PHANTASIA: Photography is Magic. The New Spanish Photography

1 PHANTASIA PHOTOGRAPHY IS MAGIC Asunción Lozano | Antonio E. Ojeda Francisco Uceda | Cristóbal C.Cassinello PHANT PHOTOGRAPHY IS MAGIC 2 PHANTASIA PHOTOGRAPHY IS MAGIC Asunción Lozano | Antonio E. Ojeda Francisco Uceda | Cristóbal C.Cassinello PHANT PHOTOGRAPHY IS MAGIC PHANTASIA PHOTOGRAPHY IS MAGIC Asunción Lozano | Antonio E. Ojeda Francisco Uceda | Cristóbal C.Cassinello PHANT PHOTOGRAPHY IS MAGIC 3 “Al creer apasionadamente en algo que aún no existe, lo creamos. Lo inexistente es aquello que no hemos deseado lo suficiente”. “By believing passionately in something that still does not exist, we create it. The nonexistent is whatever we have not sufficiently desired”. Franz Kafka. 4 PHANTASIA: Photography is Magic. The New Spanish Photography. Diseño y Maquetación: © Cristóbal C. Cassinello Derechos de autor: © Sus autores. Fecha de Edición: Agosto 2022. ISBN: 978-84-09-42980-6 PhotoESPAÑA | MECA Mediterráneo Centro Artístico. Culture LAB Lic | The Plaxall Gallery. [New York]. Universidad de Almería.UAL. Bajo las sanciones establecidas por las leyes, quedan rigurosamente prohibidas, sin la autorización por escrito de los titulares del copyright, la reprocucción total o parcial de esta obra por cualqiuer medio o procedimiento mecánico o electrónico, actual o futuro - incluyendo las fotocopias y la difusión a través de Internety la distribución de ejemplares de esta edición mediante alquiler o préstamos públicos. 5 PHANTASIA PHOTOGRAPHY IS MAGIC 6 COMISARIO | CULTURE LAB LICTHE PLAXALL GALLERY ORESTES GONZÁLEZ PHANTASIA: LA FOTOGRAFÍA ES MAGIA | Nueva Fotografía Españoña. ORESTES GONZÁLEZ | Comisario. NYC. Como respuesta a la proliferación de imágenes, de momentos fugaces capturados para el ciberespacio, y tomando prestado el acertado título del libro de C. Cotton, Phantasia: la fotografía es magia -Nueva fotografía española nos presenta una propuesta de miradas lentas, calculadas para ralentizarnos, para invitarnos a descubrir los misterios en lo cotidiano, en lo aparentemente fugaz. Son cuatro miradas gratificantes, por sus múltiples tempos y tonos, por sus capas y referencias. Podría pensarse en un primer momento que nos encontramos ante una forma de documentalismo, aunque en cada caso, los fotógrafos van más allá, dinamitando la realidad, más que unos rasgos puramente formales y descriptivos, nos hacen dudar sobre lo que es y lo que puede ser una imagen, y a la vez expandiendo los límites del vocabulario expresivo fotográfico hacia su personal visión surrealista de formas, color, luz, medios tonos, sombras y siluetas, ya sea por medio de los contrastes o por la intervención del fotógrafo sobre la imagen. A Ojeda, Carretero Cassinello, Lozano y Uceda les une la fascinación y el conocimiento sustancial del estado contemporáneo de la fotografía. Estos cuatro artistas españoles, sin desprenderse del todo de los espacios y personajes que encontramos en el entorno urbano han sido capaces de reanimar y re-contextualizar lo que comúnmente conocemos como fotografía de calle, pero aportando nuevas formas de ver, de mirar el espacio urbano: de intervenirlo. Son astutamente conscientes de las percepciones y líneas de pensamiento de los espectadores, basadas en nuestro contexto compartido de un mundo de imágenes en constante expansión. Invitan a prestar atención a la floreciente posibilidad de la fotografía como plataforma experimental, partiendo de un sub-género, la fotografía de calle estrictamente documental, que está agotada creativamente. Sin grandes malabarismos, interpretan espacios cotidianos y los convierten en espacios escénicos por los que fluye el tiempo y sus personajes, o la ausencia con sus traumas y obsesiones. Aunque no existe un término definitivo para describir la fotografía contemporánea, las cuatro tendencias de la fotografía española presentadas en Phantasia: la fotografía es magia-Nueva fotografía española, hoy, son de lo más original que hay en la actualidad en el panorama fotográfico español y marcarán tendencia dentro y fuera de nuestras fronteras expandiendo los límites de la fotografía actual. Las cuatro propuestas cubren el amplio espectro que va desde la fotografía de calle más vanguardista hasta la intervención, dando pistas visuales de un lenguaje que amplían con su mirada y una iconografía irremediablemente local y muy española en el caso de la obra de Ojeda y Carretero Cassinello, o local y muy internacional en el caso de Lozano y Uceda, cuyas obras han sido realizadas en Nueva York y Londres. Con el título Phantasia: la fotografía es magia -Nueva fotografía española, hoy, y con la idea de la fotografía entendida como un acto mágico que revela aspectos ocultos de nuestra realidad, les invitamos a contemplar cuatro miradas fotográficas que, a través de diferentes enfoques, nos revelan aspectos ocultos de la realidad. Damos la bienvenida a Culture Lab LIC en Nueva York a esta original propuesta, y allá donde nos lleve. 7 PHANTASIA: PHOTOGRAPHY IS MAGIC | The New Spanish Photography ORESTES GONZÁLEZ | Curator. NYC. As a response to the proliferation of images, of fleeting moments captured for cyberspace, borrowing the apt title of C. Cotton’s book, Phantasia: photography is magic -The New Spanish Photography presents the viewer with a proposal of slow gazes to the viewer that are designed to slow us down, to invite us to discover the mysteries in the everyday, in the seemingly fleeting. These are four gratifying viewpoints, for their multiple tempos and tones, for their layers and references. It could be thought at first that we are witnessing street photography, although in each case, the photographers go further, dynamiting reality, rather than purely formal and descriptive features, making us doubt about what an image is and what it can be, and at the same time expanding the limits of the photographic expressive vocabulary towards their personal surreal vision of shapes, color, light, halftones and shadows and silhouettes, either by means of contrasts or by the photographer’s intervention on the image. Ojeda, Carretero Cassinello, Lozano and Uceda are united by their fascination and substantial knowledge of the contemporary state of photography. These four Spanish artists, without completely detaching themselves from the spaces and characters we find in the urban environment, have been able to revive and re-contextualize what is commonly known as street photography, but bring new ways of seeing, of looking at urban space: of intervening it. They are astutely aware of viewers’ perceptions and lines of thought, based on our shared context of an everexpanding world of images.They invite attention to the burgeoning possibility of photography as an experimental platform, departing from the sub-genre of strictly documentary street photography, which is creatively exhausted. Without great juggling, they interpret everyday spaces and turn them into scenic spaces through which time and its characters flow, or absence with its traumas and obsessions. Although there is no definitive term to describe contemporary photography, the four trends in Spanish photography presented in Phantasia: photography is magic -The New Spanish Photography are among the most original in the Spanish photographic panorama today and will set trends within