Entre cuatro paredes. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/reservados

1 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández ENTRE CUATRO PAREDES NUEVAS FÓRMULAS DE AUTORRETRATO EN SU RELACIÓN CON LO AUTOBIOGRÁFICO Y LOS ESPACIOS ÍNTIMOS/PRIVADOS TRABAJO FIN DE MÁSTER MÁSTER EN ARTE: IDEA Y PRODUCCIÓN FACULTAD DE BELLAS ARTES. UNIVERSIDAD DE SEVILLA MARINA GONZÁLEZ FERNÁNDEZ TUTOR: SANTIAGO NAVARRO PANTOJO CURSO 2021-2022 FACULTAD DE BELLAS ARTES. UNIVERSIDAD DE SEVILLA 2 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 3 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 4 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 5 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 6 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 1. INTRODUCCIÓN La historia personal de cada individuo es un aspecto que inevitablemente se encuentra vinculado a los diferentes espacios/lugares en la que ésta ha ido sucediendo. Pero dentro de este conjunto de lugares en los que nos contextualizamos como personas, son aquellos que reconocemos como espacios íntimos o privados los que más peso tienen en la construcción biográfico-identitaria de cada uno, ya que no solo son los sitios en los que se pasa más tiempo y hacia los que se siente mayor arraigo por la acumulación de vivencias, sino que además, son habitados y experimentados como puntos ciegos ante la mirada del mundo, en los que es posible liberarse de cualquiera de las ataduras de la apariencia y el juicio de los demás, lugares por tanto en los que la verdadera esencia de la identidad y la personalidad se revela sin filtros, sitios que ya formen parte o no de la realidad física adquieren un valor de no lugar o lugar de tránsito en el plano psicológico. Los espacios íntimos/privados constituyen pues, lugares de reflexión en los que se suceden las actividades, pensamientos y sentimientos más personales, son santuarios para uno mismo en los que se entra con mayor facilidad en armonía con el sentir propio. Así mismo, se puede decir que los objetos contenidos dentro de estos espacios rebasan, en muchas ocasiones, el mero carácter funcional. Adquieren así un considerable valor autobiográfico que hace que estos lugares, por si solos, sean capaces de narrar la historia personal de cada individuo. Partiendo de esta reflexión, en el presente Trabajo Fin de Máster se ha querido realizar un estudio autobiográfico cuyo objeto que pone su enfoque principal en los siguientes dos puntos que se relacionan estrechamente entre sí: • El análisis de las experiencias personales como una de las principales herramientas en la construcción de la identidad y la personalidad, así como uno de los puntos de partida más significativos y fructíferos a la hora de comenzar a establecer cuáles son las claves principales en torno a las que nos definimos como individuos, y además como un proceso imprescindible para el desarrollo y despliegue maduro de las inquietudes artísticas. • La investigación acerca de qué es lo que engloba la experiencia de habitar espacios considerados como íntimos / privados, por ser estos lugares sitios en los que se expresa la estructura del habitar en todos sus aspectos (físicos y psíquicos), y en los que todas las vivencias personales se condensan transformándose en marcas de identidad. Y es que, lo que se pretende principalmente en esta investigación es desvelar una definición global y certera de la propia identidad, que se refleje además por medio de la construcción de un lenguaje artístico personal a través del cual poder configurar esta narrativa autobiográfica basada en la poética visual y el simbolismo. 7 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández Me posiciono pues dentro del papel de creadora y comunicadora que codifica, mediante un lenguaje visual personal, la narración de una realidad que es la mía, pero que hace alusión también a quiénes me son contemporáneos y comparten una cultura y un tiempo con referentes comunes, que explora y se enmarca, por lo tanto, dentro de las claves más actuales de la posmodernidad. El resultado de esta investigación se traduce finalmente en la realización de una serie de obras que de manera individual se establecen como microrrelatos acerca de la reconstrucción de un yo fragmentado, y en las que en conjunto puede observarse la conclusión de este ejercicio de autorreflexión que da lugar a un autorretrato psicológico que aborda las distintas perspectivas de expresión de la identidad (lo íntimo, lo privado y lo público). Estas aportaciones artísticas han sido, así mismo, el resultado de toda la investigación autorreferencial que se ha realizado a lo largo de este Máster en Arte: Idea y Producción, por lo que se relacionan profundamente con el resto de obras y proyectos producido en él, en las que se ha ido estudiando la identidad desde diferentes perspectivas intentando dejar atrás la idea de autorrepresentación vinculada únicamente a la representación figurativa del plano físico para explorar ahora el plano psicológico de la autoconsciencia, mucho más revelador e interesante a la hora de formular soluciones plásticas en la representación de los componentes de la identidad. Es así como la presente investigación se establece como la recopilación de todos los avances desarrollados a lo largo del curso, tanto a nivel teórico como plástico, y como conclusión final a las cuestiones personales de índole identitaria que pretendía resolver a través de la práctica artística. 8 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 9 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 16 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández Horizon IV. (Farewell), 2022 450 x 30 cm Serigrafía, témpera y pintura en spray sobre papel Fabriano 280 gr 17 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 18 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández What the walls knows, 2022 30 x 30 x 30 cm PVC espumado (3mm), cartulina, impresiones en papel, dispositivos luminosos (Obra realizada en la asignatura Cuerpo, Espacio y Acción en el arte) 2.2. LO ÍNTIMO: “What the walls knows” 19 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 20 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 21 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández WHAT THE WALLS KNOWS Por medio de los distintos elementos que componen la obra, lo que se pretende transmitir fundamentalmente es la idea de la habitación como un espacio-continente de las emociones, pensamientos y vivencias que definen mi manera de ser. Es por este motivo que he querido recrear el interior de mi dormitorio de forma realista, pero al mismo tiempo con un cierto grado de distorsión que enfatice la sensación de espacio construido. Por otro lado, en lo que se refiere a los textos y símbolos que se desvelan bajo la luz ultravioleta, con ellos se pretende representar todo ese conjunto de pensamientos, reflexiones y emociones que se desarrollan dentro del ámbito privado de la habitación, construyendo de esta manera un autorretrato simbólico o psicológico. Estas formas se revelan en la oscuridad del interior de la caja, iluminando también los elementos contenidos en ella, las formas de la disposición del dormitorio. Con esto se quiere hacer alusión a la transformación que se da en la manera de percibir el espacio gracias a la presencia del ocupante y darle protagonismo a ésta como elemento configurativo de la identidad del espacio. La manera en la que se ofrece la experiencia visual de la obra al espectador también tiene una función concreta, y es la de situar a la persona dentro del rol de “voyeur”, que se asoma a través de una mirilla hacia la intimidad de la habitación. Pero con ello no solo se quiere transmitir esta sensación, sino también plantear que, si sólo podemos ser lo que genuinamente somos en 1 ÁLVARO FERREIRO, Marta, 2009. El arte contemporáneo como expresión de la intimidad, p. 15. 2 En esta obra, una de las maquetas presenta una habitación verde pastel, con una cama y una disposición con las habla de estados de desequilibrios anímicos; mientras que la otra, de color naranja, transmite sensaciones armoniosas y de felicidad que lo hacen parecer un espacio más acogedor. un espacio íntimo y a solas, nuestra relación con los demás es algo que se basaría en un grado más o menos significativo de falsedad, de manera que, si queremos expresar nuestra verdadera identidad, lo que debemos hacer es permitir que los demás tengan cierto acceso a nuestra intimidad 1 . Además, mostrar nuestra intimidad constituye en sí mismo un acto de reflexión y “autoterapia” que nos ayuda a sacar lo que se encuentra más oculto en nosotros y a sentirnos mejor al revelarlo y compartirlo con otros. La creación de esta obra surge tanto del interés personal en la creación de maquetas y dioramas, como de la inspiración surgida a partir de la obra “Dormitorios terapéuticos” (1999) de Mónica Alonso, formada por dos maquetas de dos habitaciones con las que trata de representar las emociones ligadas distintas versiones del espacio íntimo. 