La performática del yo a través del autorretrato intervenido

LA PERFORMÁTICA DEL YO A TRAVÉS DEL AUTORRETRATO INTERVENIDO Abril García de los Reyes Trabajo Fin de Grado Grado en Bellas Artes Facultad de Bellas Artes – Universidad de Sevilla Trabajo Fin de Grado Grado en Bellas Artes – Universidad de Sevilla Curso 2022 – 23 La performática del yo a través del autorretrato intervenido Abril García de los Reyes María del Mar Bernal Pérez hoy me hice una foto dos fotos tres fotos cuatro fotos cinco fotos seis fotos siete fotos ocho fotos para no olvidar que existo ÍNDICE INTRODUCCIÓN JUSTIFICACIÓN OBJETIVOS DOSSIER DE OBRAS METODOLOGÍA ESTUDIO TEÓRICO - EVOLUCIÓN DEL AUTORRETRATO - AUTORRETRATO FOTOGRÁFICO: CAMBIO EN EL PARADIGMA DE LA AUTOCONCEPCIÓN - EL SELFIE REFERENTES ESPECÍFICOS - ORLAN: LA RADICALIZACIÓN DE LA CARNE - LA SECUENCIALIDAD DEL CAMBIO EN ESTHER FERRER - GAO HANG: LA FINA LÍNEA ENTRE LO VIRTUAL Y LO TERRENAL - OTROS REFERENTES: ALEJANDRO GARÓFANO Y ANTONIO DE PLATA - CONCEPTUALIZACIÓN ESTÉTICA: CRYSTAL CASTLES, VVV [TRIPPIN’YOU] Y ROSALÍA PROPUESTA DE INTEGRACIÓN PROFESIONAL CONCLUSIÓN ÍNDICE DE IMÁGENES BIBLIOGRAFÍA INTRODUCCIÓN El presente Trabajo Fin de Grado viene dado de un primer sentimiento de no pertenencia al propio yo como ente físico. En él menciono conceptos y emociones relacionadas con los límites entre lo incorpóreo y lo terreo, la deformación del ser para poder alcanzar nuevas formas de auto percibirnos, el dominio del espacio virtual en nuestra era y el poder de las imágenes en nuestra psique, entre otras cosas. Este proceso se ha formalizado principalmente a través del autorretrato fotográfico, de manera que ejerzo una serie de transformaciones en el mismo, diseccionándolo y distorsionándolo, entre otros procesos. Este trabajo teórico – práctico plantea una primera parte práctica en la cual se presentan cuatro obras propias que siguen la línea temática mencionada. Dos de ellas parten de un primer medio fotográfico que luego se ha llevado a distintos procedimientos, como puede ser la técnica del fotograbado o la estampa serigráfica. Las dos últimas obras son montajes fotográficos cuyas modificaciones se han llevado a cabo mediante aplicaciones de edición de imágenes (Photoshop). Estas piezas están respaldadas bajo una segunda parte teórica en la que realizo un breve estudio sobre el desarrollo del autorretrato a través de la historia del arte llegando hasta nuestra actualidad, en él reflexiono sobre sus diferentes usos y cómo este ha evolucionado. Apoyándome también, en el trabajo de artistas como Orlan y sus operaciones estéticas, Cindy Sherman, los autorretratos de Esther Ferrer o las pinturas del artista no tan conocido Gao Hang. Además de autores emergentes como Alejandro Garófano y Antonio de Plata, sin dejar de lado la mención de una conceptualización estética basada en las producciones por parte de grupos de música electrónica alternativa como Crystal Castles o VVV [Trippin’you] o la cantante española ROSALÍA. Todos estos referentes y artistas que exploraron alguna vez los límites de lo corpóreo y la identidad me han servido para comenzar a investigar sobre este sentimiento arraigado en mí, intentando encontrar una forma de crear algo con lo que sí me sienta cómoda e identificada a través de la deconstrucción y la experimentación de la imagen, dejándola como algo abierto y con distintas posibilidades. JUSTIFICACIÓN Considero que gran parte del funcionamiento de mi comprensión hacia el mundo exterior e interior siempre ha estado regido por imágenes, no solo de aquellas que percibo con mis sentidos sino también por las que conformo en mi mente. Hace unos años encontré un texto en el que databa con 12 años cómo visionaba mi vida en aquel entonces. En él, contaba como sentía que no formaba parte de ella, como