Creación en retrato contemporáneo

CREACIÓN EN RETRATO CONTEMPORÁNEO TRABAJO FIN DE GRADO GRADO EN BELLAS ARTES -UNIVERSIDAD DE SEVILLA- 2018-19 ANA DE LARA PÉREZ-ESPARZA CREACIÓN EN RETRATO CONTEMPORÁNEO TRABAJO FIN DE GRADO GRADO EN BELLAS ARTES -UNIVERSIDAD DE SEVILLACURSO 2018-19 CREACIÓN EN RETRATO CONTEMPORÁNEO Autora: Ana de Lara Pérez-Esparza Firma del alumno: Tutora: Mª del Mar Bernal Pérez Vº Bº de la Tutora: 5 Índice 1. APORTACIONES ARTÍSTICAS Pintura �������������������������������������������������������������������������������������������������������������������9 Monotipo �������������������������������������������������������������������������������������������������������������21 2. MARCO TEÓRICO Introducción ��������������������������������������������������������������������������������������������������������� 35 Proceso y sensibilidad ����������������������������������������������������������������������������������������36 Sujeto ������������������������������������������������������������������������������������������������������������������41 El retratista ����������������������������������������������������������������������������������������������������������44 Justificación ��������������������������������������������������������������������������������������������������������� 47 3. ARTISTAS REFERENTES Lucian Freud �������������������������������������������������������������������������������������������������������50 Chuck Close �������������������������������������������������������������������������������������������������������52 Alberto Fernández Hurtado 55 4. CONCLUSIONES Conclusiones ������������������������������������������������������������������������������������������������������� 59 5. ÍNDICE DE IMÁGENES Y BIBLIOGRAFÍA Índice de imágenes ���������������������������������������������������������������������������������������������62 Bibliografía ����������������������������������������������������������������������������������������������������������64 1. APORTACIONES ARTÍSTICAS 98 Pintura Ana de Lara Marta 40x30cm Óleo sobre tabla 2019 1110 Ana de Lara Sebastián 40x30cm Óleo sobre tabla 2019 1312 Ana de Lara Álvaro 40x30cm Óleo sobre tabla 2019 1514 Ana de Lara Autorretrato con Bettina, Marcos y David Óleo sobre lienzo 61x50cm 2019 1716 Ana de Lara Sin título III 80x50cm Chiné collé, lápiz y monotipo con óleo sobre papel y papel de seda� 2018 3130 2. MARCO TEÓRICO 3534 Introducción Objetivos El objetivo del Trabajo Fin de Grado presente es profundizar en mi formación como retratista, así como intentar justificar mi lenguaje artístico actual� Definir undiscurso artístico coherente y sensible� En pintura, definir un estilo que sea satisfactorio a nivel personal, en base a mis referentes y mi aprendizaje a lo largo de la carrera� Metodología Para ello, nutrir mi discurso de diversos autores como psicólogos y otros artistas� Aplicar diversas teorías acerca de la creación y la creatividad al retrato contemporáneo, buscando siempre experiencias y ejemplos� Describir el proceso de creación en cuanto a retrato, apoyada en mis referentes y en la experiencia propia� 3736 Proceso y sensibilidad A la hora de crear un retrato, podría surgir la duda de por qué y cómo sucede este proceso en nuestra mente, así como cuánto de azaroso tiene� El hecho de que sea difícil de explicar nos dirige a lo inefable, que se refiere a lo que no puede narrarse, ni transmitirse con palabras. Pero lo que sí podemos es definir algunos factores que intervienen, al igual que leer testimonios de artistas, psicólogos y científicos que han buscado la teorización del proceso de creación artística. Numerosos artistas han dejado su testimonio acerca de su propio proceso de creación. Así, no solamente artistas, sino que muchos otros autores han procedido a teorizar este proceso� En el estudio de Sabina Gau Pudelko, profesora de la Universidad de la Laguna, ‘’El proceso de creación artística: diálogo con lo inefable�’’ encontramos una buena suma de los mismos� Por ejemplo, el del pintor Ráfols-Casamada (1923-2009, Barcelona)� Según el, ‘’todos sentimos las