2 Sin embargo “What the walls knows” pretende ir un paso más allá, presentando un “espacio encontrado” para el espectador, una caja negra en la que una vez que el espectador entra en el juego de asomarse a la mirilla adquiere sin darse cuenta el papel de voyeur que accede a la intimidad del otro. Los materiales y los recursos plásticos empleados para la construcción del interior de la pieza tampoco son arbitrarios. Se ha recurrido al empleo de impresiones digitales de imágenes de todos los elementos que en la realidad forman parte del dormitorio y se han empleado formas de prismas ortogonales para recrear sus volúmenes dentro del espacio. Es de esta manera como se consigue crear la ilusión de un espacio que parece real, 22 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández pero que cuenta con un cierto grado de distorsión generado por la sintetización formal de los volúmenes que origina una extrañeza visual que invita al espectador a recorrer con la vista el espacio en busca del factor de irrealidad presente en él. Por último, el mecanismo de iluminación interior, constituido por una luz blanca y una luz ultravioleta que permite revelar las figuras y mensajes ocultos en el interior del espacio cumple también una doble función: la de proponer una dinámica interactiva entre la pieza y el espectador, y la de transmitir la narrativa interna de la obra. Las figuras y textos que aparecen forman parte del mismo glosario iconográfico personal que aparece en el resto de las aportaciones y de la misma manera, es la herramienta comunicativa a través de la cual se pretende transmitir el discurso acerca del espacio íntimo como lugar de reflexión y (re)construcción personal, como el sitio que alberga los pensamientos más profundos acerca del yo de cada individuo. 23 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández “Self-Portrait”, 2021-2022 228,5 x 125 cm/10,5 x 10,5 cm (cada pieza) Impresión digital sobre papel vegetal (Obra realizada en las asignaturas Desnudo, Retrato y Construcción de identidad y Pintura, Construcción y Espacio) 2.3. LO PÚBLICO “Self-Portrait” 24 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 25 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 32 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 3.1.1.1. Fig.3.: La columna rota (1944) Frida Kahlo 3.1.1.1. Fig.4.: Self-Portrait in the wilderness (1947) Willem de Kooning Desde el punto de vista de la resolución plástica, dada la gran variedad de condicionantes que pueden influir en la creación de un autorretrato, que es tan amplia como la diversidad de contextos temporales, situacionales y personales de cada artista, fácilmente podremos llegar a la conclusión de que los recursos plásticos y narrativos que se pueden emplear para representar esa forma privada del sentir con uno mismo también resultan prácticamente infinitos. Es por este motivo, que la forma, contenido y la idea acerca de qué es una obra autorretratística se ha modificado constantemente a lo largo de la historia del arte hasta la actualidad, en la que el autorretrato se ha reformulado completamente, dejando prácticamente atrás el cerrado concepto histórico de la representación figurativa y realista, y emprendiendo nuevos caminos que ayudan a dar una mejor respuesta a las preguntas acerca de la identidad individual, en la que huella del factor psicológico y emocional va a jugar ahora un papel más importante que el de la apariencia física. En suma, hoy en día el autorretrato podría situarse a caballo entre la identidad y el proceso de identificación, pudiendo adquirir bien formas explícitas y reconocibles como rostros, manos y, en general, fragmentos del cuerpo; o bien formas simbólicas u objetuales en las cuales se depositan nuevas definiciones, ciertas capacidades, aspectos emocionales y psicológicos o estados anímicos o pasionales. 33 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 34 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 3.1.1.2. Fig.5.: Intra-Venus (1993) Hannah Wilke cual genera desconcierto acerca de cuál es nuestra auténtica personalidad, convirtiéndonos en esclavos de una identidad que nos es la nuestra propia 7 . “Es claro que el nuevo intelectual no será ya un heredero, sino un superviviente, que es algo muy distinto. Mientras que el heredero se legitima en sus raíces, el superviviente tendrá por toda fortuna los restos salvados de un naufragio y no podrá contar con estructuras culturales de fundamentación. Solo tendrá a su disposición detritus, verdaderos basureros históricos, kjiokkenmoedding, desperdicios de consumo anteriores” (Martín Santos, 1985) La consecuencia de toda esta vorágine contextual es el profundo sentimiento individualista que se ha apoderado de los sujetos, y que dentro de la práctica artística se ha traducido en esta formulación del discurso autorreferencial. De esta manera, en las obras creadas por los artistas del siglo XX y a medida que avanzamos hasta la actualidad se puede apreciar un marcado interés en relatar insistentemente sus vidas en autobiografías gráficas que se construyen en base a diferentes lenguajes y metáforas, pero que están siempre ahí como origen de la narrativa de sus obras, como por ejemplo podemos apreciar en “Intra-Venus” (1993) de Hannah Wilke 8 , videoinstalación en la que la artista, tras un diagnóstico de cáncer en 1987 7 Báscones Reina, Noelia, (2013), pp. 196-201. 8 Hannah Wilke (s.f), Hannah Wilke Collection & Archive, Los Angeles. [Página web oficial], http://www.hannahwilke.com/ 9 Gascó, Mar, (s.f.). Hannah Wilke/ Intra-Venus Tapes, 1990-1993. Consultado el 14 de julio de 2022. http://www.archivoarteyenfermedades.com/hannah-wilke-intra-venus-tapes- 1990-1993/ comienza a hacer un seguimiento, por medio de fotos y vídeos, de su nueva forma de vida y de su cuerpo en tránsito 9 . 35 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández De esta manera, dentro de este contexto sociocultural que nos plantea la postmodernidad, el tema del autorretrato se nos va a presentar pues de una forma muy diferente a lo que tradicionalmente se ha comprendido como tal. La autorreferencialidad, es decir, la construcción por parte del artista de un discurso basado en sí mismo y su propia experiencia personal, cuyo propósito es poner de manifiesto su perspectiva acerca de su propia obra puntualizando como genera su propuesta desde ahí, es una de las características más destacables del arte posmoderno desde los años 80 hasta la actualidad, y es una cuestión que viene dada fundamentalmente por la manera en la que la sociedad actual ha modificado el pensamiento y comportamiento humano. Aunque sí que podemos decir que todos los autorretratos son explícitamente autorreferenciales, en el contexto del arte actual nos encontramos que, -dado que buena parte de la producción de todos los artistas es autorreferencial, es decir, se basa en lo autobiográfico, en la manera en la que su contexto personal le ha hecho percibir y entender el mundo-, podemos entenderla como un autorretrato del artista que explora otro plano diferente al de la representación, más o menos figurativa de la apariencia física, su plano psicológico, la verdad más absoluta sobre su manera de sentir consigo mismo y con su realidad. En este sentido, es bastante destacable la aportación que artistas del panorama contemporáneo anglosajón como Jenny Saville (“Reverse”, 2003) 10 o Lucian Freud (“Reflexion, Self-Portrait”, 1985) 11 han hecho dentro de este campo de la exploración del autorretrato psicológico. 10 Bolaño, Emilia, (2021, 3 de abril). Reverso. Carne en primer plano. HA! Historia del Arte. https://historia-arte.com/obras/reverso 11 González, Jorge, (2019, 22 de febrero). Lucian Freud: sus autorretratos, retratos, pintura de desnudos y evolución de su obra. Ttamayo. https://www.ttamayo.com/2019/02/lapintura-de-lucian-freud/ Para entender como hemos llegado a la situación actual del autorretrato, es necesario tener primero en cuenta como a finales del siglo XIX y principios de XX, los artistas comenzaron ya a investigar nuevas formas de expresión adaptadas a los grandes cambios que trajeron consigo las vanguardias y la modernidad, queriendo dejar atrás la fijación por la apariencia física y adentrarse en un concepto de identidad comparativamente más relevante y revelador, que hace surgir de repente una gran diversidad de nuevas propuestas en las que aunque se sigue planteando determinadas cuestiones acerca de la identidad personal y de las razones que hacen que éstas se manifiesten en las obras, se da un innovador giro en la función y finalidad del lenguaje iconográfico, visual y simbólico que los artistas emplean para poner de manifiesto su propio contexto e individualidad. El artista, en ese momento, comienza a alejarse de la autorrepresentación figurativa o físicamente reconocible, y comienza a emplear cuerpos anónimos, objetos, símbolos, o recursos como la distorsión o el ocultamiento para representar de forma simbólica el mundo que le rodea, le transforma, le identifica y le convierte en la persona que es. Estos nuevos cambios en las formas expresivas son muy evidentes en obras como las de Dalí, Paul Klee o Gaugin en las que el autorretrato tradicional es sustituido por una representación de la realidad distorsionada, reveladora y cargada de simbología, que se inscribe dentro de las nuevas tendencias de vanguardia de principio de siglo; o artistas como Claude Cahun y Oskar Schlemmer que introducen la fotografía como elemento sustitutorio del realismo pictórico aportando además nuevos recursos conceptuales y expresivos, lo cual comienza a 36 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 3.1.1.2. Fig.6.: Autorretrato blando con beicon a la plancha (1941) Salvador Dalí 3.1.1.2. Fig.7.: Autorretrato con máscara y sistema coordinado de rejilla (sol) ante un personaje mítico (1931) Oskar Schlemmer sentar nuevas bases y sirve como precedente de la inclusión de la fotografía dentro de la práctica artística. 