si fuese una película en el cine, algo que veo pasar, pero de lo que no participo, algo que me han contado y he decidido creer pero que realmente no siento como mío. No recordaba haber escrito dicha declaración. Sin embargo, no me podría haber sentido más identificada al leerlo ocho años después. Es por ello que este proyecto obtiene su razón de ser en esta sensación de no pertenencia a mí misma, tanto a mi personificación como a mi realidad. De forma que inicio de una búsqueda identitaria mediante el uso de mi propio rostro para hablar de la dismorfia y la disociación que siento para conmigo misma. Me planteo cuál es la verdad de mi unidad corpórea. ¿Es más real la visión que tenemos de nosotros mismos frente al espejo? ¿La que vemos al auto fotografiarnos? ¿O la que se da cuando es otro el que nos fotografía? ¿Son todas reales o ninguna? ¿Qué es más “yo”? ¿Mi entidad sensible que padece y siente gracias a sus terminaciones nerviosas y a toda la masa somática que compone mi cuerpo? ¿O esta imagen que he encontrado en Pinterest de una polilla ahogada en el agua de un río? ¿Hasta dónde podemos llegar a vernos reflejados en lo externo y no en nosotros mismos? ¿Qué ocurre cuando uno es demasiado consciente de sí mismo o, por el contrario, nada en absoluto? Estas son algunas de las preguntas que me hago de cara abordar mi obra. Preguntas muy personales y, a la vez, colectivas. En este momento, en sociedad existen numerosos grupos sociales que se ven abrumados por diversos existencialismos. Gran parte de estos han aumentado en los últimos años, mayoritariamente entre los jóvenes. Aunque, también puede ser que simplemente ahora sí sepamos formular las preguntas y acercarlas a la luz. Con el auge de la psicología, se ha extendido la información y ahora podemos poner palabras a conceptos que antes se concebían tan abstractos que no podían ser mencionados. Intento conseguir respuestas a dichas preguntas y a veces las encuentro. La imagen no engaña, somos nosotros los mentirosos. Nosotros, los que formamos parte en lo orgánico, dimensionamos los espacios de la realidad y sentimos la entraña. Nunca conseguiré confiar en lo corpóreo, en la masa. La única oportunidad que tengo de conseguir crear algo que se asemeje a la concepción que tengo de mi misma es a través de lo virtual, lo irreal y lo no tangible. Solo podré hacerlo a través de la imagen. OBJETIVOS OBJETIVO GENERAL - Tratar el concepto y la imagen que mantengo sobre mí misma a través del autorretrato fotográfico, de manera que me desvinculo de mi propio rostro para manipularlo, distorsionarlo, fragmentarlo y diseccionarlo, buscando así, llegar a un reflejo propio con el que sí me sienta identificada. OBJETIVOS ESPECÍFICOS - Incrementar el uso de fotografías aparentemente insustanciales para darles una nueva función. - Provocar un acercamiento entre el público y los lenguajes visuales contemporáneos desde un medio tradicional. - Reflexionar sobre una idea de (falso) control sobre la imagen que proyectamos de nosotros mismos. - Adaptar simbologías personales que representen sentimientos complejos acerca del “yo”. - Hablar sobre lo corpóreo a través de lo incorpóreo, y viceversa. - Visionar la auto fotografía como un medio infinito para crear nuevas identidades. NNoise007corporeA Bad Abril Fotograbado sobre papel Canson Edition Extra Blanc 40,5 x 33,7 cm 2023 NNoise006corporeA Bad Abril Fotograbado sobre papel Canson Edition Extra Blanc 40,5 x 33,7 cm 2023 NNoise005corporeA Bad Abril Fotograbado sobre papel Canson Edition Extra Blanc 40,5 x 33,7 cm 2023 NNoise004corporeA Bad Abril Fotograbado sobre papel Canson Edition Extra Blanc 40,5 x 33,7 cm 2023 NNoise003corporeA Bad Abril Fotograbado sobre papel Canson Edition Extra Blanc 40,5 x 33,7 cm 2023 NNoise002corporeA Bad Abril Fotograbado