La la land como indicador del resurgimiento del cine musical
Abstract
En el trabajo que se muestra a continuación se procede a realizar una investigación y análisis de la película La la land, la ciudad de las estrellas (2016), como muestra de la renovación del género musical actualmente. Para ello, se ha llevado a cabo una investigación en dos fases: en primer lugar, una consulta de fuentes secundarias de diversa índole, y posteriormente la realización de un focus group y una entrevista en profundidad a un experto para un análisis cualitativo. Una vez realizado el recorrido por la historia del género musical cinematográfico desde su origen, se ha procedido al análisis de la película, a partir del cual se han extraído unas conclusiones que responden a los objetivos marcados.
Full text
Trabajo realizado por Elena María González Ojeda, tutorizado por Maria del Mar Rubio Hernández Trabajo de Fin de Grado Grado en Publicidad y Relaciones Públicas Facultad de Comunicación Universidad de Sevilla Curso 2016/2017
Aprobación tutor TFG La profesora María del Mar Rubio Hernández aprueba la entrega del trabajo titulado “La la land como indicador del resurgimiento del cine musical”, por parte de la alumna Elena María González Ojeda. Firmado: Fecha: 14 de junio de 2017.
2. Resumen ................................................................................................................................... 4 3. Palabras clave ........................................................................................................................... 4 4. Introducción………………………………………………………………………………………………………………………..4 5. Objetivos y Metodología……………………………………………………………………………………………………..6 5.1 Objetivos.……………………………………………………………………………………………………….………………… 6 5.2 Metodología…………………………………………………………………………………………………………………………………..7 5.2.1 Primera fase: uso de fuentes y referencias bibliográficas 5.2.2 Segunda fase: realización de la entrevista y del focus group 5.3.3 Tercera fase: Análisis de la película aplicando la teoría de la Transtextualidad de Genette 6. Marco teórico: un recorrido por la historia del musical cinematográfico……………………………11 6.1 Inicios……………………………………………………………………………………………….……………………………..12 6.2 Años 30……………………………………………………………………………………………………………………………14 6.3 Años 40……………………………………………………………………………………………………………………………19 6.4 Años 50……………………………………………………………………………………………………………………………24 6.5 Años 60……………………………………………………………………………………………………………………….…..28 6.6 Años 70……………………………………………………………………………………………………………………….…..31 6.7 Años 80……………………………………………………………………………………………………………………………33 6.8 Años 90……………………………………………………………………………………………………………………….…..35 6.9 La era del 2000……………………………………………………………………………………………………………….37 6.10 La la land, la ciudad de las estrellas (2016)………………………………………………………………41 7. Resultados y análisis.…………………………………………………………………………………………………………45 7.1 Análisis de las referencias a grandes musicales y películas………………………….…………..45
7.2 Narrativa de la película……………………………………................................................................49 7.2.1 Actores y personajes 7.2.2 Producción 7.2.3 Dirección de arte y vestuario 7.2.4 Banda Sonora de la película 8. Conclusiones……………………………………………………………………………………………………………………..58 9. Referencias………………………………………………………………………………………………………………………..61 Anexos……………………………………………………………………………………………………………………………….71
En el trabajo que se muestra a continuación se procede a realizar una investigación y análisis de la película La la land, la ciudad de las estrellas (2016), como muestra de la renovación del género musical actualmente. Para ello, se ha llevado a cabo una investigación en dos fases: en primer lugar, una consulta de fuentes secundarias de diversa índole, y posteriormente la realización de un focus group y una entrevista en profundidad a un experto para un análisis cualitativo. Una vez realizado el recorrido por la historia del género musical cinematográfico desde su origen, se ha procedido al análisis de la película, a partir del cual se han extraído unas conclusiones que responden a los objetivos marcados. Musical – cine – Hollywood – banda sonora – cine clásico – parejas musicales El género musical es, dentro del cine, uno de los más controvertidos. Se puede decir que produce tanto admiración como desinterés o hastío. Sin embargo, es ese amor de sus seguidores el que lo mantiene vivo a día de hoy; cuando parecía que su época dorada ya quedaba muy atrás y que otro tipo de largometrajes cobraban protagonismo, aparece una película que rompe los esquemas y las opiniones generales: La la land, la ciudad de las estrellas (2016). Este film ha conseguido revivir no solo una parte más tradicional que parecía extinguida, sino que además ha creado nuevos adeptos, dando lugar a diversas opiniones sobre lo que es realmente y lo que quiere transmitir. Desde sus aspectos más técnicos hasta los más emocionales, el largometraje rinde homenaje a aquellas películas musicales más importantes de la historia del género, tanto de la época dorada como de algunas más actuales. Las escenas de larga duración, las grandes coreografías, el vestuario, los decorados, la iluminación, la banda