cosas de manera distinta y el pintar es saber expresar nuestro sentimiento de las cosas’’� (Gau, 2003:21) Por otro lado, Antonio López (Tomelloso, 1936) explica que su proceso está dominado por la emoción ‘’Emoción indistinta, lo mismo da que esté expresada con formas figurativas o abstractas, yo no veo diferencia alguna. Ese chispazo que te mueve a empezar un cuadro es lo primordial […] Lo demás es que desconozco el motivo por el cual yo pinto como lo hago, es algo imposible de saber’’ (Gau, 2003:21) Un interesante retratista contemporáneo, David Kassan (Estados Unidos, 1977), hace un retrato de Antonio López, y acerca de su proceso declara ‘’Estoy agarrado a entender mejor su persona, no solo por el bien de la pintura, sino también por lo que puedo aprender de él a corto plazo�’’ (Kassan, 2012) Este proceso se compone de diversas fases que generan más o menos tensión cada una de ellas, pero de esta manera, una pintura es acabada cuando sentimos que hemos traspasado a ella toda la tensión que la ha motivado. Desde aportaciones de estudios psicológicos, el proceso creativo tiene principalmente una fase de oscuridad y otra de iluminación. Por ejemplo, el pintor Miquel Barceló (Felanich, 1957) se refiere al proceso de creación artística de esta manera: ‘’Pintando se deben tomar muchas decisiones rápidamente. Y si te equivocas, sigues por otro lado. Luego te das cuenta de que cuando creías equivocarte era cuando estabas acertando. Es un juego apasionante y doloroso que hace que todos los días vayas corriendo al taller’’ (Gau, 2003:23) Para describir las fases del proceso creativo, Gunther Regel (Polonia, 1926) profesor en educación artística de la universidad Karl Marx de Leipzig, lo divide en tres fases que cuentan a su vez con algunas subfases: La primera es la fase preproductiva, que reúne los momentos que llevan al artista a plantearse un problema, es subjetiva y puede alargarse en el tiempo tanto como toda la vida del artista anterior al proyecto� La segunda fase a continuación es la fase productiva, que comienza con el planteamiento de un problema. Sus subfases son: problematización, búsqueda y realización. Encontramos después la tercera fase, la postproductiva� A partir de esta teoría procedo a aplicarla al retrato al entender de un pintor� La problematización dentro de la segunda fase (fase productiva) arranca siempre de la necesidad del artista que puede estar relacionada con un objeto (un sentimiento, una emoción, una persona, un objeto físico)� En el retrato la problematización arranca desde una necesidad hacia varias personas (retrato de grupo) o una persona (que puede ser uno/ mismo/a). La sensibilidad que se aplica a un bodegón, por ejemplo, no es la misma que se aplica a la hora de pintar una mirada. Un retrato lleva intrínseca una sensibilidad especial, un alma. Este es el principal problema que se nos plantea cuando nos disponemos a pintar un retrato� Entonces, sin un límite marcado entre fases, comienza la búsqueda de información en la que el artista se pregunta cuáles son sus necesidades expresivas, busca referentes para encontrarlas, etc... Esta búsqueda es en gran medida intuitiva. Toda esta fase incluye la realización de bocetos y estudios del natural, fotografías, etc. para aproximarse a lo que quiere conseguir, pero algunos artistas más que otros se sumergen en la creación plástica revolviendo antiguas creaciones, experimentando con técnicas, haciendo y volviendo a empezar. Además de plástico, éste es un camino emocional que se mueve entre frustración, motivación, intranquilidad, entre otros. Es imprescindible saber que la concentración y la fuerza de voluntad no son todos los requisitos de un creador para obtener una obra -aunque también imprescindibles, sino que además existe una gran carga intuitiva por la que el artista se guía para llegar a tener una idea formal, lo que conduce a la relajación mental. Esta idea formal o solución suele ser provisional, puesto que el verdadero enfrentamiento al problema sucede en el proceso de creación (realización)� Durante la subfase de realización, el pintor busca la objetivación práctica. Aquí