and beyond, expanding the limits of photography today. The four proposals cover a wide spectrum ranging from the most avant-garde street photography to intervention, giving visual clues of a language that they expand with their gaze and an irremediably local and very Spanish iconography in the case of the work of Ojeda and Carretero Cassinello, or local and very international in the case of Lozano and Uceda, whose works have been made in New York and London. With the title Phantasia: Photography is Magic and with the idea of photography as a magical act that reveals hidden aspects of our reality, we invite you to contemplate four photographic gazes that, through different approaches, reveal hidden aspects of reality. We welcome this original proposal to Culture Lab LIC in New York, and wherever it takes us. ENGLISH 8 9 COMISARIO | MECA MEDITERÁNEO CENTRO ARTÍSTICO FERNANDO BARRIONUEVO FERNANDO BARRIONUEVO Director y Comisario de MECA Mediterráneo Centro Artístico Si recordamos todas las predicciones y vaticinios que se hicieron para la entrada del año 2000, a la que llamaron la Nueva Era del Humanismo y más concretamente del Humanismo Tecnológico, podemos llegar a pensar que el Ser Humano, después de 22 años de existencia en este nuevo ciclo mundial, ha perdido un poco, y depende de quién lo analice, quizá mucho, el sentido de su realidad. Sin embargo, ha acogido abiertamente y sin contraprestación una realidad impostada, planificada y ordenada por aquellos que se erigen en los “Nostradamus” modernos, los gurús del cambio o los desarrolladores del mundo. Una realidad que, de manera maniquea, el resto de los mortales tenemos que ejecutar e irónicamente mitificar. Ante esta realidad abrumadora en la que nos sentimos atrapados, paradójicamente anónimos y protagonistas, de universos globales de información, de imágenes, de opiniones y de discursos infinitos, la inercia del movimiento continuo nos impide detenernos y en consecuencia la línea divisoria entre la realidad y nuestra realidad se va difuminando a gran velocidad, ocasionando destellos de confusión ante posibles fantasías propias impulsoras de construcciones de nuevos mundos, de mundos mejores, seguramente porque nos han convencido de que el ser humano es un medio y la tecnología un fin. El mito tecnológico al que veneramos para construir un estilo de vida y un pensamiento propio y del que nos hacemos firmes defensores y cómplices de sus perversiones, rompe drásticamente con “la imagen del alma”, una definición clara y concisa que Platón otorgó al concepto fantasía. Y en ese sentido es hora de reivindicar ese Alma, entendida como una única cápsula, personal, original e intransferible que cada individuo portamos y en la que las emociones, las memorias, los sentimientos y la imaginación nos hace Ser. Los artistas ponen al descubierto sus propias almas, imperfectas, como debe ser, porque en sus procesos de meditación y creación se abstraen de una realidad acechante y amenazadora. Esa desnudez del alma, sin duda genera deseos para compartir, pensamientos para repensar y creaciones para reflexionar y memorizar. Debe ser la era del empoderamiento de la persona, del individuo, del ser. Debe ser la era del talento creativo. Debe ser la era del descubrimiento de nuevos enigmas. Debe ser la era de una nueva Phantasia. Ante el ruido, silencio. Ante el individualismo, empatía. Ante la barbarie, comunicación. Ante la realidad, más fantasía. Esta exposición que se presenta en Culture Lab at The Plaxall Gallery en Nueva York surge por un firme convencimiento personal y colectivo a través de la sede oficial de PhotoEspaña 2022, MECA Mediterráneo Centro Artístico, generando un proyecto fresco, con contenido y reflexión sobre la necesidad de retar al mundo actual para 16 LA AUTO-SOMBRA QUE VAMPIRIZA LA REALIDAD NO PERCIBIDA Cristóbal Carretero Cassinello Que Phobos sea el dios del pavor y del miedo y al mismo tiempo una luna de Marte nos acerca bastante a la desmitificación de la sombra por Cassinello como hasta ahora la conocíamos en fotografía y su pasión por el surealismo y lo simbólico con un cierto tono de humor sarcástico. Sus fotos son inquietantes, sacuden al espectador, lo zarandean perceptivamente. En ellas la sombra del autor, omnipresente, se apodera, de alguna forma, del alma sobre quien se posa, lo vampiriza, lo fusiona y lo absorbe. Ya no es la intención de las auto sombras numerosas de un Friedlander, de un Stieglitz, de un Fontana, sino una reflexión elaborada y desarrollada en un proyecto claramente estructurado y secuenciado basado únicamente en la sombra del fotógrafo. En el pasado vimos auto sombras aún más ocasionales: László Moholy-Nagy (1920) y sus fusiones con el retratado. Vimos el autorretrato de Otto Umbehr. (1930), donde se produce una auto-vampirización del no-personaje de la sombra con el personaje del selfie. O de Olive Cotton en The Photographer’s Shadow (1935) fusionándose o vampirizando con su no-personaje, el personaje de su compañero. Son algunos de los precedentes de los varios que podríamos nombrar, desde Moriyama, Frank, Cunningham… Cassinello va por otro sendero: No se trata de hacer fotos aisladas de la propia sombra de una forma más o menos casual a lo largo de una vida fotográfica, sino de crear un proyecto, un corpus narrativo, un discurso donde la auto-sombra es el eje narrativo que representa los diferentes estados psicológicos del individuo. Es una vez más, el leitmotiv del discurso como en los demás autores de esta exposición: la Deconstrucción de lo Real Aparente. Lo mágico en Cassinello es que, a diferencia de tan ilustres predecesores, en muchas de sus fotos, la vampirización del personaje fotografiado a través de la sombra del autor crea un tercer personaje mitad conformado por la sombra mitad conformado por el personaje. Ese tercer personaje nos interpela sobre lo real, nos muestra la paradoja de lo surreal y nos inquieta dejándonos clavados ante la imagen. Otras veces, ese tercer personaje queda salvajemente mutilado y difuso, se interpone descompuesto entre una pareja de paseantes, o aparece como una criatura sin brazos. O un reflejo casual le da un aire extraterrestre o mitológico. Se funde con colores vegetales o minerales. La Duda Contemplativa nos asalta. Cassinello nos muestra abstracciones de la realidad, que dan otro sentido a lo percibido y que nos cuestiona nuestra percepción racional, nuestros preconceptos. Nos invita a descubrir lo que yace en la invisibilidad, esos mundos que, a través de un encuadre, de una luz y de una sombra, de esa dualidad interactiva entre imágenes, hacen aflorar en nuestra mente --como surgía la imagen en la cubeta de revelado-- esa identidad estética oculta que nos fuerza a la percepción de lo invisible y abre nuevos caminos en la fotografía de calle. Como dijo Emmanuel Levinas “La sombra de la realidad expresa un mandato inabarcable del Infinito”. Las sombras desafían el totalitarismo de las formas y volatilizan el monopolio de las categorías. 