aufnahme der Drei Rhapsodien op. 20 mit Bernhard Hamann und Philipp

Jarnach ist ein wichtiges Interpretationsdokument. Was die Metrik angeht, so zeigen sich beide Musiker in ihrer Schwer-

punktsetzung sehr frei.

262

Material für die Komposition als Gesamtes nicht unbedingt strukturbildend. Wirklich rele-

vant sind in der Klaviereinleitung lediglich zwei Motive. Das erste ist, bei aller Flüchtig-

keit, der gebrochene Akkordklang des ersten Taktes:

Dieser Akkord ist etwas unübersichtlich notiert, eigentlich aber ein klar strukturiertes Ge-

bilde. Seine sieben Töne lassen sich in zwei Teilakkorde aufspalten: Ein erster besteht aus

der Kombination eines Tritonus’ mit einer großen Terz (C-Fis-B), der zweite Teilakkord

enthält eine große Terz und eine verminderte Sexte, die nachträglich in einen Tritonus

überführt wird (E-Gis-esd). Fasst man diesen letzten Halbtonschritt abwärts vom es zum

d als ‚Korrektur‘428 auf, dann kann der zweite Teilakkord als strukturelle Umkehrung des

ersten interpretiert werden. Insgesamt entsteht so ein symmetrischer Klang, der (wenn man

die Tonqualität es wirklich aus der Berechnung heraus lässt) auch ganztönig ist. Spätere

Fassungen dieses Akkordmotivs zeigen diastematische Abweichungen – das ist bei den

Themen und Motiven Jarnachs die Regel.

Zwei Ableitungen des Akkordmotivs sind gleich im sich anschließenden Takt 2 zu hören.

In der linken Hand ist es zum einen der aus den Intervallen Tritonus (d-gis), großer Terz

(gis-his) sowie der kleinen Sekunde his-cis’ bestehende Liegeakkord. Während sich die un-

teren drei Töne als Ableger des ersten Motivakkords identifizieren, ist die kleine Sekunde

dem ‚Korrekturvorgang‘ aus dem zweiten Motivakkord entnommen.

Über diesem Liegeakkord setzt in der rechten Hand die Oberstimme auf einem d’ ein,

wodurch für kurze Zeit das sehr dissonante Kleincluster his-cis’-d’ erklingt. Die folgen-

den Töne der Oberstimme bilden eine weitere Ableitung des Akkordmotivs, denn mit

e’-b’-es’’-d’’ wird erneut der erste Motivakkord mit der ‚Korrektursekunde‘ des zweiten

kombiniert. Diese Ableitung des Akkordmotivs verhält sich gleichzeitig als diastematische

Auffächerung des Liegeklangs in der linken Hand. Diese beiden gleichzeitig erklingenden

Ableitungen des in sich dissonanten Akkordmotivs stehen im Ganztonabstand zueinander –

eine den Klang zusätzlich verschärfende Konstellation.

Eine solch konzentrierte Materialintegration, wie sie sich in den ersten Momenten dieser

Rhapsodie zeigt, ist bei Jarnach nach meiner Kenntnis einmalig. Es sei vorweggenommen,

dass sie Laufe dieses Stückes auch nicht fortgeführt wird.

Neben dem Akkordmotiv wird in der Klaviereinleitung noch ein weiteres Motiv präsen-

tiert. Sein Ausgangspunkt könnte das scharf punktierte Wechselnotenspiel sein, welches

ab der zweiten Hälfte von T. 2 als Nachklang der ‚Korrektursekunde‘ existiert. In T. 3 ent-

wickelt sich aus dieser Wechselnote es’’-d’’ eine weiträumigere Umspielung des zentralen

428 In Wirklichkeit ist der Halbtonschritt abwärts ein wichtiges diastematisches Element, das an späterer Stelle besser zur

Geltung kommen wird.

263

Tons d’’. Diese rhythmisch kleinteilige Tonfolge konkretisiert sich in T. 6. Die sich dort

vergrößernde Umspielung des Ausgangstones (hier e’) ist eine kompakte Zusammenfas-

sung der vorigen Stelle und soll als ‚Umspielungsmotiv‘ bezeichnet werden:

In dieser Form taucht das Umspielungsmotiv im Verlauf der Rhapsodie noch in T. 13f.,

14f. und 31 auf. Berücksichtigt man den Intervallvorrat des Motivs (große Sekunde e’-d’,

große Terz d’-fis’ sowie eine durch den Halbtonschritt abwärts zum Tritonus ‚nachkorri-

gierte’ Quinte b-f’-e’), liegt die Interpretation als eine ‚umeinandergeschachtelte‘ Ablei-

tung des Akkordmotivs nahe. Nicht zuletzt durch die akustisch nachvollziehbare ganztöni-

ge Anlage dieses Motivs wird eine Brücke zum Beginn der Rhapsodie geschlagen.

Zunächst scheint es, als sollte das Umspielungsmotiv ganztönig angelegt sein, aber der

Ton f’ (und kurz danach das es’) sprechen dagegen. Bei seinem zweiten Auftritt in T. 13f.

operiert das Umspielungsmotiv fest in einem diatonischen Umfeld. Immerhin exponiert

Jarnach bereits mit dem Akkordmotiv ein Ganztonfeld auf C, allein der Ton es in T. 1

stammt aus dem komplementären Feld gtcis. In den Takten 2 und 3 führt Jarnach sukzessi-

ve alle noch fehlenden Töne ein: cis, f, a, h, g. Mit den scharf punktierten Wechselnoten

es’’-d’’ wird das die Ganztonsphäre störende Intervall der kleinen Sekunde explizit her-

vorgehoben. In T. 3 herrscht, was die Herkunft der Töne betrifft, ein Gleichgewicht der

beiden Ganztonfelder, zudem gibt es bereits chromatische Bewegung in der Oberstimme.

T. 4 zeigt dann eine beinahe ausschließlich chromatische Linienführung. Die rechte Hand

von T. 5 schließlich bringt (mit Ausnahme des Tons fis) die chromatische Totale mit einem

großen Schwung. Erstaunen macht die Systematik, mit der Jarnach das Tonmaterial in den

Anfangstakten der ersten Rhapsodie exponiert. Das ist ohne Zweifel ein neuer Zug, wenn-

gleich es kleinere Experimente mit Ganztonfeldern und ganztönigen Passagen auch schon

in früheren Werken Jarnachs gegeben hat.429 Der weitere Verlauf der Rhapsodie op. 20 Nr.

1 bringt allerdings keine ernsthafte Fortführung dieser Arbeiten mit Ganztonfeldern.

Es bleiben in der Klaviereinleitung noch wenige Gestalten übrig, die nur lose mit den be-

schriebenen Motiven assoziiert sind. Zu nennen wären die Liegeakkorde der Takte 4 und

5ff. Ersterer enthält die Intervalle große Sekunde, große Terz (zweimal) und Tritonus. Im

Liegeklang von T. 5ff. verschränken sich die beiden Tritoni d-as und g-cis’. Schließlich

bietet die rechte Hand in T. 5 einen Zweiunddreißigstel-Abgang, welcher ab dem Ton cis’’’

nacheinander einen Quartenakkord auf dis, einen C-Dur-Akkord sowie einen verminderten

Dreiklang auf eis’ abwärts bricht. Die Klaviereinleitung endet, indem das Klavier sich ab

T. 8 in eine begleitende Haltung begibt. Sein d’ in der rechten Hand ist dann derjenige Ton,

mit dem die Violine einsetzt.

Diese ersten acht Takte mit ihrer schrittweisen Materialevolution offenbaren ein konstrukti-

429 Vgl. op. 12, zweite Hälfte von T. 1 im Feld gtc; der Nachsatz in T. 3 ist ganztönig gestaltet. Op. 15 Nr. 5 (Sturmnacht)

mit insgesamt recht vielen ganztönigen Akkorden; T. 41 mit explizit separierten Ganztonfeldern: erste Takthälfte gtc,

zweite Hälfte gtcis. Op. 16, 1. Satz, T. 57f.: Violine 1 im gtc, Violine 2 im gtcis. Op. 18, 1. Satz: ganztönige Hauptthemenva-

rianten in T. 11, 24, 77, 170, 177; zweites Thema (T. 44) mit ganztöniger Diastematik. Op. 18, 2. Satz: ganztönige Diaste-

matik des Couplets C1.

264

vistisches Moment – und das ist ein neuer Zug bei Jarnach. Es wird sich allerdings zeigen,

dass die strenge Materialökonomie nicht beibehalten wird, sondern mehr noch: ins Gegen-

teil umschlägt.

Die Harmonik der einleitenden Takte ist stark dissonant. Dafür sorgen die beschriebenen

Liegeklänge aus der linken Hand des Klaviers (T. 1–7) ebenso wie die atonale Melodik der

Oberstimme. Häufig vollzieht sich in überschaubaren Abschnitten eine Annäherung an die

chromatische Totale, so etwa in der Oberstimme T. 5 oder in der Bassstimme von T. 7ff.

Der zweite Abschnitt (T. 8–14) der ersten Rhapsodie ist im Großen und Ganzen als eine

Wiederholung der Exposition unter Beteiligung der Violine zu sehen. Er beginnt mit einem

Aufgang der Violine, welcher demjenigen des Klaviers in T. 2 weitgehend entspricht. Hier,

in T. 8, sind zwischen den einleitenden Halteton d’ und der eigentlichen Aufwärtsbewe-

gung einige Töne eingeschoben. Von den Anfangstönen d’-gis’-h-f’ aus (sie bilden zusam-

men einen verminderten Septakkord) gehen jeweils Halbtonschritte nach unten ab. Die

gesamte Figur endet wie zuvor mit dem Sekundschritt es-d (hier in der zweigestrichenen

Oktave) in T. 9:

Es sind der mit den Tönen f’-e’ (T. 9.3) beginnenden eigentlichen Wiederholung des Auf-

gangs von T. 2 drei fallende (und teils oktavtransponierte) Halbtonschritte vorgeschaltet

(d’-cis’, gis’-g, h-b), die dem Akkordmotiv entstammen. Eine weit weniger strenge Anbin-

dung an die originale Diastematik zeigt ein weiterer Aufgang der Violine in T. 10.3.

Ab Takt 10 werden Motivik und Klaviersatz unübersichtlicher. Zum einen gewinnt die

Klavierstimme ihre Autonomie zurück, sodass in den Takten 10–12 zwei gleich gewichtete

Instrumentalpartien nebeneinander existieren. Zum anderen gibt Jarnach die bisher herr-

schende strenge Materialökonomie auf. Sie wird durch eher lockere Verwandtschaftsbezie-

hungen abgelöst, die zu schildern eine etwas geringere Detailauflösung der Beschreibung

möglich macht.

In T. 10 (rechte Hand im Klavier) wirkt zunächst der Sekundschritt es-d nach – eine Ent-

sprechung zu der Wechselnotenpassage in T. 2 liegt nahe. Es folgt in T. 11 eine schnelle,

wellenförmige Bewegung. Ihr Verlauf ist fast ausschließlich von Terzintervallen geprägt

und bringt einander überlappende Dreiklänge hervor.430 Als Herkunft ist einzig die Ober-

stimme aus T. 5 denkbar. Die zweite Hälfte von T. 11 enthält im Klavier schemenhaft

flüchtige, wiederum gebrochene verminderte Dreiklänge und vereinzelte Halbtonschritte –

bekannte oder neue Motive gibt es hier nicht.

Weitere schnelle Tonfolgen in der Violinstimme von T. 12 (sie zählen zur rhythmischen

Grundausrüstung dieser ersten Rhapsodie) sind diastematisch weder aus dem Akkordmotiv

aus T. 1 noch aus dem Aufgang in T. 2 und 9 ableitbar. Immerhin beginnt der Takt mit dem

430 Stets mit zwei Tönen überlappend. Beginnend mit fis’’’ abwärts (T. 11.1): Ü, g, Es; weiter ab c’ aufwärts (T. 11.2): Ü,

E, E, e.

265

fallenden Halbton es’’’-d’’’, und auch in der Klavierstimme sind Zitate der ‚Korrekturse-

kunde‘ zu verzeichnen (T. 12.1: D-Cis; 12.3-4: f-e oktaviert), zudem gibt es den Halbton-

triller e’’’-f’’’ im Diskant des Klaviers. Insgesamt zeigen die Takte 10-12 aus dem ersten

Abschnitt jene satztechnische und motivische Zerfaserung, die aus anderen Kompositionen

Jarnachs bekannt ist. Überhaupt ist der schnelle Wechsel motivisch/thematisch verbindli-

cher mit freier gestalteten Abschnitten ein Markenzeichen Jarnachs geworden.

T. 13 beginnt mit einer dreistimmigen Engführung des punktierten Umspielungsmotivs im

Klavier, die sich aus einem grundstelligen fünftönigen Quartenakkord auf a löst. Das Ob-

jekt der Engführung ist lediglich der Motivkopf, und gegenüber T. 6 sind die Größen von

Sekunden und Terzen variabel gebraucht. In der mittleren der sich bewegenden Stimmen

scheint kurz eine Transposition des BACH-Motivs auf (T. 13.3–14.1: c’-h-d’-cis’), die an-

deren Stimmen arretieren nach dem Umspielungsvorgang in Haltenoten.Wie zu Beginn der

Rhapsodie pausiert auch hier die Violine zunächst. In T. 14 läuft in der Geige eine zögerli-

che, mit Tonwiederholungen ausgestattete Version des Umspielungsmotivs an; das Klavier

begleitet sie ab Folgetakt 15 mit immer neuen Spielarten eines einzigen Akkords. Dieser

besteht aus dem dreitönigen Quintklang C-G-d und einem g7<, bestehend aus G-d-g-b-fis’.

Die Quintschichtung ist wie das unmissverständliche Auftreten des Quartenakkords in

T. 13 ein Novum in dieser Rhapsodie aus op. 20.

Als vertraut darf die punktierte, über die Oktavlagen springende Klavierfigur in T. 15 gel-

ten – Jarnach hatte sich ähnlich expressiver Bildungen schon in der Sarabande op. 17 und

im Schlusssatz der Sonatina op. 18 bedient.431 Im Zusammenhang mit der Sturmnacht op.

15 hatte Jarnach seine neue Art der Klavierbehandlung als „ziemlich gelungen“ bezeich-

net.432 Begrifflich ist dieser Klaviersatz schwer zu fassen: ‚sprunghaft homophon‘ wäre

vielleicht ein passendes Attribut. Im Rahmen dieser ersten Rhapsodie ist der Klaviersatz al-

lerdings neu, und dies ließe den Beginn eines neuen Abschnitts vermuten. Dagegen spricht,

dass in der Geige eine fortführende Variante des Umspielungsmotivs erklingt. Takt 15 be-

herbergt eine ganze Reihe von dissonanten Mischklängen, deren Ursprung in Dreiklängen

dennoch hörbar bleibt. Die Hauptrolle spielt ein g4

7< (T. 15.1+3), der im Verlauf des Taktes

alteriert wird (T. 15.2: Fis 5>

6>9>; 15.4, letztes Sechzehntel: g4<

7<); die letzte Taktviertel be-

ginnt mit einem C4<. In Takt 16 beginnt eine sukzessive Modifikation des Akkordmaterials:

Aus dem Quintklang der linken Hand wird in T. 16.2 ein c-Moll-Dreiklang in weiter Lage,

der Klang fis-b-fis (siehe etwa T. 15.2) wird zum Quart-Quint-Klang fis-h-fis-h. Beide

Neubildungen erklingen in T. 16.2 simultan und erzeugen den Mischklang c4<7<, der eine

bitonale Wirkung aus c-Moll und H-Dur hervorruft; es folgt auf der dritten Taktviertel noch

ein D4<. Quart-Quint-Klänge wie in T. 16.2 finden sich in diesem zweiten Abschnitt noch

in der rechten Hand von T. 17.1 und 17.2 (hier bildet sich zusammen mit den Tönen der

linken Hand ein Q4dis) und 18.2. Neu sind in diesem Zusammenhang auch die oktavierten

Bewegungszüge des Klaviers.

In der Geigenstimme folgt auf das verklingende Umspielungsmotiv mit dem Auftakt zu

T. 17 eine fast originalgetreue Transposition des Akkordmotivs aus T. 1 (lediglich die Terz

431 Vgl. in der Sarabande op. 17 die Takte 9f., 45ff. und 80ff. sowie im Schlusssatz der Sonatina op. 18 die Takte 11, 29,

35f.

432 Siehe Weiss, S. 213; dort auch Zitatnachweis.

266

a’-c’’ in T. 17.1 ist zu klein geraten), die nach kurzem Stillstand auf fis’’ nochmals um eine

Lage höher steigt, dabei aber diastematisch viel freier gestaltet ist. Die Takte 18 und 19

zeigen in der Violine eine ähnlich unverbindliche (also ohne bekannte Motive operierende)

Melodik wie T. 10ff. Im Klavier häufen sich chromatische Linien, außerdem sind vermehrt

oktavierte Bewegungszüge zu beobachten. Weitere Fixpunkte in Gestalt bekannter Motive

fehlen in den letzten drei Takten vor T. 20.

Der Rückblick zeigt, dass seit dem Einsetzen der Violine in T. 8 eine zwar variierte und um

motivisch evakuierte Passagen erweiterte, letztlich aber dennoch nachvollziehbare Wieder-

holung der Klavierexposition vonstatten gegangen ist. Das Akkordmotiv, die Wechselnoten

d-es, die gebrochenen Dreiklänge sowie das punktierte Umspielungsmotiv erscheinen in

der ursprünglichen Reihenfolge. In dem Maß, wie Jarnach die einzelnen Motivprofile hier-

bei intensiviert, lockert er ihren sukzessiven Ablauf durch Einschübe auf.

Mit dem langen dritten Abschnitt (T. 20–32) ändern sich ganz unvorbereitet die Parame-

ter Melodik, Rhythmus und Satz. Als Klammer um diesen in sich keinesfalls homogenen

Abschnitt fungiert das Moment der Tonwiederholung – meist sogar in Form von Akkordre-

petitionen. Erst in T. 29 löst sich der kompakt akkordische Klaviersatz auf; die Takte 30–32

zeigen wieder einmal die Liquidierung und Auflösung stabiler Strukturen am Ende eines

Abschnitts.

Einleitend wird in T. 20 eine schlichte und zunächst in Es-Dur oder c-Moll anzusiedelnde

Violinstimme von einem weitgriffigen Q4e im Klavier begleitet. Die diastematischen Eck-

pfeiler der Violinstimme (T. 20.1–21.1: es’’-b’-f’) stehen dabei ebenfalls im Quartabstand

zueinander.

Wirklich neu ist am 3. Abschnitt nicht nur der ruhige Viertelpuls des Klaviers, sondern

auch das eindeutige Melodie-plus-Begleitung-Schema, in das Geige und Klavier einrücken.

Indes sind diese übersichtlichen Verhältnisse nicht stabil: Der Viertelpuls wird im Folgetakt

21 durch die vorgezogenen Zweiunddreißigstel verunsichert, der Klaviersatz gibt seine

Kompaktheit auf und zerfasert in einzelne Stimmfäden, die ab T. 22 völlig unabhängig von

der Violinstimme verlaufen. Chromatische Verläufe kennzeichnen die Phrase in den oberen

Stimmen von T. 22.3 bis 23.2. Die chromatische Abwärtsbewegung der Rahmenoktave

gis-g um das feststehende c’’ (alles T. 23.1) hat ein Vorbild in T. 17 – überhaupt sind solche

chromatischen Linien nur von dort ableitbar. Zu erwähnen ist wiederum die dissonante

Harmonik, welche auf den Hauptzählzeiten viele vertikale Sekundreibungen aufweist.

In der Geigenstimme hat der neuartig diatonische Beginn in T. 20 mit einem expliziten

Stopp über den Taktwechsel 20/21 geendet; die folgenden kurzatmigen Phrasen beinhal-

ten viermal den Halbtonschritt abwärts (T. 21/22, 22.2, 22.3-4 und 23.2), ohne dass es zur

Bildung von bekannten Tonfolgen käme. Eine Ausnahme macht das BACH-Zitat, welches

von T. 22 auf 23 untransponiert in der Geige erklingt – als Enjambement zwischen zwei

Phrasen.

Noch mit den letzten schnellen Geigentönen setzt im Klavier in T. 23.3 eine neue, flächige

Begleitfigur ein, die in Abwandlungen bis T. 27 durchgeführt wird. Ihr Kennzeichen ist

die Kombination von Liegetönen mit punktiert pulsierenden Klängen in der Mittelstimme.

Dieses Begleitmuster bezieht seine harmonische Spannung zunächst aus der liegenden

Oktave C-c und der punktiert rhythmisierten Terz gis-h; das stark akzentuierte cis’ der

Violine verschärft die Reibung zusätzlich. Im Bass von T. 24.3 taucht unvermittelt das

Akkordmotiv aus T. 1 in originaler Form auf, lediglich das es ist als dis notiert und verun-

267

klart optisch die ‚Korrektursekunde’. Ab T. 24.4 erklingt über dem neuen Liegeton d ein

as-Moll-Akkord mit zum Quintton dissonierenden d im Bass (ein für diese Rhapsodie typi-

scher Mischklang mit hinzugefügter hochalterierter Quarte), zu dem die in T. 25 ansetzen-

de Klavier-Oberstimme g’-d’’-fis’’ in einer deutlich bitonalen Beziehung steht. Die letzte

Stufe dieser Begleitfigur bringt in T. 26 einen sehr auffälligen Q6fis hervor, welcher in der

punktiert weitergeführten Mittelstimme zu einem e7> entschärft wird.

Die Violinstimme hat in diesen Takten der as-Moll-Fläche und darüber hinaus eine für

Jarnachs Verhältnisse ungewöhnlich lange und tonale Phrase (T. 24.3–28.1), die zunächst

ebenfalls in as-Moll angesiedelt ist. Es ist das einzige Gebilde im Rahmen dieser Rhapso-

die, welches den Titel ‚Thema‘ verdient hätte, und es sitzt ziemlich exakt im Zentrum der

Komposition:

Im Rückblick scheinen die Takte 20 bis 24 die notwendige Stabilisierung jener Verhältnisse

darzustellen, in denen ein Thema wie dieses entstehen kann. Im Rahmen der ersten Rhap-

sodie aus op. 20 ist diese Passage ein Ruhepol und die thematisch wirkende Phrase das

darin aufgehobene ‚andere‘. Denn dieses in langen Notenwerten rhythmisierte, freitonal

diatonische, einen großen Bogen beschreibende Gebilde ist wie geschaffen als Gegenent-

wurf zum flüchtigen und dissonanten Akkordmotiv aus T. 1. Im Verlauf dieser Rhapsodie

fehlt jede weitere Spur von dem thematischen Gebilde (ohne dass dies seine Bedeutung

schmälerte).

268

Einen in vielerlei Hinsicht engen Verwandten hat diese Phrase im ersten Satz des Streich-

quartetts op. 16. Dort kam in T. 101ff. eine Tonfolge auf, die ebenso aus ihrem Umfeld

herausgehoben war433:

Frappierend sind auch die Übereinstimmungen in der Art der Begleitung. Hier wie da

stellen ruhige Unterstimmen die Melodiestimme frei, in beiden Fällen gibt es eine tonale

Grundierung – in op. 16 ist es ein es-Moll-Feld, in der Rhapsodie op. 20 Nr. 1 eines in

as-Moll. Schließlich geben beide Melodien die einzig wirklich thematischen Tonfolgen

ab, während das Hauptgeschehen der Sätze von den zahlreichen Variantenbildungen eines

kürzeren Motivs dominiert ist.434 Es ist nicht das erste Mal, dass Jarnach einen bereits ver-

wirklichten motivisch-formalen Entwurf wiederaufnimmt: Hier sei an die Ähnlichkeiten

zwischen dem Kopfsatz der Sonatina op. 18 und der Sonatine für Flöte und Klavier op. 12

erinnert.

433 Ein sehr direkter Ableger des Quartettthemas fand sich bereits im letzten Satz der Sonatina op. 18, dort in T. 6f.

434 Vergleiche Kapitel V.2

269

Auf den Schlusston e’ des thematischen Gebildes in der Violine folgt ein kurzes Zwi-

schenspiel des Klaviers mit wiederholt angeschlagener Oktave h’-h’’ und einer punktierten

Innenbewegung der rechten Hand, die überwiegend Halbtonschritte abwärts zeigt und in

T. 28.1+2 das BACH-Motiv hervorbringt435 – ein inzwischen beinahe übliches ‚Wasserzei-

chen‘ in Jarnachs Werken. Vor dem erneuten Einsatz der Geige erscheint eine Variante des

Akkordmotivs in der Unterstimme. Die Klangfelder bleiben das Hauptmerkmal von Ab-

schnitt 3: Ein statisches Feld anderer Prägung ist die von Violine und Klavier gemeinsam

ausgeführte harmonische Pendelbewegung in T. 29. Sie changiert zwischen den Mischklän-

gen Cis9<

6> auf den Zählzeiten 1 und 3 sowie einem dissonanten F3>4<.

Die letzten drei Takte vor dem Doppelstrich bei T. 32/33 zeigen die bekannten Auflösungs-

erscheinungen am Abschnittsende. Sie bieten eine entfernte Ableitung des punktierten Um-

spielungsmotivs in der Violine (T. 30) und eine konkrete Anspielung desselben Motivs in

Klavier und Violine im Folgetakt (zweite Hälfte). Der Abschnitt endet mit einer schnellen

Klangbrechung aufwärts im Klavier, in der eine Variante des schnellen Akkordmotivs ent-

halten ist (cis-f-h-b) sowie eine Fortführung in Terzschichtung436, deren Vorbild wieder T. 5

ist. Bei aller satztechnischen Vielgestaltigkeit ist die Harmonik an dieser Stelle schärfer

umrissen437 – eine Eigenschaft, die in den folgenden Abschnitt 4 herüberreicht.

Die wenigen Reminiszenzen an bekannte Motive, die es in Abschnitt 3 zu hören gibt, wir-

ken wie Fremdkörper – das gilt vor allem für die unvermittelt auftretenden Akkordmotive.

Darüber hinausgehende Anknüpfungspunkte zu den ersten beiden Abschnitte der Rhapso-

die müssen im submotivischen Bereich gesucht werden, sind aber auch dort rar. Zu diesem

Aspekt später mehr.

Mit dem kurzen vierten Abschnitt (T. 33–36) präsentiert sich ein neuerlich verändertes

Satzbild unter der neuen Tempoangabe ‚Largamente‘. Charakteristisch ist vor allem der

Klavierpart mit seinen Quartenakkorden (teils in Quintschichtung) und den Aufgängen in

Quintolen-Zweiunddreißigsteln. Auffällig ist der modular konzipierte Wechsel dieser bei-

den Merkmale:

435 Siehe T. 28.1+2 die Tonfolge g’’-fis’’-a’’-gis’’.

436 Überlappende Dreiklänge, beginnend mit dem gis’, lauten: Gis, v, es, Ü.

437 T. 30.1: d6<

9<+Q4h; 31.2: D7>+fis; 31.4: Q5d; 31.5: Cis5>

7>; 32.1: Q4a.

270

Auch klanglich fällt diese Passage sehr aus dem Rahmen, dazu tragen die bis zu sieben-

tönigen Quartenakkorde (man beachte den Q7h in Grundstellung in T. 34.2) ebenso bei

wie die in c-phrygisch stehenden Skalen der Quintolen und die lombardisch punktierten

Rhythmen. Ungeachtet der forte-Dynamik (in der Violine schreibt Jarnach sogar fortissimo

vor) klingt die Stelle nicht unbedingt ‚schwer‘ oder ‚drückend‘ – dies die Übersetzung der

Spielanweisung ‚pesante‘.

Die kristalline Klarheit dieses Klaviersatzes trübt sich schon bald ein; ab der zweiten

Hälfte von T. 34 ist es vorbei mit der Quartenharmonik, und auch die Aufgänge verlaufen

diastematisch eher ungeordnet. Das g’’, für zwei lange Takte eine Art Repercussa in der

rechten Hand des Klaviers, wird mit T. 35 aufgegeben.

Während sich die Klavierstimme kompliziert, beginnt die Violinstimme lebhafter zu agie-

ren. Die Takte 33 und 34 waren noch von langen Haltetönen bestimmt, die lediglich am

Taktende für doppelt punktierte, weit ausholende Bewegungen verlassen wurden. Die

Wechselnotenmelodik von T. 35 könnte mit der Vorstufe des punktierten Umspielungsmo-

tivs aus T. 2 assoziiert werden.

Nach dem Verschwinden der Quartenakkorde in T. 34 rücken verminderte Dreiklänge438

und Tritonusintervalle439 als melodische Merkmale nach. Spuren des Akkordmotivs lassen

sich in T. 34.4 (es’-a’-cis’’, linke Hand) und 35.4 (Aufgang der linken Hand: e’-gis’-d’’)

nachweisen. Mit einem im Umriss dem Akkordmotiv verwandten Aufgang in T. 36 be-

schließt die Violine den vierten Abschnitt.