la forma del retrato cobra toda la importancia� Es difícil determinar cuándo concluye esta fase, podríamos decir que concluye cuando se alcanza el equilibrio entre razón y solución, Figura 1: Aspiratio: Portrait of Antonio López� David Kassan, 2014) 3938 cuando posee coherencia interna. Aquí el artista obtiene todo el protagonismo y capacidad de decisión a través de su intuición y sensibilidad� En ocasiones es al obtener el máximo parecido posible con la persona retratada, para otros retratistas este equilibrio se encuentra en llegar a expresar la emoción buscada, a través de la técnica bien aplicada� Estas fases pueden reordenarse y repetirse hasta que el artista de por finalizada la obra� Además, el profesor y teórico Graham Wallas (1858-1932, Reino unido) establece otra reordenación de las fases de la creación o proceso creativo que son aplicables tanto en arte como en ciencia, y estas son: preparación, incubación, iluminación y verificación. De la lectura de su estudio se desprende que todas las etapas se diseminan en el proceso creador, y habla de iluminaciones parciales que complementan las primeras fases del artista o el científico. Pero ¿qué pasa cuando se deja sin resolver un problema? Es lo que se conoce como efecto Zeigarnik. Consiste en que cuando dejamos de resolver un problema, sea cual sea la causa, permanecemos tensos� La tensión sólo desaparece cuando se ha resuelto el problema. Este crea una tensión en el sujeto que cesa cuando se consigue una figura ‘’cerrada’’, es decir, cuando el retrato desprende el ‘’alma’’ buscada, cuando es armonioso y al autor le parece terminado� Realmente, la enumeración de fases en el proceso de creación como tal -en este caso aplicada al retrato, puede corresponder a un proceso tanto científico como artístico, por lo que es necesario recalcar que existen diferencias para el científico y para el artista: ‘’Podemos suponer que tanto el científico como el artista creador se sienten impulsados a ampliar su conocimiento. […] Pero la información con la que trabaja cada uno es diferente. A nuestro juicio la información sobre la que experimenta el artista se sustenta en impresiones sensoriales que además pueden tener implicaciones emotivas�’’ (Gau, 2003:28) La sensibilidad mencionada es la que marca la diferencia entre creadores de diferentes ámbitos, y entre retratistas que utilizan diferentes lenguajes. Es también cierto que la misma creación puede considerarse la solución al problema, ya que quizá ni si quiera el autor puede precisarlo porque al comenzar sólo posee un esbozo o un presentimiento, en la opinión de José Antonio Marina (Toledo, 1939), filósofo, pedagogo y ensayista afirma que el artista es guiado por el deseo. Sensibilidad del artista Indudablemente, existe una relación entre arte y sensibilidad, pero no todos sentimos igual� En el caso de los artistas, su batalla está ligada a la experiencia estética� Los contenidos del arte están relacionados con nuestra sensibilidad profunda� El arte se recibe a través de los ‘’cinco sentidos’’ aunque, como ya sabemos, su contenido sensorial puede ser mucho más complejo� Se relaciona con sensaciones corporales y con las emociones. Rudolf Arnheim (Alemania, 1904-2007) ha insistido en que el artista ve la forma como un acontecimiento. Es decir, no como algo que es, sino como algo que pasa, como ‘’imágenes que reflejan fuerzas internas de la mente humana’’ (Pudelko S.G. 2003:45). El retratista deja reflejado en el retrato del Otro rasgos de su propia mente. Según Álvarez Villar, el artista está más atento a su mundo sensorial que otros creadores o que otras personas. Es ‘‘más abierto a las vibraciones de su psique, a los cambios de su estado de ánimo. El artista vibra ante cosas que dejan indiferentes a otras personas’’. (Gau, 2003:45) De esta manera, podemos explicar por qué el retrato contemporáneo se ha convertido en el último siglo en muchas ocasiones en estudios psicológicos� Los retratistas han estado más atentos que nunca a las vibraciones de la psique de aquella persona retratada o de la suya propia� No todos los artistas tenemos los mismos intereses ni estamos