12 Calvo, Irene (2019, 28 de marzo). El cuerpo como material artístico: Carolee Schneemann, AhMagazine. http://www.ahmagazine.es/carolee-schneemann/ 13 Crespo Maclennan, Gloria, (2016, 11 de marzo). Robert Mapplethorpe, retrato de un ángel oscuro. El País. https://elpais.com/cultura/2016/03/08/babelia/1457450794_272222.html 14 Báscones Reina, Noelia, (2013), pp. 78-91 15 Vargas, Marina, (s.f), [Página web oficial], https://www.marinavargas.com/ 16 Cabrero, José E., (2021, 20 de noviembre). La artista granadina Marina Vargas esculpe su paso por el cáncer: ‹‹Yo soy la obra››. IDEAL. https://www.ideal.es/culturas/artistagranadina-marina-vargas-cancer-mama-20211120162344-nt.html A medida que se desarrolla el siglo XX los artistas empiezan a experimentar con nuevas técnicas expresivas y diferentes soportes, de manera que el género del autorretrato cuenta ahora con muchos más lugares de desarrollo, ejemplo de ello es el traslado el autorretrato a la video-creación o la performance como hace Robert Morris en I Box (1961) o Carolee Schneemann 12 en Up to on Including Her Limits (1976); o la fotografía, aportándole una nueva sensibilidad como hizo Robert Mappelthorpre 13 . También se introducen todo tipo de lenguajes y recursos cargados de simbolismos y metáforas como se puede observar en los autorretratos de artistas como Willem de Kooning o Francis Bacon, a través de los cuales hablan de sí mismos sin ser ellos mismos y sin la necesidad de plasmar una imagen fehaciente de su cuerpo o rostro, y es que, a partir de este momento, los artistas se van a preocupar más bien o por representar su mundo emocional en un intento por aportar algo de su yo más profundo al mundo 14 , o bien por convertir el autorretrato en un elemento reivindicativo de carácter social y plural, equiparando la palabra a la imagen, la narración al proceso y el arte a la vida, como ocurre con “Intravenus” (2020) de la artista Marina Vargas 15 , una escultura que homenajea la obra homónima de Hanna Winkle ya que ambas narrativas surgen de la experiencia de padecer cáncer, y cuyo fin es, en palabras de la artista: “dar voz a la enferma, visibilizar los procesos, romper el canon del cuerpo que vemos en la cultura clásica.” 16 37 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 17 Báscones Reina, Noelia, (2013), pp. 145-146 Todo esto nos ha llevado a que actualmente el autorretrato constituya un concepto bastante más ambiguo. Hoy en día es común encontrar un tipo de autorretratos mucho más sutiles, en los que las ideas priman frente a la imagen representada, en los que el artista sustituye la representación de su imagen por conceptos o ideas en los que no necesariamente aparece de forma figurativa. De esta manera la obra se convierte en una prolongación del propio artista yendo más allá de su propia persona para transformar sus inquietudes en un objeto material, en una idea o en una reflexión. Es así como se normaliza cada vez más que no se recurra a la forma figurativa o reconocible físicamente, sino a nuevos recursos externos como cuerpos anónimos, objetos, lugares, sonidos, palabras, etc., con los que los artistas construyen representaciones simbólicas de sí mismos y del mundo que les rodea, que lo moldea e identifica. El artista se revela así contra el contexto sociocultural de la posmodernidad, mediante la reflexión acerca de su identidad más íntima (apartada de roles y corrientes impuestas), exponiéndose ante los demás al margen de la apariencia externa y dejando de lado el individualismo para hacer eco de los problemas de la condición humana en materia de autoconocimiento y reivindicación del ser 17 . El autorretrato se torna en definitiva como algo que es cada vez más difícil de identificar en algo concreto, se ha difuminado entre una gran variedad de estilos y recursos gráficos que se alejan de lo convencional cuestionando lo que hasta ahora se entendía por autorretrato, lo que nos obliga a que para poder comprenderlo, se haga necesario atender a aspectos más profundos de la representación, que fluctúan entre las autorrepresentaciones físicas y la expresión de vivencias e inquietudes personales, ideológicas o de una serie de emociones o estados psicológicos 3.1.1.2. Fig.8.: Up to Including Her Limits (1976) Carolee Schneemann 3.1.1.2. Fig.9.: Intra-Venus (2020) Marina Vargas 38 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández concretos. Como ejemplos de autorretratos enmarcados dentro de esta nueva expresividad posmoderna nos encontramos con los realizados por Jean Michel Basquiat, en los que queda patente la fuerte vinculación del comportamiento creativo carente de límites con la personalidad innata del artista; o con las fotografías en las que Nan Goldin se inmortaliza a sí misma presentándonos su historia personal a modo de diario o documento gráfico 18 ; y también con autorretratos como los de Marlene Dumas, a través de los cuales, y con un lenguaje muy característico, busca el significado y las posibilidades de expresión de su identidad personal 19 . Es decir, en el autorretrato de la postmodernidad hay que buscar el significado profundo del mensaje que el autor nos quiere transmitir, ya que el artista ya no emplea su mera imagen reflejada como ejercicio de disciplina artística, sino que a través de este ejercicio analiza las formas interiores de su persona. Para ello hay que destacar las asociaciones simbólicas y el objeto como herramientas principales para la configuración de estas nuevas imágenes de sí mismo: • Los símbolos. En el autorretrato más contemporáneo, los artistas suelen recurrir a asociaciones simbólicas de su propia mitología privada y se disfrazan adoptando todo tipo de identidades. Estos símbolos actúan de forma conceptual a modo de “símbolosmáscara” a partir de las cuales el artista rechaza su imagen pública (relacionada con una construcción meramente social) y revela su yo verdadero, esa identidad que normalmente queda suprimida por las 18 Giamminola, Riccardo, (2015, 4 de diciembre). Mujeres y fotografía. Nan Goldin: emociones y relaciones. The Lighting Mind. https://www.thelightingmind.com/mujeres-y- fotografia-nan-goldin-emociones-y-relaciones/ 19 García Barba, Federico, (2015, 14 de febrero). Los retratos de Marlene Dumas. Anquiscopio. https://arquiscopio.com/los-retratos-de-marlene-dumas/ 20 Alarcó, Paloma; Malcom Warner, (2007). El espejo y la máscara. El retrato en el siglo de Picasso, pp. 26-29. convenciones sociales. Sin embargo, estos “símbolosmáscara” actúan también como elementos ocultadores además de reveladores, y es que, a través de ellos, el artista también puede anular su propia identidad y mostrar solamente un determinado aspecto de sí mismo 20 . Este hecho viene dado fundamentalmente por el propio deseo postmoderno de definir y ocultar el propio yo, lo cual ha sido el condicionante principal de que paulatinamente se 3.1.1.2. Fig.10.: Self-Portrait (1982) Jean Michel Basquiat 3.1.1.2. Fig.11.: Self-Portrait of Noon (2008) Marlene Dumas 39 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández haya impuesto el simbolismo como el principal medio a través del cual el artista expresa actualmente la versión que quiere o percibe de su propia identidad. • El objeto. La identificación a través del objeto es otro recurso que el artista postmoderno emplea para sustituir de forma conceptual y metafórica la imagen que tiene de sí mismo tanto a nivel físico como psicológico. De esta manera, el objeto se ha resignificado y convertido en una prolongación del propio artista, que hace uso de esta “personificación del objeto” como parte de su lenguaje de representación simbólica de su identidad. Sin embargo, aunque estas narrativas autobiográficas parten a priori de acontecimientos que se catalogan como “reales” o vivenciales, dentro del propio proceso creativo se dan una serie de circunstancias que implican y aportan cierta ficcionalidad, de modo que para poder determinar si una obra cuenta una verdad, primero habrá que delimitar que es lo que se entiende como verdad. Según Estrella de Diego, la verdad es una construcción social establecida por los grupos mayoritarios, un concepto que, en nuestro caso, proviene de la cultura occidental y que se asocia a una forma de narrar estructurada en un orden cronológico que da unidad al relato y suscita en el espectador una sensación de realidad (De Diego, 2011). No obstante, la idea de verse a uno mismo como un sujeto unificado es una ilusión que se mantiene gracias a atributos externos que se mantienen en el tiempo (nombre, nacionalidad, títulos académicos) y en torno a los cuales construimos nuestros concepto de identidad, sin ahondar en aquellas características personales que son las que verdaderamente determinan nuestra manera de ser y de existir. En este contexto, la posmodernidad es como ya se ha dicho, un momento en el que se da un rechazo total por la búsqueda de una verdad absoluta, un ideal único y universal que sirva de respuesta a todo. Es decir, el sujeto que protagoniza los discursos autobiográficos-autorreferenciales contemporáneos no hace gala de esa unicidad ficticia, no se presenta como un individuo homogéneo, sino que su identidad suele estar disociada, mostrando la multiplicidad existente dentro de su misma persona, que en muchas ocasiones alberga contradicciones. Esta es una idea que secunda el historiador y crítico de arte Jean-François Chévrier, que determina que la construcción del