Als ‚quasi cadenza‘ hat Jarnach den folgenden fünften Abschnitt (T. 37–45) betitelt. Er ist

in ähnlich eigenwilliger Art von seiner Umgebung abgegrenzt wie der vorige. Seine Anlage

ist zweiteilig – sie besteht aus einer hinleitenden Trillerpassage und der eigentlichen Ka-

denz ab T. 41.4, in der sehr starke Gesten in Klavier und Violine kulminieren.

Schnelle Aufgänge wie in der linken Hand des Klaviers von T. 37 sind inzwischen Topos;

dieser hier enthält sowohl einige Dreiklangsbildungen (B7>, Cis, Cis7>), als auch Quarten

und Tritoni. Interessant ist der zweiteilige Aufbau dieses gebrochenen Klangs: Die Tonfol-

gen B-d-gis-cis’ und cis’-f’-h’-e’’ besitzen, jeweils von unten beginnend, dieselbe Inter-

vallfolge aus großer Terz, Tritonus und Quarte. Das ursprüngliche Akkordmotiv stellt zwei

kongruente Teilklänge in Umkehrung zueinander, in dieser Variante sind die Teilklänge

gleich ausgerichtet.

Innig miteinander verzahnt wie sonst nirgends bestreiten Geige und Klavier gemeinsam

diese Hinleitungspassage, die von ganz eigenartiger Virtuosität ist. Die Halbtontriller auf

h’’ (Violine) und e’’ (Klavier) werden ab T. 39.3 von einem Halbtontriller auf fis’ zu einem

flirrenden Q3fis komplettiert. Zwischen die Trillerstrecken sind alternierend nervöse und

kleinschrittige Staccatoeinwürfe gesetzt, die (wenn man will) im Ambitus komprimier-

te Umspielungsmotive formulieren. Diese kleinen Gestalten sind denkbar eng mit dem

BACH-Motiv verwandt, allerdings verzichtet Jarnach an dieser Stelle auf ein explizites

Zitat. In vorwegnehmender Weise war das transponierte BACH ja bereits in T. 13.3, 22–23

und 28.1 zu hören gewesen.

438 Verminderte Dreiklänge in T. 34.3, im Aufgang der linken Hand; 35.1+3 (alles im Klavier).

439 Tritonusintervalle in T. 35.4 (zweimal in der Violine, einmal im Klavier, linke Hand), 36.1 (2x).

271

Zentrifugalkräfte treiben die Stimmen ab T. 40 aus ihre engen Umspielungen. Am Ende

eines langen crescendos steht das b’’’ des Klaviers (T. 41.3), und man fragt sich doch, was

hier eigentlich zu seinem Höhepunkt geführt wurde.

Die Geigenstimme führt sofort darauf in einer verschlungenen, einigermaßen diatonischen

Abwärtsbewegung zu einer heftigen Interpunktion des Klaviers in T. 42.3; der Folgetakt

zeigt bereits wieder eine gemeinsame Aufwärtsbewegung beider Instrumente. In der Geige

vollzieht sie sich in einer a-Moll-Skala, das Klavier bringt aus einem (Cis-Dur enthalten-

den) Akkord größere Intervallschritte hervor.

Auffällig ist die Ähnlichkeit dieser Aufwärtsbewegung mit derjenigen aus T. 37 (Tonfolge

f-h-e sowie der allgemeine Intervallvorrat). Die oktavierte Bewegung in T. 43 ist allerdings

wie das ursprüngliche Akkordmotiv zu einem diastematisch symmetrischen Gebilde, sozu-

sagen zu einer raffinierten Quintessenz des Akkordmotivs geworden:

Die beiden Halbtonschritte c-cis und e-es (sie stehen am Anfang und am Ende der Bewe-

gung und sind Derivate der ‚Korrektursekunde‘) flankieren im selben Abstand das zentrale

Tritonusintervall f-h. Hier, kurz vor dem Ende der Rhapsodie, schlägt Jarnach einen Bo-

gen zum Akkordmotiv des Beginns – mit einer Entsprechung allerdings, die eher nicht im

hörbaren Bereich der Musik liegt. Die beiden heftig angeschlagenen Rahmenakkorde des

Taktes 43 sind wiederum Mischklänge (Cis7>9>6> und Cis3>4< in schwer zu durchschauender

Notierung).

Auf diesen letzten Aufschwung folgen oktavierte Intervallsprünge, sie wirken wie Über-

reste nach der Bergung des gewünschten Objekts. T. 44.3 zitiert mit F-As-e einen großen

Moll-Septakkord, wie er (auf g stehend) in den Takten 15ff. hörbar war. Die Sechzehntel-

bewegung in T. 45 (cis-A-Es-E) ist schließlich auch noch eine abwärts gerichtete Ableitung

des Akkordmotivs.

Ätherisch und ganz als versöhnlicher Epilog ist der letzte, mit ‚Lento‘ überschriebene

sechste Abschnitt (T. 46–48) der Rhapsodie komponiert. Zu den Flageoletttönen der Gei-

ge gibt das Klavier eine in Quarten und Quinten gesetzte Begleitung, deren Zweiunddrei-

ßigstelbewegungen kurz die Akkorde c7> und cis7> erklingen lassen. Über die auftaktige

Akkordkombination As4<7< sowie Q5gis wird der Schlussklang erreicht, dessen reines d-

Moll angesichts einer überwiegend atonalen Komposition erstaunt.

272

Es gibt nur wenige Kompositionen Jarnachs aus den zwanziger Jahren, die ohne submoti-

vische Gebilde auskommen. Obgleich die Analyse dieser Materialebene bisher eher zusätz-

liche Schichten als eine Beleuchtung vorhandener formaler Verhältnisse zutage förderte,

soll sie hier nicht unterlassen werden.

In der ersten Rhapsodie op. 20 lässt sich eine Dreitonfigur extrahieren, deren einer Inter-

vallschritt eine Sekunde, der entgegengesetzte zweite aber eine unbestimmte Größe hat,

nicht aber kleiner als eine kleine Terz ist. Die Regel ist der Halbtonschritt abwärts mit fol-

gendem aufsteigendem Intervall; ebenfalls anzutreffen ist die Krebsumkehrung, ohne aller-

dings die Präsenz der Ursprungsgestalt annähernd zu erreichen. Jarnach beginnt gleich mit

einer Verkettung der Dreitonfigur in beiden Gestaltformen im Aufgang der Klavierober-

stimme von T. 2, wo ein Dreitonmotiv mit seiner Krebsumkehrung kombiniert wird. Eine

potenzierte Variante gelingt mit dem Aufgang der Violine in T. 9, wenn insgesamt fünf

Dreitonmotive miteinander verschränkt werden:

Knapp 50 Mal erscheint die Dreitonfigur im Verlauf der ersten Rhapsodie. Das Häufungs-

maximum liegt in der Klaviereinleitung. Bemerkenswert sind die intervallisch vergrößerten

Varianten in der Violinstimme der Takte 33.4 und 34.3. Kurz vor Schluss (T. 42.3) ruft Jar-

nach die Dreitonfigur in einer doppelt oktavierten und fortissimo angeschlagenen Version

ins Gedächtnis. Diese auch aus anderen Werken Jarnachs bekannte Motivapotheose ist ei-

ner der Gründe, dieser an sich unauffälligen Figur überhaupt Aufmerksamkeit zu schenken.

Ein anderer Grund sind zwei Ableitungen der Dreitonfigur, die es ebenfalls auf einige Ver-

breitung in dieser Rhapsodie bringen. Die auffälligere der beiden ist das bereits besproche-

ne Umspielungsmotiv. Es liegt in drei scharf punktierten Varianten (T. 6, 13 und 31) und

einigen rhythmisch weniger profilierten Fassungen (T. 13f., 15, 31, Violine) vor. Hier ist

das Dreitonmotiv als generative Tonfolge anzusehen, zumal es in einigen Fassungen des

Umspielungsmotivs als Kombination von ‚Originalgestalt‘ und Krebsumkehrung vorliegt.

Das zweite Derivat des Dreitonmotivs ist wie das Umspielungsmotiv eine viertönige Ge-

stalt, ihr Hauptmerkmal ist aber die Kombination zweier Halbtonschritte. Die in T. 9 (Vio-

line) beobachtete Verkettung mehrerer Dreitonfiguren führt zu der Tonfolge h-b-f’e’ – dies

ist die gemeinte Ableitung. Sie findet sich in der Violinstimme von T. 19.2, 22.2, 35.3

sowie im Klavierpart von T. 18.3 (Krebsumkehrung), 21.3 und 18.2 (eine ausschließlich

abwärts geführte Variante). Der Versatz der beiden Halbtonschritte zueinander kann auch

lediglich einen Halbtonschritt betragen, dann liegt wiederum eine Umspielungsfigur vor.

Diese Variante erklingt bereits in T. 4 (Klavier, rechte Hand) erlebt aber erst in der ‚quasi

cadenza‘ von T. 37ff. eine Engführung. Eine besonders prominente Variante der Halbton-

schritt-Verkettung ist das BACH-Motiv. Eine Transposition findet sich in der Mittelstimme

von T. 13f. (c’-h-d’-cis’), in der Violine von T. 22 auf 23 sowie, wieder etwas verborgen, in

T. 28 (Klavier, rechte Hand: g’’-fis’’-a’’-gis’’) – darauf hatte ich bereits hingewiesen. Die

sehr frühe Präsentation des BACH-Motivs scheint auszuschließen, dass es (wie etwa in der

Sonatine op. 12) als Endergebnis der Arbeiten mit der Dreitonfigur angesehen werden soll.

273

VIII.2.1 Zusammenfassung op. 20 Nr. 1

Die erste der drei Rhapsodien aus op. 20 wird ihrem Titel bereits in den Einleitungstakten

gerecht. Das Rezitativische der Oberstimme greift unmissverständlich auf die ursprüng-

liche Bedeutung des ‚Rhapsodischen’ zurück, und der weitere Verlauf des Werkes tut es

auch. ‚Rhapsodisch‘ meint schließlich nicht nur ‚frei in der Form‘, sondern durchaus auch

‚fragmentarisch‘. Fragmentarisch ist die Erzählstruktur dieser Rhapsodie allemal; daran hat

schon die kleinteilige wie ausdrucksstarke Gestik einen großen Anteil. Insgesamt liegt eine

lockere Reihungsform mit sieben größeren Abschnitten vor, die untereinander nur selten

vermittelt sind.

Ganz andere Erwartungen hatte noch der Beginn der Rhapsodie zu wecken vermocht.

Mit der doppelten Exposition zweier Motive, die längst keine Themen mehr sein wollen,

wird die Sonatenform des Instrumentalkonzerts assoziiert. Die motivische Dichte und der

konstruktiv-ökonomische Umgang mit kleinen Materialeinheiten ließen ein integrales

Formkonzept vermuten. So wenig Ähnlichkeiten die Rhapsodie dann aber mit einer Sona-

tenform hat, so rhapsodisch ist im weiteren Verlauf der Umgang mit Motiv und Material.

Muss die formal und materiell so stringente Arbeit zu Beginn des Stückes möglicherweise

als eine Innovationsoffensive Jarnachs verstanden werden, die unter dem Druck stattfand,

dem eigenen Komponieren neuartige technische Grundlagen zu geben?

Jarnach sorgt in dieser Komposition für einen Wechsel von Anspannung und Ruhe, vermei-

det aber jegliche formale Rundung durch echte Wiederholung oder gar Reprise. Die beiden

Hauptmotive (Akkordmotiv und Umspielungsmotiv) werden im ersten Abschnitt exponiert,

im weiteren Verlauf der Rhapsodie aber eher unverbindlich eingestreut – hier zeigen sich

Parallelen zum ersten Satz des Streichquartetts. Ein Einsatz unter formal-architektonischen

Gesichtspunkten außerhalb der beiden Expositionsabschnitte liegt nicht vor. Weite Teile

der Komposition zeigen eine an abstrakte Malerei erinnernde, scheinbar völlig bezugslose

Abfolge musikalischer Impulse.

Das einzige in seiner Gestalt einigermaßen thematische Gebilde ist in der Mitte der Rhap-

sodie angeordnet. Es ist das Gegenmodell vor allem zum Akkordmotiv, welches in unre-

gelmäßigen Abständen auftaucht. Vielleicht ist hierin die alte Themendualität aufgehoben:

in weit gestreuten, fluktuierenden und sich stets wandelnden Motiven einerseits und einem

zentralen thematischen Ruhepol andererseits.

Wie in vielen anderen Werken Jarnachs gibt es auch in der Rhapsodie op. 20 Nr. 1 sub-

motivische Gestalten. Allerdings reichen weder die Häufigkeit noch die Durchführungs-

intensität der Dreitonfigur aus, um der Form wesentliche Impulse zu geben. Motive wie

submotivische Gebilde leisten aber eine gewisse materielle Verklammerung der gereihten

Abschnitte.

Ein ganz neuer Tonfall macht sich von Beginn der Rhapsodie an mit der dissonanten

Harmonik bemerkbar. Verantwortlich dafür sind nicht zuletzt die nun häufig auftretenden

Mischklänge mit hinzugefügter hochalterierter Quarte sowie autonom dissonante Klänge.

Daneben spielen auch Quartenakkorde und bitonale Bildungen eine immer größere Rolle.

Als tonales Zentrum scheint trotz der Schlussharmonie d-Moll immer wieder Cis-Dur auf.

Der Klaviersatz ist als eine Weiterentwicklung der in der Sturmnacht op. 15 und der Sa-

rabande op. 17 gefundenen Form zu denken. Darin enthalten ist eine Abwendung von der

linearen Polyphonie zugunsten eines expressiv-impressionistischen, hier aber überwiegend

dissonanten Klanggefüges. Bemerkenswert ist die zerfahrene und unpianistische Anlage

274

des Klavierparts, der zudem rhythmisch sehr komplex ausfällt. Ganz anders die Geigen-

stimme: Sie kommt den Erfordernissen des Instruments weit eher entgegen. Das Verhältnis

von Violine und Klavier ist grundsätzlich gleichberechtigt, die musikalische Verzahnung

der Partner aber viel weniger intensiv, als das etwa in der Sonatine für Flöte und Klavier

op. 12 der Fall war.

Die erste der drei Rhapsodien op. 20 markiert in Jarnachs Werk stilistisch den bisher am

weitesten vorangetriebenen Außenposten. So wird etwa der ‚Abschied vom Thematischen‘

hier endgültig Wirklichkeit. In ihrer formalen Ungebundenheit, der rhythmischen Komple-

xität und einer ungewohnt dissonanten Harmonik hat sich die erste Rhapsodie aus op. 20

weit von der Sonatina op. 18 entfernt, und sie lässt einen Weg sichtbar werden, den Jarnach

letztlich nicht zu gehen wagte.

VIII.3 Analyse Rhapsodie Nr. 2: Andantino dolce e grazioso

Länge 37 Takte; Tempoangabe Viertel = 60; dominierendes Metrum 4/4; keine Vorzeichnung, Rahmentonart

b-Moll.

Die zweite der drei Rhapsodien für Violine und Klavier aus Jarnachs op. 20 ist von leich-

terem Charakter und mit 37 Takten das kürzeste der drei Stücke. Für die Violine ist durch-

gehend der Dämpfer vorgesehen, und die Dynamik bewegt sich überwiegend im piano-

Bereich; die diesbezüglichen Maxima bei T. 13 und 34 liegen nur bei einem Mezzoforte.

Das 4/4-Metrum wird vor allem im letzten Teil dieser Komposition wiederholt untergra-

ben, während sich das Notenbild insgesamt konventioneller zeigt als im Vorgängerstück:

So gibt es vielerorts eine sichtbare Trennung von Melodie und Begleitstimme, und auch

die rhythmische wie diastematische Polyphonie ist längst nicht so stark ausgeprägt wie in

der ersten der drei Rhapsodien op. 20. Die Form der zweiten Rhapsodie besteht aus einem

thematisch-motivisch symmetrisch angelegten Hauptteil (‚Andantino dolce e grazioso‘,

T. 1–28) und einer Coda (‚Sehr ruhig‘, T. 29–37).

Anders als in der ersten Rhapsodie op. 20 beginnt die Musik mit einem echten Thema. Es

liegt in der rechten Hand des Klaviers (T. 1–7) und zeigt einen (in Abgrenzung zur Peri-

ode) fast mustergültigen Entwicklungstyp: So teilen sich die Thementakte 1 und 2 einen

identischen Rhythmus und eine fast identische Diastematik; die abschließenden Sekund-

schritte (T. 1: des’’-es’’; T. 2: des’’-c’’) korrespondieren dabei im Sinne eines Öffnens und

Schließens. Takt 3 fährt mit einer rhythmischen Motivabspaltung und Verkürzung fort,

Gegenstand hierbei sind die ersten Takthälften von T. 1+2 mit ihrer charakteristischen

Überbindung vor den Sechzehntelnoten; zusätzlich findet in T. 3 eine Vergrößerung der

Intervalle statt. In der sehr kleinschrittigen Melodik von T. 4 könnte man eine Ableitung

der jeweils zweiten Takthälften von T. 1+2 sehen. Man beachte schließlich die nach einer

Beschleunigung der Bewegung erreichte Zwischenklausel in der rechten Hand von T. 6.1:

Sie ist eine Reminiszenz an das Umspielungsmotiv aus der ersten Rhapsodie op. 20 (und

geht noch weiter zurück auf verwandte Motive im Kopfsatz der Sonatina op. 18: Vgl. dort

die Takte 15, 19, 112 und 123). Das Ende des Themas ist allerdings noch nicht erreicht,

denn auch die beiden Folgetakte operieren mit sehr ähnlichem motivischem Material. Erst

wenn sich in T. 7 beide Klavierstimmen in einer schließenden Geste aufeinander zu bewe-

275

gen, ist das erste Themas abgeschlossen. So scharf umrissen dieses Thema zu Beginn ist,

so unentschieden wirkt sein Ende. Hier kommt die Violinstimme mit der Oberstimme des

Klavierparts:

Das Thema ist zunächst fest in b-Moll verankert. Die Melodiestimme trägt diese Tonart

bis in den dritten Takt hinein, die Bassstimme immerhin noch bis in die erste Hälfte von

T. 2. Von klanglicher Seite ist an der grundsätzlichen b-Moll-Orientierung auch nicht zu

zweifeln. Schon im ersten Takt allerdings macht sich das Prinzip der Quartenschichtung

bemerkbar: Zu den Ausgangstönen b und f gesellt sich in der rechten Hand auf der zwei-

ten Zählzeit das c, mit den simultan erklingenden Tönen es’, as’ und des’’ auf der dritten

Zählzeit und dem Ges auf der vierten sind immerhin die Töne eines Q7c exponiert – und

das konsequent der Reihe nach. Wem diese Aufstellung zu theoretisch anmutet, der sei auf

das erste Melodieintervall in der rechten Hand und den wohl unmissverständlichen Q3es in

T. 1.3 verwiesen.

Ganz ungewöhnlich ist die Verteilung der Stimmen geregelt. Ohne weiteres (Klavier)vor-

spiel setzt das Thema in der rechten Hand der Klavierstimme ein. Der eine Viertel später

einsetzenden Violine wird ihre Funktion („begleitend“) mitgeteilt, wie um Missverständ-

nissen vorzubeugen. Dennoch ist die Ausarbeitung der Violinstimme nicht weniger stark

artikuliert, ihr Profil allerdings weniger charakteristisch als dasjenige der Hauptstimme.

Bemerkenswert ist das einleitende bogenförmige Motiv, welches in T. 2.3 sogleich wie-

derholt wird und im weiteren Verlauf dieser Rhapsodie noch eine gewisse Rolle spielen

wird. Auch rhythmisch ist der Kontrapunkt sehr ökonomisch formuliert: Viertel- und Ach-

telpunktierung sowie eine Gruppe aus Achtel und zwei Sechzehnteln werden sehr häufig

wiederholt. Die beiden in gleicher Lage sich umspielenden Oberstimmen bieten ein Kabi-

nettstück kontrapunktischer Arbeit, welches klanglich recht unauffällig daherkommt.

276

Die eigentliche Themenbegleitung leistet die linke Hand im Klavier. Diese Art der viertel-

weisen, weit ausgreifenden Bassführung ist ein kleiner Topos in Jarnach Musik – meist in

Verbindung mit burleskem, humorigem Ausdruck oder als Tanzmusikbass.440 Eine Neben-

beobachtung: Während die zwischen den Lagen springenden Bassbewegungen in den ein-

zelnen Takten jeweils symmetrisch angeordnet sind, ergibt sich im Zusammenhang bis T. 4

ein unregelmäßiges, das Metrum verschleierndes Bild.

Als ein sehr ungewöhnlicher Fall muss gelten, dass Jarnach dieses Thema in einer genau-

en441 Sekundtransposition wiederholt. Im Unterschied zum Beginn ist das Thema in T. 23ff.

der Geige anvertraut. Die Themenreprise endet dort ohne definierten Schluss und vermei-

det jegliche Andeutung einer melodischen Klausel, als die T. 7 mit seiner Abwärtsgeste

schließlich noch gelten konnte. Die Themenreprise in T. 23ff. zeigt darüber hinaus eine

vertrautere Art der Aufgabenteilung: Die Violine spielt die Melodie, das Klavier begleitet

akkordisch. Der Verlust der kontrapunktierenden Stimme macht diese zweite Version aller-

dings um eine Dimension ärmer.

Die um einen Halbton höher liegende Reprise des Themas ist harmonisch ähnlich griffig

und ragt damit aus ihrem Umfeld heraus. Zum h-Moll zeigt T. 23 zwei ansonsten rare Ex-

emplare von grundstelligen Quartenakkorden (Q4ais und Q6fis). Auch T. 24.2 und 25.1+3

bringen Quartenakkorde, in T. 29.3 lässt sich noch ein Q6e extrahieren.

Zurück zum Beginn der zweiten Rhapsodie: Auf den ersten Themenabschnitt folgt in T. 8

dieses unregelmäßig rhythmisierte Motiv in der linken Hand des Klaviers:

Zum Halteton g in der rechten Hand steht die Quinte Des-As in einer Spannungsbeziehung,

mit der Quarte ‚H-E blitzt e-Moll unregelmäßig auf – es entsteht der Mischklang e3<6<.

Auch dieses rhythmische Motiv erlebt eine Wiederholung. Mit T. 21 ist sie direkt vor der

Reprise des oben beschriebenen Themas platziert. Auch in der zweiten Fassung des rhyth-

mischen Motivs gibt es einen Halteton (hier von der Violine gespielt); mehr Beachtung

verdient aber die Klavierstimme: Dort präsentiert die linke Hand einen d-Moll-Akkord

weiter Lage, während die unregelmäßig rhythmisierte Sextenschaukel in der rechten Hand

bei uneindeutiger Notierung gleichzeitig As-Dur und gis-Moll erahnen lässt. Das Ergebnis

ist ein reizvoll changierender, komplexer Mischklang d6<-4<

9>7>. An dieser Stelle komponiert

Jarnach eindeutig wie selten mit harmonischen Effekten und rhythmischen Ostinati – es ist

dies eine Plakativität, die der Musik Jarnachs prinzipiell fremd ist.

440 Vgl. die Begleitfiguren im Ballabile op. 17 (Beginn des schnellen Abschnitts), im Wunden Ritter op. 15 (Ende der

dritten Strophe) oder in der Flötensonatine op. 12 (Durchführungsteile).

441 Vgl. die abweichende Intervallfolge in den Melodiestimmen von T. 5.4 (Klavierstimme, rechte Hand) und T. 27.4

(Violinstimme). Der Beginn von T. 28 zeigt gegenüber dem Original dann eine Transposition um einen Halbton nach

unten.

277

Die durch die Anordnung von Thema und rhythmischem Motiv gewonnene formale Sym-

metrie setzt sich mit einigen Abstrichen in die dazwischenliegenden Takte 9–20 fort. Takt 9

fungiert zunächst als motivisches Gelenk: Während in der Klavierstimme das rhythmische

Motiv ausklingt, setzt in der Violine eine Wechselnotenbewegung zwischen g’’ und as’’ ein,

die mit T. 11 in eine dreitönig kreisende, im Folgenden vielfach repetierte Figur übergeht.

Es ist durchaus wahrscheinlich, dass Jarnach die Halbton-Wechselnote wie auch die Osti-

natofigur in Anlehnung an die erste Rhapsodie op. 20 gestaltet hat. Das Ostinato beschreibt

den Krebs des Umspielungsmotivs. Siehe dazu auch in der vorliegenden Rhapsodie T. 27-

28. Eine in T. 10 beginnende Sechzehntelbewegung im Klavier begibt sich auf improvisiert

wirkende Weise bis in T. 13 ebenfalls in die zweigestrichene Oktave und rastet hier in eine

(nicht ganz perfekte) Parallelbewegung zur Violinstimme ein. Eine solch innige Verzah-

nung von Violine und Klavier wie in T. 13ff. war auch in der ‚Kadenz‘ in der ersten Rhap-

sodie zu registrieren. Ab T. 14 gehen die Tonfolgen von Violine und der rechten Hand des

Klaviers nach und nach in eine Art rhythmischer Parallelbewegung über, mit dem kurzen

3/8-Takt 19 endet die gemeinsame Sechzehntelbewegung. Erneut erstaunt die mit Ostinato

und simpler Sequenzierung gestaltete Griffigkeit in einer Komposition Jarnachs.

Unter die Parallelbewegung der Oberstimmen in T. 13f. schiebt sich in der linken Hand

des Klaviers ein thematisches Gebilde, dessen Hauptmerkmal die Führung in parallelen

Quint-Quart-Klängen ist. Sein Umriss zeigt zumindest in T. 13 eine Ähnlichkeit mit der

darüber ablaufenden Sechzehntelbewegung im Klavier:

Solche mittels flächenhafter Begleitungen freigestellte Melodien oder Themen sind beinahe

ein fester Bestandteil der Musik Jarnachs. Ein Vergleich mit T. 24ff. der ersten Rhapsodie

op. 20 oder dem thematischen Vorläufer im Streichquartett op. 16, (1. Teil, T. 101ff.) legt

darüber Rechenschaft ab. Bemerkenswert ist hier die Kombination des Ostinatos mit einer

in Quint-Quart-Klängen mixturartig geführten Melodiestimme – macht sich hier das Studi-

um Bartókscher Werke bemerkbar, die Jarnach sehr schätzte?442

Nach der endgültigen Liquidierung der Ostinatofläche in T. 16 kommt es in Violine und

Oberstimme der rechten Hand zu einem kurzen imitatorischen Zwischenspiel. Der pen-

delnde Halbtonschritt h’’’-ais’’’ in der Violine von T. 17 ist Teil des Rückbaus der Ostinato-

fläche: in T. 8–10 war sie von dem Pendel g’’-as’’ eingeleitet worden.

Noch interessanter ist die Engführung des aus der Begleitung der Violine von T. 1ff. stam-

menden bogenförmigen Motivs, das in der Geige von T. 17.3 anläuft (h’’’-ais’’’-d’’’’-cis’’’’-

g’’’-ges’’’). Es wird in T. 17.4 vom Klavier imitiert und in der Violine in 18.4 erneut aufge-

nommen. Aus einem Liegeton heraus wird hier über einen Halbtonschritt abwärts ein grö-

442 Vgl. Jarnachs Aufsatz zu Bartók aus dem Jahr 1953 (JS, S. 119–121).

278

ßerer Sprung unternommen, um gleich darauf wieder in eine dreitönige Abwärtsbewegung

zu gehen. Charakteristisch ist auch der Rhythmus aus Achteln und zwei Sechzehnteln.

Das bogenförmige Motiv findet sich, auf seine Abwärtsbewegung reduziert, auch noch in

T. 22.4 (Bassstimme), 25.1 und 34 (letzter Einsatz diastematisch verzerrt; jeweils Ober-

stimme Klavier). Bereits in seinen drei ersten Fassungen zeigt sich ein fester Umriss bei

unterschiedlicher Diastematik im Detail. Ab T. 17ff. (Imitation zwischen Violine und Kla-

vier) wird die Artikulation zunehmend verschliffen, in den späteren Varianten verzichtet

Jarnach auf weitere Merkmale wie den vorderen, durch die Überbindung gekennzeichneten

Motivteil, den korrekten Rhythmus oder den Verbleib in einer Lage.