abiertos a las mismas sensaciones� Cada uno desde su experiencia sensorial personal establece preferencias y realiza interpretaciones propias� Un ejemplo de esto podemos verlo en los siguientes retratos de Elisabeth II de Inglaterra, por dos retratistas diferentes� Figura 3: Queen Elisabeth II (Stuart Brown, 2018) Figura 2: Queen Elisabeth II(Lucian Freud, 2001) 4140 El artista percibe las características formales que su sensibilidad le permite. La producción nunca es exacta a la realidad, sino que puede causar sensaciones de realidad o simularla gracias a diferentes procedimientos� Si la iconicidad del retrato es muy alta, la obra será mucho más figurativa que aquella en la que las cualidades que la intuición del artista resaltan más, dando lugar a una obra abstracta. Cuando el nivel de iconicidad no es alto estamos hablando de la deformación, que puede ser una intención expresiva del artista� Paul Cézanne (Francia, 1839-1906) es buen ejemplo de esto: En sus retratos el grado de iconicidad es alto, ya que podemos reconocer las formas, pero también influye en gran medida su sensibilidad. Las preferencias formales de un artista caracterizan su estilo, aunque trabaje en diferentes medios, por lo que algunos son fácilmente reconocibles. ‘‘La evolución del retrato nos lleva a poder representar un rasgo de la personalidad de una persona mediante una pincelada, un trazo o sin ir más lejos con un color, podiendo así representar aspectos de la identidad del sujeto mediante las características plásticas de la pintura�’’ (Ortuño, 2016:14) En la descripción de las sensaciones y cómo un artista trabaja con las mismas es fundamental tener en cuenta el proceso de creación artística ya tratado, puesto que no se trata únicamente de intensidad e intuición� El teórico de arte Konrad Fiedler (Alemania, 1841-1895) afirma ‘’Sin embargo, por intensas que puedan ser sus sensaciones, el artista debe estar siempre en condiciones de dominarlas con su propia claridad mental’’ (Gau, 2003:51) Sujeto El rostro de una persona es una fuente de valiosa información, es reflejo de nuestros múltiples estados internos, es capaz de dejar ver intenciones y situaciones pasadas� En general, todo el físico de una persona cuenta una historia, pero ninguna parte es capaz de comunicar tanto como el rostro� El rostro sirve, entre otras cosas, de instrumento emisor de mensajes a través de diferentes matices (dirección de la mirada, distancia entre los ojos, dimensiones de los ojos o de la nariz, delgadez del mismo, armonía, proporciones, altura de la comisura de los labios…)� Además, nos permite individualizar a los otros, a pesar de que la mayoría de las personas poseen los mismos elementos corporales por naturaleza, es casi exclusivamente el rostro el que lo que hace significar o diferenciarse a uno� La cara puede ser, por lo tanto, la materialización física de nuestra identidad� Una de las características principales del proceso de creación de un retrato es que el sujeto que provoca el problema es siempre una persona. El poder que hay en el retrato para reproducir los valores de un sujeto y expresar su identidad lo percibimos con un simple vistazo a la obra pictórica� Esto se consigue a través de la plasticidad y construcción al utilizar la pintura, aunque sepamos que sigue sin ser el verdadero sujeto. El retrato nos permite crear rasgos de la personalidad a través de la pincelada, construyendo y ordenando a través del color� El retratista posee el poder de construir rasgos de la identidad mediante las mencionadas características plásticas que nos concede la pintura. Lo que se consigue es tan sólo una imagen ilusoria de este, pero tomamos al retrato como un documento fiable acerca de quién es aquella persona, basándonos en que se caracteriza principalmente por el parecido a la realidad. Lo cierto es que la identidad no se define únicamente por los rasgos como la forma de los ojos o de la sonrisa, sino que va mucho más allá� Naturalmente, asociamos la imagen de una cara con la identificación de la persona en su conjunto, y en realidad, el origen etimológico de la palabra persona viene del griego