Una imagen en blanco. Percepción y tiempo en la fotografía de Hiroshi Sugimoto

Instructions for authors, subscriptions, and further details: http://brac.hipatiapress.com Una Imagen en Blanco. Percepción y Tiempo en la Fotografía de Hiroshi Sugimoto. Salvador Jiménez-Donaire Martínez 1 1) Departamento de Dibujo. Universidad de Sevilla. Date of publication: February 3rd, 2023 Edition period: February 2023 - June 2023 To cite this article: Jiménez-Donaire, S. (2023). Una Imagen en Blanco. Percepción y Tiempo en la Fotografía de Hiroshi Sugimoto. BRAC - Barcelona, Research, Art, Creation, 11(1), pp. 146-163. doi: 10.17583/brac.8686 To link this article: https://doi.org/10.17583/brac.8686 PLEASE SCROLL DOWN FOR ARTICLE The terms and conditions of use are related to the Open Journal System and to Creative Commons Attribution License (CC-BY). Authors retain copyright and grant the journal the right of first publication BRAC - Barcelona Research Art Creation. Vol. 11 No.1, February 2023, pp. 146-163 Una Imagen en Blanco. Percepción y Tiempo en la Fotografía de Hiroshi Sugimoto ! Salvador Jiménez-Donaire Martínez Departamento de Dibujo. Universidad de Sevilla. (Recibido: 28 junio 2021; Aceptado: 16 noviembre 2022; Publicado: 3 febrero 2023) Resumen La obra de Hiroshi Sugimoto abarca más de cuatro décadas y el artista japonés se ha convertido en uno de los creadores más aclamados de su generación. Su práctica artística se cimenta sobre nociones como el tiempo, la memoria o la transitoriedad. En este texto examinamos las series Theaters y Seascapes, dos de los proyectos más celebrados del artista, en los que Sugimoto ofrece un registro visual de la duración. Con un enfoque conceptual y a través de una metodología paciente, basada en largos tiempos de exposición y un meticuloso proceso de revelado analógico, Sugimoto levanta cuestiones radicales en torno al binomio tiempo-fotografía. En el presente texto analizaremos cómo las estrategias de ralentización y dilación propuestas por Sugimoto alteran nuestra percepción y experiencia temporal. Para ello, revisaremos los vínculos de su trabajo con teorías sobre el Slow Art, categoría artística propuesta por Arden Reed, y nos acercaremos, de la mano de Juan Martín Prada, a la obra de Sugimoto en clave de contraimagen para demostrar que su fotografía nos brinda, destilada, una oportunidad para la contemplación y el descanso perceptivo: una imagen-tiempo. Palabras clave: Hiroshi Sugimoto; tiempo; percepción; Slow Art; fotografía contemporánea; contraimagen 2022 Hipatia Press ISSN: 2014-8992 DOI: 10.17583/brac.8686 BRAC - Barcelona Research Art Creation. Vol. 11 No.1, February 2023, pp. 146-163 Una Imatge en Blanc. Percepció i Temps en la Fotografia de Hiroshi Sugimoto Salvador Jiménez-Donaire Martínez ! Departamento de Dibujo. Universidad de Sevilla. (Rebut: 28 juny 2021; Acceptat: 16 novembre 2022; Publicat: 3 febrer 2023) Resum L'obra d'Hiroshi Sugimoto abasta més de quatre dècades i l'artista japonès ha esdevingut un dels creadors més aclamats de la seva generació. La seva pràctica artística es fonamenta sobre nocions com el temps, la memòria o la transitorietat. En aquest text examinem les sèries Theaters i Seascapes, dos dels projectes més celebrats de l'artista, on Sugimoto ofereix un registre visual de la durada. Amb un enfocament conceptual i mitjançant una metodologia pacient, basada en llargs temps d'exposició i un meticulós procés de revelatge analògic, Sugimoto aixeca qüestions radicals al voltant del binomi temps-fotografia. En aquest text analitzarem com les estratègies d'alentiment i dilació proposades per Sugimoto alteren la nostra percepció i experiència temporal. Per això, revisarem els vincles del seu treball amb teories sobre l'Slow Art, categoria artística proposada