Wollte man die Formteile des symmetrisch gebauten Hauptteils dieser Rhapsodie von au-

ßen nach innen benennen, dann kämen an erster Stelle das den Abschnitt rahmende Thema,

gefolgt vom rhythmischen Motiv (T. 8f. und 21f.) und den mit der Halbton-Wechselnote

operierenden Abschnitten (T. 9ff., 17ff.). Im Zentrum des ersten großen Formteils stehen

die Ostinato-Fläche und das darin aufgehobene thematische Gebilde von T. 13f. sowie die

Engführung des bogenförmigen Motivs, die als kleine Durchführung interpretiert werden

könnte. Während der zwiebelschalige formale Aufbau und Einzelheiten wie die Osti-

natoflächen auf Bartók verweisen, ist die kleine Engführung des Umspielungsmotivs in

T. 27.4–28.3 in den Oberstimmen ein Verweis auf Jarnachs erste Rhapsodie op. 20.

Der in T. 29 beginnende zweite und letzte Abschnitt (T. 29–37) der Rhapsodie ist mit

„Sehr ruhig“ überschrieben und als Coda angelegt. In Hinblick auf ihre motivische Aus-

stattung zeigt die Coda in T. 31 eine bemerkenswerte Reprise der Sechzehntel-Parallelbe-

wegung aus T. 12ff. Sie ist nun nicht mehr auf beide Instrumente verteilt, sondern wird von

der rechten Hand des Klaviers allein gespielt. Des Weiteren ist der kaskadierte Halbton-

schritt in T. 30 (Oberstimme Klavier) wie auch die kleine Sekunde e’’-f’’ in der Violine von

T. 31 sowie die in der Folge entstehende kleine None e’’-f’’’ in T. 33.3 als ein Nachhall der

Pendelbewegung aus T. 8f. oder 17f. begreifbar.

Neu ist ein dreitöniges Motiv aus steigender Sekunde und fallender Terz, das gleich zu Be-

ginn der Coda enggeführt wird (T. 29.1: Bass; T. 29.1-2 Oberstimme des Klaviers). Mögli-

cherweise ist es eine verkürzte Ableitung des Umspielungsmotivs.

Die Takte 32–36 der zweiten Rhapsodie weisen eine ostinate, weitgriffige Sechzehntelbe-

wegung in der linken Hand auf, die orgelpunktartig die Zieltonart b-Moll vorwegnimmt

und als Derivat der sprunghaften Sechzehntelbewegung von T. 15ff. gelten könnte. In der

rechten Hand des Klaviers dominieren in der Coda Abwärtsbewegungen, in T. 34.2 ist dort

mit etwas Phantasie noch das aus T. 1 (Violine) stammende bogenförmige Motiv zu entzif-

fern. Das materielle Verhältnis der Coda zum Hauptabschnitt ist damit weder zwingend eng

noch völlig indifferent.

So eindeutig Anfang und Ende der zweiten Rhapsodie op. 20 in b-Moll stehen, so wenig

tonale Strecken finden sich in der Harmonik des Stücks. Wie schon in der ersten Rhapso-

die komponiert Jarnach in einem harmonisch neuen, vergleichsweise dissonanten Idiom,

dessen Klänge nur mehr vereinzelt auf Terzschichtungen beruhen. Die auch hier zahlreich

auftretenden Sekundreibungen werden aufgrund einer überwiegend linearen Anlage klang-

lich nicht so stark manifest wie in der ersten Rhapsodie aus Jarnachs op. 20.

Echte harmonische Profile sind sehr selten in der zweiten Rhapsodie, wiewohl gleich der

erste Takt entgegengesetzte Erwartungen weckt. Aus seinen vier Zählzeiten mit b, Q3c,

279

Q3es und es lässt sich eine Art Kadenz ablesen, die auf klanglich stringente Weise wieder

in das b-Moll von T. 2 einläuft. Verstärkend wirkt gleichzeitig die deutlich in b-Moll an-

gesiedelte Melodik der Hauptstimme (Klavier, rechte Hand). Eine ähnliche harmonische

Griffigkeit findet sich nur in T. 23f. wieder, bezeichnenderweise also in der um einen Halb-

ton nach oben transponierten Wiederholung des Themas. Weite Strecken dieser Kompositi-

on aber sind in harmonischer Hinsicht außerordentlich indifferent, so etwa die Takte 7–12

oder 15–20.

Ein harmonischer Leckerbissen ist der polytonal schimmernde Takt 21 (siehe oben). Eher

zufällig wirken im Vergleich damit ein cis-Moll-Akkord in T. 6.2 (linke Hand Klavier), der

sich in T. 26.2-3 ergebende E7>10> oder die beiden verschleiernd notierten Dreiklänge Des-

Dur und G7> in T. 30.4+5.

Insgesamt überwiegen also dissonante Klänge, und oft wirken die harmonischen Reibun-

gen wie gesucht, so etwa in den strukturell identischen Klängen von T. 5.4 und 6.4. Dis-

sonant sind auch die wie improvisiert scheinenden gebrochenen Klänge im Klavier von

T. 14ff. (rechte Hand) und 17ff. (linke Hand). Wo (wie in T. 17 mit einem f6) eine Drei-

klangsassoziation erscheint, wird sie zügig mit völlig harmoniefremden Tönen in eine Dis-

sonanz umgewandelt.

Satztechnisch hat Jarnach gegenüber der ersten Rhapsodie op. 20 etwas ‚abgerüstet‘.

Passend zum leichteren Charakter der zweiten Rhapsodie ist der Klaviersatz weniger aus-

greifend, es gibt kaum stärkere Brüche, und die Anlage ist viel pianistischer. Violine und

Klavier treten stärker in Interaktion als in der ersten Rhapsodie, sei es in Form eines expli-

ziten Kontrapunkts (T. 1ff.), als enge Stimmverzahnung (T. 12ff.), in konkreter Imitation

(T. 17f.) oder in einem klassischen Melodie-plus-Begleitung-Muster (T. 23ff., 32ff.).

Bedeutend ruhiger und gleichmäßiger gegenüber der ersten Rhapsodie ist auch die Rhyth-

mik ausgefallen. Schnelle Punktierungen und Zweiunddreißgstel-Arpeggien fehlen hier,

beibehalten ist aber die Komplementärrhythmik, die für eine durchgängig dichte Impulsfol-

ge verantwortlich zeichnet. Das Metrum hat seine regulierende Funktion wiedergewonnen.

VIII.3.1 Zusammenfassung op. 20 Nr. 2

Schlicht ist die zweiteilige Formung der zweiten Rhapsodie aus einem symmetrisch ange-

legten Hauptteil und einer Coda. Es liegt ein für Jarnachs Verhältnisse breiter Themenent-

wurf im Entwicklungstyp mit klassischer Motivabspaltung vor. Seine beinahe unveränderte

Wiederholung am Ende des Hauptteils ist für Jarnachs Musik dieser Jahre ungewöhnlich.

Das Themenprofil selbst ist melodisch, harmonisch und rhythmisch leicht fassbar.

Als originelle formale Lösung kann gelten, dass dem Thema in der Violine ein sehr

selbstbewusster Kontrapunkt beigefügt ist, dessen bogenförmiges Motiv in der Mitte des

Hauptteils Gegenstand einer vage durchführungsartigen Engführung ist. Diese simultane

Exposition zweier produktiver musikalischer Gestalten zu Beginn einer Komposition (hier:

Thema und sein Kontrapunkt) erinnert an ähnliche Verfahrensweisen in Ballabile und Sa-

rabande op. 17. In einigen Gesichtspunkten ist die zweite der drei Rhapsodien op. 20 ein

Gegenentwurf zur ersten: Sie präsentiert sich in ihrer schlanken Faktur stilistisch schlichter

(das gilt besonders für die Klavierstimme) und ist durch einen in seinen Hierarchien gut

nachvollziehbaren Satz zugänglicher. Die Harmonik wirkt weniger herb, operiert aber tat-

sächlich mit vielen gezielten Sekundreibungen – Mischklänge dagegen sind sehr selten.

280

Wie die erste Rhapsodie in ihrer Art der Materialevolution an Bartók erinnert, so teilt auch

das zweite Stück aus Jarnachs op. 20 Merkmale mit Bartóks Musik: Zu nennen sind Osti-

nati, Mixturketten und der symmetrisch-‚zwiebelschalige‘ Aufbau des ersten Formteils.

In der zu Beginn der zweiten Rhapsodie zu beobachtenden, kontrapunktisch überaus ele-

ganten Zweistimmigkeit wird die Forderung Busonis nach dem „Wiederergreifen der Me-

lodie [...] als Trägerin der Idee und Erzeugerin der Harmonie, kurz: der höchst entwickelten

(nicht kompliziertesten) Polyphonie“443 schöne Wirklichkeit.

VIII.4 Analyse Rhapsodie Nr. 3: Con moto misurato

Länge 102 Takte; Tempoangabe Achtel = 126; dominierendes Metrum 6/8; keine Vorzeichnung, Rahmenton-

art h-Moll.

Die dritte Rhapsodie ist mit 102 Takten auf acht Druckseiten die weitaus längste Kompo-

sition aus op. 20. Jarnach hat auch hier durch Doppelstriche auf eine mögliche Abschnitts-

gliederung hingewiesen. Mit den Doppelstrichen fallen jedes Mal auch Tempoänderungen

an. Die Abschnitte (samt Tempoangaben in Achteln) sind folgendermaßen aufgestellt:

Abschnitt 1 2 3 4 5 6

Takt 1 26 40 49 89 99–104

Tempo 126 144 152-160 152 96-100 116

Wie der Übersicht zu entnehmen ist, steigert sich das Tempo von T. 1 bis 88 sukzessive um

kleine Beträge, um mit T. 89 (dem Repriseneinsatz) noch weit hinter das Ausgangstempo

der Rhapsodie zurückzugehen.

Jarnachs Abschnittsmarkierung führt indes in die Irre: Die sehr freie Reihungsform der

dritten Rhapsodie wird durch einen stark akzentuierten, wiewohl schmalen Rahmen ge-

fasst, der zu Beginn von den Takten 1–12 (also nur der Hälfte des ersten Abschnitts) und

am Ende von den beiden Abschnitten 5 und 6 gebildet wird. Und da bereits ein schneller

Blick genügt, um zu erkennen, wie wenig homogen die übrigen der oben wiedergegebenen

Abschnitte in motivischer Hinsicht sind, sollte der Gliederung durch Doppelstriche nicht

zu viel Bedeutung beigemessen werden.

Die unbestreitbaren Korrespondenzen der beiden Rahmenteile beruhen nicht nur auf einem

ähnlichen Motivvorrat, sondern auch auf ihrer symmetrischen Anordnung. Wie die erste

Rhapsodie besitzt auch die dritte aus op. 20 ein Klaviervorspiel, das allerdings hier ledig-

lich drei Takte umfasst und auch keine Motivexposition darstellt. Das Klavier leitet mit

einer unregelmäßig rhythmisierten Bewegung in Oktavsprüngen ein, deren ‚Pfeilertöne‘

die ersten sechs Stufen der cis-Moll-Tonleiter besetzen.

Die ersten beiden Takte lassen noch das 6/8-Metrum durchscheinen, der Rhythmus von

T. 3 dagegen wirkt in dieser Hinsicht bereits unklar. In der zweiten Hälfte von T. 3 kommt

es zu dissonanten Akkordbildungen, deren Töne überwiegend dem Ganztonfeld auf c ent-

stammen.444 Die sukzessive Aufwärtsbewegung der Pfeilertöne (das h in T. 2.3 zählt nicht

443 WEM, S. 36f.

444 Das ‚F auf der dritten Zählzeit gehört nicht zu diesem Ganztonfeld.

281

dazu) folgt den Stufen der cis-Moll-Skala und kehrt in einer sehr hastigen Bewegung in

Zweiunddreißigstelnoten mit dem a zu Beginn von T. 3 um. Von der sechsten Stufe a geht

es in den tiefen Tönen der linken Hand über g und fis zurück zum f. Interessanterweise

platziert Jarnach die Töne der Abwärtsbewegung nun auf den ‚Off-Beats‘ der jeweiligen

Achtel. Dieses kleine Klaviervorspiel ist keine Einleitung im klassischen Sinn, es ist nicht

einmal ein ‚Motto‘, sondern lediglich als ein Vorhang oder Signal zu verstehen.

Mit dem Einsatz der Violine in T. 4 hat man in metrischer wie harmonischer Hinsicht

zumindest für kurze Zeit wieder festen Boden unter den Füßen. Das nun folgende Violin-

thema ist, was sein Kopfmotiv angeht, ein typischer Jarnach-Einfall. Es dominieren die

kleinen Intervallschritte; häufigen Richtungswechseln wird der Vorzug gegenüber großen

Bögen gegeben:

Es ist wieder eine der bekannten Dreitonfiguren, die das Thema eröffnet – hier bestehend

aus einer kleinen Sekunde aufwärts und einer großen Terz abwärts (h’-c’’-gis’). Komplet-

tiert wird die Themengestalt durch eine Krebsumkehrung derselben Dreitonfigur (gis’-

g’-h’, T. 5), wodurch der Ausgangston wieder erreicht wird. Wie sehr solche kleinschritti-

gen und diastematisch kreisenden Themenumrisse bei Jarnach zum Topos geworden sind,

zeigt der Vergleich mit zwei sehr eng verwandten Themen aus op. 16 und 18:

Op. 16/I, T. 71–74

Op. 18/1, T. 3–6

Nach Erreichen des Ausgangstons h’ in T. 5 folgt in der Geigenstimme eine Abwärtsbe-

wegung, die erst in T. 9 endet. Die dabei überwiegenden Halbtonschritte enden in T. 8 in

einem abwärts gebrochenen a-Moll-Dreiklang, dessen Terz in T. 9.1 in einer letzten Auf-

282

wärtsbewegung zum cis’ wird. Dieses kleine Moll-Dur-Motiv am Ende des Themas findet

sich in den entsprechenden Reprisentakten 98-99 wieder (dort mit g-Moll/G-Dur) und wird

sogar zum Gegenstand der Schlusstakte dieser Rhapsodie. In den Takten 9–12 geht in der

Violine das Spiel mit Terzen noch etwas weiter, allerdings ist die Violinstimme hier dem

Klavier nachgeordnet.

Der begleitende Klaviersatz zum Violinthema (T. 4ff.) ist stampfend, häufig mit Punktie-

rungen versehen und rhythmisch als Derivat des Klaviervorspiels zu begreifen. Der Halte-

ton h’ in der Violine wird in der ersten Hälfte von T. 4 mit einem h-Moll unterlegt: h-Moll

ist die Rahmentonart der dritten Rhapsodie, die schließlich in den alternierenden Akkorden

h-Moll und H-Dur der letzten Takte endet.

Auf das h-Moll in T. 4 folgt – ab jetzt zählen stets alle Töne aus Violin- und Klavierstimme

– in der zweiten Takthälfte ein Akkord, der als ungewöhnlich gestellter Cis9<

7> gelten könn-

te – oder aber als ganztöniges Gebilde. Takt 5 zeigt zum gehaltenen gis’ der Violine alter-

nierend F7>10> sowie einen ganztönigen Klang, der erste Akkord in T. 6 kehrt noch einmal

zu h-Moll zurück. Die nächsten Akkorde in T. 6 sind Cis4<

7>, cis4<

7> und ein sehr umständ-

lich notierter F7>10> (inklusive des gis’ in der Geige), mithin charakteristische Mischklänge;

Takt 7 bietet h6<, Fis6>, es6<, [h7>9<] und a6<, im kurzen T. 8 klingt ein Es7>10>, der strukturell

eine exakte Transposition des F7>10> aus T. 5.1 ist.445

Letztgenannter Akkordtyp, der als kleiner Dur-Septakkord mit zusätzlicher Mollterz be-

schrieben werden könnte (in den Fassungen von T. 5.1 und 8.1 liegt diese Interpretation

sehr nahe, in T. 6.7 aufgrund der Akkordstruktur weniger), ist im Jazz ziemlich geläufig, in

der neuen Musik eher weniger. Beziehungen zur Jazzmusik sind in Jarnachs Kompositio-

nen generell nicht nachweisbar, und auch hier scheint eine solche Assoziation kaum inten-

diert gewesen zu sein. Ein weiterer Klang ist aufgrund seiner Stellung recht auffällig – es

ist der Mischklang Cis4<

7> beziehungsweise cis4<

7> in T. 6.3+5. Sowohl die Tonalität Cis als

auch die Dreilänge mit hinzugefügter hochalterierter Quarte – der nächste erscheint bereits

in T. 10 in Form eines g4<.446

In den Takten 9 bis 12 findet im Klavier eine Rückkehr zur Bewegungsform der Einleitung

statt. Zwei verschieden punktierte Dreiachtelgruppen stellen gegenüber T. 1–3 eine Ver-

einfachung dar, Gleiches gilt auch für die Diastematik, die fast ausschließlich auf den Ton

cis aufbaut. Seine ungefähr symmetrische Anlage, in der das eigentliche Violinthema in die

Mitte genommen ist, sorgt für feste Geschlossenheit, und die Reprise ab T. 89 lässt diese

Struktur auch weitgehend unangetastet. Geige und Klavier gehen hier wie dort ein klassi-

sches Melodie-plus-Begleitung-Verhältnis ein.

Dem Rahmen der dritten Rhapsodie die Etiketten ‚Exposition‘ und ‚Reprise‘ anzuheften

wäre falsch: Keinesfalls ist mit den ersten zwölf Takten die Materialexposition abgeschlos-

sen. In T. 13 setzt nämlich ein neues thematisches Gebilde ein, dessen frischere Gangart

nicht so sehr dem minimal schnelleren Tempo geschuldet ist als einer rhythmisch klein-

teiligeren und diastematisch flexibleren Melodieführung. Das thematische Gebilde tritt im

Diskant des hier auf drei Systemen notierten Klaviers auf:

445 An dieser Stelle sei erinnert, dass die Akkordtypen an der Notierung Jarnachs kaum abzulesen sind. Auch sorgt die

Akkordstruktur mitunter für einen dissonanten Klangeindruck.

446 Weitere Mischklänge dieses Typs erklingen in T. 31.2, 36.1, 36.2, 54.1 und 93.4.

283

Dieses lebhafte Thema447 besitzt ein Kopfmotiv aus Halbtonschritt aufwärts, großer Terz

abwärts und einem weiteren Halbtonschritt abwärts – eine Intervallstruktur also, welche

mit derjenigen des ersten Themas aus T. 4f. identisch ist. Hauptmerkmale des lebhaften

Themas sind desweiteren der auftaktige Beginn, die kleinen Notenwerte samt einigen

Punktierungen sowie eine von vielen Richtungswechseln geprägte Diastematik. Dass das

Thema selbst zweiteilig (3+3 Achtel) ist, ergibt sich aus der späteren Weiterverarbeitung:

In T. 14.1, 14.4 (es sind dies diastematische Fortspinnungen der zweiten Themenhälfte)

und 22.4 erklingt jeweils nur die zweite Themenhälfte. Besonders das zweite Themenmotiv

aus zwei Sechzehntelpunktierungen und vier anschließenden Zweiunddreißigsteln erweist

sich als besonders stabil. Die Tonfolge des Themenkopfes aus T. 13 (cis’’’-d’’’-b’’-a’’[-g’’])

gibt sich zweifelsfrei als Ableitung des Hauptthemas aus T. 4f. zu erkennen. Die großen

Terzen der zweiten Themenhälfte könnten ebenfalls aus dem Hauptthema stammen. Die

gelöste, vielleicht sogar jokose Stimmung des lebhaften Themas ist mit dem Zwischen-

spiel-Thema aus dem Wunden Ritter op. 15 verwandt und zeigt auch rhythmische sowie

melodische Ähnlichkeiten.448

In zunächst kontrastierender Weise unbeweglich gibt sich die Begleitung des lebhaften

Themas – im Klavier ist ein Quint-Quart-Liegeklang cis-gis zu hören. In der zweiten Hälf-

te von T. 14 erklingt im Klavier der zweite Teil des lebhaften Themas mit deutlich gegen-

über T. 13 veränderter Diastematik. Dieselbe Varianz betrifft auch jene zweite Motivhälfte,

die in der Violine bereits einen halben Takt früher einsetzt. Die Geigenstimme hatte sich

aus einem viermal repetierten cis’’ in T. 13 gelöst. Der Phrasenabschluss der Geige (T. 15)

besteht wiederum in jener aus Halbtonschritt und großer Terz bestehenden Dreitonfigur aus

dem Kopf des Hauptthemas. Als Nachzügler beendet eine Zweiunddreißigstelgruppe im

Bass des Klaviers (T. 15) diesen dreitaktigen Motivkomplex, der (im Gegensatz zum Vio-

linthema) keine prinzipielle Trennung von Violin- und Klavierpart vornimmt.

Für die These, dass Jarnach hiermit einen Gegenentwurf zum Hauptthema konzipiert hat,

spräche die in satztechnischer und rhythmischer Hinsicht kontrastierende Anlage des leb-

haften Themas; der flüchtig-knappe Umriss sowie die strukturell nicht gleichwertige Posi-

tion des lebhaften Themas (es ist an der formalen Rahmenbildung nicht beteiligt, da es in

der Reprise gänzlich fehlt) seien der generell schwachen Ausprägung Jarnachscher Themen

zugeschrieben. Immerhin gilt es zu konstatieren, dass Hauptthema und lebhaftes Thema als

einzige musikalische Protagonisten dieser Rhapsodie wiederholt werden.

Der nun folgende Abschnitt (T. 16–22) könnte als eine Art Durchführung von Thema und

Gegenentwurf angesehen werden. Den Anfang macht in T. 16ff. das Violinthema in einer

447 Der Begriff des „lebhaften Themas“ dient der Orientierung im Text. Das aus zwei Motiven bestehende Thema ist

sehr kurz und zu wenig stark gegenüber seiner Umgebung abgegrenzt – die Entscheidung, es dennoch mit dem Titel des

‚Themas‘ zu versehen, beruht nicht auf seiner Morphologie sondern vielmehr auf seiner Funktion als Gegenentwurf zum

Hauptthema aus T. 4ff.

448 Vgl. dort T. 11ff., 21f. und 25ff.

284

kondensierten Form: Erkennbar ist lediglich der sich aus einem Liegeton herausbewegende

Halbtonschritt h-c’-h und seine rhythmisch gestauchte Sequenz gis-a-gis im Folgetakt 17.

Wie um das Dreitonmotiv des Themenkopfes nachzureichen, erscheint es zu Beginn von

T. 18 in der Krebsform dis’-g’-fis (Violine). Nahtlos schließt sich in T. 18.4 das lebhafte

Thema an, diesmal in einer vollständigen Version. Während der erste Motivteil aber dem

aus T. 13 bekannten Umriss entspricht, liegt der zweite Motivteil (T. 19) in einer nach oben

strebenden Variante vor, die zwar kein Vorbild hat, aber sehr bald Nachahmung findet (sie-

he T. 22, Oberstimme Klavier).

Auch im weiteren Verlauf setzt die Violine die thematischen Akzente: In T. 20 findet sich

eine Variante des Violinthemas ein, die innerhalb des Themenkopfes in Umkehrung der

Originalgestalt verläuft (gis’’-g’’-h’’-c’’’-as’’), dann aber eine dem Vorbild vergleichbare449

Abwärtsbewegung in kleinen Intervallschritten vollzieht, die wiederum in einer Drei-

klangsbrechung abwärts endet (T. 22, vergleiche T. 6–8 und 98).

Währenddessen zeigt die Klavierstimme eine bemerkenswerte Vielfalt nicht nur an Be-

gleitformen, sondern auch an hervortretenden Motiven. In T. 16–17.2 steht dabei die

Sechzehntelpunktierung im Vordergrund, mit T. 17.3 aber hebt ein doppelt oktavierter Be-

wegungszug an, dessen Verlauf von Tonrepetition, einem Wendemanöver (T. 18.1-3) und

einer sich anschließenden Abwärtsbewegung gekennzeichnet ist. In seiner unvermittelten

Schlichtheit wie gestischen Prägnanz lässt dieses Motiv aufhorchen – ein Wiederhören gibt

es allerdings nicht.

Die Takte 20 und 21 zeigen im Klavier aufsteigende Akkordkaskaden, welche die Sech-

zehntelpunktierung weiterführen und ausbauen. Zu Beginn von T. 20 erklingt (zusammen

mit dem Geigenton gis’’) ein eis-Moll-Akkord, in T. 20.3 und 21.3 jeweils verminderte

Septakkorde mit einem zusätzlich dissonierenden Ton. Die in T. 21.1+2 (Klavier) aufge-

stellte Kombination von einem d-Moll-Dreiklang (linke Hand) und einem bitonal flackern-

den As-Dur/as-Moll-Klang in der rechten Hand ist ein untransponiertes und lagenrichtiges

Zitat des schillernden Mischklangs aus T. 21 (sic!) der zweiten Rhapsodie op. 20.

Eine erneute Aufnahme des zweiten Teils des lebhaften Themas (T. 22), diesmal sogar in

einer Engführung zwischen linker und rechter Hand der Klavierstimme, beschließt jenen

Abschnitt der ‚Durchführung‘, in dem Violinthema und lebhaftes Thema einander gegen-

übergestellt werden. In den Takten 23 bis 25 wird das rhythmische Material des lebhaften

Themas aufgespalten und vor allem die Sechzehntelpunktierung isoliert. Jarnach nimmt

hier eine schrittweise Modifikation des Materials vor, um es dem nächsten Abschnitt zuzu-

führen.

Dieser neue Abschnitt umfasst die Takte 26 bis 39; seine Grenzen wurden von Jarnach

durch Doppelstriche markiert, allerdings sind die materiellen Differenzen zu den benach-

barten Formteilen so gravierend, dass es dieses Hinweises kaum bedürfte. Als völlig neu

muss der marschartige Duktus bewertet werden, der im Klavier von T. 26 (rechte Hand)

auftritt, und dessen rhythmische Struktur nun taktweise wiederholt wird:

449 Als ‚Störung‘ der ansonsten geradlinigen Abwärtsbewegung fungiert in T. 21.5 eine schnelle Variante der Dreitonfi-

gur (e’’-g’’-dis’’).

285

Bereits in der pendelnden Wechselnote, bestimmt aber in den rhythmisch alternierenden

Akkorden von T. 27 zeigt sich deutlich eine Nähe zum ‚rhythmischen Motiv‘ aus der

zweiten Rhapsodie op. 20 (dort T. 8 und 21). Der Rhythmus einer jeweiligen Taktzelle ist

im vorliegenden Fall symmetrisch dreiteilig450. Jarnach hält in dieser Passage an dem bis-

her dominierenden 6/8-Metrum fest, obgleich das hier präsentierte rhythmische Ostinato

klanglich eher einem 3/4 zuneigt. Besonders deutlich wird die Spannung zwischen notier-

tem und ‚intendiertem‘ Metrum in T. 29, wenn die (neu hinzugetretene) Geigenstimme und

die linke Hand des Klaviers auf den Hauptzählzeiten eines gedachten 3/4-Metrums weite

Lagen spielen, die in der Violine auch noch akzentuiert werden. Die Verzahnung von Vio-

lin- und Klavierpart ist hier perfekt.

Vier Takte lang agiert die marschartige Bewegung ungestört, sie kann sogar wie ein Bolero

an Dynamik und Tonumfang gewinnen. Mit T. 30 bringt ein 3/8-Metrum eine Unregelmä-

ßigkeit ins Spiel, im Folgetakt 31 vermag allein die Violine den ursprünglichen Rhythmus

aufrechtzuerhalten. Ein erneut eingeschobener 3/8-Takt (T. 32) bringt den Marsch ganz

außer Fassung.451 In den folgenden Takten 33–36 ist das vormals kompakte Satzgefüge auf-

gerissen: Die Violine hat große Intervallsprünge zu bewältigen und zitiert nur gelegentlich

den punktierten Rhythmus; in der Klavierstimme (hier wieder auf drei Systemen notiert)

finden sich die Akkorde weit gestreut. Immerhin klärt sich die zuvor amorph-dissonante

Harmonik zu teils deutlich bitonalen Komplexen (T. 33.1: Cis; 33.2: B; 33.3: cis7>; 34.1:

verm.; 34.2: A7>9>; 35.1-3: cis4<+b; 36.1: b+cis; 36.3+4: cis-g). Die fanfarenartigen Figuren

in der Violinstimme (jeweils in den Taktanfängen) zitieren ausschließlich die Töne von b-

Moll.

Wie in so vielen Formteilen Jarnachs zerfasert auch hier die in sich schlüssige motivische

Substanz recht bald nach ihrer Formulierung. Dabei ist nicht ausgeschlossen, dass die

(hier: rhythmische) Liquidierung in Form einer großen Steigerung verläuft. Das geschieht

hier in ähnlicher Weise wie in der ersten Rhapsodie op. 20 (vgl. dort T. 43). Als ein neuer

Zug in Jarnachs Kompositionsweise ist aber anzusehen, dass kurz vor dem Ende eines Ab-

schnitts gleichsam ein materieller Ausblick auf den kommenden gegeben wird. Im Fall der

vorliegenden Passage geschieht das in T. 38f., wenn die noch von der rhythmischen Erre-

gung der vergangenen Takte gekennzeichnete Repetitionsfigur als eine Anhäufung kleiner

Sekunden gestaltet ist.452

450 Dies gilt für die rechte Hand der Klavierstimme. Es liegt kein exaktes rhythmisches Palindrom vor, sondern eine

Symmetrie der drei durch Achtelbalken markierten Akkordgrüppchen. In der linken Hand liegt eine etwas exzentrisch

liegende rhythmische Symmetrie vor.