prósopon, que significa ‘delante de la cara’, aludiendo a las máscaras utilizadas en los teatros para identificar al personaje En un retrato no influye únicamente la identidad de la persona que aparece en el mismo. Además de esto podría ser la huella de la mente de la persona que lo realiza, que influye indudablemente� En los dos últimos siglos ha crecido el interés de los artistas por recrearse y reflejarse en sus obras, aunque la identidad sea de otro. Otros muchos directamente se han autorretratado� Figura 4: Self-portrait in front of pink background (Paul Cézanne, 1875) 4342 Ruptura de la identidad El retrato es un género pictórico cuyo objetivo ha sido a lo largo de la historia la representación fidedigna de la realidad y el reconocimiento de la identidad. Sin embargo, en el siglo XX, con la llegada de la contemporaneidad esta identidad se rompe, redirigiéndose hacia la anomalía y la deformación� Cuando hacemos referencia a la configuración de un retrato siempre nos referimos a una construcción que tiene el objetivo de provocar una ilusión en el espectador. Esta puede ser ordenada y realista, o presentar deformaciones con algún propósito� Con el postimpresionismo ni el reconocimiento físico, ni la muestra social, ni intelectual e incluso espiritual son importantes� A partir del siglo XX se pierde por tanto la “ilusión” de realidad de la que he hablado. Se pierde la identidad. La búsqueda se origina en aquel siglo con la aparición de la fotografía. Las obras vanguardistas muestran tonalidades completamente irreales, casi enfermizas, intensas; tanto que puede percibirse el dolor que desprende la obra. ‘’…sujetos tan radicales como André Derain, quien dijese “Los colores eran para nosotros cartuchos de dinamita”; o Maurice de Vlaminck, que se consideraba a sí mismo como un “bárbaro tierno y lleno de violencia”� (Bermúdez, 2015:85) La difícil situación del arte supuso que las representaciones buscaran la subjetividad del modelo. La deformación en el retrato que surge en aquella época ‘’Había sido fruto de la lenta incubación de lo que Mario Praz llamó “la poética del sufrimiento”, desde el Romanticismo. Y es que hemos de recordar que en esta época el mito del artista loco, atormentado, maldito, cobró una fuerza portentosa y, por ende, desplegó todo un imaginario de la monstruosidad y lo endemoniado’’� (Bermúdez, 2015:85) Podemos decir que surge una nueva forma de manierismo. El psiquiatra Otto Binswanger (Suiza, 1852- 1929) relaciona los conceptos de manierismo artístico con el narcisismo, que está implicado en el análisis de la propia inestabilidad en la actividad artística� El estilo manierista refleja cierto miedo de carácter propio, donde la consciencia artística mira hacia el interior� Según Selma de La Hoz, ‘’la maniera es un acto desesperado de diferenciación de la ley […] así como un acto fundacional: la sofisticada reflexión a través de la obra sobre los mecanismos de la creatividad: evidentemente en un prisma que, sin abandonar la angustia individual, presiente […] el origen social de muchas de sus claves� Es una angustia colectiva e individual’’ (Selma, 2001:38) He encontrado una interesante reflexión del filósofo Herbert Read (Reino Unido, 1893- 1968), que también investigó sobre origen de las deformaciones y el manierismo en el arte, indicando que: ‘‘el arte mismo es una actividad metafórica, que encuentra (más que busca) símbolos nuevos para significar áreas nuevas de la sensibilidad. […] Llegó un tiempo en el que todo lo que podía hacerse se había hecho ya… no quedó más que la repetición y el entorno� Pero de este mismo tedio y fantasía habría de surgir una nueva conciencia, la conciencia del inconsciente� Se hizo un intento más de obviar todos los ideales, ya fuera sobre Dios, o sobre el hombre, y de representar la ilusión de lo real, sino la realidad de la conciencia misma, la realidad subjetiva’’ (Selma, 2001:38) El manierismo se percibe en ciertas deformaciones� Estas deformaciones son la esencia de la interioridad del artista en un intento de mostrar originalidad, para representar la realidad aplicando su filtro propio. Surge de cierta