sujeto posmoderno se da a partir del “ensamblaje”, mediante un proceso por el cual el artista construye su propia idea de sí mismo gracias a pequeños fragmentos de conocimiento sobre quién o como cree que es (Chévrier, 2013). Esta visión fragmentada de sí mismo, llevará a los artistas a la génesis de una gran variedad de fórmulas narrativas con el fin de hacer una reflexión profunda de su persona y de su papel en el mundo, diseccionándose y observándose desde puntos de vista que antes no se habían contemplado en la historia del arte. Es necesario destacar también que, actualmente, el número de dictados sociales al que estamos sometidos es tan grande y variado que nos vemos bombardeados por “lenguajes del yo” incoherentes entre sí (Gergen, 2010, p.26), siendo la consecuencia de esto que el sujeto posmoderno no encuentre en sí mismo nada que pueda catalogar como certeza, como verdad indiscutible, de modo que todo se pone bajo tela de juicio gracias a la constante comparación con realidades que contrastan entre ellas. De esta forma, el sujeto contemporáneo se presenta ante los demás como un “yo fragmentado” que habla no sólo de quien es, sino también de quien fue o pudo ser en otros tiempos y otros lugares, ya que su camino autobiográfico 40 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández no se construye tan solo por medio de su azar contextual y biográfico, en un sentido meramente lineal (ese ya no es nuestro sentido del tiempo) sino que, además, en parte también trata de construirse a sí mismo por medio de decisiones conscientes cuyo fin es conformar una identidad diversa, o incluso paralela, que sucede en el mismo plano de lo real, pero que constituye en realidad u medio de evasión, frontera o trascendencia, al margen del orden de los acontecimientos que vive. 3.1.1.3. LOS NUEVOS RECURSOS SIMBÓLICOS DEL AUTORRETRATO La presencia de lo simbólico en el plano visual otorga la capacidad de sacar a la luz significaciones acerca de la psique del artista incluso si la inclusión de estos elementos se ha realizado de manera prácticamente inconsciente por parte del autor, revelando actitudes y creencias que posiblemente no se atrevería a confesar de otra manera (Arheim, 1992, p.172). De este modo, cuando el artista analiza su propia obra emprende un camino de conocimiento, ya que a partir del análisis e interpretación de la simbología gráfica se emprende un proceso de reestructuración sobre la idea de la propia identidad en la que intervienen el reconocimiento, la aceptación y el cambio. Por así decirlo, el artista, desde su subjetividad, ejercita la distancia a su obra y su espíritu crítico: “En el campo de las decisiones relacionadas a la comunicación, por ejemplo: si seguir por ahí o no, si corregir esto o aquello, si tratar otra vez, pero con una posibilidad distinta; es donde el artista se convierte en el primer consumidor de su obra. El artista es el primer espectador, el primer crítico, y en cierto modo, el primer cliente. Es en este momento en el cual tiene que ser capaz de mantenerse fuera de la obra para poder verla: tiene que establecer una distancia crítica. Ya no puede estar en terapia. Tiene que abandonar la autogratificación para pasar a ser un crítico implacable. Y tiene que ver su obra a través de los ojos del espectador”. (Camnitzer, 2008, pp. 2-3) 41 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández Como ya hemos venido comentando, en los autorretratos contemporáneos podemos encontrar una gran carga en lo que respecta a simbología y mensaje, y que ello genera cierta dificultad en la comprensión y lectura de las imágenes que se generan y en el desarrollo de un mecanismo que permita, con tan solo contemplar la obra, la descodificación de la simbología oculta en ellas. Es por este motivo, que actualmente también resulta bastante complicado llevar a cabo una clasificación concreta de artistas y obras, ya que los creadores que de una forma u otra recurren a la autorreferencialidad / autorrepresentación lo hacen bajo los parámetros de la posmodernidad, en la que se da una disgregación y transgresión de las categorías artísticas, rechazándolas o ironizándolas, para centrarse en categorías menores, en micromundos, en situaciones pasajeras, eludiendo así mismo los grandes relatos y redefiniendo los géneros históricos del arte. No obstante, sí que podemos agrupar la obra de estos artistas en tres grupos más o menos diferenciados (ya que la frontera entre ellos puede resultar en ocasiones muy difusa) que se relacionan con los distintos lenguajes simbólicos que de manera general son empleados en las autorrepresentaciones contemporáneas y posmodernas. 21 García Yelo, María, (2001), Historia del Arte. Yasumasa Morimura. Anales de Historia del Arte, https://revistas.ucm.es/index.php/ANHA/article/download/ANHA0101110357A/31369/ METÁFORAS CORPORALES Prácticamente desde la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad, el cuerpo ha sido empleado por los artistas como un elemento base a la hora de narrar sus historias, alzándose como protagonista de un microrrelato abierto al mundo en lo que se conoce como “cuerpo narrativo” (Cruz Sánchez y Hernández- Navarro, 2004, p.29). De este modo, el cuerpo del artista se ha transformado en un soporte sobre el que se representan distintas proyecciones de estereotipos humanos (cuerpos ritualistas, protésicos, deformes, ausentes, tecnológicos, etc.), que plantean toda una serie de reflexiones acerca del concepto actual de individuo y en cuya construcción se emplean todo tipo de elementos y códigos visuales (Jones, 2006, p.134). Ejemplos claros de estas metáforas corporales los encontramos en la obra de artistas como Cindy Sherman o Yasumasa Morimura 21 , que emplean dentro de su obra fotográfica el recurso del disfraz, del travestismo, llevando a cabo una apropiación de distintas identidades con el fin de plantear interesantes cuestiones acerca del papel y la representación de las mujeres en la sociedad, los medios de comunicación y de la naturaleza de la creación artística en el caso de Sherman; o como alegoría de la cosificación del pueblo japonés a causa de la opresión occidental que Morimura hace a partir de sus recreaciones de obras clásicas del arte occidental. Otro modelo de metáforas corporales son las que emplean artistas como Marina Núñez, y que, empleando los nuevos medios tecnológicos, se sirve de la deformación de los cuerpos para poner en evidencia las diferentes 48 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 3.1.2.2. “El tiempo que pasa (Mi historia) deposita residuos que van apilándose: fotos, dibujos, carcasas de bolígrafos-rotuladores ya secos desde hace tiempo, carpetas, vasos perdidos y vasos no devueltos, envolturas de puros, cajas, gomas, postales, libros, polvo y chucherías: lo que yo llamo mi fortuna” Georges Perec, Especies de Espacios (1974) Una de las características principales de los espacios íntimos/privados es que son lugares donde podemos sentirnos seguros, relajados, retirarnos del mundo público, que nos dejan desarrollar nuestro sentido de pertenencia y que también nos permite expresar nuestros valores, creencias y modos de estar en la vida. A medida que vamos haciendo un uso más cotidiano de estos espacios comenzamos a apropiarnos de ellos, modificándolos y adecuándolos a nuestros gustos y preferencias para conseguir un lugar más agradable, que se convierte al final en un reflejo del sentido de identidad de su ocupante. 28 Breakwell, G.M., (1992). Psicología social de la identidad y el autoconcepto. 29 Poggio Lagares, Lucía, (2016). La personalización de los espacios primarios a través de los objetos, p. 35-36. 30 Poggio, (2016), p.27. Pero estos lugares no sólo son un reflejo de la identidad, sino que también son lugares donde ésta se construye. Según el modelo de identidad de Breakwell 28 , ésta se organiza en torno a cuatro principios: la distintividad, que hace alusión al deseo de mantener la singularidad de uno mismo; la continuidad, que se refiere a la necesidad de mantener a lo largo del tiempo y de diferentes escenarios la continuidad entre el autoconcepto pasado y presente; la autoestima o evaluación positiva de uno mismo; y la autoeficacia, que es la creencia del individuo en sus capacidades para afrontar su modo de vida. Cuando se tiene apego por un lugar, como es el caso de los espacios íntimos/privados, estos lugares ayudan a mantener estos cuatro parámetros, es decir, que permite mantener una base estable en el autoconcepto de identidad de su ocupante, en los que además se generan toda una serie de reflexiones en torno al “yo” y a las vivencias personales que nos ayudan a estudiar, organizar y estructurar conceptos importantes acerca de quienes somos 29 . Estamos hablando pues, del concepto de la “identidad de lugar” 30 , que es una subestructura de la identidad en la que se recogen todos los recuerdos, ideas, sentimientos, actitudes, preferencias y valores referentes a los lugares o espacios en los que la persona desarrolla su vida cotidiana y hacia los que siente afecto, y a partir de los cuales puede establecer vínculos emocionales PERSONALIZACIÓN DEL ESPACIO: LA RELACIÓN ENTRE AUTOBIOGRAFÍA, IDENTIDAD Y LOS ESPACIOS ÍNTIMOS / PRIVADOS. 