451 Das Metrum schwankt ab T. 33 zwischen 5/8, 7/8, 6/8 und 4/8.

452 Die Tonqualitäten h, c und des sind auf zwei verschiedene Lagen verteilt.

286

Wie der eben beschriebene, so ist auch der folgende Abschnitt (T. 40–48) ein materiell

abgeschottetes Terrain. Sein Hauptmerkmal sind die flirrenden, ausnotierten Halbtontriller

der Geige, die ständig ihre Lage wechseln und die im Klavier zunächst von einem tiefen,

doppelt oktavierten A (von der Subkontralage bis zur großen Lage) grundiert werden. Die

Ähnlichkeit dieser Passage mit den Takten 83–93 aus Teil 1 des Streichquartetts op. 16 ist

frappierend (man beachte auch die Identität der Tempi) und ein weiterer Beweis dafür, dass

Jarnach gerne für gut befundene Satzmodelle wiederaufnimmt:

Anders als im Streichquartett beleben sich die Begleitstimmen in der dritten Rhapsodie

op. 20 sehr bald: Die Diastematik der mit T. 41 im Klavier anlaufenden Aufwärtsbewegun-

gen ist allerdings ohne Vorbild. Eine auch in der Dynamik angelegte Steigerung führt ab

T. 45 zu einem ‚Kollaps‘ des bis dahin streng einheitlichen Klaviersatzes.453 Violine und

Klavier spielen in diesem Abschnitt übrigens in weitgehend getrennten Sphären.

In der Violine verdichtet sich die Melodik in T. 45ff. zu einer recht tonalen Anlage: Jeweils

in den ersten Hälften der Takte 45 und 46 kommt die f-Moll-Skala, in den zweiten Takt-

hälften die (dazu dominantisch stehende) C-Dur-Skala zur Anwendung. Eine Abstimmung

auf die Harmonik der Klavierstimme erfolgt dabei nicht. Auf ein as-Moll in T. 45.4 fol-

453 Vgl. T. 33 dieser Rhapsodie.

287

gen im Klavier mixturartig verschobene Mischlänge in T. 46 und, besonders ausgiebig, in

T. 47. In T. 46 finden sich drei Versionen eines Mollakkords mit zusätzlicher hochalterier-

ter Quarte und großer Sexte; die Takte 47f. präsentieren eine mit einem kräftigen Crescen-

do versehene, letzte chromatische Aufwärtsverschiebung von Mischklängen, die mit einem

h7>4< beginnt und mit einem g7>4< endet. Die Aufwärtsbewegung kulminiert in einem von

Geige und Klavier gemeinsam vorgetragenen Quint-Quart-Klang (T. 48.4-5). Ein Endpunkt

mag das sein, ein wirklicher Zielpunkt ist es nicht. Diese Apotheose gilt einem einzigen

Akkordtyp, dem dissonanten Mischklang mit hochalterierter Quarte.

Der größte Abschnitt dieser Rhapsodie umfasst die Takte 49–88. Mit dem Einsatz des leb-

haften Themas in T. 49 wird die zuletzt hitzig gesteigerte Musik ziemlich abrupt wieder in

leichtere Gefilde dirigiert. Die hier präsentierte Fassung des lebhaften Themas in der Ober-

stimme des Klaviers ähnelt seinem ersten Auftritt (T. 13) sehr weitgehend – das betrifft

auch die Klavierbegleitung. Von einer motivischen Engführung sieht Jarnach in T. 49ff. al-

lerdings ab, stattdessen erscheint direkt nach Abschluss des Motivs in T. 50.1 das Dreiton-

motiv im Klavier, gefolgt vom Einsatz des Violinthemas auf der dritten Achtel. Das Violin-

thema startet mit den Tönen seiner Urfassung, mit Ton fünf (hier b’ statt h’) wird eine suk-

zessive Abwärtsbewegung eingeleitet, die bis zum c’ in T. 53 führt. Noch in T. 50.3-6 ist im

Klavier ein Einsatz des lebhaften Themas zu hören, dessen Diastematik einen zunehmend

weiter ausschlagenden Zickzackkurs beschreibt. Diese im Umriss einer Allintervallreihe

ähnelnde Figur (vgl. die Geigenstimme von T. 54f.) wird in der Oberstimme von T. 51 und

52 variiert und in einen geraden Sechzehntelrhythmus überführt.

In T. 53 wird ein neues Klangfeld eröffnet: In der dreigestrichenen Lage des Klaviers eta-

bliert sich ein Ostinato, das zunächst aus einem Quart-Quint-Klang besteht und auch später

nicht mehr als zwei Tonqualitäten enthält. Während der dreitaktigen, durch nichts vorberei-

teten Episode beschreibt die linke Hand im Klavier große, bogenförmige Gesten. Diejenige

in T. 53 bringt wiederum Quart- und Quintklänge ins Spiel. Ein hier einmal vorgenom-

mener harmonischer Kurzschluss von Ostinato und Basstönen im Klavier bringt eine von

Dreiklängen dominierte Harmonik zutage – T. 53: Des7<; T. 54.1: F3; und T. 54.4: fis3. Mit

dem F-Dur-Rahmen kontrastiert der gebrochene es-Moll-Dreiklang der ‚Mittelstimme‘ in

T. 54.

Waren früher solche Episoden oder ‚Klangstellen‘ eher singuläre Beispiele eines Heraus-

tretens aus einer vorherrschenden Satzcharakteristik, kann in dieser dritten Rhapsodie op.

20 von einem ‚Grundcharakter‘ nicht mehr gesprochen werden. Die kurzen, vor allem das

Material umformenden Überleitungen ändern am episodischen Charakter der Abschnitte

nichts.

Als Beispiel dafür mag ein neues Motiv dienen, das vom Klavier in T. 56 vorgestellt wird.

In der Wirkung eine spontane Bildung, sind die drei wichtigsten Parameter Diastematik,

Rhythmus und Harmonik durchaus nicht unvermittelt:

288

Im Kern eintaktig (Vgl. die Violinstimme in T. 58, 59, 60, 64, 65), wird das Motiv in der

Klavierstimme von T. 56f. nach unten oktaviert ‚abgetreppt‘. Die Wechselnoten der Ober-

stimme könnten dabei vom ‚Bolero-Abschnitt‘ (T. 26ff.) abgeleitet sein, der Rhythmus

wird in Fortführung der vorangegangenen Takte von Sechzehnteln dominiert, und die

Quart- und Quintschichtungen ergeben sich aus T. 53ff. Dieses minimalistisch ausgestat-

tete Motiv bringt es auf eine vergleichsweise große Verbreitung. Schon die vier folgenden

Takte enthalten jeweils einen Durchlauf des Wechselnotenmotivs in Geige oder Klavier.

In T. 56 und 57 findet es sich auf g beginnend und mit dem Ambitus einer Durterz (f-a)

ausgestattet. Eine Mollterz (fis-a) ist es in der Version der Geige in T. 58, in T. 59 und 60

aber gibt es wieder einen Tonumfang einer großen Terz. Jarnach variiert in diesen fünf

Fassungen des Wechselnotenmotivs vor allem die Satzstruktur. Kompakt und quartenlastig

(ein Q5a in T. 56.3) sind T. 56, 57 und 58; in T. 57 wandert das Motiv schrittweise abwärts;

T. 58 zeigt eine aufgebrochene Begleitstruktur im Klavier, die einige Durchgangs-Drei-

klänge produziert.454 Die Motivapotheose fällt in diesem Fall sehr viel bescheidener aus als

etwa in T. 47-48, kann aber ebenfalls eine kleine Aufwärtsbewegung im Fortissimo vorwei-

sen (T. 60) und einen sie einleitenden, parallel verschobenen Quint-Quart-Klang (T. 59.6

– eine unmissverständliche Wiederholung der heftigen Interpunktion von T. 48).

Analog zu T. 48 folgt auch auf T. 60 eine Ablösung durch das lebhafte Thema; in der Kla-

vierbegleitung gibt es wiederum eine Haltenote, die im oberen System der Klavierstimme

befindlichen Noten zeigen wenig Ähnlichkeiten zu den Vorgängerversionen (T. 13 und

49), bilden dafür aber eine chromatische Totale. Eine solche bildet auch die in der Violine

liegende Melodiestimme des lebhaften Themas – und das zum ersten Mal. Das klangliche

Ergebnis des solcherart ausgestatteten Taktes 61 ist stark dissonant. Die schnelle und mit

großen Intervallen operierende Klavierstimme setzt sich noch in die Takte 62/63 fort und

diffundiert auch in die Violine von T. 63. Wie in T. 13ff., so bringt auch hier das lebhafte

Thema eine stark kontrapunktische gegenseitige Bezugnahme von Geige und Klavier mit

sich.

Motivisch relevant ist nur eine der in diesen Takten vorliegenden Tonfolgen. Es sind die

acht Töne der Violinstimme von T. 62. So unscheinbar das diatonische Gebilde ist: Sein

diastematischer Umriss wird unter Beibehaltung des Rhythmus‘ in T. 70.4–71.3 wieder

aufgenommen. Diese Wiederholung geschieht ohne erkennbare Motivation.

In T. 64 erlebt das Wechselnotenmotiv eine enggeführte Reprise. Erst in der Geige ange-

454 T. 58, 3. Sechzehntel: As; 58.3: A6<; 58.4: D7>; 58.5: as4<7>.

289

siedelt, einen halben Takt später vom Klavier imitiert, gibt es in T. 65 der Violine eine zwi-

schen zwei Oktavlagen hin- und her springende Variante zu hören. Der Klaviersatz dieser

Takte ist wieder ganz von den Intervallen Quinte und Quarte beherrscht, es gibt jetzt sogar

parallel geführte Quarten (vgl. T. 60). In T. 66, mithin nach dem Ende des Wechselnoten-

motivs, verselbständigt sich die Klavierbegleitung und wird ausgreifender. Takt 67 und 68

zeigen einige motivisch unverbindlichere Figuren, die umso nachdrücklicher vorgetragen

werden (Sforzati im Fortissimo-Umfeld).

Mit T. 69 beginnt ein für Jarnach typischer Stretta-Abschnitt mit Sechzehnteltriolen und

zwei ostinaten Schichten im Klavier. Die einzige materielle Verbindung zu bisher Gehör-

tem besteht meines Erachtens in den eingestreuten Dreitonmotiven in der Triolenbewe-

gung des Klaviers. Die hier anzutreffende Verbindung von großer Terz und Halbtonschritt

stammt aus Hauptthema und lebhaftem Thema (nur dass dort immer ein Richtungswechsel

stattfindet). Die inzwischen bekannte Steigerungslogik führt die Triolenfigur sukzessive in

höhere Lagen und gipfelt in der rechten Hand der Klavierstimme in einem oszillierenden

Klangwechsel (T. 73.8), der von einer Aufwärtsbewegung in der linken Hand unterlegt ist.

Die Violine mündet bereits in T. 73.5 in eine akkordische Pendelbewegung ein, die in sich

dissonant ist und auch zum Klavier in harmonischer Spannung steht.

Anders als in den vorigen vergleichbaren Stellen folgt die Entspannung in T. 75 nicht in

Form des lebhaften Themas. Im Subito-Piano und an der Grenze zur viergestrichenen Ok-

tave lässt die Violine eine thematisch anmutende Melodie hören, deren zahlreiche Rich-

tungswechsel aber ebenso wenig profilbildend sind wie die redundanten Rhythmusformeln

aus punktierter Achtel und drei Sechzehnteln. Es ist dies eine neue Motivkette in Themen-

länge, ohne Vorbild und ohne Konsequenzen; interessanter als die vordergründig führende

Violinstimme ist der Klaviersatz mit seiner Reihung von Quartenakkorden. Stefan Weiss

hat auf Symmetrien hingewiesen, mit denen die einzelnen Quartenakkorde korrespondie-

ren.455

Die von Weiss erwähnte Episodenhaftigkeit solcher technischer Experimente bei Jarnach

konnte schon an den beiden ersten Rhapsodien op. 20 beobachtet werden. Es scheint, als

habe Jarnach einem (in den zwanziger Jahren zweifellos herrschenden) kompositionstech-

nischen Innovationsdruck entgegentreten wollen, ohne dabei gleich seine eigene Kompo-

nierweise infrage zu stellen.456

In T. 80 dünnt der Klaviersatz ganz plötzlich aus, und in der linken Hand erscheinen mar-

kante Dreiachtelgruppen, deren große Intervalle weit gespreizte Richtungswechsel be-

schreiben. Ein direktes Vorbild ist nicht nachweisbar, allerdings sind große Intervallsprün-

ge in der Diastematik dieser Rhapsodie häufig anzutreffen. Die Violine steigt bereits ab

T. 77 sukzessive aus der dreigestrichenen Lage herab und landet in T. 83 auf einem ausno-

tierten Halbtontriller auf f’-ges’ im Pianissimo. In T. 84f. schließt die Geige mit einer von

häufigen Richtungswechseln gekennzeichneten Figur abwärts, die von der Bassstimme im

Klavier zu einem Ostinato verdichtet und bis T. 88 weitergeführt wird.

Die Takte 75 bis 88 sind ein weiteres Beispiel für Jarnachs assoziative, selten streng ge-

handhabte Liquidierungstechnik. Was diese 14 Takte verbindet, sind eine sprunghafte Me-

455 Siehe Weiss, S. 256. Ich bin mir nicht ganz sicher, ob die Argumentation des ‚im anderen Akkord Enthaltenseins‘

dem Wesen des Quartenakkords gerecht wird.

456 Man denke in diesem Zusammenhang an Jarnachs späte Versuche mit der Zwölftontechnik (vgl. JD 72, siehe hierzu

Kapitel I.3.6).

290

lodik, die fast ausschließliche Verwendung der Notenwerte Achtel und Sechzehntel und die

gelegentlich eingestreuten Dreitonmotive457. Speziell die Geigenstimme weist eine recht

gut durchgehaltene ‚Gangart‘ auf, ohne dass es in rhythmischer und diastematischer Hin-

sicht allerdings zu bemerkenswerten Konkretionen käme.

Zusammenfassend lässt sich dem größten Abschnitt dieser Rhapsodie (T. 48–88) eine

ziemlich inhomogene Anlage attestieren. Das Fehlen von thematisch-motivischer Arbeit

sowie die Einführung des Wechselnotenmotivs lassen bei aller Vielfalt der Gestalten eine

Interpretation als Durchführung nicht zu. Sehr viel konkretere Ansätze zu einem solchen

Formteil sind im zweiten Abschnitt (T. 13–25) vorhanden.

Die Wiederaufnahme der dreitaktigen Klaviereinleitung (T. 89–91) hat eindeutigen Re-

prisencharakter. Jarnach verdeutlicht dem Hörer diesen Bogenschlag mit einer fortissimo-

Dynamik, der Oktavierung und den gegenüber T. 1ff. noch potenzierten Lagenwechseln.

Zunächst scheint mit dem cis des ersten ‚Pfeilertons‘ sogar dieselbe Skala wie zu Beginn

der Rhapsodie angespielt zu werden; mit dem vierten Ton g (T. 90.4) aber zeichnet sich

eine Ganztonleiter ab, die bis zum a in T. 90.6 geführt wird.458 Der Wendeton – hier ist es

ein ais – versteckt sich im dis-Moll-Akkord von T. 91.1. So wie in der Klaviereinleitung

findet jetzt auch hier eine Abwärtsbewegung statt; sie umfasst die vier Töne gis-g-fis-f (je-

weils die tiefsten Töne im Klavier, oktaviert). Trotz einiger Differenzen im Binnenverlauf

sind Anfangs- und Endtöne beider Bewegungszüge in Klaviereinleitung und Reprise iden-

tisch, allein: T. 91 besitzt auf der letzten Zweiunddreißigstel noch einen akzentuierten, sie-

bentönig-dissonanten Akkord. Anders als in T. 4 lässt sich die Violine im Reprisentakt 92

ein wenig Zeit mit ihrem Einsatz. Das erste der Viertel des Taktes (hier ist es abweichend

vom Hauptmetrum ein 4/4) gehört einem kräftigen d-Moll-Klang in der großen Oktave und

einem rasenden Aufgang in der rechten Hand des Klaviers, dessen Ziel in einem Cis-Dur-

Akkord liegt (T. 92.2). In der Geige führt eine ebenfalls schnelle Aufwärtsbewegung zum

Zielton cis’’’, von wo aus dann das Violinthema beginnt.

Die Transposition um einen Ganzton nach oben ist natürlich nicht die einzige Modifikation

im Violinthema der Reprise. So wird das viertönige Kopfmotiv cis-d-b-a in T. 95 wieder-

holt, bevor auch hier der stufenweise Abgang folgen kann. Diese Abwärtsbewegung ver-

läuft in der Reprise nicht so geradlinig wie am Anfang, da es hier mehrere kleine Störtöne

gibt.459 Rechnet man sie heraus, lässt sich eine ähnlich geschlossene chromatische Linie

lesen wie in T. 6ff. Dass es sich bei der Geigenmelodik in T. 96–99 um eine enge Verwand-

te von T. 6–9 handelt, bezeugt schließlich das Moll-Dur-Motiv in T. 98f., das sich hier le-

diglich um einen Ganzton nach unten transponiert wiederfindet.

Kaum wiederzuerkennen ist der der Violine unterlegte Klavierpart in der Reprise. Seine

Merkmale sind stark angeschlagene Basstöne und -akkorde, schnelle Arpeggien in der

rechten Hand, durch die Lagen fliegende cis-Oktaven (T. 92/93) und, vielleicht als hervor-

stechende Eigenschaft: eine scharf akzentuierte bitonale Spannung zwischen d-Moll und

Cis-Dur, in der gleichzeitig die Kategorie des Mischklangs auf die Spitze getrieben wird:

457 Dreitonformeln aus großer Terz und Halbtonschritt treten auf in T. 76.1-3 (Kl.), 80.1-2 (Vl.), 84.5-85.1 (Vl.) und

85.5-86.1 (Kl., dann im Ostinato des Klaviers repetiert). Im Umriss ähnliche Dreitonfiguren sind noch häufiger zu finden.

458 Der bereits in T. 2 zu beobachtende, nach unten gebrochene dreitönige Quartenakkord (dort e-h-fis) kehrt in der Re-

prisenfassung wieder – T. 90: f-c-g.

459 Ein solcher Störton ist das c’’’ in T. 96.1 oder auch der (offenbar als Lagenüberbrückung gebrauchte) Ton b’ in T.

97.2.

291

Jedem der drei Akkordtöne ist ein direkt benachbarter Ton an die Seite gestellt.

Die beiden tonalen Pole sind durch unterschiedliche Register getrennt. In der tiefen Lage

herrscht d-Moll, in der zweigestrichenen Lage der Cis-Dur-Akkord, dem durch einen lan-

gen Triller auf cis’’’ stete Aufmerksam sicher ist. Das Spiel mit Dur und Moll gerät in die-

ser bitonalen Spannung akustisch in den Hintergrund.

Ohne erkennbare Bezugspunkte sind die Intervallfolgen der schnellen Aufgänge in Klavier

und Geige von T. 92. Spätere Varianten in T. 93.4 und 95.2 bestehen aus gebrochenen Cis-

Dur-Akkorden, in T. 93 auch kombiniert mit Tönen aus d-Moll. Wie improvisiert wirkt

auch der große Vierundsechzigstelrausch von T. 96. Die dritte Rhapsodie schließt mit ei-

nem Epilog (T. 99–102), in dessen Rückkehr zum 6/8-Metrum die punktiert alternierenden

H-Dur/h-Moll-Akkorde im Klavier aufgehoben sind.

VIII.4.1 Zusammenfassung op. 20 Nr. 3

Die dritte Rhapsodie aus Jarnachs op. 20 bildet zusammen mit der kürzeren, aber dichter

komponierten ersten Rhapsodie einen Rahmen um die überschaubare, schlichte, liebens-

würdige zweite. Ihre formale Anlage ist sehr frei gehalten, allerdings existiert einen Rah-

men aus motivisch korrespondierenden, symmetrisch angelegten Abschnitten, die aber

nicht als Exposition und Reprise funktionieren.

Wie die Burlesca op. 17 verfügt auch die dritte Rhapsodie über viele motivische Komple-

xe und sehr unterschiedliche dazugehörige Satzcharaktere. Allerdings bringt diese bunte

Reihung nur ein morphologisch und funktional vollwertiges Thema hervor. Es gehört dem

kleinschrittigen, um sich kreisenden Typ Jarnachscher Einfälle an und ist vornehmlich in

den Eckteilen angesiedelt. Das motivisch eng verwandte ‚lebhafte Thema‘ muss vor allem

als sein Gegenentwurf angesehen werden, auch wenn es nicht auf gleicher Augenhöhe mit

dem Hauptthema agiert. Der nachgeordnete Status des lebhaften Themas ergibt sich bereits

aus dem Tatbestand, diastematisch eine Ableitung des Hauptgedankens zu sein. Beinahe

folgerichtig fehlt es in der Reprise.

Lediglich im zweiten Abschnitt der dritten Rhapsodie kommt es zu durchführungsartigen

Vorgängen – sie stützen sich allerdings eher auf die lose Kombination von Thema und

Gegenentwurf an sich und nicht auf echte thematisch-motivische Arbeit. Es folgen zwei

Abschnitte, deren Material in keiner nennenswerten Beziehung zu den übrigen Formteilen

der Rhapsodie stehen. Der letzte große, so inhomogene wie vielgestaltige Abschnitt vor der

Reprise beinhaltet keine Durchführung, sondern wiederum eine Aneinanderreihung ver-

schiedener Motivkomplexe; als Neuzugang erfährt das Wechselnotenmotiv eine vergleichs-

weise große Verbreitung.

Neuartig ist die von Jarnach hier erstmalig konsequent vorgenommene motivische Verzah-

nung der Abschnitte an ihren Kontaktstellen. Dagegen war das Moment der motivischen

Evolution oder Umbildung bereits in den beiden Vorgängerkompositionen zu beobachten.

Submotivische Gestalten sind Mangelware in dieser Komposition. Die sowohl im Haupt-

thema wie auch im lebhaften Thema enthaltene Dreitonfigur ist diastematisch eine typische

Vertreterin ihrer Gattung, bringt es aber auf eine kaum nennenswerte Verbreitung außerhalb

des Themenkorpus‘.

Die Harmonik der Rhapsodie op. 20 Nr. 3 ist ähnlich wie diejenige der ersten. Der Einsatz

292

scharf dissonierender Mischklänge ist in dieser Rhapsodie so massiv wie nirgends sonst,

die Präsenz von Quartenakkorden dagegen zurückgenommen (eine Ausnahme ist in dem

angesprochenen Symmetriespiel zu sehen). Die Rahmentonart h-Moll ist eine bloße Klam-

mer und innerhalb des Werkes von keiner größeren Bedeutung.

Ein Phänomen aller drei Rhapsodien aus op. 20 ist die häufige Verwendung von Ostina-

ti – ein Verfahren, das Jarnach bis dahin immer nur auf wenige, exponierte Klangstellen

beschränkt hatte. Daneben gibt es homorhythmische Passagen mit schnell wechselnder

Dreiklangsharmonik und ausgeprägte Klangstellen, aber so gut wie keine echte Linearität.

In diesen avanciertesten Kompositionen Jarnachs hat die polyphone Komplexität stark ab-

genommen.

293

IX.

ZUSAMMENFASSUNG

Dieses Kapitel ist der Sammlung der analytischen Befunde gewidmet. Was in den Analy-

sen auf das einzelne Werk bezogen erarbeitet werden konnte, soll hier zusammengeführt

und abgeglichen werden. Auf diesem Weg sollen zum einen allgemeinere Charakteristika

von Jarnachs Musik extrahiert werden, zum anderen aber auch die Wandlungen der musi-

kalischen Konzeptionen nachvollzogen werden, wie sie sich im Lauf der zwanziger Jahre

im Werk Philipp Jarnachs ereignet haben.

Wenn die musikalische Form als Synthese vieler Einzelmomente, als Summe aller Parame-

ter angesehen werden soll, dann liegt es nahe, in einer Zusammenfassung wie dieser sich

vom Detail zum Ganzen zu bewegen. Also findet sich das Kapitel über die Form in der

Musik Philipp Jarnachs am Ende dieser Zusammenfassung.

IX.1 Satzgefüge

IX.1.1 Satzstrukturen

Man könnte mit einigem Recht behaupten, dass die größten Innovationen in der Musik

Philipp Jarnachs auf dem Gebiet der Satzstrukturen liegen. Die besondere Bedeutung die-

ses Parameters liegt hier sowohl in der kreativen Neuschöpfung bestimmter Satzstrukturen

selbst als auch in seiner Emanzipation als formbildendes Element. In der gezielten Disposi-

tion verschiedener Satzcharaktere ist ein Stilmittel Jarnachschen Komponierens zu sehen.

Vor allem der letztgenannte Gesichtspunkt kommt in der Flötensonatine op. 12 zum Tra-

gen. Der kleinteilig-symmetrische Aufbau der Sonatine vermittelt sich ganz entscheidend

durch die stets kontrastierende Abfolge satztechnisch ganz verschiedener Abschnitte. In

diesem Werk existieren kunstvoll polyphon ausgearbeitete Abschnitte, Instrumentalrezitati-

ve, einige Unisono-Passagen sowie eine eigentümliche, weil in der Begleitung sprunghaft-

eigengewichtig gestaltete Homophonie nebeneinander. Wie zu Markierungszwecken bettet

Jarnach beide Themen in ein polyphones Umfeld: Im ersten Thema ist es ein quartettmäßig

vierstimmiger, im zweiten Thema ein durchsichtig imitatorischer Satz. Interessanterweise

trifft man gerade im einleitenden, besonders polyphon gearbeiteten ersten Themenkomplex

auf die reichhaltigste Harmonik.

Ähnlich exemplarisch für Jarnachs Bestreben, Formteile durch satztechnische Kontraste

voneinander abzugrenzen, ist der langsame Kopfsatz der Solo-Violinsonate op. 13. Die mo-

tivisch reichhaltige Einstimmigkeit, eine komplexe, gattungsbedingt nur angedeutete Po-

lyphonie in der Art Bachs, homophone Akkordbrechungen und archaische parallele Terz-

organa zeugen wiederum vom Willen (und der ganz offenkundigen Fähigkeit) Jarnachs,

mit diesem Parameter phantasievoll umzugehen. Die beiden Folgesätze der Sonate op. 13

sind in dieser Beziehung sehr viel schlichter gestaltet – sicherlich eine Konsequenz ihres

spielerisch motorischen Charakters.

294

Satztechnisch abwechslungsreich präsentiert sich auch der erste Satz des Streichquartetts

op. 16. Die Themenvarianten sind als Protagonisten wie die Themen in der Flötensonati-

ne op. 12 markiert – hier allerdings umgekehrt mit einer klaren homophonen Satzstruktur

samt variantenspezifisch konstanter und gut wahrnehmbarer Harmonik. In den Strecken

zwischen den Themenvarianten findet sich eine Art von Polyphonie, wie sie sich ab-

schnittsweise in vielen weiteren Kompositionen Jarnachs wiederfindet. Prägnantes Merk-

mal ist eine besonders kleinteilige, komplexe Rhythmik sowie die oftmals dissonante, sich

vom Umfeld abhebende Harmonik:

Aus satztechnischer Sicht bemerkenswert ist im ersten Satz des Streichquartetts noch die

Klangstelle mit Liegeklang und einer flirrenden Trillermelodik sowie ihrer bewegungsar-

tigen Umkehr: einem umtriebigen Ostinato in den drei Unterstimmen plus einer schlichten

Melodiestimme (potenzieller Seitensatz, T. 101ff.). Mit einer solchen Vielfalt kann der

zweite Satz des Quartetts (er beginnt ebenfalls mit einem Unisono) nicht mithalten. Er

ist weitaus gleichmäßiger und insgesamt viel homophoner angelegt als der Kopfsatz und

bietet vor allem mit dem harmonisch reichen ‚Nachtstück‘ einen satztechnisch kontrastie-

renden Formteil. Einige der homorhythmischen Passagen des Satzes (etwa T. 206f., 354ff.,

417ff., 508ff., 569ff., 579ff.) sind mit einem sehr raschen harmonischen Tempo ausgestat-

tet. Trotz überwiegender Dreiklangsharmonik sind die Klänge dann schwer zu identifizie-

ren.