angustia existencial en la búsqueda del yo� Figura 5: Sin título (detalle) (Ana de Lara, 2018) 4544 El retratista Las motivaciones del retratista han ido evolucionando junto a las revoluciones sociales y artísticas� El retrato, a lo largo de la historia ha sido un relato del avance de la Humanidad, las modas, clases sociales, etc� en el deseo de pervivencia en el tiempo� Con el individualismo, los retratistas también han evolucionado� La creatividad es un término que cambia. En el siglo XX el peso de lo que lo que parecía formar parte de azarosas ‘‘dotes naturales’’, se desvía hacia la experiencia estética. Con el narcisismo, el estudio de la creatividad, que partía de estos idealismos, cambia porque comienza a centrarse en la capacidad individual. El retrato se convirtió en el siglo XIX y XX en un género muy popular� La fotografía no supuso la muerte de este género, más bien la búsqueda de nuevas formas de representación. Ya hemos visto qué es lo que pasa por la mente del retratista, cuál es el papel del sujeto y cuál el origen de las deformaciones que existen en algunos retratos� Al principio de la contemporaneidad, se dio un giro completo desde la personalidad del representado a la del artista, se inició un mayor interés hacia la representación de rostros anónimos, a partir de la investigación sobre la expresión del alma del individuo, de su enfermedad mental, de su crueldad, de su dolor��� También muchos artistas optaron por retratarse a ellos mismos� Las series de autorretratos de algunos artistas serán investigaciones psicológicas, pues a través de la angustiosa e inagotable búsqueda por plasmar su estado anímico y por recrearse, hacen un recorrido por la mente del ser humano: el propio Goya, Van Gogh, Gauguin��� Hasta este momento social, el concepto de verosimilitud era fundamental, pues es el instrumento que permite identificar al personaje por sus rasgos. Una de las grandes rupturas del siglo XX con respecto al retrato es la ausencia de reconocimiento� Es la ruptura con la identidad del retratado a causa de otros intereses� Se recurre mucho más al retrato de amistad. En aquel siglo el retrato se convirtió en un testimonio de afecto para algunos pintores, retratándose unos a otros o a cercanos. Además, a la hora de realizar un retrato, muchos son los factores que participan para la creación de la obra. Por ejemplo, los recuerdos que esa persona trae al autor o el estado anímico en el que éste se encuentre. A día de hoy, en unos tiempos y una cultura donde predomina la creación instantánea e imágenes retocadas, embellecidas, los retratistas pretendemos hacer una llamada a la interioridad del ser humano� Queremos acercarnos a ese punto de unión entre el arte, la filosofía y los valores artísticos contemporáneos. Los problemas a los que se enfrenta el retratista contemporáneo abarcan desde la mímesis, pasando por la ruptura de la identidad y dejando huella de las nuevas posturas psicológicas. De esta manera, aunque la técnica sea tradicional, nunca volverá un retrato a ser como los de Durero -por ejemplopuesto que el concepto ha cambiado. Escribía Jose Luis Molina que ‘’Las obras del estilo de Velázquez, Rembrant… ya no se hacen desde el punto de vista conceptual� Ese género ha muerto o desaparecido casi por completo’’ (Molina, 2001:243). Es el concepto social lo que ha cambiado la manera de concebir una pintura� Autorretrato Es interesante investigar las razones por las que la mayoría de los artistas se autorretratan� Ya en la antigüedad para dejar su imagen viva después de la muerte, o para representarse como ‘’dioses’’. ‘’La imagen, que en la Antigüedad tuvo como fin rescatar el alma de la muerte y del olvido, devolviéndoles un cuerpo imperecedero, ha acabado por ser la exposición de la condición fugaz y terminal del hombre contemporáneo’’ (Molina, 2015:26) No fue hasta la obra de Rembrandt Harmenszoon van Rjin ( Países Bajos, 1606-1669) que no apareció el retrato como auto-estudio. Realizó más de 80 autorretratos en los que podemos ver que no hay idealismos ni intención alguna más que mostrar el paso del tiempo. ‘’encontramos un Rembrandt diferente