sonora, o incluso la química de los actores recuerdan a títulos memorables como Cantando bajo la lluvia (1952), Las señoritas de Rochefort (1967), New York New York (1977), Sombrero de copa (1935) o Moulin Rouge! (2001). Cabe destacar aquí la importancia de este género cinematográfico desde su origen, ya que como bien es sabido, la primera película sonora de la historia es un musical (El cantor de jazz, 1927). A partir de ese momento, las posibilidades en el cine cambiaron, dando lugar a grandes largometrajes donde las emociones se cantaban y bailaban, individualmente, en pareja o en grupo. Su evolución tuvo siempre muy presente el contexto histórico y social, además de ser combinado con otros géneros como la comedia o el drama. Dio a conocer a grandes actores y actrices, cantantes, bailarines, coreógrafos, directores, compositores y apasionados por el mundo de la música y la danza que encontraron en el cine musical una forma de vida, tales como Busby Berkeley, Fred Astaire, Lucy Garaland, Gene Kelly, John Travolta, Barbra Streisand o Zac Efron. Sin embargo, a pesar de ser exitoso desde su creación, y sobre todo a lo largo de la década de los 40 hasta finales de los 50, la saturación de títulos de este tipo y la aparición de otros géneros fueron poco a poco apagando esa llama que se había creado sobre todo gracias a Broadway y a las grandes productoras como la RKO, Metro Goldwyn Mayer, Warner Bros, o Columbia, las cuales se adaptaron a las peticiones del público para ir creando largometrajes de ciencia ficción, terror o comedia. Este empobrecimiento del género tuvo consecuencias positivas también, ya que a pesar de que se produjeron un menor número de películas, se mejoró la calidad de las mismas, por lo que en determinadas décadas destacan las producciones musicales a pesar de no ser muy numerosas. Se puede decir que esta situación se produce hasta finales de los 80, principio de los 90, cuando Disney logra un éxito absoluto con la creación de películas musicales infantiles, así como su canal de televisión Disney Channel, donde las series también formarán parte del crecimiento de los adolescentes de la época. Es por ello que desde entonces y durante la era del 2000, el musical cinematográfico vuelve, y parece que para quedarse, con series y películas como Glee (2009- 2015), Burlesque (2010), Mamma Mia! (2008), Los Miserables (2012), y ahora, La la land, la ciudad de las estrellas (2016). Siendo el ganador más joven de la historia en la categoría de “Mejor Director” de la Academia de Cine, Damien Chazelle ha conseguido culminar aquí un sueño junto con su gran amigo y compositor Justin Hurwitz. A través de un recorrido discreto por algunas de las películas más
destacadas del género, nos muestra un musical inspirado en la época dorada pero adaptado a la actualidad, el cual acoge en su trama una realidad donde amor y sueños intentan seguir adelante. Los protagonistas, encarnados por Ryan Gosling y Emma Stone, transmiten sus sentimientos a través de canciones cuyas melodías nos recuerdan a grandes largometrajes del musical, así como al jazz de los años 30. Podemos también apreciar como La la land (2016) es una carta de amor a Los Ángeles, ya que recorren locales y espacios míticos de la ciudad norteamericana, descubriendo rincones inéditos y memorables, como por ejemplo el planetario o los estudios de Warner Bros. Pero entonces, ¿qué tiene esta película que ha generado polémica y ha gustado a un público que se consideraba alejado del musical cinematográfico? Hasta el desenlace, se asemeja a otras películas de carácter romántico. ¿Es entonces lo no convencional la solución para los largometrajes de este género? ¿La adaptación a la época actual, haciéndolo más real? ¿La originalidad en las tramas? ¿Los actores que forman el reparto? ¿Los géneros musicales que utilizan en las bandas sonoras? Para poder conocer mejor qué es lo que hace de este film una producción diferente al resto, relanzando el género musical en la época actual, se ha procedido a realizar este trabajo, intentando obtener conclusiones a través del análisis de los resultados en la investigación cualitativa y la consulta de fuentes secundarias. El conjunto permite indagar en aspectos aparentemente inapreciables, donde incluso factores externos al cine pueden llegar a afectar al consumo de este género. El enfoque seguido en esta investigación es de carácter exploratorio, ya que supone un primer acercamiento al objeto de estudio, en este caso la película, estrenada este mismo año, con el fin de generar ciertas ideas o hipótesis. Además, puede ser un referente para trabajos posteriores que se realicen sobre esta temática o alguna relacionada. Es por ello que se ha utilizado la metodología cualitativa, la cual se concibe como “instrumento para captar el significado auténtico de los fenómenos” (Ruiz Olabuénagana, 2012: 21). Partiendo de esta premisa, resultaba conveniente aplicar determinadas técnicas en la
investigación para poder profundizar en temas concretos y poder así comparar las opiniones resultantes. A continuación se exponen, por un lado, los objetivos a conseguir con este trabajo, y, por otro, la metodología utilizada para poder llevarlo a cabo. 5.1 Objetivos En cuanto a los objetivos planteados en esta investigación, se pretende: - Recorrer la historia del musical cinematográfico para conocer las características del género. - Analizar la película La la land, la ciudad de las estrellas (2016) con el fin de averiguar qué es lo que diferencia a este musical de los realizados en los últimos 20 años y por qué, de alguna forma, resulta especial o único. 5.2 Metodología Para ello, se ha llevado a cabo una investigación en dos fases; por un lado, para la realización del marco teórico, se ha recopilado información de diferentes fuentes, físicas y online, así como recursos audiovisuales referentes a la película protagonista de este trabajo. En cuanto a la segunda fase, se utilizaron métodos de investigación cualitativa para obtener información acerca de la opinión de una experta en el cine musical, a quien se le realizó una entrevista en profundidad, y personas que habían visto la película, los cuales participaron en un focus group. 5.2.1 Primera fase: uso de fuentes y referencias bibliográficas. Para realizar el marco teórico que resume la historia del cine musical se procedió a seleccionar información de libros y artículos online, los cuales han sido recogidos en el apartado de Bibliografía. Se ha construido el marco teórico por décadas, dividendo a su vez cada epígrafe según personajes, actores y películas musicales destacadas de cada época.