Basierend auf den Erkenntnissen der Sturmnacht op. 15 Nr. 5 hat Jarnach in der Sarabande

aus op. 17 einen über weite Strecken neuen Klaviersatz entwickelt: weitgriffig, den ganzen

Ambitus des Klaviers ausnutzend, mitunter auf drei oder vier Systemen notiert, um die

Komplexität des Notenbildes zu reduzieren. Oft zeigt sich die Diastematik zwischen weit

auseinanderliegenden Oktavlagen zerrieben, die Rhythmik stauend punktiert.

295

Diese Art von zerklüftetem Akkordsatz ist ein nicht genuin pianistischer Typus, den Jar-

nach auf andere Instrumente oder Besetzungen zu transponieren unterlässt. Im Gegensatz

zu diesem zerklüfteten Akkordsatz sind auch in der Sarabande op. 17 halb-polyphone, dia-

stematisch unspezifisch-unruhige sowie rhythmisch komplexe polyphone Passagen enthal-

ten. Das eigentliche Thema hält sich mit seiner ruhigen Homophonie von beiden Extremen

fern und ist gerade darum satztechnisch akzentuiert.

Als ein impressionistisches Erbe ist jene Form von ‚Akkordmelodik‘ zu verstehen, wie es

einige der Varianten des chromatischen Viertonmotivs in der Sarabande op. 17 zeigen. Die

homophonen Passagen besonders der Rahmenteile weisen eine nachvollziehbare, ruhige

Harmonisierung auf, im schnellen Mittelteil ist dagegen das harmonische Tempo bisweilen

bis zur Wahrnehmungsgrenze gesteigert.

Eine muntere Abfolge kontrastierender Abschnitte ist quasi Programm der Burlesca op. 17.

Dem Hörer begegnen hier überwiegend bekannte Satztypen – bemerkenswert ist immerhin

das kontrapunktisch sehr streng gestaltete polyphone Thema, welches in krassem Gegen-

satz zu den überwiegend stark akkordisch geprägten übrigen Motiven mit ihrer plakativen

Dreiklangsharmonik steht. Interessanterweise behält sich Jarnach vor, den Beginn des po-

lyphonen Themas harmonisch tonal zu prägen, diese Ebene in der Fortführung des Themas

aber scheinbar völlig zu vernachlässigen.

Waren die bisher besprochenen Kompositionen überwiegend satztechnisch disparat und

kontrastierend angelegt, so zeigen die Klavierbegleitung des Wunden Ritters aus op. 15

sowie der Kopfsatz der Sonatina op. 18 eher fließende Übergänge von homophonem zu

mild polyphonem Satz. In der ersten Hälfte des Satzes aus der Sonatina findet man eine

tendenziell homophone Struktur vor, in der aber die Begleitstimmen jederzeit ein Eigenle-

ben entwickeln können. Diese Verselbständigungen sind meist von kurzer Dauer und wer-

den nicht im Sinne einer in der Lage verbleibenden ‚Stimme‘ behandelt. Kontraste ergeben

sich durch den Unisono-Beginn des zweiten Themas, die ‚Cadenza‘ (T. 73) oder durch

die ‚Quartenflut‘ in der Durchführung. Satztechnisch ganz aus der Reihe fällt der darauf-

folgende ‚Einschub‘. Die hauptsächlich in Achteltriolen ausgeführte Themenliquidation

schließlich ist in ihrer durchsichtig polyphonen Faktur im Rahmen dieses Satzes wiederum

neuartig. Insbesondere die polyphonen Abschnitte sind dabei harmonisch schroff.

296

Die ganz eigenartige, prinzipiell fast durchgängig ‚zweistimmige‘ Anlage des Mittelsatzes

aus op. 18 mit ihren zahlreichen homorhythmischen Anteilen ist ebenfalls vergleichsweise

dissonant.

Mit einem ganz eigenen satztechnischen Profil unterscheidet sich der gewichtige Schluss-

satz der Sonatina op. 18 von seinen Vorgängern. Er beginnt mit einem harmonisch reich-

haltigen homophonen Satz samt einer Melodiestimme, welche zunächst deutlich führt, die-

se Führung im Nachsatz des Themas aber aufgibt. Jener äußerst kompakte, kleinschrittige,

rhythmisch homophone, am ehesten noch aus dem Impressionismus ableitbare ‚führerlose‘

Akkordsatz, der den Mittelteil einleitet, kann als eine weitere satztechnische Innovation

Jarnachs gelten (eine Weiterentwicklung bleibt allerdings aus). Die Reprise schließlich

führt die sukzessive kontrapunktische Komplizierung eines vollgriffigen Akkordsatzes vor;

die Kategorie der ‚Stimme‘ umfasst hier wie in den Vorgängerkompositionen oftmals ein

gemeinsam geführtes Akkordbündel.

Dieser Schlusssatz ist eine ganz und gar harmonisch gedachte Musik. Gerade das Siciliano-

Thema zeigt in seiner Ausgewogenheit allerdings auch, wie konventionell ein harmonisch

fest gefasstes Thema bei Jarnach noch sein kann.

Mit der ersten der drei Rhapsodien op. 20 beginnt auch in satztechnischer Hinsicht ein neu-

es Kapitel. Besonders der Klaviersatz (sein Verhältnis zur Violinstimme ist hier meistens

begleitend, untergeordnet) ist zerfahren, nimmt kurz nacheinander alle möglichen Formen

(außer einem wirklich polyphonen Satz) an. Räumlich bezugslose, motivisch meist singu-

läre Ereignisse sind rhythmisch kompliziert angeordnet. Erst ab dem vierten Abschnitt der

ersten Rhapsodie setzt eine satztechnische Beruhigung ein, in der auch die Wiederholung

von Elementen Raum hat. Dort, wo der Satz eine harmonische Ebene überhaupt zulässt,

finden sich viele Mischklänge, Quartenakkorde sowie zahlreiche autonom dissonante Klän-

ge.

Speziell im Verhältnis von Violine und Klavier setzt die zweite Rhapsodie aus op. 20 ande-

re Prioritäten: Die beiden Spielpartner sind hier allgemein musikalisch und etwa im Thema

auch kontrapunktisch eng verzahnt. Ein entspannter Klaviersatz bringt satztechnische Än-

derungen in kleinen Dosen, und das innerhalb einer nachvollziehbaren Abschnittsgliede-

rung. Vorherrschend ist die Homophonie; im Mittelteil gibt es eine vergleichsweise lange

Ostinatopassage, in der die harmonische Ebene fast vollständig eliminiert ist. Während

das Thema eine klare Quartenharmonik aufweist, überwiegen insgesamt Sekundreibungs-

klänge.

Wie eine bewusst komponierte Ansammlung verschiedenster Satzanlagen wirkt die dritte

Rhapsodie: Unisono, Ostinati, Klangstellen sind teilweise in schneller Folge vermengt,

teilweise aber auch gut abgegrenzt (Abschnitte 2 und 3). Echte Polyphonie spielt sich nur

zwischen den beiden Instrumenten ab, denn die schnellen und raumgreifenden Gesten

des Klaviers sind eher als aufgeklappte Akkorde denn als geführte Stimmen zu begreifen.

Diese gebrochenen Akkorde sind wie die meisten akkordisch notierten Klänge überwie-

gend gezielt dissonant. Homorhythmische Passagen sind mit rascher Dreiklangsharmonik

(T. 6f.) versehen, die teilweise mit Quartenakkorden alterniert (T. 75ff.). Es gibt Klangstel-

len (T. 53ff., 92ff.) mit großen Harmoniefeldern, und ein abgetrepptes Wechselnotenmotiv

mit prägnanter Quartenharmonik.

297

Besondere Relevanz hat eine Untersuchung der Satzstrukturen im Bezug auf die harmoni-

sche Ebene. Indem Jarnach von einem

„Wiederergreifen der Musik an ihrer Quelle, welche die Melodie ist“460

spricht, verfolgt er das Konzept Busonis aus dessen ‚Junger Klassizität‘. In Jarnachs Pa-

raphrase des Gedankens fehlt hingegen Busonis Weiterführung, welche die Melodie auch

als Erzeugerin der Harmonie bestimmt. Wie steht es aber um das Primat der Linie in der

Musik Philipp Jarnachs? Wie die Analysen gezeigt haben, gibt es lediglich vereinzelte Bei-

spiele von genuin linear konzipierten Passagen, niemals aber sind ganze Werke oder Sätze

in dieser Weise angelegt. Während in einer Komposition wie der Solo-Violinsonate die

Linie naturgemäß der Ausgangspunkt ist, widersprechen große Bereiche des Jarnach schen

Klaviersatzes dem angestrebten Ziel ganz deutlich. Besonders in den späteren der hier

untersuchten Kompositionen ist der im weitesten Sinn akkordische Klaviersatz dominant.

Selbst im Streichquartett sind die thematischen Protagonisten homophon gesetzt. Von Satz-

strukturen, in denen

„die Melodie als Bewegungsenergie den akkordlichen Widerstand durch größe-

re Spannkraft bricht und ihre Linie behauptet“461

kann bei Jarnach daher nur selten gesprochen werden. Ob und wann die Harmonik im

Kompositionsprozess wirklich ein Hemmnis melodischer Entfaltung gewesen ist, kann im

Nachhinein schlichtweg nicht beurteilt werden. Tatsache ist, dass Jarnachs Harmonik über

die Jahre eine erstaunliche Stabilität gewahrt hat und als eigenständige Instanz aus seiner

Musik nicht wegzudenken ist. Da Jarnach von der „Wiedergeburt des Rhythmus‘ und der

Melodie“462 sprach, ist es nur billig festzustellen, dass er selbst für die Emanzipation des

Rhythmus‘ mehr getan hat als für das Erstarken der Melodie. Wenn er in Bezug auf eine

atonale Melodik auch nicht so weit ging wie Schönberg, so hat er doch in vielen seiner

Werke den Rhythmus aus seinen ‚tonalen‘ Begrenztheiten herausgeführt – selten in seinen

Themen, umso öfter dafür in den weiten Zwischenräumen.

Wirkliche (und im Sinne Kurths: energetische) Spannkraft haben vor allem die oben als

‚bogenförmig‘ subsumierten Themen Jarnachs (vgl. Kapitel IX.2.1.4). Die meisten seiner

melodischen Einfälle dagegen sind kurzatmig und melodisch wenig prägnant.

In einer Bemerkung über Ernst Kurth hatte Jarnach geschrieben, der Autor der Grundlagen

des linearen Kontrapunkts werde dahingehend missverstanden, dass er einen ‚atonalen

Kontrapunkt‘ legitimiere. Eine solche Behauptung hatte Jarnach zurückgewiesen, denn:

„... einem Kontrapunkt, der vollständig ohne tonale Bezüge ist, würde kein an-

deres Mittel übrig bleiben als rhythmische Wechsel, inmitten derer die melodi-

sche Linie jedes plastische Relief verlöre.“463

Es ist allerdings kaum zu bestreiten, dass viele der Jarnachschen Themen und Motive

sowie ein großer Teil seiner polyphonen Passagen ihre Profilierung auch und gerade von

diesem „rhythmischen Wechsel“ beziehen. Wenn nun die Linie bei Jarnach nicht den Stel-

lenwert hat, die ihr nach Busonis und Jarnachs eigenen Konzepten zustünde, muss der Har-

monik grundsätzlich der Status eines autonomen musikalischen Parameters zugestanden

werden.

460 Jarnach: Bemerkungen zur Kunst Busonis (1932). In: JS, S. 45.

461 Jarnach: Das Stilproblem der neuen Klassizität im Werke Busonis (1921). In: JS., S. 36.

462 Jarnach: Die zeitgenössische Musik in Deutschland und Österreich (1924). In: JS, S. 139.

463 Jarnach: Die zeitgenössische Musik in Deutschland und Österreich (1924). In: JS, S. 145.

298

IX.1.2 Harmonik

IX.1.2.1 Das Akkordrepertoire und seine Wandlungen

Die harmonischen Grundelemente der Musik Philipp Jarnachs sind im Verlauf der zwan-

ziger Jahre dieselben geblieben. Wie in Bezug auf Form und Satzstrukturen ist das Terrain

auch in harmonischen Dingen mit der Flötensonatine op. 12 im Wesentlichen abgesteckt.

Als Basis der Mehrklänge regiert unangefochten die Terzenschichtung, aber schon im

dritten Takt der Sonatine tritt ein Quartenakkord hinzu. Später erscheinen noch vereinzelt

ganztönige Gebilde und bitonale Klänge. Als klingendes Resultat sind die milden Disso-

nanzen in op. 12 in einem noch impressionistischen Rahmen aufgehoben. Die französische

Herkunft des Komponisten ist dem ‚deutschen‘ Jarnach mit seiner hier bereits deutlich

manifesten Vorliebe für kontrapunktische Verwicklungen (und das BACH-Zitat) noch gut

anzumerken.

In der Sonate für Violine Solo op. 13 gewinnt der Sixte-ajoutée-Klang stark an Bedeutung.

Charakteristisch ist hier die Lage mit der Sexte im Bass, und, zumindest was op. 13 be-

trifft, auch die subdominantische Konnotation des Akkords. Spätestens mit der Rückkehr

(op. 15 Nr. 3) sind die charakteristischen Dissonanzen ihrer traditionell funktionale Kon-

notation weitgehend entkleidet und zu Farbwerten geworden. Der Schlusssatz der Sonatina

für Klavier op. 18 beispielsweise endet mit einem ‚lang hallenden‘ Fis6<-Akkord im vier-

fachen Forte. Ein ähnlicher Schluss findet sich in den zuvor komponierten Werken nur in

der Sarabande op. 17: Als Schlussklang fungiert dort ein fis6>. Dort bleibt das zuvor stets

aufgelöste d in der linken Hand einfach stehen. Es verwundert kaum, dass die zwei charak-

terlich und satztechnisch sehr ähnlichen Werke auch auf diese Weise miteinander korres-

pondieren.

Jarnach passt die harmonische Farbpalette den Erfordernissen der jeweiligen Komposition

an. So sind etwa das Lied vom Meer und der Wunde Ritter (op. 15 Nr. 1 und 4) mit einer

überwiegend durmolltonalen Harmonik versehen. Der Grund für diese Regression liegt bei

den jeweiligen Textvorlagen. Dass eine solche harmonische Selbstbeschränkung aber auch

ohne Motivation von außen stattfinden kann, zeigt der Mittelsatz aus der Violinsonate op.

13, in dem es keinen einzigen Quartenakkord zu hören gibt.

IX.1.2.2 Die Verwendung von Quartenakkorden

In den Kompositionen Jarnachs kann man die folgenden Arten von Quartenakkorden an-

treffen:

299

Reine Quartenakkorde in Grundstellung (selten):1.

Reine Quartenakkorde in Umkehrungen (sie sind wie der Quartenakkord in Grund-2.

stellung im Notenbild, abhängig vom dem Grad ihrer ‚Faltung‘, gut zu identifizieren:

Quarten, Quinten und Sekunden sind recht sichere Indikatoren):

Quartenakkorde in Komplexen (gebrochene, sukzessiv entfaltete Akkorde):3.

Quartenakkorde mit Zusätzen und in Kombination mit anderen Klängen:4.

300

Quartenakkorde mit der Möglichkeit anderer Deutungen (es sollte derjenigen Inter-5.

pretation der Vorzug gegeben werden, die mit weniger Alterationen und Zusätzen

auskommen kann):

Unvollständige Quartenakkorde, teils symmetrisch, teils asymmetrisch (treten zu-6.

erst im Sichlein op. 15 Nr. 2 auf (siehe Kapitel IV.3), im zweiten Satz des Streich-

quartetts finden sich grundstellige Formen):

Vor allem der oft zerklüftete Klaviersatz Jarnachs bringt es mit sich, dass die Quartenak-

korde nur in seltenen Fällen eine lineare oder gar chromatische Auflösung erfahren. Eine

beinahe schüchtern wirkende Variante des Quartenakkords findet sich zu Beginn der Flö-

tensonatine op. 12. Hier entschärft sich der Akkord im Zuge seiner Komplettierung zum

Q5d selbst zu einem g-Moll-Dreiklang (T. 3, siehe Notenbeispiel oben). Eine ganz ähnlich

geartete Auflösung ist in T. 4 der Sarabande op. 17 zu beobachten:

301

Vier chromatische Auflösungen von Quartenakkorden – sie sind bei Jarnach trotz ihrer De-

monstration in der harmonischen Skizze eine Seltenheit – sind hier wiedergegeben:

Noch seltener als die chromatischen Auflösungen von Quartenakkorden sind alterierte

Quartenakkorde bei Jarnach. Das letzte Beispiel zeigt ein solches Exemplar: einen Q6his,

dessen dis zu einem d alteriert wurde.

In der Skizze zu den Quartenakkorden (vgl. Kapitel I.3.6) hatte Jarnach Beispiele für den

vier-, fünf- und sechsstimmigen Quartenakkordsatz gegeben. In seinen Kompositionen

kommen solche stimmführungstechnisch klassischen Passagen nicht vor. Eine Ausnahme

stellen die Takte 250ff. aus dem ‚Nachtstück‘ des zweiten Satzes aus dem Streichquartett

op. 16 dar (hier im Klaviersatz und ohne Tonrepetitionen wiedergegeben):

In den meisten Fällen wird man bei Jarnach auch den Quartenakkorden im Rahmen schnell

wechselnder, untereinander unverbundener Klänge – mithin in einem homophonen Satz-

zusammenhang – begegnen. In diesem Punkt steht Jarnach weniger in der Nachfolge Wag-

ners als vielmehr der Debussy-Tradition nahe.

In der Flötensonatine waren Quartenakkorde klangliche Fremdkörper, und noch im Sich-

lein (op. 15 Nr. 2) sind sie besonders konnotiert, indem sie eine Entfernung vom Einfachen

302

andeuten.464 Spätestens im Streichquartett op. 16 aber sind Quartenakkorde ein selbstver-

ständlicher, wiewohl durch ein konzentriertes Auftreten in regelrechten Ballungen klang-

lich stets herausragender Bestandteil der Musik Jarnachs.

IX.1.2.3 Mischklänge, Bi- und polytonale Klänge, autonom dissonante Klänge

Jarnach hat verschiedene Wege beschritten, um seine harmonischen Ausdrucksmöglich-

keiten zu erweitern. Ein wichtiges Werkzeug war dabei die Anreicherung konventioneller

Dreiklänge mit Nebentönen. In der nicht bezeichneten harmonischen Skizze nehmen die

‚Mischklänge‘ neben den Quartenakkorden den größten Raum ein. Hier werden verschie-

dene Möglichkeiten der klanglichen Schärfung vorgestellt (vgl. Kapitel I.3.6).

Die Analysen haben gezeigt, dass Jarnach von den meisten skizzierten Mischklängen kei-

nen Gebrauch macht. So kommen etwa Dreiklänge mit addierter unalterierter Quarte nicht

vor; von den Mischklängen mit „doppelter Sekunde“ spielen nur diejenigen eine Rolle,

welche eine hochalterierte Quarte und eine Sexte enthalten. Im Gegenzug sollten, wiewohl

sie in Jarnachs Aufstellung nicht vorkommen, solche Mischklänge, deren zusätzlicher Ton

die Septime ist, unbedingt in diese Kategorie eingeschlossen werden: Das Moment der

Klangschärfung ist schließlich auch hier vorhanden, und Jarnach macht davon reichlichen

Gebrauch.

Bei allen Akkordtypen, derer sich Jarnach in den hier untersuchten Werken bediente, muss

die Notation mindestens als verwirrend, wenn nicht gar als bewusst irreführend bezeichnet

werden. Jarnach scheint die genaue Herkunft der Klänge durch enharmonische Vertau-

schungen einzelner Töne zu verschleiern versucht haben. An eine Unfähigkeit des Kompo-

nisten in Notationsfragen sollte nicht gedacht werden.

Mischklänge kommen prinzipiell in allen hier analysierten Kompositionen vor. Bereits die

Sonatine op. 12 exponiert in ihrer Coda einen Mischklang mit dreifacher Sekundaddition,

und auch die hochalterierte Quarte ist schon dabei. In den Opera 15 bis 17 spielen diese

besonderen Mischklänge keine große Rolle, dafür erleben die Sixte-ajoutée-Akkorde eine

Hochzeit. In den Klavierstücken op. 17 betrifft dies besonders solche Akkorde mit hinzuge-

fügter kleiner Sexte im Bass: Jarnach scheint den hier strukturell bedingten Einschluss des

übermäßigen Dreiklangs geschätzt zu haben. Der Höhepunkt besonders der dissonanten

Mischklänge mit hinzugefügter hochalterierter Quarte liegt bei den drei Rhapsodien op. 20.

In deren letzter erfährt dieser Akkordtyp eine auffällige Zuspitzung, die durchaus als Affir-

mation des neuen Klangtyps gewertet werden sollte.

Klanglich milde bi- und polytonale Bildungen machen sich zuerst im Ballabile op. 17 deut-

lich bemerkbar – hier wie auch in späteren Werken kann eine genaue Abgrenzung zwischen

Bitonalität und dem Vorliegen eines Jarnachschen Mischklangs oft nicht vollzogen werden

– Jarnach selbst thematisiert diese Unschärfe in seiner harmonischen Skizze. Bi- oder po-

lytonale Akkorde sind in Jarnachs Kompositionen nicht besonders häufig, sie erfahren aber

im Schlusssatz der Sonatina op. 18, wo zunehmend entfernte Harmonien miteinander kom-

biniert werden, eine klanglich sehr plakative Apotheose.

464 Man vergleiche diese Konnotation mit der Ansicht Schönbergs, die Quartenakkorde symbolisierten zuallererst die

Natur (Schönberg 1966, S. 480).

303

Die Harmonik besonders der ersten und dritten Rhapsodie op. 20 formuliert den am weite-

sten vorgetriebenen Außenposten der hier untersuchten Kompositionen Philipp Jarnachs. In

diesen Werken finden sich vermehrt Klänge, die nicht mehr durch die Schichtung gleicher

Intervalle erklärt werden können – Jarnach verwendete hierfür in seiner harmonischen

Skizze die Bezeichnung ‚autonome Klänge‘. Das Ergebnis ist, in Verbindung auch mit ei-

ner nun wirklich atonalen Melodik, ein gegenüber der Sonatina op. 18 nochmals deutlich

gesteigerter Dissonanzgrad. Es wurde oben erläutert, dass diese Zuwendung zu einer au-

tark dissonanten Harmonik Jarnach seitens der Kritik und des Publikums wenig erfreuliche

Resonanz einbrachte.

Ein repräsentativerer Querschnitt seines harmonischen Repertoires aber müsste an anderen,

weniger extremen Werken ansetzen. Zöge man als Grundlage einer solchen Bestandsauf-

nahme etwa die Sarabande op. 17 und den ersten Satz der Sonatina op. 18 heran, ergäbe

sich in etwa folgende Häufigkeitsverteilung (absteigend angeordnet): konventionelle Drei-

klänge, Septakkorde, Quartenakkorde, Sixte-ajoutée-Akkorde/Dreiklänge mit hinzugefüg-

ter kleiner Sexte, Mischklänge, übermäßige/ganztönige Akkorde, symmetrische Akkorde.

In der Vielfalt der von Jarnach verwendeten Akkordtypen spiegelt sich eine Grundforde-

rung der ‚Jungen Klassizität‘: nämlich

„die Sichtung und Ausbeutung aller Errungenschaften vorausgegangener

Experimente.“465

Jarnach erzielt sehr komplexe und dissonante Klänge aus der Anreicherung, Alteration und

Kombination konventioneller Dreiklänge – eine Tatsache, die dem Interpreten Jarnachscher

Kompositionen übrigens viel deutlicher bewusst wird als ihrem Hörer. Bei alldem verfolgt

Jarnach keine systematischen harmonischen Konzepte. Seine wenigen Experimente mit

ganztöniger Harmonik oder elliptischen Quartenakkorden haben stets eine sehr geringe

Reichweite und spielen in der Folgekomposition meist schon keine Rolle mehr.

IX.1.2.4 Typische harmonische Verbindungen

Jarnachs Harmonik ist ganz überwiegend freitonal angelegt. Speziell in den frühen der hier

besprochenen Kompositionen finden sich aber noch zahlreiche Kadenzen, die zum Teil

sogar an prominenten Stellen angebracht sind. So beginnt die Flötensonatine op. 12 gleich

mit einer ausführlichen Kadenz der Rahmentonart a-Moll. Hierbei variiert Jarnach das to-

nale Modell auf höchst phantasievolle Weise, ohne sich der stabilisierenden Funktion der

Kadenz zu begeben. Im Sichlein op. 15 Nr. 2 trifft man zunächst auf recht konventionelle

Kadenzmuster, später wiederum auf einfallsreiche Varianten wie die räumliche Verschrän-

kung mehrerer, auf unterschiedlichen Tonarten beruhenden Kadenzen. – Auch in diesem

Bereich kristallisiert sich eine typische Vorgehensweise Jarnachs heraus: Anstelle eines

Neuentwurfs werden die bekannten harmonischen Modelle verdichtet und angereichert.

In der Sarabande op. 17.2 sind die Kadenzen tendenziell stärker linear (wenn auch durch-

aus nicht immer kleinschrittig) angelegt; das Ergebnis sind klanglich unkonventionelle,

wiewohl überaus schlüssige Klauseln (siehe Kapitel VI.3).

465 Busoni: Junge Klassizität. In: WEM, S.34–38. Zitat auf S. 36f.

304

Eine Sonderrolle nehmen zwei Gesänge aus op. 15 ein, in denen Jarnach die Wagnersche

Vorhaltschromatik auf die Spitze treibt. Im Wunden Ritter (Nr. 4) ist die Wagner-Assozia-

tion durch den Text hinreichend motiviert – zahlreiche Zitate des Tristan-Motivs und eine

atemberaubend chromatische Kadenz am Liedende sind erkennbar parodistisch intendiert

(es sei in diesem Zusammenhang die Abneigung Busonis und vieler seiner Zeitgenossen

gegenüber der Wagnerschen Harmonik erinnert). Offenkundig empfand Jarnach aber auch

in der George-Vertonung Rückkehr (op. 15 Nr. 3) die Vorhaltschromatik als passend und

stellte ihr in diesem Lied auch noch einige kühl experimentelle Kadenzformeln in der Art

von Richard Strauss an die Seite.

Echte harmonische Sequenzen sind ein überaus seltenes Phänomen in der Musik Philipp

Jarnachs. Besonders auffällig sind daher einige explizite Sequenzfolgen, die im Kopfsatz

sowie in der Durchführung des letzten Satzes der Violinsonate op. 13 erklingen. Die rein

akkordischen Strukturen in diesem Schlusssatz gehen nach einigen Sequenzstufen in eine

Irrfahrt über, die im harmonischen Niemannsland endet – möglicherweise ein Kommentar

Jarnachs zur Überkommenheit der tonalen Harmonik.

Mit den Klavierstücken op. 17 etabliert sich eine Schreibweise, die sich gerade im Klavier-

satz gut behauptet und in den Folgekompositionen häufiger zu finden ist: Es ist die rasche

Abfolge konventioneller Dreiklänge, deren Grundtöne nach traditioneller Auffassung weit

voneinander entfernt sind:

Funktionale Bezüge oder eine bewusste Stimmführung sucht man in diesen Passagen ver-

geblich. Indem Jarnach mit der Variierung der harmonischen Abstände spielt, zeigt sich,

dass er diese Kategorie durchaus noch anerkennt.

Ein weiteres satztechnisches wie harmonisches Phänomen wird in den Werken Jarnachs

zum Topos: Es sind motivisch evakuierte, gelegentlich mit Ostinati und Liegeklängen aus-

gestattete, stets aber sich in mehreren Parametern vom Umfeld absondernde Klangstellen.

In der Solo-Violinsonate op. 13 (Durchführung des Schlusssatzes), dem Streichquartett op.

16 (beide Sätze, besonders im ‚Nachtstück‘ des zweiten Satzes), in der Burlesca op. 17

(Abschnitt D), im Kopfsatz der Sonatina op. 18 (Durchführung), in der ersten Rhapsodie

op. 20 (Ostinato-Stelle im zweiten Abschnitt), der zweiten Rhapsodie (Ostinato-Passage im

Mittelteil) sowie in der dritten Rhapsodie (dritter Abschnitt, mit auffälliger Ähnlichkeit zur

Klangstelle im ersten Satz von op. 16) ist dieses Heraustreten aus dem jeweiligen musikali-

schen Kontext stets mit einer besonders prägnanten Harmonik verbunden.

Es ist evident, dass eine solche freitonale, keinen funktionalen Bindungen unterworfene

Harmonik Jarnachs der Linie oder der Melodie keine Fesseln anlegt.

Womöglich liegt es in der Sache einer undogmatisch auf die ‚Errungenschaften‘ der Ver-

gangenheit aufbauenden kompositorischen Ästhetik, dass ihre Ergebnisse selten spekta-

kulär ausfallen. Das gilt für die Musik Ferruccio Busonis, und bei Jarnach verhält es sich

305

ganz ähnlich. Dennoch gibt es in seinen Werken einige interessante Phänomene harmoni-

scher Art, auf die einzugehen ist.