sobre papel Canson Edition Extra Blanc 40,5 x 33,7 cm 2023 NNoise001corporeA Bad Abril Fotograbado sobre papel Canson Edition Extra Blanc 40,5 x 33,7 cm 2023 Disappearing is a warm place Bad Abril Serie fotográfica de 6 11,5 x 7,9 cm 2023 00i00 never trust the gut 00i00 never trust the gut Bad Abril Montaje fotográfico 65 x 60 cm 2023 Disappearing is a warm place Serie fotográfica de seis autorretratos en la cual se exhibe una misma imagen de mi rostro que se va desvaneciendo con la sobrexposición de luz. El proceso de creación de esta obra comienza al entrar en contacto con una imagen reencontrada. Tropecé con dicha imagen en la inmensidad de Internet cuando tenía 15 años, fue una imagen que me atrajo al instante y que decidí guardar. La dibujé en varias ocasiones e hice escritos sobre la misma. Me encontraba identificada con ella de una forma muy intuitiva, casi sin saber por qué. Con el tiempo la fui olvidando hasta perderla y ocho años más tarde la reencontré, me sorprendí a mí misma teniendo los mismos sentimientos que cuando la vi en mi adolescencia. Esto me hizo comenzar a preguntarme sobre el poder de las imágenes y cómo una fotografía que no tiene ninguna relación contigo puede embaucarte y hacerte sentir que ésta expresa todo aquello que no sabes expresar de otra manera. Llego a la conclusión de que estamos en una era en la que las imágenes pueden llegar a definirnos mejor que lo terrenal y que estamos en un momento en el que podemos incluso decidir, como decimos los jóvenes, “basar toda nuestra personalidad en ellas”. A partir de aquí comienzo un estudio en el cual pretendo aproximarme a los sentimientos que esta me produce. Para ello recurro a unas fotografías tomadas el 27 de enero de 2023 en el espejo de una casa de visita en Alájar, cerca de Aracena, mi pueblo natal. Fotografía virgen seleccionada para la obra. Recorté la fotografía para quedarme solo con el rostro ya que suelo descontextualizar las imágenes y prescindir de lo externo, fui haciendo pruebas con la misma y añadiendo filtros hasta llegar a la serie final. Disappearing is a warm place habla de eso mismo, desaparecer puede ser un lugar cálido, en este caso el sujeto (yo) que desaparece en la luz como una polilla al acercarse a un foco hasta quemarse. Las fotografías tienen un tamaño muy pequeño, aproximadamente el tamaño que puede tener una polilla grande. Todo en la serie es una metáfora correlativa entre la imagen reencontrada y mi propia subjetividad. 00i00 never trust the gut El concepto y el proceso de trabajo de esta pieza es muy similar al de la obra anterior. Para él se hizo uso del mismo banco de imágenes seleccionando una de las otras fotografías de autorretrato tomadas. En esta obra ejerzo la misma búsqueda, encuentro una fotografía ajena a mí (la polilla flotante) que contextualiza un sentimiento y creo una imagen nueva a raíz de esta primera. Es un intento de acercarme y transformarme en esa primera figura que me obsesiona. Aunque partan de lo mismo, hay claras diferencias con la anterior. Esta vez hago una clara transformación en todo mi rostro, desfigurándolo para crear una forma nueva, borrando elementos, añadiendo otros. Esta vez no son tan importante elementos como la luz o el contraste, sino las texturas y los vacíos. Además, parte de la deformación es analógica, ya que las imperfecciones del propio sujeto fotografiado (el espejo) deformaban mi reflejo. Parte del título: “never trust the gut” (nunca confíes en la entraña) hace referencia a un concepto ya mencionado anteriormente. La entraña representa lo visceral, lo cárnico y, por tanto, lo físico. El sentimiento de desconexión frente a este plano es profundo y arraigado y eso me hace sentir que solo seré capaz de crear algo que se acerque a como me concibo a través de la imagen, lo incorpóreo