49 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández y de pertenencia a determinados entornos. De este modo, si consideramos la identidad de lugar como una subestructura de la identidad personal, todos los recuerdos, ideas, sentimientos y actitudes que conforman la identidad personal se encontrarán en parte proyectados a través de la personalización que cada persona haga de dicho lugar. La personalización de un espacio es una actividad que se define como el “conjunto de conductas que una persona lleva a cabo en un espacio determinado y que le permiten verse reflejado y como dueño del mismo” (Aragonés y Pérez-López, 2009, p.284), es decir, es un mecanismo a partir del cual podemos hacer que un lugar represente lo que somos, facilitando de esta manera la formación, preservación y representación de la identidad y poniendo de manifiesto la individualidad y peculiaridad de ésta. Esta actividad, por lo tanto, nos permite sentir un espacio como propio y establecer vínculos afectivos de protección o confianza, nos ofrece una intimidad que hace que nos resulte más fácil comportarnos en ella de forma más genuina, dejando aflorar nuestra verdadera realidad y la manera de sentir con uno mismo. Sin embargo, la personalización del espacio no sólo tiene implicaciones a nivel individual, sino que también facilita a los demás poder adivinar determinada información acerca de la persona que habita este espacio (siempre que los códigos sean compartidos), ya que a través de esta acción codificamos nuestra identidad a partir de elementos simbólicos. Estos elementos simbólicos son los objetos y las huellas que dejamos en el lugar y a través de los cuales expresamos nuestras características personales, tanto a los demás como a nosotros mismos. De manera consciente o no, seleccionamos y almacenamos estos objetos por un motivo, 31 SARTRE, J. P, (1954). El ser y la nada.Iberoamericana. por una atracción. Sartre consideraba que la única razón por la que se quiere tener o poseer algo es para aumentar o extender el yo, y que la única forma a través de la cual se puede entender quien se es, es observando aquellas cosas que se tienen o se poseen y hacia las cuales se tiene un apego que se basa más en lo emocional que en lo meramente funcional 31 . Sophie Calle nos muestra esto en su serie fotográfica “Hotel Room” (1981), en la que expone el espacio privado de los huéspedes de un hotel fotografiando sus objetos personales, que, depositados a priori en la despersonalizada habitación del hotel, de repente la dotan de una nueva significación que se relaciona con la identidad del huésped. 3.1.2.2. Fig.19.: Hotel Room (1981) Sophie Calle 50 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández Estos objetos son por lo tanto más que simples posesiones materiales, ya que representan la manera en la que consciente o inconscientemente nos vemos a nosotros mismos, nos permiten elaborar un concepto de quienes somos y además suelen tener un valor biográfico a partir de cual somos capaces de conectar el pasado con el presente, el objeto así sobrepasa su funcionalidad original, y se convierte en un elemento de comunicación, un mensaje que responde a un código concreto que le aporta el individuo. Si tenemos en cuenta estas propiedades y resignificaciones con las que dotamos a los objetos que nos rodean, no es de extrañar que muchos de los artistas que trabajan acerca de la memoria y lo autobiográfico recurran al objeto (real o representado), para narrar sus propias historias personales o para establecer una conexión entre lo emocional y el espacio habitado. Es por este motivo que, en la contemporaneidad, resulta bastante habitual que las obras construidas a partir del objeto no se centren tan solo en remitir a un fragmento del tiempo, sino que también hacen alusión al espacio ocupado por dicho objeto. Esta cuestión se plantea de manera muy evidente en las instalaciones artísticas construidas a partir de objetos, como en la serie “Cells” (1989-1993) de Louise Bourgeois, conformada por un conjunto de piezas de narrativa autobiográfica a modo de habitáculos construidos a partir de diferentes objetos y elementos arquitectónicos, todos ellos cargados de una fuerte simbología personal 32 . 32 Lamas, Álvaro, (2016, 18 de marzo). Louise Bourgeois. Estructuras de la existencia: las celdas. Metalocus. https://www.metalocus.es/es/noticias/louise-bourgeois-estructuras- de-la-existencia-las-celdas 3.1.2.2. Fig.20.: Cells (1989-1993) Louise Bourgeois 51 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 3.1.2.3. DESARROLLO DE LA IDENTIDAD ARTÍSTICA: LA CASA, EL DORMITORIO, EL ESTUDIO. Como hemos visto, los espacios íntimos y privados, en concreto la casa y el dormitorio o habitación, y los objetos que hay en ellos resultan, para cualquier individuo, fundamentales a la hora construir y manifestar la propia identidad, y esto no es diferente en el caso concreto de los artistas, aunque si bien es cierto que para éstos las experiencias almacenadas o sugeridas por estos espacios no sólo le van a servir como herramienta de construcción de la identidad personal, sino también como medio de desarrollo de su identidad artística. A lo que debemos sumar además que el artista va a precisar o disponer de otro espacio restringido a al ámbito de la intimidad cuya funcionalidad va a ser específicamente la de la práctica y expansión de la identidad artística: el estudio o taller. LA CASA La casa, el hogar o la morada es el lugar por excelencia del espacio privado, sus paredes nos separan, ocultan y resguardan del mundo público, del macrocosmos urbano. Pero la casa no es sólo un espacio compartimentado con la funcionalidad concreta de habitar, ya que esta misma funcionalidad hace que el espacio doméstico, en el que coexisten la cotidianidad, los afectos, las pertenencias, lo rutinario y los vínculos personales, se constituya como uno de los espacios biográficos más importantes para cada individuo. Es así como este espacio se convierte dentro de los discursos artísticos en una construcción simbólica en la que se incluye todo un imaginario relativo a lo familiar, lo íntimo o las aspiraciones y secretos del individuo que habita en ella, pero que también es capaz de acoger formas de violencia, desapego y trauma. (Abellán, 2018, p. 260) Es decir, desde la casa, y en ella, se generan y entrecruzan todo tipo de historias personales e íntimas, que se relacionan directamente con el habitar en su sentido más amplio. La arquitectura doméstica se erige de esta manera como el punto de inicio para la reflexión personal de muchos artistas, que, vinculado con la memoria, la simbología de los objetos y la personalización del espacio han hecho de ésta el escenario para la indagación acerca de su propia identidad y experiencia. Esto lo podemos ver en obras como “Herrenzimmer” (1979), de Heidi Bucher, en la que realiza una recapitulación autobiográfica hacia su infancia por medio de copias de los espacios interiores de la casa en la que creció, que consigue por medio de la superposición de látex y tejidos sobre las paredes de las habitaciones, conformando una fina lámina translucida parecida a una piel desgastada o 3.1.2.3. Fig.21.: Herrenzimmer (1979) Heidi Bucher 52 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández un pergamino, que luego extrae y dispone de manera instalativa reconstruyendo el volumen de las estancias. Muy similar es también el estudio que hace el artista Do Ho Suh de los límites entre el espacio público y privado que plantean las paredes de la casa en “Apartment A” (2011-2012), una instalación en la que recrea espacios domésticos con telas de tul, con las que consigue que todo lo opaco (muebles, paredes, puertas, etc.) se muestre transparente, frágil y ligero 33 . Son también especialmente destacables todas las manifestaciones artísticas que han surgido acerca de la reflexión sobre la casa desde una perspectiva de género femenina, por el papel de reclusión o de limitación que de manera cultural y tradicional ha supuesto la casa para las mujeres. Ejemplo de ello es la obra “Semiotics of the Kitchen” (1975) de Martha Rosler 34 , performance en la que la artista va nombrando cada letra del alfabeto y una serie de utensilios de la cocina que empiezan por esa letra, que coge y utiliza de manera paródica, para hacer así una crítica subversiva del papel de la mujer dentro del hogar. También cabe destacar la serie de obras de Louise Bourgeois conocidas como “Femme-maison”, constituida por varias piezas o versiones que Bourgeois realizó a lo largo de toda su vida, y que incluyen dibujos, grabados, esculturas e instalaciones que se caracterizan porque presentan cuerpos femeninos en los que la parte superior es sustituida por las formas rectilíneas de la vivienda, y que hacen alusión tanto a episodios de la infancia de la artista, como a una crítica acerca de cómo las mujeres parecen estar aprisionadas en una caja, en sus casas o en situaciones 33 Grillo, Francesca, (2019, 11 de noviembre). LACMA: Do Ho Suh reproduces his New York apartment with fabric. Domus. https://www.domusweb.it/en/news/gallery/2019/11/11/do-ho-suh-a-new-york-apartment-entirely-made-of-fabric.html 34 Public Delivery, (2020, 2 de enero). Martha Rosler - Semiotics of the Kitchen, 1975 [Video]. https://www.youtube.com/watch?v=AmZyT1lsvTU sociales de las que intentan escapar constantemente (Sádaba, 2017, pp. 219-228). 