Además, debido a lo reciente del estreno del largometraje que se analiza, el epígrafe del marco teórico, 6.10 La la land, la ciudad de las estrellas (2016), ha sido completado con los contenidos extras del DVD oficial y entrevistas al director, actores y equipo técnico en diversos medios, tanto audiovisuales como escritos. 5.2.2 Segunda fase: realización de la entrevista y del focus group. Las técnicas de investigación cualitativa permiten diagnosticar testimonios en un determinado marco social, donde es posible comprobar hasta qué punto influye la conducta grupal a nivel individual en cada persona. Es por ello que se ha procedido a realizar, por un lado, una entrevista en profundidad a una experta en la temática del cine musical: Luisa Moreno Cardenal, profesora de Comunicación Audiovisual y Publicidad en la Universidad de Valladolid. Moreno Cardenal ha publicado numerosos artículos y trabajos sobre este tema, algunos de los cuales han servido también como parte de las referencias utilizadas en la primera fase ya mencionada. Como señala Gaínza (2006: 220), en la entrevista se “establece una interacción peculiar que se anima por un juego de lenguaje de preguntas abiertas y relativamente libres por medio de las cuales se orienta el proceso de obtención de la información expresada en las respuestas verbales y no verbales del individuo entrevistado”. La misma se llevó a cabo a través de correo electrónico, pudiendo de esta manera aprovechar los beneficios de la comunicación digital. En el Anexo 1 (página 71) se muestran las preguntas de la entrevista realizada. Las respuestas obtenidas (Anexo 3, páginas 73-76) servían para contrastar la información obtenida posteriormente en el focus group. Santiago y Roussos (2010: 3) explican esta técnica, la cual “consiste en reunir a un grupo de personas para indagar acerca de actitudes y reacciones frente un tema (por ejemplo, un producto, un concepto, una situación problemática)”. El focus group se llevó a cabo el día 24 de mayo de 2017 en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid. En él participaron cinco personas desconocidas entre ellas, con edades comprendidas entre los 20 y los 26. Para la selección de los participantes se buscó a sujetos que cumplieran una serie de características. Para ello, se aplica el llamado “muestreo determinístico” (Sáenz et al., 2012: 146). Concretamente, se trata de un muestreo por juicio, mediante el cual se selecciona a los sujetos según una serie de características “a propósito con base en el juicio del investigador” (2012: 147). Los requisitos de selección de los sujetos fueron las siguientes: - Los participantes debían ver cine.
6.2.1 Busby Berkeley Nacido en Los Ángeles en el seno de una familia dedicada al cine, William Enos Berkeley se ha convertido en una de las figuras más importantes del cine musical. Comenzó siendo actor en obras para teatro, llegando incluso a producir algunas propias. Su éxito le llevó a trabajar en el equipo de Warner Bros durante seis años, desde 1933. Las obras que realizó durante dichos años se caracterizan por tener un estilo que definía perfectamente a Busby: grandes espejos con planificaciones imposibles, puzles humanos y composiciones calidoscópicas. Moreno (2008: 95) describe cómo este coreógrafo siempre intentaba sacar “el máximo partido a la cámara para enriquecer las coreografías, dando así una nueva dimensión, esencialmente cinematográfica, a los números musicales”. Serán estas características las que le definieran como el padre del género musical dentro del cine, ya que el lenguaje de sus películas alejaban a éstas del teatro, aprovechando al máximo todas las ventajas que tenía el cine. “Busby Berkeley fue el primero en darse cuenta de que un musical cinematográfico era totalmente diferente a un musical sobre un escenario. La propia cámara era parte de la coreografía. Sus ballets no podrían haber existido fuera de las películas puesto que eran creaciones exclusivas para el cine” (Scorsese, Martin y Wilson, Michael Henry, 2001: 59-65). Entre sus obras más importantes encontramos La calle 42 (1933), la cual fue la primera como parte del equipo de Warner realizando la parte musical de la película, o Vampiresas (1936) y Hollywood Hotel (1938), donde se inaugura como director de ambos largometrajes. A medida que pasó la década de los 30, Berkeley fue cambiando el estilo también presionado por Warner, quien decidió producir cada vez menos películas de este tipo debido al gran costo que suponían y al notable éxito de otros géneros cinematográficos que estaban surgiendo. Aun así, continuó toda su vida trabajando en el género, aportando números y canciones a títulos como Hijos de la farándula (1939), Toda la banda está aquí (1943) o Jumbo (1962). 6.2.2 Fred Astaire y Ginger Rogers Jane Feuer (1992: 24) afirma que aunque el estilo de danza que se puede ver en los musicales tiene origen popular, los bailes de salón que aparecen en las películas, entre otros, muestran las tendencias europeas principalmente, consideradas clásicas. La forma de bailar de Fred Astaire puede concebirse como ballet popular, donde sus saltos, giros y movimientos de brazos, y sobre
todo al bailar con una compañera, se convertía en algo culto de cara al público que consumía dichos largometrajes musicales. Fred Astaire y Ginger Rogers son los grandes protagonistas del cine musical. Son la pareja más conocida por su gran compenetración, química y magia a la hora bailar juntos. La primera vez que ambos coinciden en una película fue en Volando hacia Río de Janeiro (1933). Bailaron el único número en pareja que se hizo en dicho film, La Carioca, y desde ese momento se convirtieron en favoritos para protagonizar los números en pareja de muchas películas posteriores. Conseguían “reflejar una intimidad bailando ante las cámaras difícil de superar” (Moreno, 2008:99). Frederick E. Austerlitz “ha sido indiscutiblemente el bailarín más popular y querido de toda la historia del cine musical” (Pérez, 2004:58). Desde muy joven demostró sus grandes habilidades para el baile, ingresando en una escuela a los cuatro años. Fue