cada vez, que muestra desde muecas, hasta autorretratos de su juventud, y otros en los que se disfraza y comienza a explorar los límites del alter ego, hasta el último autorretrato que realizó poco antes de fallecer. En él nos muestra sin ningún tipo de reservas su vejez’’ (Molina, 2005:31)� Se interesa por el yo antes de que la psicología describiera este caso, antes de Sigmund Freud y los románticos, además de ser el primer artista que hace algo así. Otros también se habían retratado numerosas veces, pero de manera idealizada� A diferencia de ellos Rembrandt se representa incluso con diferente forma de ojos o nariz en sus diferentes autorretratos, en distintas poses, podemos percibir que el alma que se desprende de cada autorretrato es otra: depende de la etapa de su vida� Contemporánea al concepto del narcisismo y a los psicoanalistas, la artista Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón (México, 1907-1954) realiza en el conjunto de sus distintos autorretratos una autobiografía� Se utilizó a sí misma como tema principal de su trabajo, y el autorretrato el medio que fue para ella una constante para conocerse a sí misma� En esta biografía narra sus traumas, sus miedos y momentos dolorosos de su vida. El proceso de creación de autorretratos con temáticas que producen dolor para el artista requiere de asimilación del mismo a la hora de ponerse a trabajar, o quizá implica cierto masoquismo. Este proceso puede ser doloroso y desconcertante, ya que necesita de ‘‘capacidad para funcionar con pocas horas de sueño, concentración para trabajar 4746 intensamente, actitudes enérgicas y desasosegadas, y capacidad para experimentar distintos tipos de emociones. […] Los que son capaces de supeditar este caos, pueden adquirir una familiaridad con estos cambios que probablemente sea útil en empresas artísticas’’ (Gau, 2003:116) Justificación El retrato como género en la pintura me ha resultado interesante como el que más desde mis inicios en la pintura� Intento captar la expresión del rostro, las carnaciones, ciertos detalles que para mí es más importantes que el físic que la careta, a través de pequeños matices como luces, sombras, pequeñas arrugas, armonías de color, y sobre todo un buen dibujo, ya que es el que va a determinar el parecido final. Gracias a la técnica de óleo y todo lo aprendido en este curso he tenido una producción centrada en el retrato, he experimentado con nuevos procedimientos, he aumentado en número mis referentes para retrato…� En conclusión, he crecido como retratista y como pintora� También, por primera vez he experimentado con otras técnicas de grabado con las que he salido de la zona de confort, en el camino hacia algo más expresivo� El retrato contemporáneo difiere del retrato tradicional por su concepto. El retratista es quien decide el significado que contiene. A partir de mis retratos he analizado algunos factores importantes en la creación, teniendo como principales: El proceso, la sensibilidad del artista, el sujeto y la pérdida de identidad contemporánea� En mi obra los retratos tienen una importante carga emocional, pero no por ello presenta deformaciones exageradas� La deformación en el retrato no puede ser nunca completa, porque debe existir algo que nos referencie a una persona o un rostro. Hablando del retratista, expongo el contexto creativo en el último siglo, y por consiguiente las motivaciones que han llevado a los retratistas a realizar su obra. Algunos retratistas contemporáneos me han atraído especialmente e incluso me han inspirado a realizar mi obra� Me concede mucha libertad fotografiar a personas de mi alrededor como inspiración para realizar mi obra, pienso que poder crear desde una relación personal con alguien en un momento concreto resulta en una obra completamente original y personal� En pintura, me gustaría seguir experimentando dentro de las tonalidades y colores utilizados� En varios retratos he dejado ver la madera deliberadamente, este hecho es por placer estético ya que, en mi opinión, aporta frescura, da un resultado final ‘’inacabado’’ y me permite, a la hora de aplicar la pintura, jugar