3.1.2.3. Fig.22.: Apartment A (2011-2012) Do Ho Suh 3.1.2.3. Fig.23.: Femme Maison (Tree examples) Louise Bourgeois 53 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández EL DORMITORIO El dormitorio es la caja donde guardamos nuestra intimidad, habitamos y experimentamos este espacio como un punto ciego ante la mirada del mundo, como un lugar recóndito en medio de cualquier parte que nos resulta tan personal que nos hace liberarnos de las ataduras de la apariencia, las paredes del dormitorio son una barrera que establece el límite entre el espacio más íntimo de una persona, y el espacio privado de la casa. Es un lugar de reflexión que contiene nuestras actividades, pensamientos y sentimientos más privados, que quedan flotando en el aire cuando salen y que quedan grabados en sus paredes. Es, por tanto, un santuario para uno mismo, donde se entra con más facilidad en armonía con el sentir propio, donde puede experimentar con mayor cercanía los rasgos de la identidad que por ocultación o desconocimiento pasan desapercibidos. Así mismo, el dormitorio es el continente de nuestros objetos, no sólo aquellos que tienen un mero carácter funcional, sino también de algunos que tienen un gran valor autobiográfico. El dormitorio es capaz así, de contar una historia, la historia personal de cada uno que queda marcada por la huella de los acontecimientos que aquí ocurren o que aquí se meditan. Es por estos motivos que muchos artistas han desarrollado o revisado el tema de la narrativa intimista o autobiográfica tomando como punto su dormitorio o los elementos que hay en él, como hizo Van Gogh con las tres versiones de la “Habitación en Arlés” (1988-1989), que constituyen de 35 Dorothea Tanning Foundation (s.f.). Hotel du Pavot, Chambre 202 (Poppy Hotel, Room 202). https://www.dorotheatanning.org/life-and-work/view/132/ manera histórica, la representación por antonomasia del espacio propio. Sin embargo, la libertad en los discursos y lenguajes artísticos que se instaura a partir del siglo XX y especialmente en la posmodernidad, han hecho que las interpretaciones del espacio íntimo de la habitación y de las historias que ocurren dentro de ella se hayan tornado muy variadas, pudiéndose rastrear hasta la actualidad sin que hayan perdido vigencia. El arte contemporáneo y posmoderno va a estudiar el entorno de la habitación desde múltiples perspectivas: como lugar íntimo o sexual como se observa en “Intimacy” (2013-2014) de Abel Azcona, o en la ya mencionada obra de Emin “My Bed”, o también en “Les Dormeurs” de Sophie Calle; así mismo, la habitación se ha mirado como un lugar que puede ser tanto propio como inhabitable, como se puede ver en “Chambre 202, Hotel du Pavot” (1970) de Dorothea Tanning, instalación en la que la habitación se traslada del ámbito doméstico a no-lugares o espacios de tránsito, como la habitación de un hotel por medio de la formulación de una habitación inhabitable, sin cama, tan solo ocupada por esculturas blandas a modo de muebles inertes 35 . Otros discursos abordan la habitación como lugar donde superar la enfermedad, el dolor o incluso morir, como “Sin esperanza” (1945) de Frida Kahlo, pero también como un lugar en el que se sueña y se encierran sueños, como se presenta en la obra de Sandy Skoglund, que combina la fotografía, la escultura y la instalación para representar surrealistas habitaciones y espacios domésticos que aluden al mundo de los sueños. 54 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 55 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 56 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 57 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 3.2. DESCRIPCIÓN DE LOS ASPECTOS TÉCNICOS, FORMALES, MATERIALES. 3.2.1. LA CONSTRUCCIÓN DEL DISCURSO Tal y como se ha comentado en la descripción discursiva de cada una de las obras presentadas, y a lo largo del desarrollo del capítulo anterior, el discurso general del presente TFM se basa en la narración intimista de una serie de hechos vivenciales, de la exteriorización y representación de un largo proceso de cambio, maduración y reflexión personal que ha girado en torno a la redefinición y reorganización de una identidad fragmentada a raíz de un suceso traumático. Así mismo, el componente narrativo también se encuentra implícito dentro de las aportaciones y propuestas artísticas, ya que, de forma individual, cada una de ellas expresa una narrativa que remite a diferentes momentos o episodios claves de la historia general. De este modo, dado que la narrativa constituye el eje principal del discurso autobiográfico e intimista que se plantea en este trabajo, a lo largo del siguiente capítulo se tratará de describir en primer lugar en qué consiste el arte narrativo, y a partir de ahí, cuáles han sido las estrategias y recursos narrativos empleados en la estructuración del discurso general que se ha abordado, así como las claves de ese discurso personal. 36 Barthes, Roland, 1975. “Una introducción al análisis estructural de la narrativa”, en New Literary History 6, n.º 2, p.237. 3.2.1.1. EL ARTE NARRATIVO “La narrativa está presente en todo momento, en todos los lugares, en todas las sociedades; de hecho, la narrativa comienza con la historia misma de la humanidad; no hay, nunca ha habido lugar alguno, ni ninguna persona al margen de las narraciones” (Barthes, 1975) 36 Dentro del arte existen muchos recursos comunicativos cuyo fin es transmitir al espectador un determinado discurso o lectura de la obra, ya sea de forma más o menos ·abierta o acotada. Sin embargo, a la hora de contar una historia, independientemente de si es un fragmento o momento concreto de ésta, o una serie de acontecimientos que se desarrollan a lo largo de un tiempo, se emplea la narración, que es el recurso que hace posible estructurar la memoria y recordar experiencias personales, de otros, o relacionadas con nuestro contexto en general. A la tipología artística que de forma concreta emplea este recurso como medio de comunicación de un discurso se le conoce como arte narrativo. Podemos decir pues que, en definitiva, el arte narrativo es aquel “que posee un discurso narrativo, que se caracteriza por organizar y definir los hechos 64 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández también parte esencial de la pieza, ya sea de manera implícita, como elemento formal en la composición y en una relación de igualdad y colaboración entre ambos, generando un diálogo del que se pueden extraer una gran cantidad de significaciones y, por lo tanto, una situación compleja de interpretaciones tal y como sucede en la obra “The swimming pool” (2001) de Michaël Borremans, en la que aparece un mensaje escrito sobre el cuerpo del personaje principal determinando tanto el protagonismo de éste como el significado del relato de la obra; o como base de la construcción discursiva de la obra, de lo que el ejemplo más conocido y significativo es probablemente la obra “Ceci n’est pas une pipe” (1929) de René Magritte, en la que el texto constituye un juego de palabras con el que se reafirma la confrontación sobre la naturaleza del objeto real y el objeto representado, que es el motivo discursivo de la pieza. La intervención textual implícita suele ubicarse normalmente de forma estratégica sobre una parte concreta de la imagen, enfatizando así su significado y otorgándole una narrativa particular, de tal manera que cuando nos enfrentamos a las imágenes y el texto como un todo, nos vemos involucrados en un juego en el que también se elabora y se transforma el significado expandido de la palabra. Existen también otras obras, en las que el texto no se incluye dentro de la composición, sino que en forma de título juega un papel fundamental en la lectura de la misma, este es el caso de obras como “Desnudo bajando una escalera” (1912) de Marcel Duchamp, o “La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo” (1991) de Damien Hirst, título de la famosa pieza en la que este artista presenta un tiburón blanco sumergido 3.2.1.2. Fig.31.: The Swimming Pool (2001) Michaël Borremans 3.2.1.2. Fig.32.: Desnudo bajando una escalera (1912) Marcel Duchamp 65 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández en un tanque de formol. Así mismo, y en el extremo contrario también encontraremos obras en las que el texto se emplea como base de reflexión y el signo caligráfico como recurso visual conformador de la imagen, como hace por ejemplo Javier Pividal en algunas de sus obras como “Écrire en blanc III” (2015), en la que configura su propia escritura desarrollando unos módulos geométricos a partir de los huecos que dejan las letras, y también podríamos mencionar en este ámbito a artistas muy relevantes como On Kawara o Mel Bochner. Podemos decir pues, que dentro de estas simbiosis entre imagen y texto va a surgir un relato con una estructura y un ritmo característicos, en el que la palabra va a servir a modo de puente y anclaje entre el significado de la obra y la imagen. Por este motivo, la inclusión de textos dentro de las imágenes constituye un recurso comunicativo y estético que ha sido muy empleado por artistas contemporáneos como aportación y ampliación semántica de su obra, además de ser otra forma de leer y leerse en la narración continua que es la historia personal de cada uno 43 , siendo las aportaciones presentadas en este proyecto un ejemplo más del empleo de este recurso como potenciador y catalizador de una correcta lectura e interpretación del discurso narrativo autobiográfico que se plantea. 43 Arrebola, P., Simón, 2017, p.127- 141. 