la pareja de baile de su hermana durante ocho años, aunque posteriormente compartieron pantalla en películas tan conocidas como Band Wagon (1953). Igualmente, Ginger Rogers empezó con el baile desde muy pequeña, aunque no sería hasta los 14 años cuando triunfara en teatro en obras escritas por su madre, y lo que posteriormente la lleva a Broadway. Sin embargo, en 1931 se va a Hollywood, donde Paramount le hace diferentes ofertas para participar en películas. También trabajó para RKO y finalmente, para Warner Bros, donde realizaba sobretodo papeles secundarios, pero cuando la productora se dio cuenta del potencial que tenía, decidió transformarla, convirtiéndose en una increíble bailarina. En 1933 conoce a Fred Astaire, y como se ha expuesto anteriormente, protagonizaron su primera película. Ambos realizaron juntos un total de 10 largometrajes musicales, pero al final de la década de los 30 deciden continuar por separado debido a los diferentes proyectos que ambos tenían en mente: mientras ella enfocó su carrera al cine de argumento, Fred continuó en los musicales, compartiendo pantalla con otras grandes estrellas como Audrey Hepburn o Eleanor Powell. Es importante mencionar que la carrera de Astaire fue bastante exitosa, siendo protagonista en numerosas ocasiones y participando en alrededor de 35 películas. Sin embargo, Rogers no tuvo la misma suerte, ya que “los productores estaban empeñados en mostrarla solamente como una muchacha feroz y feminista, muy cerca de la clase obrera o como una Cenicienta” (Pérez, 2004: 86), lo que provocó su desilusión por el cine, conduciéndola de nuevo al teatro. Las películas que realizaron juntos fueron muy populares, “en esencia, eran historias sobre cómo hacer valer la independencia, sobre hacerse adulto y llegar a ser un hombre o una mujer; una exploración de lo masculino y de lo femenino; de la sexualidad” (Kuhn, 2002:181). La alegre
divorciada (1934) fue la primera película donde Fred y Ginger eran pareja protagonista, marcando un antes y un después decisivo en sus respectivas carreras. Esta película ya había sido interpretada por él en los escenarios de Broadway, siendo además su última actuación allí. Un año más tarde, la pareja vuelve a triunfar con Sombrero de copa (1935), donde protagonizan una de sus actuaciones más reconocidas (Cheek to cheek). Esta es “posiblemente la más significativa y recordada película de Astaire y Rogers” (Miret y Balagué, 2009:59). Se vio como una continuación de La alegre divorciada (1934) pero mejorada en diversos aspectos: música, coreografías, guion. Será recordada como una de las películas más importantes del género debido a los grandes números que contiene, considerados “un verdadero prodigio de estilización y elegancia” (Miret y Balagué, 2009:61). En la mayoría de las películas que se han mencionado, la parte de danza de los protagonistas solía ser grabada de la misma manera: “un plano general con la pareja en el centro exacto del espacio, donde la decoración del suelo enmarca el baile y nos permite apreciar con nitidez el arco que forman los cuerpos abrazados en una figura en la que el hombre se inclina sobre el cuerpo femenino en cambré” (Moreno 2008: 99). 6.2.3 Eleanor Powell Nacida para la danza (1936) fue la película que descubrió al mundo la habilidad de Eleanor Powell para bailar claqué como nadie hasta entonces lo había hecho, y la cual siempre se “identificaría con su persona” (Miret y Balagué, 2009:275). Comenzó bailando sobre escenarios de teatros cuando era muy joven, y posteriormente se fue a Broadway, donde adquirió más experiencia, como indica Munsó: “Ya había demostrado en los escenarios de Broadway, tenía condiciones más que sobradas para triunfar en el musical cinematográfico” (Munsó, 1996: 74). Cuando llegó al cine como protagonista en La melodía de Broadway (1936) dio un salto en su carrera, llevando un ritmo bastante acelerado de trabajo hasta finales de década: La melodía de Broadway de 1936, La melodía de Broadway de 1938, La nueva melodía de Broadway (1940). Los finales de dichas películas solían ser bastante similares, ya que ella siempre aparecía vestida con frac y sombrero de copa, rodeada de bailarines vestidos de la misma manera. Powell encontró en Fred Astaire su pareja de baile, siendo el único que estaba a su altura, pero por problemas profesionales no volvieron a compartir escenario. Llegando a mediados de los 40, dejó de tener importancia porque el público estaba cansado del estilo del claqué, y es en 1943 cuando decide retirarse para dedicarse a su matrimonio y familia.
6.2.4 Otras películas musicales importantes en esta década Una de las películas más importantes de este periodo, como ya se ha mencionado con anterioridad, fue La calle 42 (1933). Esta obra salvó a Warner tras hallarse en una delicada situación financiera, y dio a conocer a Ruby Keeler y Dick Powell como pareja de musicales, protagonizando siete películas más además de ésta. “Con esta película, Busby Berkeley, responsable de las secuencias musicales, vino a inyectarle al musical un ritmo y un estilo hasta entonces inéditos” (Munsó, 1996: 120). En ese mismo año se estrena la película Vampiresas (1933), que como mencionan Miret y Balagué (2009: 48), mostrará cómo Warner Bros estaba de acuerdo con Roosvelt y su política reformista. Se hace una referencia directa al final a la época de crisis vivida por el crack de la bolsa de Nueva York en el año 1929. Busby Berkeley vuelve a crear aquí espectáculos estéticamente impecables. Metro Goldwyn Mayer se convirtió entonces en otra de las grandes productoras de musicales, creando obras tan relevantes como La viuda alegre (1934), una opereta protagonizada por Maurice Chevalier y Jeanette MacDonald que destacará por el lujo y el gran espectáculo. Maurice llega a Hollywood desde Francia, siendo uno de los chansonniers más importantes. Trabajó en muchas de las grandes producciones de Hollywood, no sólo durante esta década, sino hasta finales de los 60. Por otro lado, MacDonald comenzó a cantar en corales, aunque su voz la hizo destacar pronto y pasó en 1929 a protagonizar