17 LA EVOCACIÓN IMAGINATIVA A TRAVÉS DE LA AUSENCIA, LA TRANSFORMACIÓN Y LA INVASIÓN ANÁRQUICA DE LA FORMA CONOCIDA Asunción Lozano Asunción Lozano es una artista multidisciplinar con una sólida formación académica y una larga experiencia en todo tipo de exposiciones, performances, actuaciones plásticas, publicaciones y activismo social a través de la expresión plástica. Podríamos clasificar sus obras en aquellas basadas en aspectos de positivación del conocimiento, de desmenuzamiento de los elementos estéticos, verbales, táctiles que configuran la conceptualización, la comunicación, la transmisión y la elaboración de la información. Son positivos los campos semánticos, los adjetivos, los verbos de un tema concreto reflejados en sus obras e instalaciones: la mujer, el amor, las razas, la geografía, la diversidad. La palabra y su color adjetival vertebran lo percibido. Otro aspecto de positivación es la textura, las formas cálidas en cuero, las amorfas en papel arrugado, los soportes cerámicos. Todo ello puede percibirse, puede “leerse” icónicamente. Sin embargo, existe también otra vertiente de su obra donde “el espacio negativo” tal y como en arte se entiende, la negativización tal y como en arte se entiende, la ausencia, la falta de información verbal y la alteración natural de las formas conocidas conectan con Uceda, Cassinello y Ojeda así como con el leitmotiv de la exposición que ahora nos ocupa: “la deconstrucción de lo real aparente”. Sus fotografías están troqueladas allá donde la información verbal podría dar una lectura directa creándose así un espacio de “sombra” paradójicamente representada en el blanco del soporte físico que sustenta la fotografía, es la no-presencia absoluta. Por otro lado, las construcciones que aparecen en las imágenes y que tuvieron en su origen una determinada apariencia plástica aparecen sustancialmente modificadas por la naturaleza, por la vegetación, por la desidia y por la decadencia. Nada es reconocible per se. Que el paso del tiempo y el troquelado borren toda pista del paso del tiempo no es una contradicción en sí misma sino una deconstrucción de lo real aparente que desarma informativamente al espectador y le obliga a dudar, reinterpretar, imaginar y reconstruir lo deconstruido en una verdad personal que no es la Verdad Absoluta; en una realidad aparente que no es la realidad conocida. Nos enseñaron a “medir” lo real en el espacio y el tiempo pero Asunción nos obliga a navegar en el no-espacio y en el no-tiempo, donde nada es medible y donde las referencias de nuestro intelecto han desaparecido dejándonos en manos de la Duda Contemplativa como única herramienta de armar lo percibido, de hacer creíble la realidad subyacente y puede que, al mismo tiempo nos permita construir nuestra propia realidad, interpretarla a través de la interpelación de la fotografía, de la subjetividad, de la emoción , de la conmoción, de la implicación afectiva. Según Piaget, una imagen onírica es aquella que suscita algo psicológicamente presente pero no perceptualmente presente. La suma de estos dos aspectos la imagen se convierte en símbolo. Aquí radica la magia del trabajo de Asunción Lozano. 18 EL “AQUÍ Y AHORA” DE UN OBSERVADOR PACIENTE. Antonio E. Ojeda Partiendo de la línea general de la exposición de la “deconstrucción de lo real-aparente” a través de sombra y silueta pasamos a comentar al autor Antonio Ojeda. El “aquí y ahora” visual, espacial, temporal de cada vida humana constituye una colección de instantes únicos, muchas veces espontáneos y siempre fugaces. Suceden una única vez, en una determinada forma y en la cual son irrepetibles algo que solo una fotografía de calle atenta, paciente acompañada de un autor de alta capacidad deconstructiva puede plasmar. Con el personaje/silueta como punto de convergencia. Antonio es un purista, por ello, tiene un absoluto respeto por el encuadre original; busca reflejar la cotidianidad de la vida en las calles, tal y como sucede, sin ninguna clase de intervención en la escenografía callejera. Tiene un sentido exquisito de la composición: se obliga a observar con precisión formas, compresión de planos, dimensión de los volúmenes y una selección depurada del punto de vista del encuadre, una planificación estricta de la zona de sombras, una gestualidad y originalidad de la personalidad de sus siluetas que deben siempre congelar eternamente el carácter efímero de su gesto. La integración siluetas-escenografía se suele encajar en conjunto de formas geométricas poligonales que deconstruyen lo observado en multitud de ocasiones de forma plana jugando con el efecto de perspectiva que solo puede dar el uso creativo, técnico y exacto de un gran angular en sus manos y unas formas arquitectónicas normalmente espectaculares como las de esta exposición a caballo entre Andalucía y Portugal. Dos lugares con esa luz potente del Mediterráneo y del Atlántico que, a diafragmas altos, dan unos tonos muy kubrickianos, orientales y minimalistas que marcan su original estilo. Todo debe estar en su sitio de forma minimalista, utilizar los elementos estrictamente necesarios, con una reducida gama de colores, muchas veces limitada a colores primarios y complementarios y esa gama cromática debe existir in situ. Y al mismo tiempo, todo configura un “storytelling” depurado, donde cada pieza de la fotografía contribuye a que el espectador llegue a captar o imaginar la unicidad, plasticidad y carácter lúdico de ese momento concreto. Cuando un fotógrafo sale a la calle se encuentra con una gran variedad de escenarios, trescientos sesenta grados de puntos de vista en cada escenario en cada esfera visual, con una gran variedad de momentos simultáneos que producen gestos y actuaciones efímeros que, en ocasiones, sólo pueden captarse entre 1/500 y 1/2000 y que en una fotografía de calle purista elimina el uso de la ráfaga como recurso fácil. Ello obliga a Antonio a estar totalmente receptivo, extraordinariamente atento y a ser muy veloz, ya que cada una de esas escenas requiere una configuración distinta, un tratamiento distinto, incluso una actitud distinta. Con la precisión de un francotirador y la paciencia y visión de un místico, todas sus maravillosas fotografías son resultado de un único disparo: capta el instante que desaparece para siempre. Ni el momento “antes”, ni el que se producirá “después”. Ese mantenerse atento, concentrado ante la vida, le hace sentir más intensamente, le permite expresarse como artista, le posibilita vivir el presente, congelar el pasado y proyectarse hacia el futuro. 19 BÚSQUEDA Y LIBERACIÓN. Francisco Uceda ¨Si la liberación no está dentro de mí, no está, para mí, en ninguna parte.” Bernardo Soares. Libro del desasosiego. Con la impronta que da a Francisco Uceda una sólida formación antropológico-cultural no es de extrañar que el ser humano haya sido el eje conceptual de la mayoría de su trayectoria fotográfica. Su defensa continua del ser humano y sus derechos fundamentales a través de la expresión plástica como denuncia así lo demuestra. Centrémonos sin embargo en esta exposición conjunta que vamos a contemplar y que incurre en el caso de Uceda más en lo poético, en espacios desangelados postindustriales, calles de pavimentos deteriorados, colores fríos, decadencia generalizada y en todos ellos, extirpados y reimplantados en forma de siluetas blancas, negras o semi siluetas, los personajes anónimos. Todo ello nos induce a plantearnos preguntas acuciantes sobre la invisibilidad social, la apatía y el sentido de la vida para esos no-personajes de Francisco Uceda a los que parece que la supervivencia hace morir un poco cada día. Volviendo a Soares “No saber de uno mismo; eso