per Arden Reed, i ens aproparem, de la mà de Juan Martín Prada, a l'obra de Sugimoto en clau de contraimatge per demostrar que la seva fotografia ens brinda, destil·lada, una oportunitat per a la contemplació i el descans perceptiu: una imatge-temps. Paraules clau: Hiroshi Sugimoto; temps; percepció; Art Slow; fotografia contemporània; contraimatge 2022 Hipatia Press ISSN: 2014-8992 DOI: 2022 Hipatia Press ISSN: 2014-8992 DOI: 10.17583/brac.8686 BRAC - Barcelona Research Art Creation. Vol. 11 No.1, February 2023, pp. 146-163 A Blank Image. Perception and Time in Hiroshi Sugimoto’s Photograhy Salvador Jiménez-Donaire Martínez Department of Drawing. University of Seville. (Received: 28 June 2021; Accepted: 16 November 2022; Published: 3 February 2023) Abstract Hiroshi Sugimoto's work spans more than four decades, and the Japanese artist has become one of the most acclaimed creators of his generation. His artistic practice is based on notions of time, memory and the transitory. In this text we will examine the Theaters and Seascapes series, two of the artist's most celebrated projects, in which Sugimoto offers a visual record of duration. With a conceptual approach and through a patient methodology, based on long exposure times and a meticulous analogy development process, Sugimoto raises radical questions about the time-photography binomial. In this text we will analyse how the slowing down strategies proposed by Sugimoto alter our perception and temporal experience. In order to do so, we will analyse the links between his work and the theories about Slow Art, an artistic category proposed by Arden Reed, and, with the help of Juan Martín Prada, we will approach Sugimoto's photography as an example of counter-image to show that his photography offers a distilled opportunity for contemplation and perceptual rest: an image-time. Keywords: Hiroshi Sugimoto; time; perception; Slow Art; contemporary photography; counter-image 2022 Hipatia Press ISSN: 2014-8992 DOI: 10.17583/brac.8686 Salvador Jiménez-Donaire Martínez – Una imagen en blanco 146 n sus burlonas Cosmicómicas, Italo Calvino describía el tiempo como una cosa que no logra mantenerse, que se deshace, que se derrumba como una orilla de arena: “el tiempo se negaba a durar” (2017, p. 217). En nuestro mundo de conectividad 24/7, mediado por pantallas y regido por flujos informacionales cada vez más densos, el requerimiento de inmediatez es axiomático. Hoy sucumbimos ante la imposición de velocidad y las derivas propias del exceso (de datos e imágenes) que ésta posibilita. En este orden de cosas, ese tiempo que no dura referido por Calvino parece resonar especialmente en esta era de presente continuo digital. Hoy, denuncia Rüdiger Safranski, “Los episodios vivenciales no pasan realmente de ser episodios porque no tienen tiempo de convertirse en experiencia. La experiencia necesita tiempo, tiempo de elaboración” (2013, p. 31). El pensador alemán subraya que el tiempo es, precisamente, el acto de durar (2013, p. 12). Abandonados a las pulsiones del cortoplacismo y desmantelados los diques temporales, el ahora ha pasado a ser un producto más en la economía de la obsolescencia. Hambre de tiempo, ojos cansados, sobreinformación… Son muchas las voces que alertan de los peligros de la hiperactividad y la hipervigilia que caracteriza nuestra era digital. Ante esa multiplicidad de cosas e imágenes que desfilan frente a nosotros, ¿cómo parar, ¿dónde detener la mirada? Martín Prada reclama la producción de contraimágenes, un tipo de propuesta artística que “ante todo, rechazaría establecer con el espectador una relación de mera instantaneidad, valiéndose de configuraciones visuales emisoras de una luz más lenta, más densa, exigente de una digestión óptica prolongada” (2018, p. 