largometrajes musicales que tuvieron gran éxito. A pesar de que está “un tanto olvidada en la actualidad” (Miret y Balagué, 2009:266) realizó algunas películas destacadas como Rose Marie (1936) o La espía de Castilla (1937). En Marietta la traviesa (1935) comparte protagonismo con Nelson Eddy, quien se convirtió en su pareja en la gran pantalla, siendo bautizados como los novios de América a partir de la película Enamorados (1938). MGM continuó en esta línea y estilo con otras grandes creaciones como Una noche en la ópera (1935) o El gran Ziegfeld (1936). La primera fue protagonizada por los hermanos Marx, quienes “alternaban los sketches cómicos con actuaciones musicales” (Miret y Balagué, 2009:57), primero en el teatro y posteriormente en el cine. Está considerada por Munsó (1996: 200) su mejor película, y aunque se encuadre dentro del género, no abundan los números musicales como en otras grandes películas de la década. El género musical siempre ha ido muy ligado al cómico, algo que se puede comprobar en los largometrajes de los hermanos Marx. Por otro lado, El gran Ziegfeld (1936) nos muestra la historia del conocido empresario americano y su ajetreada vida en el mundo del espectáculo, y aunque contaba con un gran presupuesto,
“una película grande no es lo mismo que una gran película” (Miret y Balagué, 2009:65), por lo que a pesar de su espectacularidad en cuanto a puesta en escena, no puede decirse que deje en herencia números memorables. Joan Munsó (1996:142) opina que este largometraje es una mezcla de lujo y sexo de mal gusto, estimulado por las tendencias pseudoeuropeas y la influencia de una estética kitsch. Judy Garaland protagonizó al final de esta época dos de las películas más importantes de los 30; por un lado, Hijos de la farándula (1939) con Busby como director y coreógrafo, y Arthur Freed como productor. Una película que, como bien señala Munsó (1996:62), tiene mucho ambiente juvenil, donde la combinación Berkeley-Rooney-Freed-Garland aporta mucha dinámica y humor. Por otro lado, El mago de Oz (1939) que, como bien indican Miret y Balagué (2009:78), lo que debería haber sido un simple cuento de hadas acabó siendo un lujoso título mítico. “Ahora lo vemos como un filme clásico, pero en su momento fue un prodigio técnico” (Pérez, 2004: 166). 6.3 Años 40 Comienza aquí el periodo clásico del musical, que durará hasta finales de los años 50. La lucha de las diferentes productoras por hacer lo mejor era bastante visible. 20th Century Fox se centró en crear un paraíso multicolor, fantasioso y fastuoso, dando lugar a un subgénero muy específico dentro del mundo del musical. “Fue el estudio que más explotó el recurso del exotismo latino, situando a rubias pizpiretas en Buenos Aires, Río de Janeiro, La Habana y las montañas Rocosas” (Miret y Balagué, 2009: 24). Esto le diferenciaba claramente de Metro Goldwyn Mayer (a quien se le atribuye valores de sofisticación), y de RKO (destacaba por su refinamiento), convirtiéndose en un producto popular disfrazado de exotismo. Cobra entonces mucha importancia el director de fotografía en las diferentes películas que se realizaron, ya que se lleva a cabo un uso excesivo del colorido, las pelucas, los trajes de fiesta, y escenarios. Sin embargo, y por muy radical que parezca este cambio temático, “si durante los 30 la hegemonía en el género correspondió a RKO y a Warner, es evidente que, a lo largo de los 40, fue MGM la compañía que dominó el mercado” (Munsó, 1996: 287). Supieron aprovechar lo mejor de los años 30, contando con artistas que ya habían gozado de un importante éxito, y descubrieron nuevos talentos que se convirtieron en protagonistas en las películas de la década. Además, la llegada de Technicolor permitió aprovechar los colores para crear de manera más llamativa universos imposibles. Como señalan Miret y Balagué (2009:25), MGM creó entonces
un equipo muy meditado de músicos, coreógrafos, diseñadores y decoradores, de quienes dependía la producción en serie del cine musical. En 1941 se produce el ataque japonés a Pearl Habor, provocando que Estados Unidos entre en la Segunda Guerra Mundial. Todo esto también tuvo repercusión en el cine, ya que “los ambientes militares y la exaltación de valores nacionalistas se convierten en un tema recurrente” (De Andrés, 2013: 156). Los temas musicales de estos largometrajes tienen características de los himnos y marchas militares, sobre todo porque en muchas ocasiones no se creaban nuevas canciones, sino que se hacían modificaciones de las que se habían compuesto en la Primera Guerra Mundial. 6.3.1 Arthur Freed Si Busby Berkeley es el gran coreógrafo de la historia de los musicales, Freed puede ser considerado el gran escritor y compositor de canciones de musical, así como director de muchas de las mejores películas que ha dejado este género. El trabajo realizado durante esta época para MGM es, según Munsó (1996:287), de lo más destacado de la primera mitad de los años 40. Su carrera comenzó a finales de los años 30, y tendrá su mayor esplendor a lo largo de los años 40 y sobre todo, en los 50. Escribió nada más y nada menos que 104 canciones, y fue el productor de 46 películas, dándole al pueblo americano justamente lo que quería ver y oír. Trabajó para MGM, de quien recibió un continuo apoyo en todas sus obras. Contó siempre con los mejores equipos técnicos y artísticos, creando parejas tan memorables como Gene Kelly y Judy Garland, y títulos como Un americano en París (1951) o Cantando bajo la lluvia (1952). Scorsese y Wilson (2001) apuntan lo siguiente sobre las obras de Freed: “Las melodías se compusieron para fortalecer el argumento y caracterizar a los protagonistas. Expresaban la decadencia y el esplendor de las emociones personales”. La conjunción entre el director y la compañía supuso un tándem perfecto que llevó a ambos al éxito absoluto. “Ninguna de las grandes compañías logró hacerle la menor sombra a la Metro Goldwyn Mayer en la era Freed: ni la Warner con Doris Day, ni la Fox con Betty Grable, ni la Columbia con Rita Hayworth y algún biopic, ni Samuel Goldwyn con Danny Kaye” (Munsó, 1996).