es vivir. Saber mal de uno mismo, eso es pensar”. Libro del desasosiego. El fotógrafo nos hace “pensar” a través de imágenes que muestran la sombra en el sentido hegeliano del término. Hegel nos dice que ”la permanencia y el trabajo en el reino de las sombras constituye la formación y disciplina absolutas de la conciencia. Allí emprende ésta un quehacer alejado de fines sensibles, de sentimientos, del mundo de la representación, el cual es cosa de mera opinión” Por tanto, observamos en las fotografías de Uceda, la no-felicidad, el no-personaje, lo no-visible, que nos llevan igualmente a la deconstrucción de lo real aparente. Las siluetas hieráticas, las esfinges de Uceda vuelven a recordarnos a Bernardo Soares: “nos convertimos en esfinges, aunque falsas, hasta el punto de no saber ya quiénes somos. Porque, por lo demás, lo que somos es esfinges falsas y no sabemos lo que realmente somos. El único modo de que estemos de acuerdo con la vida es que estemos en desacuerdo con nosotros. Lo absurdo es lo divino”. Libro del Desasosiego. Las fotos de Uceda nos quieren alejar de la autocomplacencia, al igual que en Ojeda, Asunción y Cristóbal el presente congelado que es pasado nos hace replantearnos el presente expandido que es futuro. En Ojeda, los personajes principales se encuentran frente a una fuente de luz. La sombra es una silueta bien definida, resultado del contraluz, el fondo, los planos. Los múltiples planos meticulosamente pensados nos ofrecen una narrativa simbólica del momento, aunque sea el espectador el que, falto de información, tenga que imaginar lo que falta. En Carretero Cassinello, la sombra que inunda el espacio juega con la luz justo a la inversa. La luz viene siempre de detrás de la cámara, para así permitir que la silueta del fotógrafo, el autorretrato sombra interactúe con la gente y el espacio urbano o natural. La sombra del fotógrafo se inserta y define de manera momentánea, transitoria e impermanente de la presencia del observador frente a la permanencia o no del paisaje fotografiado. 20 En Lozano, la reflexión sobre el espacio fotografiado, los cementerios de Nueva York y Londres, nos lleva a una intervención directa sobre la imagen. Si en Ojeda no se ve lo que está, y en Cassinello, como si de un prestidigitador se tratase, se proyecta lo que no está, en Lozano, lo que debía estar en la imagen ha sido recortado, para evidenciar las deficiencias de la fotografía y lo que es más importante evidenciar lo que está ausente. Es probable que la obra de Uceda aborde, de algún modo, los discursos anteriores. Al igual que en Ojeda siluetas crípticas nos invitan a crear una narrativa. En Uceda, parecen estar absortos en sus quehaceres cotidianos: leer el periódico, sacar al perro, hablar con un vecino. Son personajes con capacidad de asombro, ya sea por un libro encontrado en la acera o por lo que queda al otro lado de la valla. Cada obra es un fragmento y aquí es donde las siluetas se convierten en proyecciones del yo-fragmentado. Como si de alter-egos de Uceda, los personajes que transitan estos espacios marginados no son más que sombras de sí mismo, el fotógrafo se proyecta dentro de la imagen de un modo similar al que lo hace Carretero Cassinello. Lozano interviene el espacio fotografiado, la foto en sí, recortándola. Aquí no hay apariencia, la ausencia es real. El discurso sobre la ausencia no puede ser más directo –lo que queda es un hueco. En Uceda, las figuras son fragmentos en proceso de desaparecer completamente en sombra o silueta. Ya sea en negro o en blanco, referencias al espacio positivo y negativo, lo que está y lo que no está en la imagen, la presencia y la ausencia, aunque Uceda lo hará interviniendo el papel fotográfico con acrílico negro o blanco, nuevamente trabajando con fotografía híbrida, una técnica a la que ya nos tiene habituados en su trabajo. Precisamente, además de la deconstrucción de lo real aparente y de los puntos formales de unión de estos cuatro artistas, lo que verdaderamente nos parece novedoso en esta obra tiene que ver con el discurso que nos plantea cada uno sobre el acto de construir una imagen. Y es así que cada discurso se ha impregnado de ficción, pasando a formar parte del mundo de lo simbólico, donde tiene lugar la auténtica producción de la realidad. Referencias: Joan Fontcuberta, El beso de Judas: fotografía y verdad. Barcelona: Gustavo Gili, 1997. Sontag, Susan, On Photography. New York: Farrar, Straus and Giroux, 1977. 21 THE DECONSTRUCTION OF THE APPARENTLY REAL JOSEP FABREGA AGEA | Photographer and art critic “To them, I said, the truth would be literally nothing but the shadows of the images.” - Socrates, ‘Allegory of the cave’, Plato. We live in the era of “We are all Photographers Now!”, as the 2007 eponymous exhibit held at the Musée de l’Elysée in Lausanne, Switzerland, so aptly exclaimed and proposed. This exhibit considered the enormous flow of images that were being produced and exhibited in networks and the rapid mutation that amateur photography was having during the digital era. Access to cameras, even in our cell phones, and to platforms to exhibit them has never been so easy and, as barriers disappear, we are all photographers now. We witness how Instagram, Facebook, Tik-Tok, WhatsApp flood our vision with hundreds of millions of images daily. Among all of them, some are truly creative artistic acts occurring daily. All that wealth of audiovisual production makes being new both creatively and artistically difficult. Constructing a project that has not been done before in an exact or approximate way is increasingly complex. Even so, we can find iterations that lead us to novel advances in the ways that we represent urban space and the ways that we represent ourselves, both the person in front of the lens and the person behind it. Since the invention of photography, its relationship with the arts has oscillated continuously, from being mutually beneficial to showing a reciprocal hostility. Thus, already in the last quarter of the 19th century, the Pictorialists rejected the precepts of the Photographic Society of Great Britain, which maintained that photography should only be a means of documenting reality while the proponents of Straight photography rejected photography, which they saw as a mere complement to the fine arts. While the arrival of the twentieth century witnessed these two ways of understanding photography multiplying into many moreof understanding photography multiplied into many more– with formal and technical experimentation–these conflicting approaches still underlie many of the movements and genres into which the history of photography is commonly compartmentalized. Despite photography’s many encounters and collisions with the arts, its role as a faithful record of reality has defined much of the current debate. Yet, photography has evolved and modified our gaze. What used to be a testimonial document of truth is today a fictionalized version of it. Along with its presumed function as a record or memory of a moment, it is interesting to point out another quality that many have attributed to photography. In her now classic essay, “On Photography” Susan Sontag argued ENGLISH 22 that “photography is essentially an act of non-intervention” (Sontag, 1977: 11), that is, that somehow the person intervening could not