Im lebhaften zweiten Satz der Solo-Violinsonate op. 13 gibt es einen Akkord, der oben als

‚harmonisches Wasserzeichen‘ benannt wurde. Seine Funktion kann, da er motivübergrei-

fend auftritt und selbst zu wenig Motiv wird, nur in einer angestrebten harmonischen Prä-

gung des Satzes liegen.

Bemerkenswert (und singulär im hier untersuchten Ausschnitt aus Jarnachs Œuvre) ist in

der Sonate op. 13 eine rein harmonische ‚Rückversicherung‘ der Sätze zwei und drei auf

deren Kopfsatz, wie sie durch bestimmte Formen des Sixte-ajoutée-Akkords geschieht.

Selten komponiert Jarnach genuin harmonische Motive. Beispiele dafür sind das Quartak-

kordmotiv, das Nachschlags-Motiv sowie das ‚harmonisch definierte Motiv‘ aus der Sturm-

nacht op. 15 Nr. 5. Das Tristan-Motiv ist zwar keine eigene Schöpfung; die humorvolle

Kontrapunktik aber, mit der es von Jarnach im Wunden Ritter op. 15 Nr. 4 variiert und im

Ballabile op. 17 in seine Elementarteilchen zerlegt wird, machen es durchaus zu seinem

geistigen Eigentum.

Kleinformatige harmonische Experimente finden sich in vielen der hier untersuchten Wer-

ke. Ein solches ist die Gegenüberstellung verminderter Septakkorde und übermäßiger Drei-

klänge und die Aufstellung anderer symmetrischer Akkorde in der Sturmnacht op. 15 sowie

die durchführungsartige Kombination ganztöniger und chromatischer Melodik im ersten

Satz des Streichquartetts. Diese Phänomene sind aber immer räumlich stark beschränkt.

IX.2 Thematik und Motivik

IX.2.1 Die thematische Gestaltungsebene

Der „Abschied vom Thematischen“, von Busoni in seiner ‚Jungen Klassizität‘ gefordert466,

war nach Auswertung der vorliegenden Analysen keinesfalls auch das Anliegen Philipp

Jarnachs – anders als sein Mentor hat Jarnach diese Formulierung in seinen Schriften auch

nicht verwendet (vgl. Kapitel I.3.2). Mit Ausnahme der Drei Rhapsodien op. 20 sind alle

der hier untersuchten Kompositionen mit Themen ausgestattet, die zum Formempfinden

beitragen.

Allerdings basiert diese Aussage auf einer definitorischen Erweiterung des Begriffs ‚The-

ma‘. Der folgende kleine Auszug aus drei großen Musiklexika467 gibt zunächst die we-

sentlichen Aspekte, gewissermaßen einen ‚common sense‘ einer Definition von ‚Thema‘

wieder:

466 WEM, S. 36f.

467 Brockhaus Riemann Musiklexikon in zwei Bänden. Bd. 2, S. 589, Wiesbaden und Mainz 1979. The New Grove

Dictionary of Music and Musicians, ed. by Stanley Sadie. London 1980, Bd. 18, S. 736. Musik in Geschichte und Gegen-

wart, Sachteil, Bd.X, Sp. 534–543, Kassel u. a. 1994–1999. Anders als bei Riemann und Grove leistet der Artikel Thema

und Motiv in der MGG keine eigene Definition, sondern liefert unter Verweis auf den „Bedeutungswandel“ (Sp. 535)

von ‚Thema‘ eine Begriffsgeschichte. In diesem Zusammenhang werden Definitionen oder Ausschnitte derselben von

maßgeblichen Theoretikern wie Heinrich Christoph Koch (1749–1816), Adolf Bernhard Marx (1795–1866), Guido Adler

(1855–1941), August Halm (11869–1929) oder Hans Mersmann (1891–1971) präsentiert.

306

Riemann 1979 MGG 1998 Grove 1980

Thema = Musikalischer Gedanke; Das Thema ist „abzuhandelnder

Gegenstand, […] impliziert Zu-

künftiges, die Fähigkeit zu Ver-

bzw. Bearbeitung und Wandel“

[Terminologie];

„The musical material“;

„...usually having a recognizable

melody“;

Das Thema besitzt eine charakte-

ristische Physiognomie, auch bei

Umformungen wiedererkennbar;

Das Thema fungiert in einem

grö-ßeren mus. Zusammenhang

als prägende Substanz;

Das Thema „ist derjenige melo-

dische Satz eines Tonstückes, der

den Hauptcharakter desselben

bezeichnet [...]“. Thema als Af-

fektausdruck der „Empfindung“

des Ganzen [Koch];

„...part or all of a work is based

on it […] gives a work its identi-

ty even when it is not original to

the work“;

„Das Thema ist offen; seine ein-

malige Formspannung bewirkt,

dass eine Reihe anderer Bildun-

gen von geringerer Formkraft als

Funktionen aus ihm herauswach-

sen […]“ [Mersmann];

Beschaffenheit des Themas steht

in Wechselbeziehung zur Durch-

führbarkeit;

Thema wird im Hinblick auf be-

stimmte Verarbeitungsverfahren

erfunden, lenkt aber auch inspirie-

rend den Kompositionsprozess;

Sonatenthema „kann sich even-

tuell auf ein Motiv beschränken“

[Adler];

Unterschiedliche funktionale As-

pekte von Fugen- und Sonatenthe-

ma: In der Fuge J.S. Bachs ist die

Form vom „Gesetz“ des Themas

beherrscht, bei Beethoven ordnet

sich das Thematische „der Form

selbst, der Idee der Sonate“ unter

[Halm];

„...sometimes perceivable as a

complete musical expression in

itself, independent of the work to

which it belongs“.

Legt man eine Schnittmenge dieser Definitionen an, so besäße ein Thema eine charakteris-

tische, in sich geschlossene Physiognomie, es müsste weite Teile der Komposition (unter

anderem charakterlich) prägen, in einem gewissen Maß Veränderungen ertragen, ohne

unkenntlich zu werden und in einer Wechselbeziehung zur Form stehen. Unbestreitbar ist,

dass die meisten Jarnachschen Themen diesen Ansprüchen nur ansatzweise genügen. Es

scheint daher sinnvoll zu sein, dieses Anforderungsprofil im Einzelnen mit Jarnachs thema-

tischen Gestalten abzugleichen. Dabei sollte zunächst zwischen

der 1. Morphologie der Themen (Melodik, Periodizität etc.) und

ihrer2. strukturellen Bedeutung für das Ganze

unterschieden werden. Es bedürfte der eingehenden Analysen nicht, um feststellen zu kön-

nen, dass die Themen der hier untersuchten Werke Jarnachs in morphologischer Hinsicht

selten als vollwertig gelten können: Oft handelt es sich um nur kurze Tonfolgen, sehr häu-

fig finden die Themen keinen wirklichen Abschluss, und in diastematischer Hinsicht ver-

legt sich Jarnach oft auf eine kleinschrittige, eher wenig charakteristische Formung. Hinzu

307

kommt, dass sich nicht wenige seiner Themen in dem eben beschriebenen Umriss sehr

ähnlich sind. Einige außerordentlich plastische und in ihren (durchaus irregulären) Propor-

tionen sehr ausgewogene Themen allerdings weisen darauf hin, dass die Gründe für das

scheinbar Defizitäre vieler Themen keineswegs im Unvermögen des Komponisten zu su-

chen sind. Vielleicht war die Suspendierung des Thematischen aus der Sicht Jarnachs eben

doch ein Konzept, welches zu verfolgen sich lohnte. Die Schwächung der Themen könnte

einen ersten Schritt auf diesem Weg darstellen.

Wie steht es aber mit der Forderung, das Thema (oder die Themen) sollten einer Kompo-

sition ihren Stempel aufdrücken? Dies ist eine Forderung, welche in ihrer Absolutheit pri-

mär auf Fugensätze bezogen ist. Aber auch im Sonatensatz werden die Themen nicht bloß

exponiert und in der Reprise rekapituliert. Seit Beethoven ist die Durchführung der Ort

intensiver thematisch-motivischer Arbeit: Auch und gerade hier sind die Themen ‚prägende

Substanz‘. Unbestreitbar verdanken sie ihre Gestalt andererseits der ihnen vorgesehenen

Funktion im Formganzen. – Fehlt nun mit der Sonatenhauptsatzform der institutionali sierte

Rahmen für die thematisch-motivische Arbeit – wie etwa in der dreiteiligen Liedform

– dann funktionieren Themen mitunter bloß als formale Stützpfeiler.

Die Hauptdefizite Jarnachscher Themen – ihre bisweilen wenig geschlossene Form und die

nicht immer prägnante Physiognomie auch auf der Motivebene – machen sie gleichzeitig

wenig geeignet für die thematisch-motivische Arbeit. Tatsächlich findet sich diese traditio-

nelle Art der musikalischen Durchführung mit Motivabspaltung und -neukombination nur

im Kopfsatz der klassizistischen Sonatina op. 18 (und zwar in einer an Parodie gemahnen-

den Deutlichkeit). Im Kopfsatz der Solo-Violinsonate op. 13 gibt es zwar eine Durchfüh-

rung, aber sie operiert nur mit dem zweiten Thema und macht von den Möglichkeiten der

immerhin sorgfältig angelegten Themendualität keinen Gebrauch.

In allen anderen Sätzen der hier untersuchten Werke fungieren die Themen als architekto-

nische Stützpfeiler, meistens im Sinne einer Reprisenbildung. Dieser Verzicht auf die for-

mal integrative Funktion des Themas ist umso erstaunlicher, als Jarnach selbst forderte:

„Der gedankliche Kern muss soviel Kraft besitzen, Thematik, Klang und Form

als ein Ganzes gleichsam auszustrahlen.“468

Es spielt keine Rolle, dass in dieser Argumentation selbst die Thematik etwas Abgeleitetes

ist. Immerhin steht diese Formulierung Jarnachs im Gegensatz zu einer Thematik, deren

Gestalt bereits im Hinblick auf künftige Verarbeitungsverfahren konzipiert ist (vergleiche

Riemann sowie Adler und Halm im Bezug auf die Sonatenform in obiger Tabelle). Eine

Thematik aber, die sich wie im Fall von Jarnachs Kompositionen überwiegend punktuell

an der Gestaltung beteiligt, entwickelt keine Ausstrahlung in die Form. In Jarnachs Musik

jene aus dem ‚gedanklichen Kern‘ abgeleiteten Gesetzmäßigkeiten zu erkennen, scheint

mir ebenso unmöglich zu sein wie ein Nachvollzug der in Kapitel I.3.5 besprochenen Suk-

zession von ‚Empfindung‘  ‚Erlebnis‘  (vormusikalischem) Einfall  Klangvorstel-

lung  Form. Eine solche, gedanklich wie sprachlich etwas abstrakt-artifizielle Kausalität

gehört wohl wirklich in den Bereich dessen, was von Jarnach als „eine persönliche Angele-

genheit des Künstlers“469 bezeichnet wurde.

468 Jarnach: Bemerkungen zur Kunst Busonis (1932). In: JS, S. 44.

469 Jarnach: Das Stilproblem der neuen Klassizität im Werke Busonis (1921). In: JS, S. 35.

308

Für die Offenheit des Themas und seine Fähigkeit, „eine Reihe anderer Bildungen von

geringerer Formkraft“ (Mersmann, vgl. Tabelle) hervorzubringen, stehen die beiden Proto-

themen aus Ballabile und Sarabande op. 17 beispielhaft da. In der folgenden Aufstellung

werden die Themen Jarnachs, so weit dies möglich ist, kategorisiert.

IX.2.1.1 Periodische Themen

Die Verwendung traditionell gestalteter, periodischer Themen zeigt von op. 12 bis op. 18

keine formale ‚Erosion‘ des Modells:

1. Sonatine für Flöte und Klavier op. 12, 1. Thema (2+2 Takte):

motivische Übereinstimmungen zwischen den Themenhälften•

Halbschluss durch gis’ (T. 2.5) angedeutet, allerdings abwärts gerichteter Sekund-•

schritt. Themenabschluss ohne eine solche harmonisch ‚sinnvolle‘ Klausel

der Nachsatz operiert irregulär mit einem Auftakt•

2. Sonate für Violine Solo op. 13, dritter Satz, 2. Thema (4+4 Takte):

bis auf die Schlusssekunden keine Motivkorrelationen•

Halb- und Ganzschluss sind durch auf- bzw. absteigende Sekundschritte markiert•

problematisch: Die Nachsatzmotivik rekrutiert sich aus auch andernorts verwende-•

tem, quasi freiem Material

3. Sarabande op. 17 Nr. 2, ‚Protothema‘ (4 [2+2] +3 [2+1] Takte):

motivisch weitgehend korrelierende Themenhälften•

siebter Takt als Angelpunkt eines neuen Motivs; kein Abschluss•

4. Sarabande op. 17 Nr. 2, ‚echtes Thema‘ (4 [2+2]+4 [2+2] Takte):

motivisch fast perfekt korrelierende Themenhälften•

nach beiden Seiten fest umrissen•

5. Sonatina für Klavier op. 18, 3. Satz, Siciliano-Thema (4 [2+2] + 5 Takte):

perfekter Vordersatz, gelängter und irregulär schweifender Nachsatz•

korrelierende Motivik in den Themenhälften•

geschmeidige und vergleichsweise prägnante Melodik mit Tonwiederholungen und•

Wechselnoten

309

IX.2.1.2 Der Satz-Typus

Man kann leicht erkennen, dass sich die Formulierung periodischer Themen recht gleich-

mäßig über die gesamte Schaffensperiode verteilt. Nicht viel anders verhält es sich mit

der Verwendung von Themen, die dem Ratzschen ‚Satz‘-Typus entsprechen. Dabei ist zu

beachten, dass der ‚Satz‘ eine formal indifferentere Kategorie als ‚Periode‘ darstellt. Es

scheint einen direkten Zusammenhang zwischen Jarnachs Vermeidung der klassischen

thematisch-motivischen Arbeit und der weitgehenden Absenz des ‚Satz‘-Typus‘ in seiner

Thematik zu geben – nur zwei Themen weisen ein diesbezügliches Profil auf:

1. Streichquartett op. 16, 2. Satz, Melodie T. 347ff. (5 [2+2+1] Takte):

Entwicklungstyp, Achtelgruppenisolierung im fünften Takt•

kleiner Motivvorrat•

2. Rhapsodie für Violine und Klavier op. 20 Nr. 2, Thema im Klavier (6 1/2 Takte):

klassische Motivabspaltung•

sehr plastische Melodik, kunstvoller Kontrapunkt in der Violine•

wird ab dem vierten Takt diastematisch und rhythmisch unspezifisch•

IX.2.1.3 Der Fortspinnungs-Typus

Ein Fall für schnelle, motorische Sätze ist der barocke Fortspinnungstypus. In den unter-

suchten Kompositionen Philipp Jarnachs finden sich drei Beispiele dieser Themenform:

1. Sonate für Violine Solo op. 13, 3. Satz, 1. Thema (3 Takte):

sehr kurze Ausbreitung des Soggettos, allerdings in der Anmutung sehr barock und•

damit zur Gattung passend

2. Sonatina für Klavier op. 18, 2. Satz, Refrain (=A) (4 Takte):

Achtelpuls als Soggetto? Gleichförmigkeit mit Zacken•

Metrum durch Verschiebung der Oktavklänge unklar;•

schwaches Ende•

3. Sonatina für Klavier op. 18, 2. Satz, Couplet C (4 [2+2] Takte):

typische Fortspinnung mit Motivostinat•

diastematische Pendelbewegung, rhythmisch sehr gleichförmig•

verschleiertes Metrum•

310

IX.2.1.4 Freie Themenformen

Viele der Jarnachschen Themen sind kurz – drei von ihnen umfassen lediglich einen Takt

und funktionieren dennoch als thematische Substanz (diese im Umfang motivartigen The-

men ließ Guido Adler gelten – vgl. Tabelle in Kapitel IX.2.1): Es sind die Themenvarianten

aus dem ersten Satz des Streichquartetts op. 16 sowie das Akkord- und das Umspielungs-

motiv aus der ersten Rhapsodie op. 20. Vor allem in der Rhapsodie hat man es mit Grenz-

fällen zwischen Thema und Motiv zu tun – Jarnach ist hier weit auf dem Weg einer athe-

matischen Musik vorangeschritten.

Die weit überwiegende Zahl der Themen Jarnachs ist formal frei gestaltet und passt daher

in keine der hergebrachten Kategorien. Damit ist nicht gesagt, dass sie nicht auch unter

gewissen Gesichtspunkten zu ordnen wären – bloß sind die Ordnungskategorien in diesem

Fall allgemeinerer, beschreibender Art. Eine vergleichsweise große Gruppe von Themen

besitzt einen auffallend bogenförmigen Verlauf. Es sind dies Themen, welche meist einen

überdurchschnittlich großen Umfang aufweisen und sich durch eine besonders freie dia-

stematische und rhythmische Gestaltung auszeichnen. Einigen der bogenförmigen Themen

könnte man eine unverbindlich symmetrische Form zuschreiben. Aus der bogenförmigen

Anlage ergibt sich eine prinzipielle Unvereinbarkeit mit dem periodischen Bau, mit ‚Satz‘-

Typus sowie mit barocker Fortspinnung.

Als Paradebeispiel mag das erste Thema aus dem Kopfsatz der Solo-Violinsonate op. 13

gelten: Mit seinem weitgespannten Bogen über beinahe zwei Oktaven, dem ruhigen Duk-

tus, der Vielfalt rhythmischer Gestalten sowie mit seiner motivischen Homogenität steht es

beispielhaft für den Typ bogenförmiger Themen. Charakterlich sehr ähnlich spielt das ‚po-

lyphone Thema‘ aus der Burlesca op. 17 auf. Bemerkenswert sind hier zum einen der mit

der Hauptstimme eng verwobene Kontrapunkt, zum anderen die Betonung der formalen

Symmetrie durch die eingangs und am Ende platzierten ‚Embleme‘ aus vier Intervallen.

Beiden Themen aus op. 13 und 17 ist überdies die Verwendung kleiner, treppenartiger Mo-

tive sowie eine auffällige Unabhängigkeit vom zugrundeliegenden Metrum gemein – tat-

sächlich vermöchte ein Hörer kaum die notierten Taktarten dieser Themen wahrzunehmen.

Im langsamen Mittelteil des zweiten Satzes der Violinsonate op. 13 findet sich ein umfang-

reiches bogenförmiges Thema, welches als Irregularität einen zweimaligen (4+4-taktigen)

aufsteigenden Thementeil besitzt. Die Abwärtsbewegung wiederum besteht aus dreimal

drei Takten, die als motivische Sequenz ausgebildet sind. Auch in dieser melodisch weni-

ger frei gestalteten, metrisch gut eingebundenen Variante eines bogenförmigen Themas ist

eine treppenartige Diastematik anzutreffen.

Klassisch bogenförmig präsentiert sich auch die Gesangsstimmenmelodik der Strophen

eins und fünf aus dem Sichlein op. 15 Nr. 5. Die Aufwärtsbewegung verläuft in größeren

Intervallsprüngen, die Abwärtsbewegung dagegen kleinschrittig.

Einige Themen Jarnachs besitzen einen weniger streng ausgeführten bogenförmigen Ver-

lauf – so etwa die fünfte Themenvariante, der ‚potenzielle Seitensatz‘ aus dem ersten Satz

des Streichquartetts op. 16 (dieses Thema diffundiert noch in den zweiten Satz des Quar-

tetts sowie in den Nachsatz des ‚Siciliano-Themas‘ aus dem Kopfsatz von op. 18) oder

das erste Couplet aus dessen zweitem Satz. Einen Sonderfall beschreibt der Refrain aus

diesem Satz: Sein Gesamtverlauf ist bogenförmig (Auf- und Abgang sind in diesem Fall

stets räumlich getrennt), im Detail jedoch diastematisch unruhig und einen ‚Zickzackkurs‘

verfolgend.

311

Wie Gegenentwürfe zu den weiträumigen Bögen wirken die zahlreichen thematischen Ent-

würfe Jarnachs, deren diastematische Kleinschrittigkeit mit einem engen Ambitus und oft

punktierten rhythmischen Zellen kombiniert sind. Das dritte und vierte Couplet (c und d)

aus dem zweiten Satz des Streichquartetts gehören ebenso dazu wie das erste Thema aus

dem Kopfsatz der Sonatina op. 18 oder das Thema aus der dritten Rhapsodie op. 20. Von

den weiter oben eingeordneten Themen Jarnachs weisen das Hauptthema der Flötensona-

tine, die Themenvarianten aus dem Kopfsatz des Streichquartetts sowie die jeweils ersten

beiden Takte aus Vorder- und Nachsatz des ‚Siciliano-Themas‘ aus dem Schlusssatz der

Sonatina op. 18 ein kleinschrittiges Profil auf:

312

Einige Themen Jarnachs zeigen einen diastematisch torkelnden, meist abwärts gerichteten

Verlauf. Das früheste Beispiel findet sich in den Klavierzwischenspielen des Wunden Rit-

ters op. 15, und es ist zweifellos humorig konnotiert. Eng damit verwandt ist das erste The-

ma aus der Burlesca op. 17 – man kann hier von demselben musikalischen Einfall reden.

Im Sinne der musikalischen Textinterpretation gestaltet Jarnach die erste und letzte Strophe

aus der Rückkehr op. 15 Nr. 3 ‚schwankend‘, das heißt: mit vielen Richtungswechseln,

welche die schaukelnde Heimkehr auf einem Boot versinnbildlichen.

Wie in einem kleineren rhythmischen Maßstab abgebildet, gehört schließlich auch das ‚leb-

hafte Thema‘ aus der letzten der Rhapsodien op. 20 zu den ‚torkelnden‘ Themengestalten.

Eine letzte kleine Gruppe umfasst Themen, deren Melodik überwiegend linear in einer

Richtung verläuft – und zwar ebenfalls abwärts. Prominentestes Beispiel ist das Thema aus

dem Ballabile op. 17, welches durch seine zentral angeordnete, punktierte Wechselnote

eine Symmetrie andeutet. Mit ihm verwandt ist das zweite Couplet aus dem zweiten Satz

des Streichquartetts.

Der Überblick zeigt, dass die verschiedenen Arten Jarnachscher Themengestaltung durch-

aus in kein chronologisches Verhältnis gebracht werden können. Gerade der zweite Satz

des Streichquartetts op. 16 bietet mit seinen Couplets ein ganzes Kompendium der Gestal-

tungsarten. Als eigentümliche Schöpfung Philipp Jarnachs dürfen die großen, bogenförmig

angelegten Themenentwürfe gelten: Ihre feingliedrig irreguläre Anlage ist mit traditionel-

len Formen inkompatibel und setzt sich meistens auch über die metrischen Bindungen hin-

weg. Hier erreicht Jarnach jene formal gezügelte Freiheit, die in dem Konzept der ‚Jungen

Klassizität‘ Busonis vorformuliert ist.

IX.2.1.5 Musik ohne Themen

In einem Kapitel über die Thematik in Jarnachs Musik soll auch die Rede sein von dem

Bemühen des Komponisten, wenn schon nicht ganze Werke, so doch immerhin größere

Abschnitte daraus athematisch zu konzipieren. Diesbezügliche Bestrebungen datieren

bereits von den frühesten der hier untersuchten Kompositionen. So sind etwa die beiden

Durchführungsteile (= Scherzi) der Sonatine für Flöte und Klavier op. 12 im Klavierpart

motivisch sehr frei gestaltet – und auch die eingestreuten Ausschnitte aus dem ersten The-

ma in der Flöte geben diesen Passagen kaum eine thematisch bestimmte Prägung.

Ganz ähnlich verhält es sich mit dem Rahmenteilen aus dem zweiten Satz der Solo-Violin-

sonate op. 13: Das eingangs vorgestellte einzige Thema ist eher ein formales Alibi, als dass

es die beiden recht langen Abschnitte auch nur ansatzweise gliederte. Immerhin arbeitet

Jarnach hier mit einem überschaubaren Vorrat an kleineren, meist rhythmisch determinier-

ten Motiven – deren Abfolge allerdings eher willkürlich erscheint. In der Durchführung des

Schlusssatzes aus op. 13 verzichtet Jarnach nicht nur auf Thematisches, sondern eliminiert

auch das Motiv an sich.

Nach einem formal streng gehandhabten Beginn zerfasert der erste Satz des Streichquar-

tetts op. 16, ohne allerdings die Kategorien Thema, Motiv und deren Wiederholung wirk-

lich zu suspendieren. Das geschieht später, im als ‚Nachtstück‘ bezeichneten Abschnitt des

zweiten Satzes aus op. 16. Diese wiederholungslose Abfolge verschiedener Phasen gibt

einen besonders intensiven Vorgeschmack auf das themenlose Werk.

Von einem einzigen Thema ebenfalls nur unzureichend in Form gebracht, präsentiert sich

der Mittelteil des Ballabile op. 17. Neben dem Thema gibt es nur sehr wenige motivische

313

Kristallisationspunkte. Unter dem weiten Bogen, der sich zwischen Aufstellung und Repri-

se des einzigen Themas in der Sarabande op. 17 spannt, erklingt eine Menge Musik, die

ebenfalls ohne thematische Durchbildung auskommen muss. Die gelegentlich eingestreu-

ten, recht abstrakten Motivableitungen können dabei zumindest für den Hörer der Saraban-

de kaum eine Orientierungshilfe sein.

Eine besondere Form athematischer Musik findet sich gerade in der an Themen und Mo-

tiven so reichen Burlesca aus den Klavierstücken op. 17: ein zwölftaktiger, gleich auf das

einleitende Fanfarenmotto folgender Abschnitt besteht aus einer nicht gegliederten

Abfolge von Motiven, verzichtet auf eine formale Rundung und bildet doch einen

geschlossenen, überaus beredsamen Abschnitt des Werkes. Mit dieser, nach der Art eines

‚stream of con-sciousness‘ gestalteten musikalischen Prosa betritt Jarnach wirkliches

Neuland. Bemer-kenswert ist auch die materiell völlig unabhängige wie motivisch nahezu

evakuierte Presto-Stretta der Burlesca.

Die klassizistische, thematisch stark durchbildete Sonatina für Klavier op. 18 markiert hin-

gegen einen Rückschritt auf dem Weg zu einer athematischen Musik – wenn auch, quasi

als anarchisches Element, sich in der Reprise des Kopfsatzes ein seitenlanger Abschnitt

themenlos und materiell ungebunden eingeschlichen hat.

Den zweifellos weitesten Vorstoß in Richtung einer athematischen Musik unternimmt die

erste der Drei Rhapsodien op. 20. Die beiden (nicht zweifelsfrei als Themen sich verhal-

tenden) Motive sind entweder zu schwer erkennbar oder zu schwach, um die Komposition

aufzuschlüsseln. Wie im ‚Nachtstück‘ aus op. 16 bietet Jarnach dem Hörer auch hier nicht

mehr als eine unverbunden scheinende Abfolge von Abschnitten. So radikal wie die erste

sind die beiden anderen Rhapsodien mit ihren immerhin identifizierbaren Themen und de-

ren Wiederholungen auf Distanz nicht geraten.

IX.2.2 Die motivische Gestaltungsebene

Den Themen stellt Jarnach in einigen seiner Sätze kleinere musikalische Gestalten an die

Seite. Es sind in der Regel Dreitonmotive, die oft ein Bestandteil der Themen sind, aber

auch außerhalb ihrer ein reges Eigenleben führen können. In der Art ihres Einflusses auf

Form und musikalisches Geschehen unterscheiden sich die Dreitonmotive teils erheblich

voneinander; große Übereinstimmung gibt es demgegenüber in ihrer diastematischen Ge-

stalt: Die meisten Dreitonmotive bestehen aus den Intervallen Sekunde und Terz, die einen

Richtungswechsel formulieren.

Oft verschränken sich zwei Dreitonmotive zu viertönigen Gebilden. Im Fall des Streich-

quartetts op. 16 fehlt die dreitönige Ausgangsform ganz. Etwa zwei dutzend Mal erklingt

die Viertonfigur im ersten Satz des Quartetts in ihrer wichtigsten Variante (bestehend aus

einem Halbtonschritt abwärts, einer großen Terz aufwärts und einem Ganztonschritt auf-

wärts), dazu kommen noch zahlreiche, intervallisch minimal variierte Fassungen. Aku-

stisch mag das Viertonmotiv eine gewisse Wirkung entfalten, formbildend ist es aber nicht.