25). En sintonía con estas poéticas de la lentitud planteadas desde las artes visuales, Arden Reed publicó en el año 2018 un ensayo titulado Slow Art. The Experience of Looking, Sacred Images to James Turrell, una suerte de manifiesto en el que el autor categorizaba un tipo de arte basado en experiencias estéticas que persiguen unos ritmos otros de hacer y ver. Reed insiste en cómo el arte engendra nuevos sentidos de duración a los que solo la mirada dilatada puede acceder. El autor incluye la obra de Hiroshi Sugimoto en esta categoría de lo slow. En el presente texto analizaremos sus series Theaters (1970 -) y Seascapes (1980 -) como materialización de tiempo colapsado. El acto fotográfico es, para el japonés, participar en la temporalidad de un evento. En oposición a la E BRAC - Barcelona Research Art Creation, 11(1) 147 apresurada manera de operar y ver descritas, examinaremos la fotografía de Sugimoto en clave de contraimagen y Arte Lento. Una Imagen en Blanco: Theaters (1978 -) La obra de Hiroshi Sugimoto abarca más de cuatro décadas y el artista japonés se ha convertido en uno de los creadores más aclamados de su generación. Nacido en 1948 en el Tokyo inmediatamente posterior a la Segunda Guerra Mundial, con 12 años recibe su primera cámara de mano de su padre, objeto que le causa fascinación. Con apenas veinte años, Sugimoto se muda a Los Ángeles para estudiar fotografía, aunque poco después se traslada a Nueva York, donde desarrolla su práctica artística. Ésta se cimenta sobre nociones como el tiempo, la memoria o la transitoriedad, y se caracteriza por la consistencia que garantiza trabajar de manera exhaustiva en pocas series, algunas de las cuales continúa desarrollando en la actualidad desde que fueran iniciadas en la década de los 70. Es el caso de Theaters, quizá el corpus de obra más icónico del artista y con el que pronto adquirió reconocimiento internacional. Capturadas con una cámara de gran formato, estas fotografías son ejecutadas a través de procesos analógicos, largos tiempos de exposición y un distinguido y cuidado balance de blancos y negros. Las imágenes son producidas al dejar el obturador abierto durante el tiempo de proyección de una película, lo que genera en la fotografía un fulgurante rectángulo blanco que parece flotar en un espacio oscurecido. Así, usando el proyector como única fuente de luz, Sugimoto captura filmes enteros en una sola imagen fija. El resultado de cada largometraje viene enmarcado por la delicadeza de los detalles arquitectónicos de los teatros en los que tiene lugar la proyección (Imagen 1). Salvador Jiménez-Donaire Martínez – Una imagen en blanco 148 Imagen 1. Sugimoto, H. UA Walker theatre, New York, 1978. [Impresión en gelatina de plata, 42.1 × 54.4 cm]. Museo de Arte Moderno de Nueva York. https://www.moma.org/collection/works/45308 En el statement del artista sobre la serie, la concepción del proyecto viene resumida en los siguientes términos: I’m a habitual self-interlocutor. One evening while taking photographs at the American Museum of Natural History, I had a near-hallucinatory vision. My internal question-and-answer session leading up to this vision went something like this: "Suppose you shoot a whole movie in a single frame?". The answer: "You get a shining screen". Immediately I began experimenting in order to realize this vision. One afternoon I walked into a cheap cinema in the East Village with a large-format camera. As soon as the movie started, I fixed the shutter at a wide-open aperture. When the movie finished two hours later, I clicked the shutter closed. That evening I BRAC - Barcelona Research Art Creation, 11(1) 149 developed the film, and my vision exploded behind my eyes. (Sugimoto, s.f.) En Teatros, las salas son capturadas como lugares de