film, and the person filming could not intervene. Sontag realized that the person who photographed intervened in the scene: even if the person did not do it physically, using the camera is a form of participation: To take a picture is to have an interest in things as they are, in the status quo remaining unchanged (at least for as long as it takes to get a “good” picture), to be in complicity with whatever makes a subject interesting, worth photographing—including, when that is the interest, another’s pain or misfortune. (Sontag, 1997:12) Today, although there are purists who continue to proclaim non-intervention–the non-manipulated photo-objective truth–we are aware, as quantum physics points out, that the very fact of observing an event influences the way in which that event is perceived and even changes the outcome of the phenomenon. The truth is that reality is a perceptual construct and truth is a set of social conventions. Theorists, such as Joan Fontcuberta in El beso de Judas: fotografía y verdad, propose a deconstruction of the apparently real--that is to say, that which historically has been recorded by photography as the representation of nature itself-- through images that cannot be codified or interpreted with the pre-knowledge and cultural load of an average person of the 21st century. Photography is today a language, the image a word. By deconstructing the image, we will be able to approach the polysemous meaning of the image. The deconstructed apparent reality forges intellectual uncertainty in the first readings of the image and makes us question “truths” that would be refutable from classical photography. The fundamental mechanisms could be contemplative doubt, the lack of immediate or plausible meaning and the immersion in a visual-conceptual field in which only the imagination marks the limit. In this context, new codification is born, the interpretation of the assembly of a new construct through the deconstructed elements. And this is what links this group of Spanish visual artists/photographers in this exhibit. They all carry out in different forms and styles the same leitmotif, namely, “The deconstruction of the apparently real.” The concern for the perception of what is real is not a question posed by postmodern conceptual photography but comes from afar. Plato, in his allegory of the cave, urged us to distinguish what was real from what was apparent. Shadows were all that could be perceived by the men chained inside the cave. The shadows in Plato’s cave are the physical world they perceive and believe to be true knowledge. However, what they observe inside is nothing more than subjective knowledge. Sontag used the analogy of the cave to examine the relationship between photography and truth. Sontag states that, as in Plato’s allegory of the cave, when someone looks at a photograph it is only an image of the truth, so what they see is not always entirely true without explanation and compares the allegory of these shadows to photos and reality, saying that photos are like shadows: they are not real. 23 The shadow, the white or black silhouette, following Plato, Sontag or Fontcuberta, reminds us that we are in front of a subjective, personal photograph, interpreted and made from a critical point of view. In each of the photos that make up this exhibition, the framing, the focus, the object, the medium and the intervention modify the perception of this apparent objective reality, understood as truth and accuracy. These analogies characterize how Cristóbal Carretero Cassinello, Asunción Lozano, Antonio Ojeda, and Francisco Uceda are going to use the shadow, the white, black, intervened or die-cut silhouette to invite us to perceive the real fiction of what is seen-imagined for each artist to advance a discourse on the urban space and our place in it. THE SELF-SHADOW THAT VAMPIRIZES THE UNPERCEIVED REALITY Cristóbal Carretero Cassinello The fact that Phobos is the god of fear and panic, and at the same time a moon of Mars, brings us quite close to the demystification of the shadow by Cassinello as we knew it so far in his photography and his passion for surrealism and the symbolic with a certain tone of sarcastic humor. His photos are disturbing. They shake the viewer; they shake them perceptively. In his photographs, the author’s shadow—omnipresent—somehow takes over the soul on whom it rests, vampirizes, merges and absorbs it. It is no longer the same intention of the numerous shadow self-portraits by previous photographers like Friedlander, Stieglitz, or Fontana, but a reflection elaborated and developed into a clearly structured and sequenced project based solely on the shadow of the photographer. In the past we saw even more occasional self-shadows: László Moholy-Nagy (1920) and his fusions with the portrayed. We saw Otto Umbehr’s self-portrait (1930), where there is a self-vampirization of the non-character of the shadow with the character of the selfie. Or Olive Cotton in The Photographer’s Shadow (1935) merging or vampirizing herself with her non-character, the character of her companion. These are just some of the predecessors of the many that we could name, from Moriyama, Frank, to Cunningham... Yet, Cassinello takes a different path: It is not about taking isolated photos of one’s own shadow in a roughly casual way throughout a photographic life, but about creating a project, a narrative corpus, a discourse where the self-shadow is the narrative axis that represents the different psychological states of the individual. It is once again the leitmotif of the discourse as in the other authors of this exhibition: the deconstruction of the apparently real. What is magical in Cassinello is that, unlike such illustrious predecessors, in many of his photographs, the vampirization of the photographed character through the author’s shadow creates a third character, half conformed by the shadow, half conformed by the character. This third character questions us about what is real, shows us the paradox of the surreal, and unsettles us, ultimately leaving us transfixed by the image. 24 At other times, this third character is wildly mutilated and diffuse, interposed in discomposure between a couple of passers-by, or appears as a creature without arms. Or a casual reflection gives it an extraterrestrial or mythological air. It merges with vegetal or mineral colors. Contemplative doubt assaults us. Cassinello shows us abstractions of reality, which give another sense to what is perceived, and which questions our rational perception, our preconceptions. He invites us to discover what lies in invisibility, those worlds that through a framing, a light and a shadow, that interactive duality between images, suggest (as the image emerged in the developing tray) that hidden aesthetic identity that forces us to the perception of the invisible and opens new paths in street photography. As Emmanuel Levinas said, “The shadow of reality expresses an unfathomable mandate of the Infinite.” Shadows challenge the totalitarianism of forms and volatilize the monopoly of categories. IMAGINATIVE EVOCATION THROUGH ABSENCE, TRANSFORMATION AND ANARCHIC INVASION OF THE KNOWN FORM. Asunción Lozano Asunción Lozano is a multidisciplinary artist with a solid academic background and a long experience in all kinds of