Bereits in der Sonatine für Flöte und Klavier op. 12 aus dem Jahr 1919 zog Jarnach mit

der Entwicklung des Dreitonmotivs aus Halbtonschritt und Terz eine zusätzliche Decke in

314

den Bau der Komposition ein. Die im Verlauf des Satzes beharrlich unternommenen und

in ihrer schrittweisen Annäherung an das geplante Ziel (die Montage des BACH-Motivs)

im Notentext gut nachvollziehbaren Operationen verschaffen der Form der Sonatine neben

dem Sonatensatz und der symmetrischen Anlage noch eine zusätzliche, linear angelegte

dritte Gestaltungsebene. Sie wird dem Hörer allerdings kaum zugänglich sein.

Eine ähnlich technische Verfahrensweise liegt in den Verkettungen zweiter Dreitonmotive

in der ersten der Drei Rhapsodien op. 20 vor – hier bestehen die Motive aus einem Halb-

tonschritt plus einem größeren Intervall samt Richtungsumkehr. Wieder wird das Motiv mit

seiner Krebsumkehrung kombiniert, das Ergebnis findet sich in den schnellen Aufgangs-

figuren sowie im Umspielungsmotiv. Auch das BACH-Motiv erscheint in diesem Zusam-

menhang; es ist jetzt allerdings eher ein natürliches Nebenprodukt denn das angestrebte

Ziel der Arbeiten. Insgesamt etwa 50 Einsätze des Dreitonmotivs werden von einer kräftig

artikulierten Motivapotheose kurz vor Schluss gekrönt.

In der Burlesca op. 17 ist ein Viertonmotiv anzutreffen, welches aus der Kombination

zweier identischer, wieder im Verhältnis von Grundgestalt und Krebsumkehrung stehender

Dreitonmotive aus Halbtonschritt und kleiner Terz besteht (die Intervalle sind mitunter ge-

ringfügig alteriert). Die beiden wichtigsten Gestalten des Klavierstücks, das erste Thema

und das polyphone Thema, weisen in ihrem jeweils mittleren Abschnitt eine Verkettung

mehrerer Viertonmotive auf. Dabei stehen die Motivketten der beiden Themen zueinander

im Krebsverhältnis. An der herausgehobenen Stellung des Viertonmotivs, das quantitativ

eine eher schwache Präsenz zeigt, gibt es nach einer zarten wie auffälligen Motivapotheose

genau in der Mitte der Burlesca keinen Zweifel mehr.

Im Gegensatz zu den meisten anderen Vertretern seiner Gattung ist das Dreitonmotiv aus

dem Kopfsatz der Sonatina op. 18 ein wirklicher Protagonist des musikalischen Gesche-

hens. Wie in der dritten Rhapsodie op. 20 ist es nicht bloß Bestandteil der Themen: Der zu-

nächst in einer Wechselnote bestehende Motivkopf des ersten Themas variiert in den mei-

sten seiner späteren Fassungen zu einem aus Sekunde und Terz bestehenden Dreitonmotiv

– häufig ist hier auch eine Verkettung mehrerer Motive anzutreffen. Dem diastematisch sta-

bilen zweiten Thema ist das Dreitonmotiv so fest eingeschrieben wie einem kleinen, aber

auffällig präsentierten symmetrischen Umspielungsmotiv. Wie in vergleichbaren Fällen

sind die genauen Intervallverhältnisse variabel. Neu ist indes, dass Jarnach die verschiede-

nen Versionen des Dreitonmotivs (von großer Sekunde plus kleiner Terz bis hin zu kleiner

Sekunde plus verminderter Quarte) sukzessive einführt.

Neben der Durchführung ist das Dreitonmotiv besonders in der Reprise des Kopfsatzes aus

op. 18 stark präsent: Im Zuge der sehr ausführlichen Liquidierung des Hauptthemas spielt

das Dreitonmotiv dort eine überragende Rolle. An beinahe zentraler Stelle des Satzes er-

klingt eine Gegenüberstellung zweier prominenter Versionen des Motivs, und schließlich

wird auch die harmonisch ungewöhnliche Schlusskadenz des Satzes mit einem Dreitonmo-

tiv eingeleitet.

Eine solche kaum zu überschätzende Bedeutung wie im ersten Satz von op. 18 erlangt ein

Viertonmotiv in der dritten Rhapsodie aus op. 20 nicht – dafür ist es einfach zu selten anzu-

treffen. Immerhin aber weisen sowohl das erste als auch das ‚lebhafte Thema‘ den interval-

lisch identischen Beginn aus Halbtonschritt aufwärts sowie großer Terz plus Halbtonschritt

abwärts auf.

315

Eine Sonderrolle übernimmt das viertönige Motiv aus den Anfangstakten der Sarabande

op. 17, und dies in zweierlei Hinsicht. Erstens besitzt es nicht den beinahe schon standardi-

sierten Umriss aus zwei Sekunden und mittig angeordneter Terz, und zweitens ist es nicht

bloß motivischer Bestandteil thematischer Gebilde, sondern konkreter musikalischer Gene-

rator einer Reihe von Motivvarianten. Eine solche formale Verantwortung übernimmt ein

solches Motiv nur hier.

Im Großen und Genzen mutet Jarnach den Drei- und Viertonmotiven auf formaler Ebene

nicht viel zu: Mit op. 12 und dem ersten Satz von op. 18 gewinnen gerade die bereits stark

durchformten Sonatensätze mit diesen Motiven eine zusätzliche Gestaltungsebene. Ihr Ein-

satz in den meisten Kompositionen reicht über den Status eines ‚motivischen Stichwortge-

bers‘ nicht hinaus, und ausgerechnet in den athematischen Kompositionen sind sie kaum

präsent.

Eine qualitative Chronologie in Hinblick auf Intensität und Qualität der Arbeit mit solchen

kurzen Motivzellen lässt sich schwer feststellen. Es scheint aber, als habe ihnen Jarnach

selbst schließlich nicht zugetraut, in einem tendenziell atonalen und athematischen Umfeld

formbildend wirken zu können.

Die frappierende Ähnlichkeit einiger thematisch-motivischer Gebilde Jarnachs beruht,

auch das zeigt sich nach einer vergleichen Gegenüberstellung, auf nichts anderem als sei-

ner Vorliebe für ein diastematisch standardisiertes Dreitonmotiv und seine Ableitungen.

IX.2.3 ‚Natürliche‘ Varianz und explizite Variantenbildung in den Themen

Jarnachs

Jarnach komponiert so gut wie niemals zwei identische Fassungen eines Themas oder Mo-

tivs. Als grundsätzlich variabel zeigen sich vor allem die Intervallgrößen im Detail470: Die

auftretenden Abweichungen sind allerdings in der Regel geringfügig, und schwer nach-

vollziehbare diastematische Transformationen sind im Bereich einer solchen ‚natürlichen

Varianz‘ sehr selten. Für den Rhythmus gelten ähnliche Variablen, doch lässt Jarnach den

Themenvarianten meistens ein rhythmisches Erkennungsmotiv wie etwa eine Punktierung.

Entscheidend bei der ‚natürlichen Varianz‘ ist die leichte Wiedererkennbarkeit der bloß

typisch streuenden Themen und Motive. Einige Themen sind bei ihrem ersten Erscheinen

noch nicht vollständig entfaltet. Manchmal gibt es eine endgültig oder perfekt empfundene

Fassung, bisweilen ist aber auch kein Urmodell zu identifizieren – damit wären dann alle

Themenvarianten prinzipiell gleichrangig. Die folgende Liste enthält Themen und Motive,

die im Verlauf der Komposition einer ‚natürlichen Varianz‘ unterliegen:

Sichlein- op. 15 Nr. 2: Beginn der ersten und der letzten Strophe entsprechen sich,

Fortführung anders (dennoch eindeutige Reprisenwirkung). Alle Strophenanfänge

mit verwandtem Rhythmus

Rückkehr- op. 15 Nr. 3, Wechselakkord-Motiv: Unterschiede in der Harmonik

470 Eine Ausnahme bildet die Gesangsstimmen-Melodik der Lieder op. 15 Nr. 1–3: Hier ist die Diastematik insgesamt

von großer Variabilität – und das bei ähnlichen rhythmischen Abläufen. Eine solche prinzipielle (wenn auch nicht streng

gehandhabte) Unabhängigkeit der beiden Parameter gibt es nur in op. 15.

316

Sarabande- op. 17 Nr. 2, Thema: Die zweite Fassung entbehrt den Nachsatz, Beglei-

tung und Rhythmus sind modifiziert

Burlesca- op. 17 Nr. 3, erstes Thema: diastematisch stabil, ist die zweite Fassung im

Metrum um eine Viertel nach vorn verschoben

Sonatina- op. 18, 3. Satz, Siciliano-Thema: zu Beginn exponierte, perfekte Urver-

sion; sehr stabile Melodik, die später aber an ihrem vollständigen Ablauf gehindert

wird; sukzessive Emanzipation des Begleitsatzes führt zur Liquidation des Themas;

‚erzwungene Variantenbildung‘

Rhapsodie- op. 20 Nr. 2, Thema: diastematisch fast exakte Transposition in der Re-

prise; Begleitsatz etwas verändert, Thema liegt statt im Klavier nun in der Violine

Rhapsodie- op. 20 Nr. 3, Thema: diastematisch stabil. In der Reprise mit völlig an-

derem Begleitsatz. Nur drei Durchgänge, davon einer in der Umkehrung

Rhapsodie- op. 20 Nr. 3, lebhaftes Thema: diastematisch labil, rhythmisch stabil;

kommt in vielen unvollständigen Varianten vor; keine erkennbar absichtsvolle Vari-

antenbildung

Nimmt der Hörer an der ‚natürlichen Varianz‘ die Veränderungen am Thema wahr, vermag

er bei den echten Themenvarianten ihre Verwandtschaft tendenziell erst im Nachhinein zu

rekonstruieren. Echte Themenvarianten erfordern eine Abstraktionsleistung des Hörers und

entziehen sich seiner Wahrnehmung sogar ganz.

Unbestreitbar besteht zwischen den beiden Kategorien ein fließender Übergang. Wann

muss eine Varianz als so groß angesehen werden, dass von ‚absichtlicher‘ Variantenbildung

gesprochen werden kann (wobei die Kategorie des Absichtsvollen kaum einen Sinn ergibt:

selbstverständlich sind alle kompositorischen Entscheidungen absichtsvoll getroffen wor-

den)? Hier die wichtigsten Kriterien für das Vorliegen einer echten Variantenbildung:

Rhythmus und/oder Diastematik sind dergestalt modifiziert, dass eine neue the-1.

matische Physiognomie entsteht

Es existieren mindestens drei verschiedene Varianten eines Themas2.

jede der Varianten hat mindestens zwei Auftritte, die sich als autarke Gestalten3.

einprägen

die Variantenbildung an sich ist formaler Bestandteil der Musik4.

Diese Voraussetzungen werden strenggenommen lediglich von zwei Variantenbildungen

erfüllt:

Streichquartett• op. 16, 1. Satz: Es ist kein Urmodell vorhanden, die Varianten sind

gleichberechtigt. Die Varianten sind aufgrund ihrer gut zu identifizierenden Wieder-

holungen, in denen auch die jeweiligen Begleitmuster bestehen bleiben, selbständi-

ge Protagonisten. Ihre formale Bedeutung zumindest für die ersten einhundert Takte

des Satzes ist nicht zu leugnen: Die thematische Vernetzung ist die einzige Halt ver-

mittelnde Instanz. Die Verwandtschaft der Themenvarianten vermag sich akustisch

zu vermitteln und wird im Notenvergleich sehr deutlich:

317

Konstante Elemente der Varianten sind: Tonwiederholungen, die meist punktiert

rhythmisiert sind sowie ein Wechselnotenmotiv, meist im Zusammenhang mit beid-

seitiger Umspielung des Zentraltons; Begleitung in akkordischer Viertelbewegung.

Differenzen: Rhythmus, genaue Diastematik, Positionierung der diastematischen

Eckpfeiler im Takt.

Sarabande• op. 17 Nr. 2: Varianten des chromatischen Viertonmotivs: Es gibt fünf

Varianten, die auf dem chromatischen Urmotiv in T. 1 basieren:

318

Die diastematische Verwandtschaft zum Urmotiv ist unterschiedlich nah, jedoch nicht

chronologisch geordnet (die Varianten A und besonders E sind weit entfernt, C dagegen ist

eng verwandt). Mit Ausnahme von E sind alle Varianten kompakt akkordisch gesetzt. Die

Anordnung der Motivvarianten (A-B-C-B-D-B-A-E-E) überspringt die durch das Tempo

markierte Dreiteiligkeit des Klavierstücks, sie formulieren einen eher untergründigen

materiellen Zusammenhalt; einige Varianten sind sehr schwer als Ableitung des Urmotivs

zu identifizieren. Gemeinsamkeiten: engstufige, kreisende Diastematik; Punktierungen

(Urmotiv, A, C, E). Unterschiede: genaue Diastematik; Harmonik der Akkordumrisse;

Begleitungsmodalitäten.

Es gibt Themen, deren Flexibilität an der Grenze zwischen ‚natürlicher‘ und ‚absichtsvol-

ler‘ Variantenbildung liegt. Dazu gehören das erste Thema aus dem ersten Satz der Sona-

tina op. 18: Hier bietet sich eine an Charaktervariationen erinnernde Fülle unterschiedlich

beleuchteter, hinsichtlich der Hauptstimme aber relativ stabiler Themenvarianten. Es exi-

stiert keine plausible Urversion; der ersten, sehr schlüssigen Fassung mit Sekundschritt in

der Mitte stehen deutlich mehr Varianten mit charakteristischem Terzfall gegenüber. Va-

riation findet hauptsächlich über die unterschiedliche Begleitung statt. Der Rhythmus mit

seinen Achtelpunktierungen erweist sich als stabil. Bereits die Exposition zeigt thematisch-

motivische Abspaltungen. Es gibt keine strukturelle Bedeutung der Variantenbildung – sie

formuliert lediglich einen großen ersten Themenkomplex. Der Hörer wird an den Varianten

eher die Abweichungen konstatieren.

Zwischen natürlicher und absichtsvoller Varianz halten sich auch derRefrain sowie die

Couplets B und C aus dem Mittelsatz der Sonatina op.18 auf: Alle Themen (je vier Varian-

ten vom Refrain und von B, zwei von C) sind sofort wiederzuerkennen. Unterschiede zwi-

schen den Varianten finden sich überwiegend in den Begleitungen.

Einen Sonderfall stellt das erste Thema aus der Sonatine für Flöte und Klavier op. 12 dar.

Diastematik und Rhythmus des Themas präsentieren sich ziemlich stabil, werden aber in

sehr viele unterschiedliche Zusammenhänge (homophon, polyphone Engführung) gestellt.

Es ist dies jedoch eher eine vorbereitende thematisch-motivische Arbeit im traditionellen

Sinn denn eine Variantenbildung im Jarnachschen Sinn.

In dieser Hinsicht ähnlich verhält es sich mit den Varianten des ersten Couplets aus dem

zweiten Satz des Streichquartetts op. 16: Sie weisen Abspaltung von Motivteilen, Extrakti-

319

on des Rhythmus’ sowie die Modifizierung und Verselbständigung der Begleitung auf. Das

sind schon ziemlich weit in den Bereich der thematisch-motivischen Arbeit hineinreichen-

de Manipulationen, die hier die intakte Wiederkehr des Coupletthemas verhindern.

Neben den mehr oder weniger stark variierten Themen finden sich in Jarnachs Kompositio-

nen immer wieder auch besonders stabile Themengestalten. Interessanterweise fallen drei

Seitensätze unter diese Kategorie, nämlich die zweiten Themen in der Flötensonatine op.

12, im Kopfsatz der Violinsonate op. 13 und im ersten Satz der Sonatina op. 18. Von großer

Festigkeit sind daneben die Themen und Motive im ‚langsamen‘ Mittelteil aus dem zwei-

ten Satz von op. 13 sowie sämtliche Themen (auch aus Überleitung und Schlussgruppe).

Weitgehend resistent gegenüber Veränderungen schließlich sind das Zwischenspiel-Motiv

aus dem Wunden Ritter op. 15 Nr. 4 und das Thema aus dem Ballabile op. 17 Nr. 1.

Die Variantenbildung in den Kompositionen Philipp Jarnachs vollzieht sich auf zwei Ebe-

nen. Als ‚natürliche Varianz‘ der Themen und Motive ist sie grundsätzliches Prinzip fast

aller hier untersuchten Werke; ihr sind vor allem in den früheren Kompositionen einige, die

Ausnahmen der Regel bestätigende Themen von stabilerem Umriss an die Seite gestellt.

Die explizite Variantenbildung betrifft im engeren Sinn nur zwei Kompositionen: Im er-

sten, intakten Drittel des Kopfsatzes aus dem Streichquartett lastet die gesamte formale

Verantwortung auf der Variantenbildung, in der Sarabande op. 17 bildet sie eine zusätzli-

che formale Ebene unterhalb der gut wahrnehmbaren, auf Temporelation und Reprisenwir-

kung des Themas beruhenden ABA-Anlage.

IX.3 Die Form in der Musik Philipp Jarnachs

„Will ich Musik gestalten, so darf ich nicht die

formale Verantwortung auf überlieferte Schemen

schieben; sondern ich muss diese Verantwortung

selber tragen. […] In der Musik gilt nur die Logik

des Gefühls.“471

„Wer ihn [Busoni] verstanden hatte, lernte die Form

nicht als Gerüst, sondern als Erlebnis zu sehen,

Ebenmaß der Proportion und Ökonomie im Aus-

druck als Gefühl zu werten.“472

Philipp Jarnach komponierte zahlreiche Werke in der dreiteiligen Liedform, er stand in ei-

ner sehr produktiven Beziehung zur Sonatenhauptsatzform, und auch ein Rondo findet sich

unter den hier untersuchten Kompositionen. Ist das nicht ein Widerspruch zu den oben wie-

dergegebenen Aussagen, in denen die traditionelle Form als ‚Schema‘ und ‚Gerüst‘ negativ

konnotiert erscheint? Nun ist die schlichte ABA-Form beinahe der kleinste Nenner, auf den

sich ein musikalischer Ablauf mit nicht ausschließlich identischen Ingredienzien bringen

471 Jarnach: Das Romanische in der Musik (1924). In: JS, S. 172.

472 Jarnach: Bemerkungen zur Kunst Busonis (1932). In: JS, S. 44.

lässt. Wer die dreiteilige Liedform verschmäht, begibt sich unter anderem des wichtigsten

psychologischen Formungsinstruments, welches der Zeitkunst Musik zur Verfügung steht:

der Wiederholung bekannter Elemente auf Distanz.

Anders verhält es sich mit der Verwendung der Sonatenhauptsatzform: Bestens mit ihren

Gesetzlichkeiten vertraut, fand Jarnach verschiedene Möglichkeiten einer kompositori-

schen ‚Kommentierung‘. Ob dabei immer auch das ‚Wesen‘ oder die ‚Essenz‘ dieser for-

malen Errungenschaft getroffen wurde, soll in diesem Kapitel dikutiert werden.

Formung schließlich wird nicht nur auf der Makroebene betrieben. Eine Komposition

wird nicht nur von der großen Klammer zusammengehalten; oft existiert ein organischer

Zusammenhang ihrer Teile, dessen Gesetzmäßigkeiten sich vorwiegend auf der Mikroebe-

ne erschließen. Hier zeigt sich denn auch Jarnachs Versuch einer materiellen Vernetzung

musikalischer Strukturen. Er ist längst nicht so stark systematisiert wie etwa die Zwölfton-

technik, welche unter der Oberfläche von Schönbergs Suiten- oder Sonatensätzen operiert;

immerhin aber vermögen Jarnachs Variantenbildung oder das Arbeiten mit Kürzestmotiven

die traditionelle Form zu bereichern oder auch zu unterlaufen.

Die folgende Zuordnung der Kompositionen Jarnachs zu diesem oder jenem Formtypus

konnte, bedingt durch die ästhetisch gewollte formale Unschärfe vieler Werke, nicht gänz-

lich ohne Gewalt geschehen. Viele der Sätze halten sich im Übergang von der noch erkenn-

bar traditionellen Form zur freien, sich eigengesetzlich entwickelnden Formung auf. Es

erschien mir indes wichtig, formale Verwandtschaftsbeziehungen durch eben diese Art der

Gruppierung aufzuzeigen.

IX.3.1 Der Umgang mit traditionellen Formen

IX.3.1.1 Die ABA-Form: der kleinste Nenner

Die ABA-Form konstituiert sich über das Vorhandensein zweier musikalisch unterschiedli-

cher Teile sowie durch die rundende Wiederkehr des ersten Teils. Jarnachs dreiteilige Lied-

formen entsprechen stets dem formal erweiterten Typus (eine Ausnahme bildet das Lied

vom Meer op. 15 Nr. 1, in welchem eine einfache dreiteilige Liedform auch gegen textliche

Widerstände etabliert wird). Durch parallel verlaufende, lineare formale Vorgänge bricht

Jarnach in einigen seiner Sätze den prinzipiell statischen Charakter der ABA-Form.

Unüberhörbar ist die dreiteilige Form im Mittelsatz der Solo-Violinsonate op. 13. Diese

Wahrnehmung basiert zunächst auf dem (auskomponierten) Tempogegensatz der Teile

sowie der völligen motivischen Autarkie des langsamen Mittelteils. Dieser selbst formu-

liert den doppelten Kursus eines wiederum aba-symmetrischen, knappen Motivhaushalts,

während die Außenteile des Satzes zwar rondoartig anmuten, in Wirklichkeit jedoch aus

einer ziemlich freien, funktional nicht hierarchisierten Abfolge von Thema und Motiven

bestehen. Die Thematik dieses Satzes ist schwach ausgeprägt. Unterschwellig vernetzend

wirken das ‚harmonische Wasserzeichen‘ in den A-Teilen sowie der ‚Zentralklang‘ g-Moll

im Mittelteil. Die wahrnehmbare Formung dürfte sich bei diesem Satz aus op. 13 aber den-

noch auf die dreiteilige Liedform beschränken.

320

321

Der zweite Satz des Streichquartetts op. 16 ist in gewisser Weise eine Weiterentwicklung

der Formkonzeption aus dem Mittelsatz der Violinsonate op. 13: Beide Sätze formulieren

eine motivisch stark erweiterte ABA-Anlage, in beiden Fällen scheint in den Rahmenteilen

ein Rondo vorzuliegen, hier wie dort ist der Mittelteil motivisch und charakterlich sehr

stark von den Rahmenteilen unterschieden. Freilich distanziert der Streichquartettsatz sein

Vorbild durch einen weitaus größeren und plastischeren Motivvorrat und eine naturgemäß

komplexere Satzstruktur. Als eine weitere formale Ausdifferenzierung kann gelten, dass

sich in diesem zweiten Satz des Streichquartetts stets mehrere Motive zu größeren Kom-

plexen zusammenschließen; nur teilweise kann sich die Disposition der Motivkomplexe in

die Reprise halten: Die meisten von ihnen brechen auseinander. Es wurde bereits in Kapitel

V.3.1 dargelegt, dass Jarnachs eigene Formbeschreibung des Quartettsatzes als ‚Rondoso-

nate‘ der Analyse nicht standhält – Gleiches gilt für Aussage, der zweite A-Teil fungiere

eher als Durchführung denn als Reprise. Es scheint vielmehr, als berste die Form der Re-

prise unter der Reichhaltigkeit der Themen und Motive.

Wie im zweiten Satz von op. 13 ist auch hier im zweiten Satz des Streichquartetts der Mit-

telteil musikalisch völlig autark. Dieses ‚Nachtstück‘ verdient darüber hinaus besonderes

Interesse, weil seine wiederholungsfreie Reihung von kurzen Abschnitten streng athema-

tisch gehalten ist.

Ein gänzlich anderes Verhältnis von Rahmenteil und Mittelteil präsentiert sich im ersten der

Drei Klavierstücke op. 17. In der Folge Lento – Allegro vivo – Come al Principio herrscht

gegenüber dem Mittelsatz aus op. 13 die umgekehrte Tempodisposition. Aus der

quantitativen Dominanz des schnellen Mittelteils zu schließen, das Ballabile bestünde aus

einem Hauptteil plus langsamer Einleitung und Coda, wäre indes falsch. Jarnach exponiert

nämlich in den ersten sechs Takten ein Protothema, dessen zwei Hauptmotive im Mittel-teil

einer gesonderten Verarbeitung zugeführt werden: Aus der Hauptstimme in der linken

Hand wird dort das einzige richtige Thema des Ballabile, und die kleinschrittig um sich

selbst kreisende Oberstimme bringt ebenfalls im Mittelteil kleinere Motive hervor. Deren

Profile sind allerdings derart schwach, die Motive mithin so flüchtig, dass sie die Komposi-

tion nicht durchbilden helfen. Diese ruht letztlich nur auf der ABA-Form.

Die Versuchsanordnung mit einem die musikalischen ‚Generatoren‘ bereits enthaltenden

Protothema findet sich gleich anschließend in der Sarabande op. 17 wieder. Zum einen lei-

tet Jarnach aus den motivisch diffusen Anfangstakten ein echtes Thema ab, dessen Erschei-

nen den langsamen Rahmenteilen vorbehalten ist. Andererseits gewinnt er aus dem chro-

matischen Viertonmotiv der Bassstimme eine ganze Reihe größer angelegter Varianten, die

im Verlauf der Sarabande sukzessive auftreten. Die gegenüber dem Ballabile zu verzeich-

nende Konkretisierung und Intensivierung der Variantenbildung produziert hier allerdings

eine wirklich autarke Gestaltungsebene neben der dreiteiligen Liedform. Wahrnehmbar ist

die Variantenbildung aufgrund der Abstraktheit der Motivableitungen nur bedingt. Mehrere

Codas verzerren die Proportionen der ABA-Form.

Eine extreme Überformung einer dreiteiligen Liedform findet sich im Schlusssatz der So-

natina op. 18. Zunächst manifestiert sich die Dreiteiligkeit hier nicht über das Tempo, son-

dern schlicht motivisch: Das Siciliano-Thema des ersten A-Teils steht in scharfem Kontrast

zur melodiösen wie harmonischen Monochromie des Mittelteilbeginns. Neu ist hier, dass

Jarnach am Satzbeginn eine vollendete, quasi ‚gültige‘ Fassung des Themas exponiert, um

im letzten Satzdrittel dessen Liquidation zu thematisieren.

322

Die fortschreitende Erosion des Siciliano-Themas – auf rhythmischer Ebene durch die In-

filtration punktierter Sechzehntelzellen, in diastematischer Hinsicht durch eine Erstarrung –

ist eine lineare Entwicklung, welche der zyklischen ABA-Anlage zuwiderläuft. All dies ist

die Folge einer materiellen Diffusion über die Abschnittsgrenzen hinweg.

Jarnachs Anverwandlung der dreiteiligen Liedform dürfte von der Möglichkeit motiviert

sein, Wiederholungen auf Distanz zu komponieren und damit wenigstens architektonische

Grundpfeiler aufzustellen. Bei seinen Sätzen handelt es sich überwiegend um stark er-

weiterte Formmodelle, in einigen findet eine Überformung durch nichtzyklische formale

Verläufe statt. Die Wahrnehmung des jeweiligen ABA-Schemas ist durch keine dieser Ope-

rationen gefährdet.

IX.3.1.2 Das Rondo: der Ausnahmefall

Rondoartige Motivdispositionen sind bereits im zweiten Satz der Solo-Violinsonate op. 13

sowie, bereits deutlicher mit thematischen Qualitäten ausgestattet, im zweiten Satz des

Streichquartetts op. 16 anzutreffen. Beide Male aber war die Rondoform nicht mehr als ein

oberflächlicher Eindruck, welcher der Analyse nicht standhalten konnte.

Indes könnten die Verhältnisse im zweiten Satz der Sonatina op. 18 nicht klarer sein. Der

Formaufriss A-B-C-B-A D A-B-C-B-A legt die Interpretation als Sonatenrondo nahe, und

in der Tat könnte der (allerdings sehr knapp geschnittene) Formteil D als Durchführung

gelten. Auch die rhythmisch wie diastematisch fest umrissenen Couplets und der ebenso

prägnante Refrain tragen dazu bei, diesen Satz zum transparentesten aller in dieser Arbeit

behandelten Sätze zu machen. Sein Scherzo-Charakter fügt sich perfekt in die klassizisti-

sche Gesamtdisposition der Sonatina ein.

IX.3.1.3 Der Sonatenhauptsatz: gespannte Verhältnisse

„Die alte Sonate stützt sich, es ist wahr, auf das Prinzip

der tonalen Einheit; wird dieses aufgegeben, so bleibt das

kon-struktive Element zurück [...].“473

Hier sei sie noch einmal zur Erinnerung angeführt: Jarnachs Äußerung zur Sonatenform in

nach-tonalen (mithin auf die formbildende Kraft einer tonalen Disposition verzichtenden)

Zeiten. In Bezug auf Jarnachs Musik stellen sich die folgenden zwei Fragen: Ist in den

Kompositionen Jarnachs das „Prinzip der tonalen Einheit“ aufgegeben? Und wenn das der

Fall ist: Worin besteht das „konstruktive Element“ in seiner Musik?