apariencia casi fantasmal en los que aparentemente nada sucede. Sin embargo, estas imágenes ofrecen un registro visual de la duración: el tiempo de la fotografía abarca el tiempo del largometraje. Lo que presenta Sugimoto no es una instantánea o un fotograma congelado: la imagen contiene toda la película, es el tiempo de la película. Dice Étienne Klein que la duración podemos habitarla, pero no percibirla de un vistazo. Asegura el físico francés que, a diferencia de la longitud, su hermana espacial, “la duración nunca se nos hace presente in extenso ni de una sola vez, porque está formada por instantes consecutivos, que se suceden uno tras y otro y no coexisten. Por lo tanto, (…) nunca se despliega íntegramente ante nosotros” (2020, pp. 25-26). La fotografía de Sugimoto parece invalidar esta afirmación. Cada una de las imágenes de sus Teatros están construidas a partir de la superposición de miles y miles de fotogramas proyectados a lo largo del tiempo. Habitualmente, a la fotografía se le atribuye la capacidad de detener el tiempo, de fraccionarlo. Defendía Susan Sontag que toda imagen fotográfica es memento mori: “Hacer una fotografía es participar de la mortalidad, vulnerabilidad, mutabilidad de otra persona o cosa. Precisamente porque seccionan un momento y lo congelan, todas las fotografías atestiguan la despiadada disolución del tiempo” (2006, p. 32). En la obra de Sugimoto, sin embargo, ese tiempo no viene disuelto ni congelado, sino prolongado, extendido, enaltecido – tiempo literalmente revelado. En un estudio sobre la serie que aquí nos ocupa, el historiador alemán Hans Belting asegura que el tiempo-evento de la proyección del filme se transforma en tiempo-espacio, donde una multiplicidad de momentos (duración) son presentados visualmente de manera simultánea. “The photography (…) testifies against its own traditional evidence as a medium and introduces a startling new time experience” (Belting, 2000, p. 140). A través de su metodología paciente y meticulosa, Sugimoto levanta cuestiones radicales en torno al binomio tempo-fotografía. El artista japonés reflexiona sobre su interés por capturar miles de imágenes en una sola toma: Salvador Jiménez-Donaire Martínez – Una imagen en blanco 150 My dream was to capture 170,000 photographs on a single frame of film. The image I had inside my brain was of a gleaming white screen inside a dark movie theater. The light created by an excess of 170,000 exposures would be the embodiment or manifestation of something awe-inspiring and divine. (Sugimoto, 2000) A esa manifestación “impresionante” y “divina” que el nipón asegura perseguir en sus imágenes la denomina muerte sobreexpuesta (2000). Ciertamente, el resplandor o halo que envuelve estas pantallas blancas otorga a sus Teatros una cualidad onírica, surreal: la luz parece emanar desde dentro de la fotografía. Así, estos rectángulos blancos se vuelven tan hipnóticos, tan intrigantes, que a menudo han sido descritos como portales hacia otra dimensión. En una entrevista con Thomas Kellein, Sugimoto señala que algunos perciben esta serie como imágenes religiosas, e incluso comenta cómo, en una ocasión, una chica comenzó a recitar un canto budista delante de ellas (Kellein, 1995). El artista escribe en un ensayo titulado Image of the Void que los teatros de Estados Unidos han adoptado elementos propios de la arquitectura religiosa de todo el mundo, y reconoce percibir estos espacios como lugares para la experiencia espiritual colectiva (Sugimoto, 1995). En Theaters, el espacio de la pantalla sobre el que se proyectan las películas se convierte, por sobreexposición, en una ausencia: una imagen del vacío, como sugiere el propio Sugimoto. En las fotografías del artista, escribe Aimee Lin en un artículo sobre este proyecto, la