exhibits, performances, publications, and social activism through visual expression. We could classify her works into those based on aspects of positive character of knowledge, and the meticulous analysis of the aesthetic, verbal, tactile elements that make up the conceptualization, communication, transmission and elaboration of information. The semantic fields, the adjectives, the verbs of a specific theme reflected in her works and installations are positive: women, love, races, geography, diversity. The word and its adjectival color are the backbone of what is perceived. Another aspect of positive space is the texture, the warm forms in leather, the amorphous ones in crumpled paper, the ceramic supports. All this can be perceived, can be “read” iconically. However, there is also another aspect of her work where “negative space,” as it is understood in art, the absence, the lack of verbal information and the natural alteration of the known forms connect with Uceda, Carretero Cassinello, and Ojeda as well as with the leitmotif of the exhibit that now occupies us: “the deconstruction of the apparently real.” Her photographs are die-cut exactly where verbal information could give a straightforward reading, thus creating a shadow space, paradoxically represented in the white of the physical support that sustains the photograph; it is 25 the absolute non-presence. On the other hand, the constructions that appear in the images and that originally had a certain visual appearance appear substantially modified by nature, by vegetation, by neglect and decadence. Nothing is recognizable per se. The fact that the passage of time and the die-cutting erase all traces of the passage of time is not a contradiction, but a deconstruction of the apparently real that informatively disarms the viewer and forces him to doubt, reinterpret, imagine and reconstruct the deconstructed in a personal truth that is not the absolute truth; in an apparent reality that is not the known reality. We were taught to “measure” the real in space and time but Lozano forces us to navigate in non-space and nontime, where nothing is measurable and where the references of our intellect have disappeared leaving us in the hands of Contemplative Doubt as the only tool to assemble the perceived, to make the underlying reality credible and may, at the same time, allow us to build our own reinterpretative reality through the interpellation of photography, of subjectivity, of emotion, of commotion, of affective involvement. According to Piaget, a dream image is one that arouses something psychologically present but not perceptually present. The sum of these two aspects turns the image into a symbol. I believe that therein lies the magic of Asunción Lozano’s work. THE “HERE AND NOW” OF A PATIENT OBSERVER. Antonio E. Ojeda The visual, spatial and temporal “here and now” of each human life is a collection of unique moments, often spontaneous and always fleeting. They happen only once, in a certain way and in which they are unrepeatable, something that only attentive, patient street photography accompanied by a photographer of high deconstructive capacity can capture, with the character/silhouette as a point of convergence. Antonio is a purist, therefore he has absolute respect for the original framing; he seeks to reflect daily life in the streets, as it happens, without any kind of intervention in the street scenery. He has an exquisite sense of composition: he is obliged to observe with precision shapes, compression of planes, dimension of volumes and a refined selection of the point of view of the frame, a strict planning of the areas covered in shadows, a gestural and original personality of his silhouettes that must always eternally freeze the ephemeral character of his gesture. The integration of silhouettes-scenography is usually embedded in a set of polygonal geometric shapes that deconstruct what is observed, on many occasions in a flat way, playing with the effect of perspective that can only 32 Antonio E. Ojeda Golem, mayo 2021 (Callegrafías) Archival Pigment Print 150 cm x 100cm 33 Antonio E. Ojeda Deconstrucción II, julio 2021 (Callegrafías) Archival Pigment Print 150cm x100cm 34 Antonio E. Ojeda Serralves, agosto 2021 (Callegrafías) Archival Pigment Print 150cm x100cm 35 Antonio E. Ojeda Comic, octubre 2017 (Callegrafías) Archival Pigment Print 150cm x 100cm 36 Antonio E. Ojeda Deconstrucción I, julio 2021 (Callegrafías) Archival Pigment Print 150cm x100cm 37 Antonio E. Ojeda Romeros, septiembre 2019 (Callegrafías) Archival Pigment Print 150cm x 100cm 38 Antonio E. Ojeda Finnegans Wake,mayo 2018 (Callegrafías) Archival Pigment Print 100cm x 150cm 39 Antonio E. Ojeda Surrealismo, junio 2021 (Callegrafías) Archival Pigment Print 150cm x 100cm 40 Antonio E. Ojeda Moscoso, septiembre 2019 (Callegrafías) Archival Pigment Print 150 cm x 100 cm 41 Antonio E. Ojeda Duquesa, mayo 2017 (Callegrafías) Archival Pigment Print 150 cm x 100 cm 48 Cristóbal C. Cassinello Phobos Series. 2022. Archival Pigment Print 150 x100cm 49 Cristóbal C. Cassinello Phobos Series. 2022. Archival Pigment Print 150 x100cm Cristóbal C. Cassinello Phobos Series. 2022. Archival Pigment Print 150 x100cm 50 Cristóbal C. Cassinello Phobos Series. 2022. Archival Pigment Print 150 x100cm 51 Cristóbal C. Cassinello Phobos Series. 2022. Archival Pigment Print 150 x100cm Cristóbal C. Cassinello Phobos Series. 2022. Archival Pigment Print 150 x100 cm 52 Cristóbal C. Cassinello Phobos Series. 2022. Archival Pigment Print 150 x100 cm 53 Cristóbal C. Cassinello Phobos Series. 2022. Archival Pigment Print 150 x100 cm Cristóbal C. Cassinello The invisble man Series. 2022. Archival Pigment Print 150 x100 cm 54 Cristóbal C. Cassinello Metamorphosis Series. 2022. Archival Pigment Print 150 x100 cm 55 Cristóbal C. Cassinello Metamorphosis Series. 2022. Archival Pigment Print 150 x100 cm Cristóbal C. Cassinello Phobos Series. 2022. Archival Pigment Print 150 x100 cm” 56 Cristóbal C. Cassinello Metamorphosis Series. 2022. Archival Pigment Print 150 x100 cm 57 Cristóbal C. Cassinello Metamorphosis Series. 2022. Archival Pigment Print 150 x100 cm Cristóbal C. Cassinello Metamorphosis Series. 2022. Archival Pigment Print 150 x100 cm 64 Francisco Uceda Fragmento #15 Homenaje a Bernardo Soares (2010) Acrylic on Archival Pigment Print 150cm x 100cm 65 Francisco Uceda Fragmento #12 Homenaje a Bernardo Soares (2010) Acrylic on Archival Pigment Print 150cm x 100cm 66 Francisco Uceda Fragmento #21 Homenaje a Bernardo Soares (2010) Acrylic on Archival Pigment Print 150cm x 100cm 67 Francisco Uceda Fragmento #16 Homenaje a Bernardo Soares (2010) Acrylic on Archival Pigment Print 150cm x 100cm 68 Francisco Uceda Fragmento #56 Homenaje a Bernardo Soares (2022) Acrylic on Archival Pigment Print 150cm x 100cm 69 Francisco Uceda Fragmento #24 Homenaje a Bernardo Soares (2011) Acrylic on Archival Pigment Print 150cm x 100cm 70 Francisco Uceda Fragmento #67 Homenaje a Bernardo Soares (2022) Acrylic on Archival Pigment Print 100cm x 150cm 71 Francisco Uceda Fragmento #58 Homenaje a Bernardo Soares (2022) Acrylic on Archival Pigment Print 150cm x 100cm 72 Francisco Uceda Fragmento #71 Homenaje a Bernardo Soares (2011) Acrylic on Archival Pigment Print 100cm x 150cm 73 ARTISTA | STATEMENT ASUNCIÓN LOZANO 80 Asunción Lozano EverGreen #7 (2012/2022) Detail. 