44 Bolaño, Emilia, (2020, 8 de febrero). Mamá. La araña es una buena madre. HA! Historia del Arte. https://historia-arte.com/obras/mama 45 Castillo, Mónica, (2018, 21 de septiembre). Ana Mendieta, una artista cubana que sobrepasó los límites. The New York Times. https://www.nytimes.com/es/2018/09/21/espanol/cultura/ana-mendieta-artista-obituario.html SIMBOLISMO E ICONOGRAFÍA Como ya se ha ido planteando con anterioridad, el hecho de recurrir a metáforas visuales creadas en base a distintos símbolos e iconografías personales es un recurso ampliamente empleado dentro de las narrativas actuales, especialmente en aquellas que son autobiográficas o autorreferenciales ya que se relaciona directamente con la personificación del objeto y con el deseo posmoderno de definir y a la vez ocultar su propio yo. Este aspecto resulta bastante relevante en la obra de artistas como Louise Bourgeois cuyo discurso autobiográfico se construye en base a símbolos y objetos a los que da una significación totalmente personal relacionada con sus propias experiencias vitales, como se puede apreciar en su obra “Mamá” (1999) 44 o en la ya citada serie “Cells” ; Ana Mendieta42 que utiliza reiterativamente la sangre, elementos naturales como la tierra, el agua y el fuego así como su propio cuerpo para conformar las metáforas que sustentan a sus discursos acerca de los límites étnicos, sexuales, morales, religiosos y políticos 45 , o también Frida Kahlo en cuyas pinturas podemos encontrar gran cantidad de metáforas visuales construidas a partir de elementos simbólicos a través de los cuales la artista nos va desvelando determinados episodios y aspectos de su vida. A estos símbolos e iconos se les otorga una nueva significación que puede estar relacionada o no con su función original o su significado colectivamente aceptado o atribuido, de tal manera que se convierten en elementos en los que la identidad del autor queda inscrita, y a través de los cuales es capaz de presentar su propia visión del mundo y de si mismo. 66 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández Así mismo, el uso de estos elementos simbólicos e iconográficos también guarda en muchas ocasiones una relación directa con el característico apropiacionismo del arte posmoderno, que se sirve de todo tipo de recursos plásticos y visuales ya existentes para la elaboración de un nuevo lenguaje visual. Además, y en relación con las ideas planteadas en esta investigación, resulta que uno de los temas más recurrentes que abarca el apropiacionismo es el de la identificación, o en su defecto la desidentificación de la imagen de origen bajo una temática relacionada con la pérdida y la búsqueda de la identidad tan características de la sociedad posmoderna. Como ejemplo de ello nos encontramos con las figuras de Cindy Sherman y Yasumasa Morimura, que investigan desde la autorrepresentación fotográfica la búsqueda de la identidad mediante el apropiacionismo; o David Salle 46 , cuyo apropiacionismo se manifiesta a través de “assamblages” basados en anuncios publicitarios, la cultura popular y los modelos de la historia del arte, con los que habla sobre temas como el olvido, la pasión y el deseo. De este modo, la serie de imágenes, iconos y motivos que aparecen en cada una de las propuestas de este proyecto juegan un papel protagonista en la construcción de sus discursos internos y están íntimamente ligadas a una simbología universal que es reinterpretada y empleada de manera personal a favor de construir un lenguaje propio basado en los preceptos de la identidad y de la narración autobiográfica. Aún más, cabe destacar que la mayoría de estas imágenes no son de autoría propia, sino que han sido apropiadas del medio digital. Esto se debe fundamentalmente a la intención de plantar una huella acerca de mi 46 Salle, David, (s.f) [Página Web Oficial], http://www.davidsallestudio.net/ 3.2.1.2. Fig.33.: Chicken Movie Piece (1972) Ana Mendieta 3.2.1.2. Fig.34.: After Michelangelo, The Last Judgement (2005-2006) David Salle 67 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández contexto histórico, de situar estos trabajos dentro de la sociedad de masas, del consumo y de la exposición extrema a las imágenes a través de los distintos medios digitales. Al mismo tiempo, estos motivos también conforman un rastro o registro de las corrientes artísticas, estilísticas o culturales con las que me siento identificada o hacia las que siento especial apego por cuestiones personales o generacionales, como son la cultura underground, los aesthetics, el flash tattoo, el mundo del arte, el folclore, la cultura popular, etc. Es decir, estas imágenes no sólo hablan de mi conforme a la nueva interpretación que se les aporta, sino que además me contextualizan, dan fe de cómo mi entorno cultural también ha sido un carácter definitorio de mi propia identidad. 3.2.2. RECURSOS FORMALES A la hora de dar forma y estructurar el discurso que se quiere plantear a partir del objeto artístico, resulta imprescindible delimitar cuales son los parámetros, herramientas y estrategias que se van a seguir para trasladar la idea a la forma plástica de manera que se pueda generar el acto comunicativo obra-espectador. Todos los elementos que a nivel material, compositivo o representacional se incluyen dentro de la obra interactúan entre sí otorgándole unas cualidades concretas que son las que van a generar distintas respuestas e interpretaciones por parte del público, de modo que, durante el proceso creativo, la reflexión acerca de cuál es la mejor manera de transportar al ámbito material el concepto que se desea transmitir va a ser un paso fundamental. En el siguiente epígrafe se expondrán la serie de recursos y elementos formales que dan cuerpo a las distintas propuestas incluidas en el presente proyecto con el fin de esclarecer cual es la función de cada uno de ellos dentro del desarrollo material del discurso que se plantea. 3.2.2.1. CLAVES COMPOSITIVAS UNIDAD ESTILÍSTICA La unidad es el principio del orden estético, es decir que, aunque haya elementos que obviamente difieran de una obra a otra, existe siempre una constante que se mantiene gracias a una serie de factores dominantes cuyo valor o peso visual es siempre mayor a la simple suma de elementos 68 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández individuales de cada pieza. Es decir, que para conseguir unidad en una serie de imágenes u obras se deben seleccionar cuales van a ser los factores dominantes en ellas. Esta selección va a interferir no solo en la génesis de un vínculo visual entre distintas obras, sino también, si se mantiene a lo largo del tiempo, en la construcción de un lenguaje propio o “maniera” individual de cada artista. Ahora bien, quizás una de las maneras más sencillas para conseguir uniformidad, armonía, equilibrio y correlación entre distintas obras de una serie es poner la vista sobre el campo del diseño, y cumplir con sus principios básicos: • CONTRASTE: tiene que ver con estímulos sensoriales que permiten resaltar elementos o zonas en una composición mediante la oposición o diferencia de éstas. • REPETICIÓN: una reiteración de los elementos dentro de la composición favorece el equilibrio, la armonía y la unidad. • ALINEACIÓN: en las composiciones razonas, ningún elemento se coloca de forma arbitraria, de tal manera que cada elemento tiene una conexión visual con los demás. Con las composiciones alineadas el cerebro automáticamente percibe cohesión y orden. • PROXIMIDAD: cuando hay cercanía física entre elementos se establece una relación entre ellos, apreciándose como un grupo cohesionado, como una unidad. 47 Encabo Seguí, E; Esteban Malienda, I, (2018), Cincuenta latas. Repetición Pop en la obra de Andy Warhol y Robert Venluri, Cuaderno de Notas, n.º 19, pp.27-42, https://www.readcube.com/articles/10.20868%2Fcn.2018.3815 48 Frausto Linares, Fernando, (2016, 9 de abril), Yayoi Kusama- Una eterna obsesión por la repetición. NOHAYARTE, https://arteriia.wordpress.com/2016/04/09/yayoi-kusama-una- eterna-obsesion-por-la-repeticion/ Teniendo en cuenta estos principios, se puede decir que, aunque todos son empleados dentro de la composición de las distintas propuestas planteadas, los dos que destacan sobre los demás y que se establecen como los factores dominantes en mi producción son la repetición, relacionada principalmente con los formatos de soporte y los elementos representados; y el contraste, vinculado a la gama cromática y a la línea. REPETICIÓN La repetición consiste en la reiteración de formas, líneas, temas o colores y tiene diversas funciones a la hora de formalizar una obra, aunque principalmente sirve para crear ritmos o patrones que promueven el equilibrio, la armonía y la unidad dentro de una obra o serie. Además, ya que el ojo tiende a viajar por el patrón en busca de pequeñas diferencias, la repetición favorece una visualización más minuciosa de la obra y el recorrido de la imagen con la vista. Esto lo podemos apreciar por ejemplo en la producción de artistas como Andy Warhol 47 o Yayoi Kusama 48 , maestros por antonomasia del arte de repetición, o también, más en la actualidad, en las 69 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández pinturas de carácter instalativo del artista español Alfredo Álvarez Plágaro 49 . Así mismo, este aspecto resulta muy importante en las aportaciones I (“Horizons”) y III (“Self-Portrait”) ya que ambas obras constan de una gran cantidad y variedad de elementos que pueden llegar a causar saturación visual, de modo que el uso de formas repetitivas tanto en los formatos como en los elementos representados ayudan a mejorar su lectura al conducir al espectador por el camino visual adecuado y, por lo tanto, a transmitir la narrativa interna con mayor claridad. Ahora bien, podemos decir que existen dos tipos principales de repeticiones: de formato o figura y de color. La repetición de formatos o figuras es capaz de conseguir la unificación de una serie de obras en base a la correlación o alineación de continentes o contenidos de la obra, esto se puede apreciar bastante bien en obras como “Elías (d’aprés Daniel Buren)” (1996-1999) de Miguel Ángel Campano, en la que se repiten tanto el formato como los elementos representados (un punto sobre un plano), y en la que se consigue generar un gran ritmo gracias a las variaciones en la disposición del formato (horizontal/vertical) y el cromatismo de cada pieza, que resulta de las distintas combinaciones que hace entre el tono marrón del cartón del soporte, el blanco y el negro. Esta obra también es un gran ejemplo de cómo el contraste juega un papel muy importante en la repetición de formatos y figuras. 