sala y los asientos libres pueden parecer lugares silenciosos y deshabitados, pero en realidad esconden un mensaje de plenitud, de numerosos fantasmas hablando en voz baja: "I was once here, watching" (2017). Sugimoto ha comentado en múltiples ocasiones: “I'm inviting the spirits into my photography. It's an act of God” (2000). Lin concluye que la estructura conceptual antitética de las imágenes del artista resuena con aquel principio clásico Zen: el vacío es consecuencia de la plenitud. En efecto, la nada contenida en las pantallas que protagonizan este proyecto es el subproducto de la abundancia de luz, que se vuelve cegadora. El propio Sugimoto articula así su asombro tras revelar la primera imagen de esta serie: The image was something that neither existed in the real world nor was it anything that I had seen. So who had seen it, then? My answer: it was what the camera saw. It was the afterimage of a great accumulation of afterimages. (Fraenkel Gallery) BRAC - Barcelona Research Art Creation, 11(1) 157 y escenarios, el horizonte marino es la única visión que en el mundo moderno podemos compartir con nuestros ancestros. En Seascapes no hay ninguna señal de ubicación (que conocemos únicamente por el título de cada fotografía), no hay tierra a la vista: parecemos estar flotando en el aire ante una inmensa extensión de agua que no ofrece constancia de vida, humana o animal. Para Sugimoto, la sensación de levitar, experiencia extracorporal ligada a determinadas prácticas espirituales y esotéricas, ha sido una constante a lo largo de su vida y praxis artística: In my dreams as a child, I often floated in midair. Sometimes I’d leave my body and watch my sleeping self from on high near the ceiling. Like a [sic] out-of-body projection perhaps, a waking self coexisting simultaneously with a sleeping self. Even as an adult, I habitually imagine myself airborne. Might this be at the root of my artistic spirit? (Sugimoto, s.f.) La sobriedad compositiva de Seascapes subraya el carácter elemental, primigenio, del mar y el cielo, lo que otorga al proyecto una cualidad atemporal. Por cada lugar que visita, el artista toma múltiples imágenes, en diferentes momentos del día y bajo diversas condiciones atmosféricas, alterando en cada toma la velocidad de obturación o tiempo de exposición. Pese a la repetitividad de la composición y de los elementos capturados, esta experimentación confiere a las imágenes del proyecto un cierto eclecticismo y un halo de misterio. Especialmente reseñables a este respecto son las fotografías nocturnas (Imagen 7), en las que el horizonte es solo ligeramente perceptible y la imagen se asemeja más a una pintura abstracta que a una fotografía de paisaje al uso. Salvador Jiménez-Donaire Martínez – Una imagen en blanco 158 Imagen 6. Sugimoto, H. North Pacific Ocean, Stinson Beach, 1994. [Impresión en gelatina de plata, 65.4 × 83.4 cm]. Art Basel. https://www.artbasel.com/catalog/artwork/31924/Hiroshi-Sugimoto-North-Pacific- Ocean-Stinson-Beach De hecho, Seascapes ha sido frecuentemente relacionado con las Dark Paintings de Mark Rothko – hasta el punto de que, en el año 2012, la galería Pace presentó una exposición dual con la obra de estos artistas (Imagen 8). Para la ocasión, el japonés comentó el vínculo interdisciplinar que une su fotografía con la pintura del titán del expresionismo abstracto: For several decades I have created seascapes. Not depicting the world in photographs, I’d like to think, but rather projecting my internal seascapes onto the canvas of the world. Skies now forming bright rectangles, water now melting into dark fluid rectangles. I sometimes think I see a dark horizon cutting across Mark Rothko’s paintings. It’s then I unconsciously realize that paintings are more BRAC - Barcelona