6.3.2 Carmen Miranda “Su estrella brilló poco tiempo, pero su luz fue muy intensa” (Miret y Balagué, 2009: 270). Conocida como “bomba brasileña” (Munsó, 1996:315), su carrera en Estados Unidos comenzó en 1939, cuando la llamaron para actuar junto con su grupo en Nueva York. El continente europeo había quedado destrozado tras la Segunda Guerra Mundial, haciendo que Fox intentara aprovechar al máximo las posibilidades que ofrecían el centro y el sur de América. Como bien se ha mencionado anteriormente, esta productora se va a diferenciar en esta época por buscar lo exótico en sus largometrajes, método para alejar al público de la realidad de la guerra. Es entonces cuando se fijan en la joven brasileña para ser la artista invitada en la película Serenata Argentina (1940), la cual le lanzó al estrellato. El éxito que tuvo le llevó a firmar un contrato con Fox, realizando 14 películas únicamente. Como señalan Miret y Balagué (2009:271), “los espectadores quedaron impresionados por su singular presencia: la picardía de su mirada y el movimiento de sus caderas, sus trajes ajustados y de vivos colores, sus múltiples abalorios y sus míticos sombreros repletos de frutas tropicales”. Se convirtió en una pieza esencial en películas como Aquella noche en Río (1941), A la Habana me voy (1941) o Secretaria brasileña (1942), compartiendo pantalla con otras actrices americanas como Alice Fayne. Sin embargo, el fin de la Segunda Guerra Mundial hace que Fox vuelva a poner su centro en Europa, dejando a un lado el sur de América y por lo tanto, a Miranda. Su final escénico se vio empeorado por el consumo de alcohol, sedantes y tabaco, acabando con su vida en 1955 por culpa de un ataque al corazón. 6.3.3 Bing Crosby “Dotado de una técnica prodigiosa, capaz de adaptar su voz a todos los tonos de la escala y cambiar de estilo aprovechando su registro de barítono” (Miret y Balagué, 2009:251). Su carrera musical empezó cuando aún era muy joven, formando parte de diferentes grupos. El salto al cine se produce aproximadamente cuando el sonido llegó a la gran pantalla, formando parte de la película El rey del jazz (1930). Sin embargo, el largometraje que realmente le dará fama será Ondas musicales (1932). Es importante destacar que Crosby congeniaba su trabajo como actor con el de cantante, ya que como señala Pérez (2004:25), fue el artista que más discos vendió alrededor del mundo hasta que llegó Elvis Presley. Trabajó en Paramount alrededor de 30 años, con la suficiente libertad como para realizar proyectos con otras productoras. Cuando Paramount vio que la carrera del artista podía
empezar a decaer, decidió crear una combinación que dejó una larga lista de películas: Bob Hope y Dorothy Lamour fueron sus nuevos compañeros de reparto, siendo Ruta de Singapur (1940) la primera película que protagonizaron juntos. Además, tuvo oportunidad de trabajar con Fred Astaire en Holiday Inn (1942). En 1954 protagoniza La angustia de vivir junto con Grace Kelly, y dos años más tarde vuelven a coincidir en Alta sociedad (1956). También en 1954 participa en Navidades blancas, una de las películas con más éxito de taquilla ese año y “gracias a la cual vendió 25 millones de copias de la melodía que da origen al título” (Pérez, 2004: 28). Será recordado por la prodigiosa voz que tenía, como él mismo decía “cantaba sin desafinar la mayor parte del tiempo” (Miret y Balagué 2009:252). 6.3.4 Judy Garland Esta gran estrella es considerada una de las actrices más importantes y representativas del cine musical anglosajón. Como señala Pérez, “tenía una estupenda voz, espiritual y nostálgica, con gran energía, llena de nervio, aunque se vislumbraba ya muy vulnerable” (2004: 96). Ya se ha hecho referencia a algunos de sus éxitos más importantes, como son El mago de Oz (1939) y La Melodía de Broadway (1938). Desde muy pequeña comenzó a actuar en escenarios con sus hermanas y su madre, quien viendo el potencial de la familia, propuso una mudanza a Los Ángeles para estar más cerca del mundo del cine. Cuando MGM conoce a la niña quedan fascinados con su voz, y deciden darle papeles en algunas películas. Como bien se ha mencionado anteriormente, su éxito rotundo no llegará hasta El mago de Oz (1939), a pesar de ser considerada demasiado mayor para interpretar a Dorothy, y por lo que tuvo que ser “sometida a toda suerte de torturas para aparentar la niña de menos de once del cuento” (Munsó, 1996: 280). El esfuerzo le valió para convertirse en una “veterana de cine a una edad en la que la mayoría de las actrices figuran solamente como extras, consigue recibir un Oscar a la mejor actriz juvenil del año cuando apenas contaba 17 años” (Pérez, 2004:96). Con la película For me and my gal (1942) llega el cambio de papel de niña a mujer, compartiendo pantalla con Gene Kelly y dirigida por Busby Berkeley. Años más tarde protagonizaría el primer musical a color del director Vincente Minnelli, quien posteriormente se convirtió en su marido y con quien tuvo una hija (Lizza Minelli). Sin embargo, a medida que fue creciendo y el ritmo de trabajo se fue acelerando, la joven sentía que no podía continuar trabajando de esa manera, llegando a consumir pastillas para combatir el cansancio, así como la dieta de adelgazamiento continua a la que se encontraba sometida. Con los años, sufrió muchos cambios emocionales, culminando mientras rodaba El pirata (1948),
donde olvidaba textos, llegaba tarde o directamente, se ausentaba. Tras este rodaje ingresó por primera vez en una clínica para tratamiento psiquiátrico, y en los años posteriores intentó suicidarse varias veces, haciendo que MGM rompiera su contrato con ella. Como señala Pérez (2004: 100), la reputación de Garland pasó a ser muy negativa, ya que tenía un carácter muy inestable por la drogadicción. Intentó continuar en el cine durante la década de los 60, pero los profesionales del sector preferían dar el papel protagonista a otras actrices para no tener posteriores problemas en rodaje. Continuó en el mundo del espectáculo únicamente cantando sobre los escenarios de grandes capitales, seguida por sus grandes fans, quienes la apoyaban a pesar de los continuos olvidos y de no brillar excesivamente sobre el escenario. Murió con 47 años en una habitación de un hotel de Londres por sobredosis, tras casarse por cuarta vez. 6.3.5 Otras películas musicales importantes en esta época. Cabe destacar aquí una película que marcó una diferencia notable con respecto al resto de producciones realizadas hasta entonces: Fantasía, de Disney (1940). Fue el tercer largometraje que realizó la empresa, usando música clásica con la técnica de sonido estereofónico y rodada en Technicolor, aunque