49 Álvarez Plágaro, Alfredo, (s.f) [Página Web Oficial], https://plagaro.net/ 3.2.2.1. Fig.35.: Dots Obsession (2003) Yayoi Kusama 3.2.2.1. Fig.36.: Elías (d’aprés Daniel Buren) (1996-1999) Miguel Ángel Campano 70 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández Cabe mencionar también que incidir en la repetición de figuras también ha sido un recurso ampliamente utilizado a lo largo de la historia del arte en la representación de discursos narrativos, en la que, por ejemplo, un personaje, un objeto o un lugar aparece representado varias veces en una misma imagen, pero con sutiles diferencias entre distintas escenas de lo que se está contando, como ejemplo de ello tenemos la serie de pinturas de Cézanne de la montaña Sainte- Victoire (1882-1906), o la serie de fotografías “Suite Vénitienne” (1980) de Sophie Calle. De igual manera, la repetición de fondos o los fondos constituidos por un motivo de patrón también ayudan a estructurar la información, ya que al emplear la repetición en un fondo se minimiza la necesidad de usar complicadas estructuras para transmitir el mensaje, aunque también se puede utilizar este recurso como un elemento decorativo si el fondo de la imagen es irrelevante para la transmisión del mensaje narrativo. Estos dos procedimientos descritos se encuentran muy presentes en la propuesta I (“Horizons”) al ser la que tiene una narrativa más compleja y que, por lo tanto, es necesario simplificar visualmente, Por otro lado, la repetición o reiteración constante en una gama cromática concreta es otro de los aspectos que más uniformidad estilística aportan a una serie de obras, siendo este un recurso con el que se pueden delimitar etapas en la obra de un artista, como ocurre con las Etapas Azul y Rosa de Picasso; unificar un conjunto de obras dentro de una misma serie, como la serie de pinturas negras de Mark Rothko 50 ; o bien ser una constante a lo 50 Caballero, Juan. D, (2009, 2 de febrero), Las “pinturas negras” de Mark Rothko. La emoción en el arte, Enseñ-arte, http://aprendersociales.blogspot.com/2009/02/las-pinturas- negras-de-rothko.html 51 Feinstein, Laura, (2022, 7 de julio), Barbara Kruger: ‘Anyone who is shocked by what’s happening has not been paying attention’, The Guardian, https://www.theguardian.com/artanddesign/2022/jul/07/barbara-kruger-artist-roe-v-wade-abortion-art largo de prácticamente toda la obra de un mismo artista, como muestran los trabajos de Barbara Krugger 51 , cuya gama cromática se mantiene casi siempre en el blanco, negro y rojo. La repetición cromática es uno de los factores dominantes dentro de las propuestas artísticas presentadas en este proyecto, y posiblemente el elemento que mayor unidad visual genere entre las tres piezas. En ellas se recurre tanto al acromatismo (blanco y negro y gama intermedia de grises) como a la gama cromática reducida a blanco, negro y rojo, siendo esta una constante que se da no solo en estas tres obras, sino en toda mi producción actual. El interés por la repetición constante de estos colores viene dado por su valor estético y simbólico, ya que son los tres colores que considero más cercanos a mi posición identitaria además de que su interpretación emocional coordina muy bien con los contenidos narrativos de las obras. • Blanco: color neutral asociado a las ideas de pureza, pulcritud, vacío. • Negro: se relaciona con conceptos negativos como la muerte, el sufrimiento, el luto, la oscuridad, la magia o el misterio, pero también con la solemnidad, la confianza, la fuerza, el poder, la satisfacción y la autoridad. De esta forma se puede observar como el acromatismo o reducción al blanco y negro, es un recurso que de manera general otorga solemnidad, poder y elegancia, como se puede apreciar en la “Capilla Rothko” (Mark Rothko, 71 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 1971), iglesia interreligiosa dominada en su interior por un tríptico central de tres grandes paneles de color púrpura oscuro, casi negro, y otros lienzos en varios tonos de negro en las paredes laterales. Pero el acromatismo estéticamente recrea y nos transporta también a un estado idealizado de melancolía y tristeza desde donde visualizar las cosas, como por ejemplo ocurre en la serie “Seascapes” (1980-) de Hiroshi Sugimoto 52 . Por último, la irrupción del color rojo dentro de la composición de la aportación I (“Horizons”) tiene la función, por una parte, de incluir la potencia simbólica de esta tonalidad (que la psicología del color asocia con temas como la pasión, el amor, el deseo, la violencia, la ira, la ambición y el poder) dentro de la narrativa interna de la obra, sino también de resaltar puntos clave de la misma, por medio de fuerte contraste que se genera con el blanco y el negro. 52 Sugimoto, Hiroshi, (s.f), Seascapes, [Página Web Oficial], https://www.sugimotohiroshi.com/seascapes-1 3.2.2.1. Fig.37.: Capilla Rothko (1971) Mark Rothko 3.2.2.1. Fig.38.: Seascapes (1980) Hiroshi Sugimoto 72 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández CONTRASTE Se puede definir el contraste como la diferencia relativa en la intensidad que existe entre un punto de la imagen y sus alrededores, de modo que cuando el contraste es bajo o nulo, no se distingue un objeto del fondo o del resto de elementos, y en cambio, a cuanto más contraste, más fácil es establecer esta diferenciación. Como ya se ha comentado, el contraste es el otro factor dominante de mis obras, y éste se manifiesta en ellas en varios aspectos, como el contraste entre las figuras y el fondo o el contraste generado por el diferente grosor de las líneas que configuran los motivos representados, aunque ambos coinciden y se refuerzan en base al contraste cromático. De esta forma, comencemos por exponer que la dualidad blanco/negro del acromatismo presente en mayor o menor medida en todas en todas las aportaciones, ocasiona uno de los contrastes cromáticos más potentes, capaz de generar en el espectador un impacto mayor, motivo por el cual puede llegar a generar una atracción particular en el público. Esto también ocurre en obras como la serie de pinturas “Plegaria” (1997) de Miguel Ángel Campano, en la que formas rectangulares en blanco y negro contrastan entre sí y con el fondo de tono marrón de la tela de lino del lienzo, creando interesantes y dinámicos ritmos visuales; o de una forma similar en “Alabama” (1960) de Norman Lewis. En lo que respecta al rojo, al ser este uno de los colores más vibrantes del círculo cromático, el contraste que alcanza al emplearse junto al blanco y el negro lo potencia enormemente, aportando a las formas destacadas con él el papel protagonista dentro de la composición. Este es un recurso que 3.2.2.1. Fig.39.: Plegaria V (1997) Miguel Ángel Campano 3.2.2.1. Fig.40.: Alabama (1960) Norman Lewis 73 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández podemos apreciar por ejemplo en la obra “About 2 squares” (1922) del constructivista El Lissitzky, un cuento gráfico para niños en la que, en palabras del artista: “dos cuadrados se acercan a la tierra. El rojo simboliza la modernidad; el negro, la decadencia conservadora. En la Tierra todo es caos. Sobre el caos el rojo se impone. Finalmente, el caos huye”. Ahora bien, en lo que respecta al contraste singular que se da entre figura y fondo, nos encontramos con que los fondos de las aportaciones I (“Horizons”) y III (“Selfportrait”), son negros, planos, carentes de gradación tonal alguna, profundos. Esto hace que las formas y figuras representadas destaquen enormemente sobre él al estar pintadas, impresas o estampadas en blanco o rojo. Por el contrario, en el caso de la aportación II (“What the walls knows”), las paredes blancas del interior de la maqueta contrastan con los elementos del mobiliario interior, que son impresiones en blanco y negro que generan una gran profundidad. Así mismo también es destacable el contraste que se da entre este interior claro y el aspecto exterior del cubo negro mate. Finalmente, el contraste particular generado por la diferencia en el grosor de las líneas y por la inclusión de algunos planos de color blanco o rojo en las figuras representadas en las aportaciones I y III, también consiguen ocasionar en conjunto una serie de curiosos ritmos en la composición aportando mayor protagonismo a algunas figuras. 3.2.2.1. Fig.41.: About 2 aquares (1922) El Lissitzky 80 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández 81 Trabajo Fin de Máster. ENTRE CUATRO PAREDES. Nuevas fórmulas de autorretrato en su relación con lo autobiográfico y los espacios íntimos/privados. Marina González Fernández