Research Art Creation, 11(1) 159 truthful than photographs and photographs are more illusory than paintings (Sugimoto, 2012). La concepción de la obra de arte como catalizadora de una experiencia de orden místico es otro de los puntos en común entre ambos artistas, con quien el propio Sugimoto se vincula a nivel conceptual. Fotógrafo y pintor plantean una imagen rebelde, poco dada a las explicaciones, pero que no deja de invitar a la contemplación y la meditación. Imagen 7. Vista de instalación, Rothko / Sugimoto: Dark Paintings and Seascapes. Gallería Pace, Londres, 4 octubre – 17 noviembre 2012. Pace Gallery. https://www.pacegallery.com/exhibitions/rothko-sugimoto/ Frente a la aparente simplicidad formal de estos paisajes, el artista recuerda que los largos tiempos de exposición empleados para su captura, el grado de detalle que contienen y su tamaño hacen del proceso de revelado una tarea tan ardua que el propio Sugimoto ha pasado diez años desarrollando “a Salvador Jiménez-Donaire Martínez – Una imagen en blanco 160 developing procesador that is one hundred per-cent unevenness-free” (Louisiana Chanel, 2018). Si alguna mancha aparece durante el revelado, advierte el fotógrafo, entonces la imagen deja de ser válida: “It’s hard to develop a photo of a sky without a single cloud. If unevenness occur [sic] during the development then it’s no longer a photo of the air.” (íbid). En Seascapes, a través de la observación reflexiva y una metodología de trabajo extremadamente minuciosa, Sugimoto consigue formalizar su percepción prístina del mundo en una toma fotográfica: una visión fuera de los límites del tiempo – o quizá, más bien, en lo más adentro de sus profundidades. Y el Tiempo se Hizo Luz. Notas Finales. Fotografiar es, para Sugimoto, fosilizar una visión, participar de su temporalidad: “Taking a photograph, I realize, is to fossilize the present day” (Sugimoto, s.f.). En el presente texto hemos querido subrayar la relevancia de la experiencia temporal en la obra de Sugimoto. Su proceso fotográfico, basado en una exposición acusadamente prolongada, condensa y alarga el tiempo de manera simultánea. Por un lado, esos tiempos excesivamente largos de exposición que el artista emplea actúan como herramienta de ralentización. Por otro, y quizá en consecuencia, sus imágenes demandan al espectador una observación igualmente dilatada, reflexiva. Una mirada morosa poco frecuente en el contexto acelerado, cortoplacista y utilitario en el que acordábamos hallarnos en la introducción. Además, la tendencia de Sugimoto a trabajar por series y desarrollarlas durante décadas genera una sensación de permanencia y continuidad que contribuye a sostener este interés por los tiempos laxos. Como aclara Sugimoto: “There is no decisive moment in my photograph, only the melting of time” (Genova, 2016). A este respecto, hemos comprobado que la repetición se convierte en estrategia narrativa fundamental en los proyectos del japonés, como se hace evidente en los proyectos Theaters y Seascapes. En ambos, una imagen tomada hace veinte años obedece las mismas premisas que una tomada en el presente inmediato. Fotografía tras fotografía, nos enfrentamos a la misma visión una y otra vez, aunque no por ello ésta resulta menos extraña – o menos hipnótica. BRAC - Barcelona Research Art Creation, 11(1) 161 Esta atemporalidad generada en y desde la repetición tampoco se quiebra cuando Sugimoto asume ligeras variaciones en sus proyectos, como en el caso de Abandoned Theaters. Las imágenes de Sugimoto no miden el tiempo, generan uno nuevo: incorporan en su estructura conceptual y estética una arruga o despliegue temporal. De la mano de Arden Reed, en este texto hemos examinado la obra del japonés como Slow Art. La definición que el autor hace de esta