no pudo ser exhibida correctamente hasta su reedición en 1955, cuando las salas de cine comenzaron a tener la equipación necesaria para este tipo de producciones. Ya se había hablado anteriormente de La nueva melodía de Broadway (1940), considerada la segunda parte de la película protagonizada por Eleanor Powell en 1938, pero en esta ocasión la bailarina estaría acompañada por Fred Astaire. Como expone Munsó (1996: 303), una de las mejores cosas que tenía y tiene este largometraje es poder ver juntos por primera y última vez al rey y a la reina del tapping. Astaire continuó protagonizando grandes películas, tales como Bailando se nace el amor (1942), Ziegfeld Follies (1946) o Easter Parade (1948). La llegada del color sería aprovechada, como se mencionó en epígrafes anteriores, por las productoras para darle un toque exótico a las películas, dejando títulos como Serenata Argentina (1940), Aquella noche en Río (1941) o Toda la banda está aquí (1943), donde Carmen Miranda era protagonista, aportando su ritmo natural. Cabe destacar que ya en esta década Gene Kelly estaba haciendo películas muy importantes (como bien se ha ido indicando a lo largo del epígrafe), aunque su triunfo más destacado se produce al principios de la década de los 50. Otras películas realizadas por el actor durante los 40 fueron Las modelos (1944), “un musical renovador que pone de manifiesto el moderno estilo
coreográfico de Gene Kelly” (Miret y Balagué, 2009: 108). Comparte aquí pantalla con Rita Hayworth, una actriz cuyo “glamour, su atractiva seducción y su belleza, hicieron que incluso la cámara se enamorara de ella” (Pérez, 2004:142). Volviendo a Kelly, a mediados de la década de los 40 se estrena otro de sus musicales más representativos: Levando anclas (1945), donde comparte pantalla con Frank Sinatra (la primera película del cantante). Ambos volverán a coincidir en Un día en Nueva York (1949) cuatro años más tarde. Destaca por ser una “película que se adelantó en su tiempo y, por primera vez, se rodó en los escenarios naturales de las concurridas calles neoyorquinas” (Pérez, 2004:206). 6.4 Años 50 Considerado el periodo clásico y la época más dorada del cine musical. Muchas de las películas producidas en esta década destacan por la fuerza de la canción y del baile. Es la época del star system, lo que significa que Hollywood es heredero del gran espectáculo, y por lo tanto, es esencial la superproducción masiva. Pero como todo lo bueno acaba, será al final de esta década cuando el género decaiga por completo durante años. Este desgaste se produjo, en gran parte, por el exceso de guiones e historias creados, así como por el uso en exceso del mismo tipo de esquema para las películas, títulos repetidos, etc. Como señala Driver (2001), la MGM durante esta década creó producciones que no estaban al mismo nivel que las de los años 40, simplemente reprodujo una fórmula que había funcionado y daba buenos resultados, escogiendo musicales exitosos de Broadway para adaptarlos a la gran pantalla. Seguían cumpliendo con esa tradicional función del musical, “divertir, suscitar el entusiasmo del espectador por el dinamismo de los momentos musicales, por la energía de los protagonistas y por una energía exteriorizada con ostentación” (Pinel, 2009: 85). Sin embargo, se pudo comprobar el hastío del público al final de la década, dada la saturación del género y repetición de fórmulas, por lo que se dio por finalizada así la época dorada de este género cinematográfico. Como indica De Andrés (2013: 164), hablamos entonces de una nostalgia hacia el pasado y hacia lo creado en los años 20-30, recuperando incluso rasgos de la opereta y de la música clásica, y dejando ver estilos pertenecientes a la familia de la música folk americana. Fue una gran etapa que dejó algunos de los mejores musicales de la historia del cine, así como a artistas que serán recordados en números y canciones tan importantes como Cantando bajo la lluvia (1952) o Un americano en París (1951). Cabe citar también al gran director Vincente Minelli, nombrado con anterioridad, quien realizará grandes películas memorables como Band Wagon (1953).
Por último, cabe destacar dos producciones no americanas que tuvieron mucho éxito en esta década. Por un lado, Los paraguas de Cherburgo (1963), un musical francés que tiene mucha inspiración en los musicales americanos debido a la admiración que su director Jacques Demy tiene por estas producciones. Por otro lado, Las señoritas de Rochefort (1967) fue otra de las grandes producciones de este director, que contó con Gene Kelly para formar parte del reparto. Como recoge Pérez (2004: 336), un largometraje que aparentaba ser otro musical más, se transforma en algo totalmente diferente cuando la trama muestra a un asesino en serie de mujeres, algo atípico para una comedia. 6.6 Años 70 Esta época, siguiendo con la decadencia de los años 60, dejó pocos largometrajes musicales, la mayoría obras de Broadway llevadas a la gran pantalla. Sin embargo, los amantes del género continúan fieles a él, logrando que muchas de ellas fuesen éxito de taquilla. Los estudios no apostaban por invertir en este tipo de películas al existir otras posibilidades que generaran más beneficio. “Los 70 es una época de crisis compositiva, ya que se obviaba bastante la música instrumental en favor de múltiples canciones que la mayoría de las veces nada tienen que ver con la película, pero venden más y de este modo los estudios consiguen ahorrar el dinero que le constaría un compositor” (Aragú y Haro, 2011 : 51). Cabe destacar la influencia del rock y el pop en los títulos del momento, así como la incorporación de la estética al género. Es por ello que siguieron realizando muchos largometrajes cuya temática era la vida de algún cantante o grupo, algo que había comenzado en la década anterior. “La explicación que los historiadores dan a este fenómeno es que buena parte de los cineastas pertenecían a la misma generación del público para el que trabajaban, los jóvenes, y esto hizo que el musical pop se pusiese de moda” (Moreno, 2015: 6). Es curioso mencionar que las grandes películas de esta época eran muy diferentes entre sí, donde la temática, los escenarios e incluso el tipo de música variaban de manera notable de un musical a otro. Como indica Moreno (2008: 342): “Va tomando posiciones entonces el orden de representación postclásico, y el género musical pasa a estar integrado por un escaso número de películas dispersas a lo largo de las últimas cuatro décadas, entre las que destacan las dirigidas por Bob Fosse y films como Chicago, película inspirada en el montaje para Broadway que hizo el propio Fosse en 1975”.