y lo virtual. Fotografía seleccionada para la elaboración de la obra. ESTUDIO TEÓRICO EVOLUCIÓN DEL RETRATO El autorretrato es un género artístico que se extiende a lo largo de toda la historia del arte. Desde los primeros autorretratos, datados alrededor de 1300 a.C. en el Antiguo Egipto, hasta la contemporaneidad. Supone una categoría que lleva explotándose cerca de tres mil años. Durante el Renacimiento y el Barroco, el autorretrato empezó a ampliar su uso. De manera que este sirvió al artista para elevar su posición a nivel social e intelectual y dejar atrás la figura del artesano que cumple un oficio. Algunos se incluían dentro de la escena que estuviesen pintando, como Rafael en La escuela de Atenas o Velázquez en Las Meninas. Otros solos, aunque con atributos para dejar en claro quiénes eran y ser recordados por ello. Figura 1. Rembrandt, Autorretrato con paleta y pinceles, 1660 – 1665. Kenwood House, Londres. No es hasta el siglo XIX que los artistas dejan a un lado su autorepresentación como mero discernir social y comienzan a introducir un retrato más transcendental y profundo de sí mismos, abonando por una visión personal y expresiva de ellos frente al mundo que les rodea. Pablo Picasso, Egon Schiele, Edvard Munch, Frida Kahlo o Francis Bacon, son algunos de ellos, entre otros muchos. Estos se diferencian por el marcado carácter psicológico que rezuma en sus autorretratos. Siendo así, canalizadores de sus estados mentales e identitarios, ayudándoles a alcanzar una expresión más fidedigna de sí mismos que aquella que pueden transmitir directamente en la realidad. Van Gogh, que realizó 43 autorretratos en diez años, redactó numerosas cartas a lo largo de su vida dirigidas a su hermano Theo, y en ocasiones a su hermana Elisabeth. En ellas reflexionaba sobre cómo la fotografía era capaz de capturar una semejanza superficial de la realidad, de manera que la tarea más importante del artista radicaba en la búsqueda de una semejanza más profunda que fuese más allá de lo evidente, siendo en este nivel donde el verdadero arte y la expresión del alma encontraban su lugar. Y es que no es coincidencia que las prioridades en la mente de la figura del artista cambiasen radicalmente con el surgimiento de la fotografía. Si esta ahora permitía retratar fielmente las cualidades de lo representado, el autor debía buscar una visión que este nuevo género no pudiese sustituir. Figura 2. Francis Bacon, Autorretrato, 1971. Centre Georges Pompidou, París. “Los retratos de Bacon son la interrogación sobre los límites del yo. ¿Hasta qué grado de distorsión un individuo sigue siendo él mismo? ¿Hasta qué grado de distorsión un ser amado sigue siendo un ser amado? ¿Durante cuánto tiempo un rostro querido que se aleja en una enfermedad, en una locura, en un odio, en la muerte, sigue siendo aún reconocible? ¿Dónde está la frontera tras la cual un yo deja de ser yo?” (Kundera, 1996; pg. 191). AUTORRETRATO FOTOGRÁFICO: CAMBIO EN EL PARADIGMA DE LA AUTO CONCEPCIÓN Robert Cornelius, empresario estadounidense y pionero en fotografía, es conocido por realizar el primer autorretrato fotográfico de la historia, datado en 1838. Además de ser el primer retrato fotográfico norteamericano. Podemos suponer este, dentro de esta disciplina, como el primer acercamiento en relación al sujeto pensante que mira hacia sí mismo y este le devuelve la mirada. Siendo fruto de la experimentación, supondría un cambio en la forma de auto percibirnos y de significarnos frente a lo externo. Figura 3. Robert Cornelius, El primer autorretrato fotográfico de la historia, 1838. Biblioteca del congreso de Estados Unidos, Washington D.C. De aquí en adelante surgen numerosos fotógrafos y fotógrafas que utilizan el autorretrato como parte de su obra. Desde imágenes capturadas a modo de primeros