81 Asunción Lozano EverGreen #7 (2012/2022) Digital print on inkjet matte polyester paper. 4 pieces of 150x80 cm each unit. Total size: 150x310 cm Asunción Lozano EverGreen #7 (2012/2022) Detail. 82 83 Asunción Lozano EverGreen 15 (2012/2022) Digital print on inkjet matte polyester paper. 4 pieces of 150x85 cm each unit. Total size: 150x425cm 84 BIOGRAFÍAS 85 Fotógrafo y director de proyectos fotográficos en CultureLabLIC en la Galería Plaxall, Queens, NY. Orestes González es un artista fotográfico y comisario afincado en Queens, Nueva York. Su trabajo fotográfico aborda temas como la nostalgia, la sociedad, la dinámica familiar y las fuerzas políticas y económicas que están cambiando nuestro país y el mundo en general. González ha comisariado más de 20 exposiciones de fotografía desde 2008, primero en la Jeffrey Leder Gallery de Long Island City, NY, y luego de forma independiente, desde 2012. Su exposición, “Disruption”, se inauguró en el Center for Photography at Woodstock (CPW) en 2018. Su monografía,” Julio’s House”, es ahora una exposición itinerante y fue expuesta recientemente en Frederic Snitzer Gallery en Miami y SF Camerawork Gallery en San Francisco (2018, 2019). Actualmente está en préstamo permanente en La Fábrica de Arte Cubano, La Habana, Cuba. González ha expuesto extensamente en los Estados Unidos, y está en las colecciones de The Perez Art Museum, Miami, Fototeca, La Habana, y en las colecciones de The Metropolitan Museum of NY, The Museum of Modern Art, y Duke University Library, entre otras. Actualmente es director de proyectos fotográficos en Culture Lab, Long Island City, Queens. www.orestesgonzalez.com Havana, 1956 (Cuba) ORESTES GONZÁLEZ | Comisario 86 BIOGRAPHY | ORESTES GONZÁLEZ. CURATOR. Havana, 1956 (Cuba). Photographer and director of Photo-based projects at CultureLabLIC at the Plaxall Gallery, Queens, NY Orestes Gonzalez is a photo artist and curator based in Queens, NY. His photography work addresses issues of nostalgia, society, family dynamics, and the political and economic forces changing our country, and the world at large. Gonzalez has curated over 20 photography shows since 2008, first at the Jeffrey Leder Gallery in Long Island City, NY, then independently, since 2012. His exhibition, “Disruption,” opened at the Center for Photography at Woodstock (CPW) in 2018. His monograph,“ Julio’s House”, is now a traveling exhibition and was recently exhibited at Frederic Snitzer Gallery in Miami and SF Camerawork Gallery in San Francisco (2018, 2019). It is currently on permanent loan at La Fábrica de Arte Cubano, Havana, Cuba. Gonzalez has exhibited extensively in the US, and is in the collections of The Perez Art Museum, Miami, Fototeca, Havana, and the collections of The Metropolitan Museum of NY, The Museum of Modern Art, and Duke University Library, among others. He is currently director of photobased projects at Culture Lab, Long Island City, Queens. www.orestesgonzalez.com ENGLISH 87 Artista, comisario y director de MECA Mediterráneo Centro ArtísticoAcadémico de la Real Academia de Bellas Artes de Granada. Recientemente nombrado Académico de la Real Academia de Bellas Artes de Granada, desde 1975, Fernando Barrionuevo comienza su carrera profesional como artista y comisario de exposiciones además de fundar en el año 1989 el centro cultural MECA Mediterráneo Centro Artístico ubicado en España, en la ciudad de Almería. En estos más de 40 años de carrera ha desarrollado centenares de programas expositivos y eventos. Como artista podemos destacar su presencia en numerosas exposiciones nacionales e internacionales, destacando países como España, Italia, Francia, Bélgica, Omán, EEUU, China y Japón, éste último en el que vivió durante más de una década. Como comisario de exposiciones y director de MECA, su labor programática la ha basado en la organización de exposiciones, bienales internacionales de arte contemporáneo, proyectos de intervención ciudadana, encuentros, congresos, talleres, programas de capacitación, además de participar en diferentes ferias profesionales de arte, nacionales e internacionales como ARCO. Los recorridos internacionales que Fernando Barrionuevo ha gestionado desde MECA Mediterráneo Centro Artístico para los artistas participantes en sus proyectos han pasado por países como Japón, China, Argentina, Cuba, Italia, Francia, Bélgica y Brasil, además de España. www.centromeca.com Almería, 1960 (España) FERNANDO BARRIONUEVO | Comisario MECA 88 BIOGRAPHY | FERNANDO BARRIONUEVO. CURATOR (MECA MEDITERRÁNEO ARTISTIC CENTER). Almería 1960, (Spain). Artist, curator and director of MECA Mediterráneo Centro Artístico, Academic of the Royal Academy of Fine Arts of Granada. Barrionuevo has recently been appointed Academician of the Royal Academy of Fine Arts of Granada. Fernando Barrionuevo began his professional career as an artist in 1975 and as curator of exhibitions in addition to founding in 1989 the Contemporary art center MECA Mediterráneo Centro Artístico located in Spain, in the city of Almería. In these more than 40 years of career he has developed hundreds of exhibition programs and events. As an artist, Barrionuevo has participated in numerous national and international exhibitions, highlighting countries such as Spain, Italy, France, Belgium, Oman, USA, China and Japan, the latter where he lived for more than a decade. As curator of exhibitions and director of MECA, his programmatic work has been based on the organization of exhibitions, international biennials of contemporary art, citizen intervention projects, meetings, congresses, workshops, training programs, as well as participating in different national and international professional art fairs such as ARCO. The international tours that Fernando Barrionuevo has managed from MECA Mediterráneo Centro Artístico for the artists participating in his projects have taken them to countries such as Japan, China, Argentina, Cuba, Italy, France, Belgium and Brazil, as well as Spain. www.centromeca.com ENGLISH 89 Fábrega Agea toma contacto con la fotografía a los 9 años revelando en el laboratorio familiar junto a su padre. Sigue como fotógrafo amateur mientras estudia Psicología y formación en Historia del Arte. En 1998 inicia el Movimiento Fotopoesía Internacional como teórico y como fotógrafo. Ha desarrollado exposiciones colectivas como fotógrafo y curador en Photo México y en Colombia (Galería Fenalco). Ha realizado colaboraciones con textos críticos para autores presentes en TVE, PhotoEspaña, Vogue Italia, y numerosos y prestigiosos media de Street Photography. Como autor y curador de su propia obra ha colaborado principalmente con el Smitshonian Institute, Adobe Creative Magazine, Diputación de Castellón, Ayuntamiento de Castellón y Xarxa de Biblioteques Públiques de Catalunya. Recientemente ha actuado como curador de su propia obra en la ciudad de Castellón dónde completará la estética urbana de la ciudad con fotografías murales desde 27/O7/2022 hasta 27/12/2022. Tras jubilarse prosigue sus actividades asesorando desinteresadamente en la construcción y comentario de corpus teóricos en jóvenes valores de la Nueva Fotografía española. Correo: [email protected] Instagram: @josepfabregaagea Viladecans. Barcelona, 1957. (España) JOSEP FABREGA | Crítico de Arte y Fotografía 