con un fondo de tono neutro (no blanco), además de tener que manejar continuamente una textura natural e irregular. Este juego me genera gran interés y ganas de continuar en ese camino� Figura 7: Las dos Fridas, (Frida Kahlo, 1939) 3. ARTISTAS REFERENTES 6362 Índice de imágenes Figura 1: David Kassan, 2014� Aspiration: Portrait of Antonio Lopez [Óleo sobre lienzo]� 53�3 × 58�4 cm� Gallery Henoch, Nueva York [consulta: 20/04/2019] Disponible en: https://www�artsy�net/artwork/david-kassan-aspiration-portrait-of-antonio-lopez Figura 2: Lucian Freud, 2001� Queen Elizabeth II [Óleo sobre lienzo]� 15x22 cm� Royal Collection Buckingham Palace, London [consulta: 30/03/2019]� Disponible en: https:// www.wikiart.org/en/lucian-freud/queen-elizabeth-ii-2001 Figura 3: Stuart Brown, 2018� Queen Elisabeth II [Óleo sobre lienzo]� Royal Collection (Buckingham Palace) London [consulta: 30/03/2019] Disponible en: https://www�hola� com/realeza/casa_inglesa/20181130133842/ retrato-isabel-ii-moda/ Figura 4: Paul Cézanne, 1875� Self-portrait in front of pink background [Óleo sobre lienzo]� 66X55cm� Colección privada, [consulta: 30/03/2019] Disponible en: https://www� wikiart�org/en/paul-cezanne/self-portrait-in-front-of-pink-background-1875 Figura 5: Ana de Lara, 2018� Sin título (detalle) [Monotipo con óleo sobre papel]� 50x80cm� Departamento de Dibujo, Facultad de Bellas Artes de Sevilla� Fotografía propia� Figura 6: Frida Kahlo, 1939� Las dos Fridas [Óleo sobre lienzo]� 173 x 173 cm� En: MOLINA RUIZ, Irene, 2015� El autorretrato como canalizador del dolor [en línea ] Theónima Amo Sáez, dir, Tesis� Universidad de Granada, Facultad de Bellas Artes, Granada� [consulta: 28/03/2019] Disponible en: http://digibug�ugr�es/handle/10481/43629 Figuta 7: Lucian Freud, 1963� Cabeza de hombre [Óleo sobre lienzo]� [consulta: 17/04/2019] Disponible en: https://es�wahooart�com/ Figura 8: Chuck Close� 1967� Autorretrato [Acrílico sobre lienzo]� 273�1 x 212�1 cm [Consulta: 10/04/2019] Disponible en: http://chuckclose�com/ work007�html Figura 9: Chuck Close, 1971� Susan [Acrílico sobre lienzo]� 255�3 x 228�6 cm [Consulta: 10/04/2019] Disponible en: http://chuckclose�com/work027�html Figura 10: Alberto Fernández Hurtado, 2016� Señora con carrito (paisajes humanos) [Óleo sobre tabla]� 116x81cm [Consulta: 20/04/2019] Disponible en: http://www�fernandezhurtado�com/obra Figura 11: Alberto Fernández Hurtado, 2016� Retrato de pintor (Luis Carlos) [Óleo sobre lienzo]� 162x162cm [Consulta: 20/04/2019] Disponible en: http://www�fernandezhurtado� com/obra Bibliografía Libros: SELMA DE LA HOZ, José Vicente, 2001� Creación artística e identidad personal. Cultura, psicoanálisis y conceptos de narcisismo en el siglo XX. Valencia: Institució Alfons el Magnànim� GAU PUDELKO, Sabina, 2003� El proceso de creación artística: diálogo con lo inefable. Santa Cruz de Tenerife: Universidad de La Laguna, Servicio de Publicaciones SMEE, Sebastian, 2012� Lucian Freud 1922-2011: beholding the animal. Colonia: Taschen Revistas: RODRÍGUEZ MOYA, Inmaculada, 2010� “El retrato Contemporáneo: del realismo a la pérdida del rostro”� Cbn: Revista de Estética y Arte Contemporáneo [En línea], Volumen 2, pp� 47-57 [consulta: marzo de 2019]� Disponible en: cbn@collblanc�es BERMÚDEZ DINI� Renato, 2015� “Aproximaciones teratológicas al retrato en la pintura contemporánea”� Revista Sans Soleil: Estudios de la imagen [En línea], volumen 7, pp� 82-102� [consulta 07/04/2019]� Disponible en: http://revista-sanssoleil� com/wp-content/uploads/2015/12/6-BERMUDEZ�pdf Trabajos académicos: MOLINA GONZÁLEZ, José Luis , 2001� La deformación en el retrato contemporáneo: Aproximación a la obra de Chuck Close. Zambrana Lara, Antonio dir�: Tesis� Universidad de Sevilla, Facultad de Bellas Artes, Sevilla� MOLINA RUIZ, Irene, 2015� El autorretrato como canalizador del dolor. [en línea ] Theónima Amo Sáez, dir, Tesis� Universidad de Granada, Facultad de Bellas Artes, Granada� [consulta: 28/03/2019] Disponible en: http://digibug�ugr�es/handle/10481/43629 ORTUÑO SORIANO, Jose Manuel, 2016� Retratos cercanos. 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