selfies por parte de Henri Cartier – Bresson o André Kertész (Hungría, 1894) y Vivian Maier (Estados Unidos, 1926). Hasta autorretratos realizados en estudio, teniendo en cuenta las figuras de Andy Warhol o Cindy Sherman. Podemos denotar diferencias entre los primeros y estos dos segundos, no solo en la forma de abordar el autorretrato técnicamente, sino también a nivel conceptual para consigo mismos. Los tres disparadores en blanco y negro se limitan a presentarse en la escena fotografiada. Premeditan una fotografía, una composición, ya sea segundos u horas antes de disparar, y se incluyen en ella. Desean dejar la huella del artista, no son solo meros observadores, sino también sujetos observados que miran hacia sí mismos. Si hiciéramos un paralelismo de esto con una escena icónica de la historia de la pintura, este hecho fotográfico sería equiparable a Las Meninas de Velázquez, podemos considerar estas dos la misma situación. El fotógrafo y el pintor, la cámara y el lienzo, la escena retratada y el retratista, que es ejecutante, pensante y modelo al mismo tiempo. Figura 4. Vivian Maier, Autorretrato, 1954. Mk Gallery, Milton Keynes, Reino Unido. Sin embargo, Sherman y Warhol descifran un ingrediente clave en el cambio del paradigma de la autoconcepción: la capacidad performática del “yo”. Dejamos de lado la esclarecida representación de uno mismo lo más fiel a nuestra entidad del día a día, a nuestro ser corpóreo más usual y perpendicular para dar paso a aquello que podemos llegar a ser con el uso de la actitud performática, el alter-ego y la creación de una personalidad que se acerca más al concepto que a lo sensible. Son autores que, más allá de realizar autorretratos, se utilizan a sí mismos como medio para profundizar en otros temas. Figura 5. Cindy Sherman, Sin título nº 359, Figura 6. Andy Warhol, Self - Portrait in Drag, 2000. The Olbricht Collection, Berlín. 1982. Heather James Fine Art, Nueva York. Sherman hace uso de maquillajes, vestuario y pelucas para representar distintos personajes. Deja a un lado su identidad para ser la propia obra. Sus transformaciones no hablan de ella misma como tal, sino de una sociedad, un momento y unas preocupaciones concretas. Casi como si cumpliera el papel de una actriz, la artista nos muestra la mutabilidad del “yo” y cuestiona hasta qué punto podemos dejar de ser nosotros mismos y adoptar otra identidad completamente ajena a la nuestra. Warhol, por otro lado, se performativiza en busca de una personalidad con la que sí sentirse a gusto. El artista habló en numerosas ocasiones de lo mal que se veía a sí mismo físicamente, un hombre paliducho, de constitución delgada y aparentemente débil que se trataba con celebridades muy bellas a las que admiraba, gente glamurosa y poderosa. Ansiaba poder llegar a ser como ellas a la vez que manifestar su verdadera individualidad, de manera que pudiera presentar una expresión corpórea con la que se sintiese afín. Por lo que a lo largo de su carrera experimentó consigo mismo en algunas ocasiones. En la actualidad, teniendo en cuenta los avances tecnológicos, el desarrollo de programas y aplicaciones virtuales y cómo estas se han involucrado en nuestra vida cotidiana, encontramos artistas como Levi Mandel (Estados Unidos, 1985) o David Szauder (Hungría, 1976), que trabajan el retrato digital de desconocidos mediante nuevos lenguajes, producto de la cultura contemporánea. De modo que ahora el cambio en la identidad física no se dará de forma analógica, sino que será el propio artista el que manipule la distorsión de la imagen en el plano virtual. Llegando incluso a darse nuevas formas de auto denominación con carácter androide o post – humanista y enfatizando una línea cada vez más borrosa entre lo aparente, lo artífice y lo natural, lo real. OTROS REFERENTES: ALEJANDRO GARÓFANO Y ANTONIO DE PLATA Es importante mencionar también a otros artistas contemporáneos que están emergiendo ahora y que han desarrollado obras que tienen relación directa con los conceptos que se presentan en este documento. Alejandro Garófano (España, 2001) o Antonio de Plata (España, 2001) se han graduado recientemente en el grado de Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Ambos exploran a través del autorretrato cuestiones identitarias relacionadas con la virtualidad, la disforia y el género, cada uno con su propia estética y visión. En Nuevas Pieles (2022) de Alejandro Garófano se introduce el error como parte de la obra digital, se le observa como un posible recurso más a la hora de construir la fotografía, siendo este fruto de la interpretación de Inteligencias Artificiales sobre un autorretrato de DNI del artista. De manera que se realiza un estudio sobre cómo la IA interpreta conceptos arraigados a nuestras emociones y creencias. Para ello se usaron 20 imágenes que fueron transformadas por la IA según las instrucciones que se le daban, administrando conceptos sobre identidad, sexualidad y género, entre ellos “disforia”, “gay” o “madre”. Figura 13. Alejandro Garófano, Nuevas Pieles, 2022: ejemplos de autorretratos generados con Wombo Dream. El autor se fundamenta en conceptos relacionados con la pérdida de lo humano y el “yo” como algo alejado de lo físico para mostrarnos cómo las tecnologías han evolucionado hasta llevarnos a una realidad en la que nuestra forma de concebirnos está completamente arraigada a estos nuevos lenguajes y cuales pueden llegar a ser sus posibilidades. Por otro lado, Antonio de Plata construye fotografías en las que utiliza su propio cuerpo como objeto transformado. El autor nos dice en una entrevista personal: “Mi motivación por modificar las fotografías y alterar el cuerpo iba muy de la mano con las manifestaciones de mi identidad, pero también principalmente por la concepción que tengo sobre mi cuerpo.” (Antonio de Plata, comunicación personal, 13 de mayo de 2022). De Plata inicialmente utilizaba las ediciones para acercarse a una imagen corporal con la que se sintiese más cómodo. Sin embargo, esto era algo que le perjudicaba y le hacía dudar de si los demás lo percibían en la realidad igual que en las fotografías. Por ello comenzó con ediciones más exageradas, añadiendo protuberancias y extensiones a su cuerpo, de manera que estas fuesen evidentes y formasen parte concepto de la propia fotografía. “Eran modificaciones que yo consideraba estéticas, pero también tenía el objetivo de neutralizarme para no tener una expresión de género muy cerrada y que siempre fuese algo más abierto, vaporoso o incluso que no formase parte de lo terrenal, de forma muy intuitiva.” (A. de Plata, 2022). Figura 14. Antonio de Plata, 01001110 01101001 11000011 10110001 01100001 00100000 01110100 01110010 01101001 01110011 01110100 01100101, encuentro entre cáliz, argolla y puñal, 2022. Instagram. CONCEPTUALIZACIÓN ESTÉTICA: CRYSTAL CASTLES, VVV [TRIPPIN’YOU] Y ROSALÍA La concepción y armado estético de este proyecto está directamente relacionado con producciones musicales que inspiraron mi imaginario y que luego sirvieron para trasladar mi interpretación de la “vibe” de las mismas a mis obras. Crystal Castles es un grupo de música electrónica canadiense formado en 2006 por Ethan Kath y Alice Glass, sus canciones de gran carácter existencialista e identitario, al igual que las del grupo mencionado en el título, VVV [Trippin’you] (banda madrileña de música electrónica alternativa formada en 2020) definen sentimientos con los que me he encontrado identificada y han propiciado en mí el poder encontrar una manera de definirlos. Figura 15. VVV [Trippin’you], Turboviolencia. 