96 BIOGRAPHY |FRANCISCO UCEDA. PHOTOGRAPHER Almería, 1969 (Spain) Uceda teaches at the School of Education at the City College of New York and is a World Languages teacher at the Bronx Institute of Science. He holds degrees in Anthropology and Art (Bard College), and Spanish and English Philology (University of Almeria), and a Master’s degree in Education of Spanish as a Second Language (University of La Rioja) and a Master’s degree in Educational Leadership (Massachusetts College of Liberal Arts). Since 2001 he has lived in New York where he combines his teaching work with photography. He has been showing his photographic work for over thirty years in solo and group exhibitions in Spain, USA, Portugal, Italy, France and Germany. Uceda is a two-time recipient of the Imágenes Jóvenes Award, from the Youth Institute of Spain, and has been invited twice to participate in the Biennial of Young Artist of Europe and the Mediterranean (Lisbon, 1994 and Rome, 1999), or in the last three photography festivals PhotoEspaña (2019, 2020, 2021). He has received several national and international photography awards and has 15 solo exhibitions and over 40 group exhibitions. Francisco Uceda’s artistic approach throughout his life has largely questioned the conventions, archetypes and stereotypes of the collective Western imaginary. His work lies halfway between the truthful document and the simulacrum, between reality and, at times, a whimsical and harsh fiction, creating a body of work that traverses his personal experience, but is inserted into the current social, political or artistic discourse. His photography is in continuous dialogue with literature as evidenced by the two books of photography published to date. To date he has co-published two books of photography, La desolación del náufrago (2000) and Fulgores Vanos (2021). www.franciscouceda.com ENGLISH 97 Es licenciada en Bellas Artes y doctora en Bellas Artes por la Universidad de Granada. Ejerce como Catedrática de Pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada desde 1995. Su obra de carácter multidisciplinar, aborda la pintura, la escultura, la instalación, la fotografía o el vídeo. Metódica y muy interesada en los sistemas de clasificación, ha organizado su trabajo a través de series y grupos diferenciados de trabajos que se han ido sucediendo a lo largo de su trayectoria. Su campo de investigación explora temas como el Cuerpo, el Territorio y la Naturaleza. En cada uno de ellos propone alcanzar objetivos como: advertir sobre la dimensión indómita de la naturaleza; reconstruir el sentido del territorio mediante la manipulación de imágenes aéreas tomadas de Google Earth; analizar cómo los individuos habitan el espacio social urbano, etc. Desde 1993 ha celebrado más de quince muestras individuales y alrededor de cien muestras colectivas. En 1997 recibe el accésit del XIII Premio de pintura L’Oréal. así como sucesivos premios y distinciones nacionales. Entre sus exposiciones se pueden nombrar Arquitecturas de papel (1999) en la Sala Rekalde de Vizcaya, Vigías (2009) en MECA Mediterráneo Centro Artístico de Almería Idéntica, similar, parecida, igual (2011) en el Centro Damián Bayón de Granada, o Todos, ninguno, en el Archivo Histórico Provincial de Jaén; Además ha expuesto en la Sala Centro de la Universidad de Jaén con la exposición 137 pasos y uno más; o 30 times and 31 places en el Nowohuckie Centrum Kultury de Cracovia. También ha participado en exposiciones colectivas como Mundos Propios. Perspectivas y Variaciones en la Fotografía Andaluza de hoy (2012), en la Fundación Valentín de Madariaga, Sevilla. Territorio Sur (2014), Ars Visibilis III. Arte Contemporáneo de Mujeres Artistas (2016), Mar Océano/Oceanum Mare (2016), en la Casa Pinillos del Museo de Cádiz; Acordes III (2016), o One Clover, and a Bee and Revery (2016) en Happylucky no.1 Gallery en Nueva York. www.asuncionlozano.com Granada, 1967. (España) ASUNCIÓN LOZANO | Artista 98 BIOGRAPHY |ASUNCIÓN LOZANO. ARTIST. Granada,1967. (Spain). She graduated in Fine Arts and Doctor in Fine Arts by the University of Granada. She has been a Professor of Painting in the Faculty of Fine Arts at the University of Granada since 1995. Her multidisciplinary work includes painting, sculpture, installation, photography and video. Her work is characterized by being methodical and very interested in classification systems. She has organized her work through series and differentiated groups of works that have followed one after the other throughout her career. Her field of research explores themes such as the Body, Territory and Nature. In each of them she proposes to achieve objectives such as: warning about the untamed dimension of nature; reconstructing the sense of territory through the manipulation of aerial images taken from Google Earth; analyzing how individuals inhabit the urban social space, etc. Since 1993 she has held more than fifteen solo exhibitions and around one hundred group exhibitions. In 1997 she received the second prize of the XIII L’Oréal Painting Award, as well as successive national awards and distinctions. Among her exhibitions stand out the following: Arquitecturas de papel (Paper Architectures) (1998-1999) at the Sala Rekalde of the Diputación Foral de Vizcaya, Vigías (Overseers) (2009) at MECA Mediterráneo Centro Artístico de Almería, Idéntica, similar, parecida, igual (Identical, similar, alike, same) (2011) at the Centro Damián Bayón in Granada, or Todos, ninguno (Everyone, no one) at the Archivo Histórico Provincial de Jaén; She has also exhibited at the Sala Centro of the University of Jaén with the exhibition 137 pasos y uno más (137 steps and one more); or 30 times and 31 places at the Nowohuckie Centrum Kultury in Krakow. She has also participated in group exhibitions such as Mundos Propios. Perspectivas y Variaciones en la Fotografía Andaluza de hoy (Worlds of Our Own. Perspectives and Variations in Andalusian Photography today) (2012), at the Valentín de Madariaga Foundation, Seville. Territorio Sur (2014), Ars Visibilis III. Contemporary Art by Women Artists (2016), Mar Oceano/Oceanum Mare (2016), at the Casa Pinillos of the Museum of Cadiz; Acordes III (2016), or One Clover, and a Bee and Revery (2016) at Happylucky no.1 Gallery in New York. www.asuncionlozano.com ENGLISH 99 ÍNDICE 1. Orestes González .Comisario / Curator. Culture Lab LIC 2. Fernando Barrionuevo. Comisario MECA / Curator 3. Josep Fabrega Agea. Crítico de Arte / Art Critic 4. Antonio E. Ojeda. Artista / Artist 5. Cristóbal C. Cassinello. Artista/ Artist 6. Francisco Uceda. Artista / Artist 7. Asunción Lozano. Artista / Artist 8. Nota biográfica / Biosketch Págs / Pages |4-5 Págs / Pages |6-9 Págs / Pages |10-26 Págs / Pages |27-40 Págs / Pages |41-55 Págs / Pages |56-70 Págs / Pages |71-81 Págs / Pages |82-96 ÍNDICE / INDEX 100 Nuestro más sincero agrademiento a la Universidad de Almería por el gran apoyo que nos ha brindado para llevar hasta Nueva York y en el marco de PhotoESPAÑA 2022 la exposición: ‘PHANTASIA: La Fotogtafía es Magia | Nueva Fotografía Española’. Our most sincere gratitude to the University of Almería for the great support it has given us to take us to New York and within the framework of PhotoESPAÑA 2022 the exhibition: ‘PHANTASIA: Photography is Magic | The New Spanish Photography.