categoría parece describir a la perfección la metodología de Sugimoto: “Slow Art is not a thing but an experience, (…) is at odd with itself, playing stillness against motion, drawing images into events and thickening events into images” (Reed, 2018, p. 36). Parafraseando a Gombrich, y como señalábamos en el texto, la visión y la experiencia temporal no son disociables. Esto queda particularmente enfatizado en la obra de Sugimoto, cuyo interés por la observación prorrogada ha perfilado sus metodologías y sus estrategias creativas. Para el japonés, la duración deviene elemento central en la concepción y ejecución del acto fotográfico. En Theaters, Sugimoto hace convivir una multiplicidad de órdenes temporales: el tiempo de la proyección de una película, el tiempo de exposición de una cámara y el tiempo de atención humana. Entendemos aquí la fotografía de Sugimoto como esa contraimagen planteada por Juan Martín Prada: como se ha señalado a lo largo del texto, su trabajo rechaza la inmediatez y demanda al espectador una “digestión óptica prolongada” para apreciar la “luz más lenta, más densa” de sus pantallas de cine y horizontes marinos. Así, las relaciones entre percepción y duración configuran la visión de Sugimoto, que desvela las recompensas de la contemplación y la lentitud: una imagen-tiempo. Referencias Belting, H. (2000). “Theatre of Illusion”, en Hiroshi Sugimoto: Theaters. Sonnabend Sundell. Bois, Y-A. (2009). “Slow (Fast) Modern”, en Speed Limits. (pp. 122-126). Canadian Centre for Architecture. Calvino, I. (2017). Las Cosmicómicas. Siruela. Salvador Jiménez-Donaire Martínez – Una imagen en blanco 162 Elliot, D. (2005). “Hiroshi Sugimoto: The Faces of Infinity”, en Hiroshi Sugimoto. Hatje Cantz Verlag. [Fraenkel Gallery]. (s.f.). Hiroshi Sugimoto: Theaters. https://fraenkelgallery.com/exhibitions/theaters Genova, A. (2016, september 9). One Artist Turned Abandoned Theaters into Apocalyptic Visions, Time. https://time.com/4471712/hiroshisugimoto-remains/ Gombrich, E. (1964). “Moment and Movement in Art”, Journal of the Warburg and Courtauld Institutes, 27, 293-306. Jacquet, M. (2021). “Photographer Hiroshi Sugimoto unveils his first coloured works' secrets”, 14. https://www.numero.com/en/photography/hiroshi-sugimoto-galerie- marian-goodman-paris Kellein, T. (1995). Hiroshi Sugimoto: Time Exposed. Thames and Hudson. Klein, E. (2020). El tiempo (¿pasa?). Clave intelectual. Lin, A. (2017, september 29). Hiroshi Sugimoto, Le Notti Bianche. Art Review. https://artreview.com/ara-autumn-2017-review-hiroshi- sugimoto/ Louisiana Chanel. (11 de septiembre de 2018). Hiroshi Sugimoto: Between Sea and Sky [video]. https://www.youtube.com/watch?v=JWh4t67e5GM Martín Prada, J. (2018). El ver y las imágenes en el tiempo de Internet. Akal. Reed, A. (2018). Slow Art. The Experience of Looking, Sacred Images to James Turrell. University of California Press. Safranski, R. (2013). Sobre el tiempo. Katz. Sontag, S. (2006). Sobre la fotografía. Alfaguara. Sugimoto, H. (2012). Dark Paintings / Seascapes. Pace Gallery. Sugimoto, H. (2000). Hiroshi Sugimoto: Theaters. Sonnabend Sundell. Sugimoto, H. (1995). “Image of the Void”, en Hiroshi Sugimoto: Time Exposed. Thames and Hudson. Sugimoto, H. (1994). Hiroshi Sugimoto: Seascapes. Ram Pubns & Dist. Sugimoto, H. (s.f.). Theaters. https://www.sugimotohiroshi.com Sugimoto, H. (s.f.). Revolution. https://www.sugimotohiroshi.com/newpage-80 Sugimoto, H. (s.f.) Pre-Photography Time-Recording Device. https://www.sugimotohiroshi.com/pptrd BRAC - Barcelona Research Art Creation, 11(1) 163 Salvador Jiménez-Donaire Martínez: Departamento de Dibujo. Universidad de Sevilla. Email address: [email protected] Contact Address: Departamento de Dibujo. Universidad de Sevilla. Calle Laraña, 3, 41003 Sevilla.