Von der frühen Sonatine für Flöte und Klavier op. 12 mag man in diesem Zusammenhang

zunächst nicht die größten formalen Innovationen erwarten. Tatsächlich aber überrascht

gerade diese liebenswürdige, gern für ein Nebenwerk Jarnachs angesehene Komposition

mit einer sehr interessanten formalen Mehrschichtigkeit. Zum einen ist da eine fast perfekt

angelegte, vielteilige symmetrische Form, auf der anderen Seite aber eben die funktional

ganz stringent ausgeführte Sonatenhauptsatzform samt einer ungemein klassisch formu-

473 Philipp Jarnach: Die zeitgenössische Musik in Deutschland und Österreich (1924). In: Jers S. 144.

323

lierten Themendualität, deren tonale Disposition sogar noch dem alten Tonika-Dominant-

Schema entspricht – und das inklusive der traditionellen Transposition des Seitenthemas in

der Reprise. Die Kombination der symmetrischen mit der Sonatenhauptsatzform bedingt

die Positionierung des Expositions-Seitensatzes zwischen zwei Durchführungsteilen, deren

Gegenstand – und dies ist die zweite Einschränkung – lediglich das erste Thema ist. Dieser

Sonatensatz ist insgesamt nicht wirklich dialektisch angelegt, schließlich ist das zweite

Thema in seiner Präsenz recht episodenhaft. Eine dritte, wiederum parallel geführte Gestal-

tungsebene hat die Dreitonmotive zum Thema und ist entwicklungsartig linear konzipiert

– das Ziel ist die Herstellung der Tonfolge b-a-c-h.

Im direkten Vergleich ist der Kopfsatz aus der Solo-Violinsonate op. 13 konventioneller

geformt. Was dem Ohr beim ersten Hören aufgrund eines verschleierten Reprisenein-

satzes noch verborgen bleiben mag, offenbart die Analyse: Der Satz entspricht einem

ganz regelmäßigen Sonatensatzschema: selbst die sekundären Formteile Überleitung und

Schlussgruppe sind in Exposition und Reprise vorhanden. Und wenn die Themen auch

nicht die Prägnanz derjenigen in der Flötensonatine erreichen, so besteht doch zwischen

den beiden Protagonisten ein sorgfältig konzipiertes Gegensatzverhältnis.

Auch im Schlusssatz der Violinsonate op. 13 greift Jarnach auf den Sonatenhauptsatz zu-

rück. Allerdings sind hier die parodistischen Absichten des Komponisten schwer zu über-

hören: Das Hauptthema kommt sehr markig daher, das lyrische zweite Thema fast über-

trieben süßlich; da ein dominantisches Spannungsverhältnis zwischen den Themen nicht

besteht, belässt es Jarnach in der Reprise zwar beim ursprünglichen tonartlichen Abstand

– allerdings findet sich im Gegenzug dazu gleich die gesamte Reprise um eine Quinte tiefer

transponiert. Schließlich bringt die Durchführung keine thematisch-motivische Arbeit her-

vor, sondern ausschließlich Arpeggien. Die Weigerung, das formale Zentrum einer Sonate

mit dem auszustatten, was nach dem Abgesang der Tonalität einzig als ‚konstruktives Ele-

ment‘ gelten könnte, sondern im Gegenteil mit einer harmonischen Allerweltsformel: Sie

wirkt nun einmal komisch.

Der Kopfsatz der Sonatina op. 18 ist noch einmal ein spätes Exempel einer Jarnachschen

Sonatenform. Eine Neuinterpretation der traditionellen Form bleibt allerdings aus: Jarnach

liefert zwei kontrastierende Themen, eine Durchführung mit beinahe schulmäßig ausge-

führter thematisch-motivischer Arbeit (eine außergewöhnliche Seltenheit bei Jarnach) so-

wie Tonartenverhältnisse nach alter Art. Was aber ist dies anderes als die von Jarnach wie-

derholt abgewertete ‚Gerüstform‘? Die Modifikationen am und Ergänzungen zum Schema

betreffen eine diastematische Verwandtschaft beider Themen sowie die aus der Sonatine

op. 12 bekannte Variantenbildung des ersten Themas, die in der Reprise allerdings zur Li-

quidation desselben fortgeführt werden. Ähnlich wie in der Flötensonatine zeigt sich das

zweite Thema in seiner Gestalt nahezu unveränderlich und bleibt, gerade im Vergleich zum

Hauptsatz, episodenhaft.

Jarnachs außergewöhnlich konservative Adaption der Sonatenhauptsatzform muss ange-

sichts seiner Äußerungen zu diesem Thema verwundern. Lediglich in einem seiner vier

Sonatenhauptsätze wird völlig auf die traditionelle Tonartendisposition verzichtet. Ein

ähnlich traditionelles Bild bietet sich bei der Themengestaltung sowie bei der Faktur der

Durchführungen.

Andererseits bieten diese Sätze durchaus neue ‚konstruktive Elemente‘ auf. Die beiden

gewichtigsten Sonatensätze (op. 12 sowie der Kopfsatz von op. 18) zeigen in doppelter

Hinsicht monothematische Züge: In beiden Sätzen bestehen motivische Verwandtschafts-

verhältnisse zwischen Haupt- und Seitensatz, in beiden Fällen liegen die jeweils ersten

Themen in großen Komplexen vor, während die jeweils zweiten Themen knapp abgehan-

delt werden. Diese Eigenschaften sowie der episodenhafte Charakter der jeweiligen Seiten-

sätze (vergleiche auch op. 13, 3. Satz) und das Fehlen einer echten thematisch-motivischen

Dialektik verweisen weniger auf den Beethovenschen als auf den frühklassischen Sonaten-

typus.

Die bei Jarnach häufig anzutreffende Variantenbildung oder die Arbeit mit Drei- oder Vier-

tonmotiven (siehe Kap. IX.2.2) betreffen allerdings die Mikroebene und lassen das alther-

gebrachte Formschema vor allem nach außen hin unangetastet. Interessant ist, dass mit der

Flötensonatine op. 12 gerade die früheste der hier untersuchten Kompositionen die phanta-

sievollste Variation des alten Formmodells vorstellt.

IX.3.2 Die Etablierung eigener Formgesetze

IX.3.2.1 Symmetrische Formen

Zu Beginn dieses Abschnitts über freie Formen steht eine Komposition, die mit zahlreichen

und für Jarnachs Verhältnisse plastischen Gestalten ausgestattet ist, diese jedoch unge-

wöhnlich frei und beziehungslos disponiert. Die Rede ist von der Burlesca aus den Drei

Klavierstücken op. 17. Der einigermaßen symmetrische Formaufriss A-B-C-D-B’-A’ +

Stretta markiert zunächst nur Abschnitte mit einer bestimmten Motivausstattung. Funktio-

nale Bezüge zwischen den Abschnitten gibt es hingegen nicht, ebenso wenig thematisch-

motivische Arbeit. In der munteren Aneinanderreihung der Themen und Motive erinnert

die Burlesca an eine Potpourri-Ouvertüre.

Verbindlicher ist demgegenüber die kurze, übersichtliche zweite Rhapsodie aus op. 20

gestaltet. In einem langen Hauptteil sind ein richtiges Thema sowie mehrere Motive sym-

metrisch angeordnet, allein die Reprise einer kurzen Ostinato-Passage ist in die langsame

Coda verlagert.

IX.3.2.2 Die zerbrochene Form

Es ist bekannt, dass Jarnach im Zuge einer Revision des Kopfsatzes seines Streichquartetts

op. 16 lediglich die ersten einhundert Takte unverändert übernahm, die übrigen knapp 250

Takte aber gründlich überarbeitete. Die Folgen dieser Überarbeitung, an der die ursprüngli-

che Form entzweigegangen zu sein scheint, sind der Partitur sehr deutlich abzulesen.

In der Druckfassung von 1924 liegt ein gigantischer erster Satz vor, dessen knappes erstes

Drittel (wenngleich keineswegs homogen in der Anlage) von einem umfangreichen Ent-

wurf Zeugnis ablegen. Gegenstand der erheblichen kompositorischen Anstrengung ist die

Exposition von fünf Themenvarianten. Weder will eine von ihnen Urmodell sein, noch gibt

es eine räumliche Ordnung nach Verwandtschaftsgraden. Zwischen den zahlreichen Ein-

sätzen der Themenvarianten existieren, beinahe versteckt, ein chromatisches Motiv sowie

die Andeutung eines Seitensatzes – Letzterer bekommt just in Takt 101 einen großen Auf-

tritt. Ein Motto gibt es auch noch: Es leitet den Satz ein, und es erfährt eine so aufwendig

hergestellte wie schwer wahrnehmbare Reprise, die allerdings bloß als Einleitung zu einer

Coda fungiert. Ein viertöniges Motiv schließlich soll nicht unterschlagen werden, dessen

324

325

Existenz kaum bemerkt werden dürfte und das zur Formbildung zu wenig beiträgt. Für die

Herstellung eines architektonischen Gleichgewichts muss allein das Motto einstehen, mit

der Entwicklung der Themenvarianten – so kurz sie denn formbildend sein dürfen – schafft

Jarnach ein dynamisches Gleichgewicht.

Weite Teile des Kopfsatzes aus op. 16 müssen ohne Themen(varianten), oft sogar ohne

präg nante Motive auskommen. Das heißt nicht, dass diese musikalische Prosa etwa Leer-

lauf bedeutete, im Gegenteil: Eine gut kalkulierte Dramaturgie sowie eine abwechslungs-

reiche Folge verschiedener Satzcharaktere fesseln den Hörer. Allein: Wirksame ‚Formung‘

im architektonischen Sinn findet nach Takt 100 kaum noch statt. Statt eindeutiger musikali-

scher Gravitationszentren erlebt der Hörer eine Reihung von Abschnitten.

Die große Diskrepanz zwischen den formal so stringent gestalteten ersten hundert Takten

und dem langen, formal unschlüssigen ‚Abgesang‘ dieses Satzes legt die Vermutung nahe,

dass diese Art einer formalen Ungebundenheit nicht absichtsvoll entstanden ist.

Gegen eine solche Deutung als ‚zerbrochene Form‘ spricht lediglich ein recht ähnlicher

Formaufriss der ersten Rhapsodie für Violine und Klavier aus op. 20. Die Dinge sind hier

nur etwas anders gelagert: In dieser Rhapsodie deutet eine außerordentlich dicht gewirkte

Materialexposition eine neue Schreibweise Jarnachs an. Allerdings verwirklicht sich die-

ses integrale Formkonzept im weiteren Verlauf der Rhapsodie nicht – auch hier folgt eine

Reihung untereinander kaum verbundener Abschnitte, welche kaum mit nennenswerten

thematischen oder motivischen Gebilden aufwarten können. Und da auch die Arbeiten am

Dreitonmotiv klanglich eher unbemerkt vonstattengehen, muss eine solche freie Form so-

gar ohne Wiederholungen auf Distanz auskommen. Es ist dies eine der formal avancierte-

sten Kompositionen Jarnachs.

IX.3.2.3 Die ungebundene Reihungsform mit traditionellen Elementen

Im Fall der Rhapsodie op. 20 Nr. 3 wählte Jarnach einen pragmatisch anmutenden Weg: Er

versah die an sich freie Reihungsform mit einem Rahmen korrespondierender Abschnitte,

in denen das einzige echte Thema der Komposition präsentiert wird. Die klanglich sehr

explizite Reprise sorgt dafür, dass dieser Rahmen auch von jedem Hörer wahrgenommen

wird.

Es existiert zum Thema ein motivischer Gegenentwurf, der aber formal keine Ausstrah-

lungskraft besitzt; nur im zweiten kurzen Abschnitt kommt es zu einer ganz vage durchfüh-

rungsartigen Konfrontation der beiden ungleichen Protagonisten. Als Neuerung kann die

an den Übergangsstellen der Abschnitte zu beobachtende motivische Verzahnung gelten.

Dagegen war das Moment der motivischen Evolution und Umbildung bereits in den beiden

ersten Rhapsodien aus op. 20 zu beobachten.

Einen Sonderfall beschreiben in Fragen der formalen Gestaltung naturgemäß Liedkompo-

sitionen. Oft ist ihre Form durch den Text vorgegeben, sei es durch eine strenge Strophen-

form oder die durchkomponierte Umsetzung eines formal ungebundeneren Textes. In den

mittleren drei der fünf Gesänge op. 15 kombiniert Jarnach einen sehr einheitlichen Klavier-

satz mit einer weitgehend wiederholungsfreien Melodik in der Singstimme; in allen drei

Liedern – dem Sichlein, in der Rückkehr und im Wunden Ritter, gibt es eher zart angedeu-

tete Reprisen in den jeweils letzten Strophen.

Sichlein und Rückkehr wirken musikalisch außerordentlich redundant – es ist dies aller-

dings ein Eindruck, der lediglich auf abstrakten melodischen Korrespondenzen (Kopfmoti-

ve in op. 15 Nr. 2) sowie der Wiederholung kleiner rhythmischer Motive beruht.

IX.3.2.4 Formale Eigenheiten: Die Codas bei Jarnach

Fast alle hier untersuchten Kompositionen besitzen ein ruhiges Nachspiel. Oft sind es nur

wenige Takte, die wie in der Sonatine für Flöte und Klavier op. 12 (T. 206ff.), im Balla-

bile op. 17 (T. 165ff.), am Ende des ersten Satzes von op. 18 (T. 200ff.) oder in der ersten

Rhapsodie op. 20 (T. 46ff.) einen verklärenden ‚Epilog‘ formulieren, welcher einen Teil

des motivischen Materials noch einmal aufleuchten lässt. Jarnach ist diesem Konzept des

‚Ausklingens‘ über die Jahre treu geblieben.

Andere schlussbildende Formteile sind größer angelegt und verdienen eher die Bezeich-

nung einer Coda. So etwa die letzten Takte (T. 320ff.) des ersten Satzes aus dem Streich-

quartett op. 16 oder die Coda aus der zweiten Rhapsodie op. 20 mit ihrer Reprise des Osti-

natos.

Gelegentlich äußert sich der mit einer Coda assoziierte Spannungsabfall nicht unbedingt

am Schluss eines Satzes. Jarnach implementiert explizite Codas zum Beispiel vor der

Schlussgruppe einer Reprise (op. 13, erster Satz, T. 40–47) oder direkt nach dem Repri-

seneinsatz (op. 16, erster Satz, T. 268–280). Im ersten Satz der Sonatina op. 18 besitzt die

abschließende Liquidation des Themas einen recht deutlichen Coda-Charakter. Einen Son-

derfall beschreiben die aneinandergereihten Codas in der Sarabande op. 17: Jarnach lässt

einige Möglichkeiten aus, ein Satzende zu formulieren: Die Fortführungen in T. 79ff. und

94ff. sind charakterlich jedenfalls als Codas ausgebildet.

Eine letzte Gruppe von Schlussteilen bilden die Stretten. Solche finden sich am Ende des

zweiten Satzes des Streichquartetts op. 16 sowie in der Burlesca op. 17. Die letztgenann-

te Stretta umfasst mehr als ein Viertel des Klavierstücks und ist, wie auch diejenige im

Streichquartett, materiell autark und hauptsächlich auf einen Achtel-Bewegungsimpuls

abgestellt.

IX.3.3 Harmonik und Form

Viele der Werke und Sätze zwischen op. 12 und op. 20 sind mit einem tonartlichen Rahmen

ausgestattet. In den meisten Fällen ist er Behauptung oder Anachronismus, denn im Innern

sind die Kompositionen freitonal harmonisiert. Es gibt einige wenige Fälle, in denen Jar-

nach eine weitergehende Tonartendisposition entworfen hat.

Das harmonisch recht konventionell gestaltete Lied vom Meer beispielsweise erfährt eine

Akzentuierung seiner ABA-Form durch die Harmonik: h-Moll ist die Basis seiner Rah-

menteile, es-Moll diejenige des Mittelteils.

H-Moll ist auch in der Sarabande op. 17 die Tonart der Wahl, wenn es um die Markierung

wichtiger Gestalten geht: Protothema, das echte Thema, die Glockenstelle sowie die Re-

prise des Themas stehen in h-Moll. Dass diese Tonart im übrigen Verlauf der Komposition

keine hervorgehobene Rolle spielt, schmälert ihre tonikale Wirkung nicht.

Zwei Sonatensätze schließlich weisen eine traditionelle Tonartenanlage auf: Im Schlusssatz

326

327

der Violinsonate op. 13 transponiert Jarnach gleich die gesamte Reprise um eine Quinte

nach unten; der Kopfsatz der insgesamt sehr konservativ geformten Sonatina op. 18 hält

sich zumindest in Exposition und Reprise eng an die überlieferte tonartliche Disposition.

IX.3.4 Thematik und Form

„Der musikalische Einfall […] ist ein Einmali-

ges, das seine eigene Gesetzmäßigkeit in sich

trägt, der Träger einer extensiven Kraft, aus

welcher ein Tongefüge organisch erwächst.“474

Dies ist das in den zwanziger Jahren oft zitierte Organismusmodell, hier in der Fassung

Philipp Jarnachs. Auf der Grundlage von Untersuchungen über die Thematik (Kapitel IX.2)

und die Formen (Kapitel IX.3.1 und IX.3.2) kann versucht werden, die formalen Auswir-

kungen dieser „Gesetzmäßigkeiten“ in Jarnachs Musik zu verfolgen. Selbstverständlich

wird es niemals möglich sein, alle Entscheidungen eines Komponisten anhand einfacher

Kausalketten nachzuvollziehen und ob ihres Gelingens zu bewerten: Musik ist eben mit

wenigen Ausnahmen nie eine reine Rechenaufgabe gewesen. Annäherungen an das betref-

fende Konzept sollte man sich allerdings schon erhoffen dürfen.

Dass sich ein Thema wie das zweite aus dem Kopfsatz der Violinsonate op. 13 gut für

eine im weitesten Sinn harmonische Verarbeitung eignet, während sich das kleinschrittig-

biegsame Hauptthema der Sonatine op. 12 für eine linear-kontrapunktische Verwertung

empfiehlt, ist offensichtlich.

Wie sieht es aber mit der ‚extensiven Kraft‘ eines Themas in Bezug auf das ‚Tongefüge‘

im großen Maßstab aus? Kann von einem Einfluss des Themas auf die Form eines Werkes

beziehungsweise Satzes gesprochen werden? Stimmt die überspitzte Formulierung Hans

Mersmanns, dass ein 2+2-taktiges Thema eine symmetrische Form entfalten wird?475

Paradebeispiele für eine Musik, welche organisch aus ihrer thematischen Zelle entfaltet

wird, sind natürlich das Ballabile und die Sarabande aus op. 17: Beide Klavierstücke ex-

ponieren zu Beginn Protothemen, aus deren Material jeweils ein Thema und ein Motiv

gewonnen werden, die sich zu architektonischen Stützen entwickeln oder eine motivische

Vernetzung leisten.

Für die These eines Zusammenhangs zwischen Thema und musikalischer Form im Großen

liefert auch die Sonatine op. 12 stichhaltige Beweise, wenn auch auf einer anderen Ebene.

Der für Jarnachs Verhältnisse streng periodische Aufbau des Hauptthemas korreliert mit

der stringent gehandhabten (wiewohl phantasievollen) Formanlage des Sonatensatzes. Des-

sen klassische Tonartenverhältnisse wiederum finden sich in der Halb- und Ganzschluss

assoziierenden Zweiteiligkeit des Themas bereits angedeutet. Liegt es aber andererseits

in den Genen von erstem und zweitem Thema, dass die Art ihrer jeweiligen Präsentation

derart unterschiedlich ausfällt? Welche Eigenschaft macht aus dem Hauptthema den großen

Themenkomplex, und was prädestiniert das zweite Thema zu seiner beinahe autistischen

Abgeschlossenheit?

474 Jarnach: Beethovenstudie (1927). In: JS, S. 90.

475 Mersmann 1928, S. 46f.

328

Widersprüchlich sind die Entwicklungen um das Siciliano-Thema aus dem Schlusssatz der

Sonatina op. 18: Seine regelmäßige Form trägt kaum die Anlagen zu seiner eigenen Liqui-

dierung bereits von Anfang an in sich – das Gegenteil ist der Fall: Die formale Spannung

des Satzes resultiert gerade aus der Zerstörung dieses ‚unschuldigen‘ Themas.

In einem Fall scheint sich eher die Struktur des Seitensatzes in der Formanlage abzubilden:

Der mustergültig reguläre Aufbau der Rahmenteile im letzten Satz der Violinsonate op. 13

kann sich kaum aus dem als Fortspinnungstyp angelegten ersten Thema ergeben haben,

sondern – wenn man diese Art der Ableitung überhaupt anerkennen möchte – aus dem peri-

odisch geformten zweiten Thema.

Ebenso lässt der Beginn des Kopfsatzes aus op. 13 mit seinem weit ausholenden, bogen-

förmigen und völlig frei sich bewegenden ersten Thema eine solch stringent ausgeführte

Sonatenhauptsatzform nicht erwarten.

Dagegen kann das rastlose, profilarme Thema des Mittelsatzes aus op. 13 durchaus als

Vorausdeutung kommender Ereignisse gelten: Der Satz zeichnet sich vor allem durch seine

Motorik und kaum durch motivische Prägnanz aus.

Die im weitesten Sinn rondoartig gebauten Sätze (Streichquartett op.16, zweiter Satz; Bur-

lesca op. 17 und der Mittelsatz der Sonatina op. 18) warten mit zu vielen Themen und Mo-

tiven auf, als dass man formal prägende Protagonisten bestimmen könnte. Immerhin bietet

der Refrain aus dem zweiten Satz der Sonatina mit seinem spitzen Achtelpuls einen guten

Ausblick auf Bewegungsart und Charakter des Satzes.

Eine charakterliche Vorgabe gibt auch das sanglich-ruhige Thema der zweiten Rhapsodie

aus op. 20 ab. Seine kontrapunktischen Verwicklungen und die durch Motivabspaltung

gekennzeichnete Entwicklungsform finden im Verlauf der Komposition eine gewisse Fort-

setzung.

Einige Sätze sind musikalisch und formal derart vielgestaltig, dass eine Herleitung ihrer

Eigenschaften aus einem Thema nicht möglich ist. Dies gilt für den ersten Satz des Streich-

quartetts (hier fehlt der Ausgangspunkt für die Themenvarianten) und für die erste und

dritte Rhapsodie aus op. 20 – beide Sätze sind mit vielen stark kontrastierenden Abschnit-

ten, nicht aber mit profilierten thematischen Gestalten ausgestattet. Lediglich die einleiten-

den Takte der ersten Rhapsodie lassen eine auf den beiden Motiven gründende, für Jarnach

untypisch dichte materielle Integration erkennen.

Die Suche nach kausalen Beziehungen zwischen Thematik und ihrer musikalisch-formalen

Entfaltung ergibt keine eindeutigen Befunde. Sicherlich entgeht dem im Nachhinein Ana-

lysierenden vieles von dem, was Jarnach im Verlauf des Kompositionsprozesses für musi-

kalisch folgerichtig erachtet hat. Diese kompositorischen Erwägungen sitzen zu tief, um im

Nachhinein exakt rekonstruiert zu werden.

329

SCHLUSS

„Und dass eine tiefgreifende und konsequente Diffe-renz

von der Norm ästhetisch eher einleuchtet als eine geringe

und folgenlose, ist einer der Gründe, warum in der Neuen

Musik das ‚gemäßigt Moderne’ als überflüssige Zaghaf-

tigkeit erscheint statt als Ausdruck der Besonnenheit, die

von Jean Paul als höchste ästhetische Tugend gerühmt

wurde.“474

Die Musik Philipp Jarnachs formuliert einen ganz eigenständigen Stil, der so unverkennbar

ist wie derjenige Busonis, Schönbergs oder Bartóks. So einzigartig und singulär wie er ist,

kann Jarnachs Stil weder ein direktes Herkommen aufweisen, noch sollte er je eine Schule

begründen. Diese Musik ist nichts weniger als revolutionär und doch das Produkt eines

mutigen Komponisten.

Jarnach, der als Autodidakt zu komponieren begann, erwählte sich in einer Zeit großer

musikalischer Umbrüche als einzigen Orientierungspunkt ausgerechnet die vage, feuille-

tonistisch verfasste Ästhetik Ferruccio Busonis, der mit seinen Konzepten selbst zwischen

allen Stühlen saß. Den Menschen Ferruccio Busonis eroberte sich Jarnach gezielt als

Freund und Mentor: Gerade dessen undogmatischer Charakter ermöglichten ihm, bei allen

empfangenen Anregungen ein unabhängig Denkender zu bleiben.

Busonis Konzept der ‚Jungen Klassizität’, dem sich Jarnach eher in der Theorie verpflich-

tet fühlte als dass er danach komponierte, steht bei aller demonstrativen Verbundenheit mit

der Tradition auf eigentümliche Weise etwas abseits derselben. Für den jungen Jarnach

scheint genau dieser Ort sehr attraktiv gewesen zu sein. Er, der in Wort und Tat jedes kom-

positorische System abgelehnt hat, hat sich in seinen Werken aber letztendlich auch von

den ästhetischen Imperativen der ‚Jungen Klassizität’ freigemacht.

Weniger noch als ein Adept der ‚Jungen Klassizität’ ist Jarnach ein Vertreter auch nur ir-

gendeiner Spielart des Neoklassizismus gewesen. Bei allen Wandlungen ist er vor allem

sich selbst treu geblieben – das gilt zumindest für die Untersuchungsperiode der vorlie-

genden Arbeit. Bereits in der Sonatine für Flöte und Klavier op. 12 scheint alles angelegt,

was die fruchtbarste Schaffensperiode Philipp Jarnachs ausmachen sollte. Am Ende geben

allein die Drei Rhapsodien op. 20 einen Hinweis darauf, in welche Richtung sich Jarnach

hätte entwickeln können, wenn er nicht vor den Konsequenzen zurückgeschreckt wäre.

Die größte formale und ästhetische Polarität liegt zwischen zwei Werken Jarnachs, die zeit-

lich recht nahe beieinanderliegen: Da ist auf der einen Seite der klassizistische Kopfsatz

der Sonatina für Klavier, auf der anderen die erste der Drei Rhapsodien op. 20 mit ihrer

athematischen, extrem dissonanten und frei konzipierten Faktur.

In Fragen der musikalischen Form oder der Harmonik zeigte sich Jarnach als ein Meister

des Ausharrens. Er hat die schwindende formale Bindungskraft der Harmonik länger aus-

gehalten als andere, die sie mit neuen Systemen zu substituieren trachteten. Jarnach da-

gegen reagierte gewissermaßen paradox, indem er dem drohenden gestalterischen Vakuum

474 Dahlhaus 1970, S. 45.

330

schwache Themen, eine ungebundene Harmonik, einen bis zum Amorphen komplizierten,

vertrackt polyphonen Rhythmus und das Operieren mit eher unverbindlichen Kürzest-

motiven entgegensetzte. In vielen seiner Werke gibt es zudem athematisch konzipierte

Abschnitte; zuletzt versuchte Jarnach, diese Konzeption auf ganze Kompositionen auszu-

dehnen. All diese Maßnahmen versprechen kompositorisch kaum eine Stabilisierung – und

dennoch verfolgte Jarnach seinen Weg erstaunlich beharrlich. Schließlich war er schon früh

in seiner Karriere entschlossen, die formale „Verantwortung“ für seine Musik „selber [zu]

tragen“475 und sie nicht einem System, sei es altbewährt oder neu, zu übergeben.

Niemals hat sich Jarnach vom Moment des ‚Ausdrucks’ in der Musik distanziert. Seine

diesbezüglichen Konzepte und die Affinität zu extremen Ausdruckswerten teilte er weni-

ger mit Busoni als mit Arnold Schönberg – nur um sich sogleich wieder von Letzterem

zu distanzieren, denn „je weniger wir daran denken, unser Gefühl zu systematisieren,“ so

Jarnach, „desto überzeugender gibt es sich kund.“476 Es ist dieses kurze Zitat, welches eine

angemessene Beschreibung der Musik Philipp Jarnachs zu liefern scheint.

Die stilistische Ambivalenz der Musik Philipp Jarnachs ist kaum anders zu deuten als der

Reflex seiner persönlichen Biographie, die in ihrer Wechselhaftigkeit sehr wohl selbstbe-

stimmt war. Als Komponist war Jarnach ein einsamer Gratwanderer, den eine Zeit, welche

ihre ästhetischen Orientierungen zunehmend an wenigen starken Figuren festzumachen

sucht, allzuleicht übergeht.

475 Jarnach: Das Romanische in der Musik (1924). In: JS, S. 172.

476 Jarnach: Das Romanische in der Musik (1924). In: JS, S. 170.

331

XI.

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