2021. Ambas bandas exploran temas relacionados con la identidad, la culpa y el existencialismo humano desde una perspectiva joven y actual de la cual me he empapado. Siempre que empezaba a trabajar en estas obras y quería definir el sentimiento del que quería hablar escuchaba estos grupos durante el proceso. Además de estos, la cantante española ROSALÍA ha inspirado la estética minimalista que caracteriza a este proyecto, ya que ella dotó de estas particularidades a su disco MOTOMAMI (2022), siendo así retratos sin apenas atrezo ni adornos sobre fondos planos, quedándome solo con lo esencial al igual que la cantante. Añadiendo también todo el lenguaje personal que la artista desarrolló de cara al proyecto, inspirando así que yo también trabajara uno propio que conceptualizase y me sirviera a la hora de titular las obras, por ejemplo. PROPUESTA DE INTEGRACIÓN PROFESIONAL Las obras presentadas en el actual Trabajo de Fin de Grado están pensadas para su posible exposición, al igual que la posible presentación de las mismas a concursos o convocatorias artísticas de distintas categorías, de manera que se puedan dar a conocer nuevas formas de visualizar las temáticas planteadas. Mi mayor interés de cara a los conceptos que se tratan a lo largo de este documento es seguir investigando sobre ellos y reproducirlos en obras futuras. Llegando así a poder representar dichos sentimientos de la manera más acertada posible, además de explorar todas sus posibilidades. Haciendo uso de diversas técnicas artísticas y entrelazándolas, sin cerrarme a nada en esta búsqueda. Abordar las obras de cara a la posibilidad de llevarlas al medio expositivo es algo sobre lo que estoy trabajando actualmente, de manera que sigo investigando para generar un recorrido coherente con la narrativa de las piezas, a la par que me sitúo en el proceso de creación de otras obras que continúan la línea temática del proyecto, pensándolas para que formen parte de él. Tras finalizar mis estudios en el grado, considero la posibilidad de presentar mi solicitud para entrar en el Máster Universitario de Arte: Idea y Producción de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla. Con este podría seguir mi formación artística, además de otorgarme los conocimientos necesarios para seguir avanzando en esta línea de trabajo. CONCLUSIÓN La investigación realizada sobre el autorretrato y su trayectoria me ha servido para obtener una mayor consciencia de su importancia a lo largo de la historia. Cómo este ha sido trabajado desde distintas perspectivas y bajo diversas necesidades según el artista. Ya fuese por marcar una distinción social, por un acercamiento a la psicología del retratado, por una forma de performativizarnos o por un método para expresar nuestra identidad. Puede que las razones hayan ido cambiando según nosotros también evolucionábamos y nuestra realidad cambiaba, pero está claro que el artista siempre ha tenido la motivación de autorretratarse, al menos desde que este tiene conciencia sobre sí mismo. Nuevas incógnitas surgen cuando empezamos a adquirir excesiva consciencia sobre nuestra imagen, de manera que esta empieza a disiparse y confundirse hasta dejar ver nuevas formas de auto concepción más abstractas. Dichas incógnitas son las que se introducen en la extensión de este documento. Por una parte, me siento aliviada. No solo por haber podido expresarlas y por la posibilidad de realizar una obra y un estudio sobre ellas, sino también por el hecho de encontrarme con que otros artistas reconocen sentimientos similares en sus trabajos. Como he dicho anteriormente, deseo seguir indagando en ellos y ver hasta que caminos me lleva, aunque sea un proceso que pueda asustarme por su carácter tan personal, debido a que siento que cuanto más profundizo y reflexiono a cerca de este sentimiento, más fijo queda en mí. Sin embargo, siento una especie de obligación interna casi intuitiva por expresarlo y lidiar con ello a través del arte, por lo que me siento agradecida de haber podido trabajar en ello este último curso y que se me haya dado la oportunidad de hacerlo con libertad y sinceridad. ÍNDICE DE IMÁGENES FIGURA 1. Rembrandt (1660 – 1665). Autorretrato con paleta y pinceles [óleo sobre lienzo]. Kenwood House, Londres. Disponible en: https://www.slobidka.com/rembrandt-harmenszoonvan-rijn/503-rembrandt-autorretrato-con-paleta-y-pinceles.html FIGURA 2. Bacon, F. (1971). Autorretrato [óleo sobre lienzo]. Centre Georges Pompidou, París. Disponible en: https://www.epdlp.com/cuadro.php?id=22 FIGURA 3. Cornelius, R. (1838). El primer autorretrato fotográfico de la historia [fotografía]. Biblioteca del congreso de Estados Unidos, Washington D.C. Disponible en: https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Cornelius#/media/Archivo:RobertCornelius.jpg FIGURA 4. Maier, V. (1954). Autorretrato [fotografía]. Mk Gallery, Milton Keynes, Reino Unido. Disponible en: https://mkgallery.org/event/vivian-maier/ FIGURA 5. Sherman, C. (2000). Sin título nº 359 [fotografía]. The Olbricht Collection, Berlín. Disponible en: https://www.wikiart.org/es/cindy-sherman/untitled-359-2000 FIGURA 6. Warhol, A. (1982). Autorretrato en Drag [fotografía]. Heather James Fine Art, Nueva York. Disponible en: https://www.wikiart.org/es/andy-warhol/self-portrait-in-drag-1982 FIGURA 7. Sherman, C. [@cindysherman] (2020). Patience [fotografía intervenida]. Instagram. Disponible en: https://www.instagram.com/cindysherman/?hl=es FIGURA 8. Orlan (1993). Omnipresence [performace]. Galerie de l'Ancienne Poste, Calais, Francia. Disponible en: https://www.orlan.eu/works/performance-2/ FIGURA 9. Ferrer, E. (1987). Autorretrato en el espacio (de la nada a la nada) [instalación]. Galería 1 Mira Madrid, Madrid. Disponible en: https://www.artbasel.com/catalog/artwork/91647/Esther-Ferrer-Autorretrato-en-el-espaciode-la-nada-a-la-nada FIGURA 10. Ferrer, E. (2005). Metamorfosis. Serie A’2 [fotografía intervenida]. Galería Àngels Barcelona, Barcelona. Disponible en: http://angelsbarcelona.com/en/artists/esther-ferrer/projects/evolucion-metamorfosisphotography/317 FIGURA 11. Ferrer, E. (2005). Metamorfosis. Serie A’4 [fotografía intervenida]. Galería Àngels Barcelona, Barcelona. Disponible en: http://angelsbarcelona.com/en/artists/esther-ferrer/projects/evolucion-metamorfosisphotography/317 FIGURA 12. Hang, G. (2022). Yo bro, ain't we pathetic [acrílico sobre lienzo]. Tang Contemporary Art Gallery, Bangkok. Disponible en: https://ocula.com/art-galleries/tang-contemporaryart/artworks/gao-hang/yo-bro-aint-we-pathetic/ FIGURA 13. Garófano, A. (2022). Nuevas Pieles [fotografía intervenida]. Galería art space, Sevilla. Disponible en: https://polipapers.upv.es/index.php/sonda/article/view/18634/15653 FIGURA 14. De Plata, A. [@andronieplata] (2022). 01001110 01101001 11000011 10110001 01100001 00100000 01110100 01110010 01101001 01110011 01110100 01100101, encuentro entre cáliz, argolla y puñal [fotografía intervenida]. Instagram. Disponible en: https://www.instagram.com/andronieplata/ FIGURA 15. VVV [Trippin’you]. (2021). Turboviolencia [Álbum]. Helsinkipro. Disponible en: https://www.mondosonoro.com/criticas/discos-musica/vvv-turboviolencia/ BIBLIOGRAFÍA Ánxel, H. (2014). “Robert Cornelius, el hombre que hace 175 años hizo el primer ‘selfie’”. 20 minutos [En línea], 20 de marzo de 2024 [consulta: 14 de diciembre de 2022]. Disponible en: https://blogs.20minutos.es/trasdos/2014/03/20/robert-cornelius-primer-selfie/ “Autorretrato a autorretrato: así pasaron los años por Rembrandt”. (s.f.). Masdearte [En línea], [consulta: 14 de diciembre de 2022]. 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