6.6.1 John Travolta John fue uno de esos artistas que conoció el éxito de la noche a la mañana. Se convirtió en una estrella adolescente, la cual ha servido de modelo para películas posteriores. Aunque empezó con el cine de terror, en 1977 le ofrecen la oportunidad de ser el protagonista de Fiebre del sábado noche, película que le convirtió en un icono y le dio un Oscar. La música disco de los Bee Gees es fundamental en este musical, ya que como indica Carmona (2004: 91), consiguió records en venta como ninguna banda sonora lo había hecho antes. Este triunfo le lleva a coprotagonizar otro de sus grandes éxitos, Grease (1978) junto con Olivia Newton-John. “Desde ese momento, sus canciones y bailes se convirtieron en uno de los mayores éxitos musicales de todos los tiempos” (Pérez 2004, 90). Esta película está escrita casi por completo siguiendo un estilo rockero de los 50, pero a su vez hace referencia a convencionalismos del musical más tradicional. “Intenta recuperar los cincuenta y la influencia de rock en los patrones de conducta de una generación” (Miret y Balagué, 2009:219). Procedente de los escenarios de Broadway, fue tan popular que consiguió que se llevara a la gran pantalla, destacando que Gene Kelly supervisó el montaje de las coreografías. Sin embargo, a pesar de seguir rodando otras películas ninguna tuvo el éxito de las anteriores, hasta mediados de los noventa cuando lo ficha Tarantino. Desde entonces, abandona el género musical para dedicarse a otros tipos de largometrajes que le aseguren un puesto en el cine. Así lo parecía hasta que en 2008 decide formar parte del reparto de Hairspray, una divertida comedia musical donde hace de madre de la protagonista y que volvió a batir records en su estreno. 6.6.2 Otras películas musicales importantes en esta época. Comenzando la década, El violinista en el tejado (1971) destaca por la increíble banda sonora, así como por la escenografía real. Esto le valió tres estatuillas de la Academia de cine. Cabaret (1972) ofrece al cine la posibilidad de un cambio en el modo de realizar las películas del género. Aporta un toque más adulto, siendo “una lectura moral entre espectáculo y vida civil” (Miret y Balagué, 2009: 208). Como indica Carmona (2004: 36), es uno de los grandes hitos en el cine musical, recibiendo ocho Oscars, siete premios BAFTA y tres Globos de Oro. Como bien se ha mencionado anteriormente, la diversidad de historias en esta década va a ser notable, ya que de la misma manera que triunfó Cabaret (1972) lo hizo Jesucristo Superstar (1973). Se ofrece aquí una nueva versión sobre la forma de mostrar la vida de Jesucristo.
“Criticada fuertemente por los sectores cristianos, indignados por lo que ellos consideraban una trivialización de la figura de Cristo, la película consiguió al poco tiempo ser aceptada por todos, pues era obvio que la moda estaba cambiando” (Pérez 2004: 364). Además, el rock es el género de música predominante en los temas incluidos en la película. Como explica Carmona (2004: 115), a pesar del revuelo que causó la película, sigue estando muy presente a día de hoy, siendo reconocida como una obra maestra y la cual ha dado lugar a la creación de diversas versiones alrededor del mundo. De origen inglés y posteriormente trasladado a Estados Unidos, The Rock Horror Story (1975) ha tenido polémica desde su versión teatral, ya que abarca temas de sexo y terror interpretados además por los mismos actores que realizaron el musical original. Puede verse como “un pastiche de las películas de horror de la Universal y la Hammer” (Miret y Balagué, 2009:212). Martin Scorsese va a dirigir en 1977 New York, New York, un musical protagonizado por Robert de Niro que intentará resucitar parte de la época dorada del cine. Generó muchos problemas durante su producción, dejando incluso diálogos improvisados. Según Pérez (2004: 377), “un fracaso inmerecido”, aunque con influencia bastante notable en películas posteriores. La polémica vuelve con Hair (1979), donde la temática hippie era la gran protagonista y se trataban temas poco apropiados aún de manera muy abierta: sexualidad, la guerra de Vietnam, las diferencias raciales, etc. 6.7 Años 80 En esta época continúa la situación de desgaste de la década anterior, pero con algunas novedades. “La práctica tradicional ha conformado con el tiempo un lenguaje musical cuya base se muestra altamente estandarizada, de la cual surgen con frecuencia formas de expresión normalizadas aún a pesar de las distintas variantes que pueda otorgar el estilo particular de cada ocasión” (Sapró, 2012 : 89). No se hace referencia sólo a películas, sino que comienzan a hacerse muy populares las series de televisión, y por lo tanto, el género también se traslada a ellas. La estética del musical cambia, se adapta a la actualidad, usando bandas sonoras que serán recordadas siempre, en la línea de la música disco. Aparecen también en estas películas la idea de perseguir los sueños como tema protagonista, donde unos personajes amantes del baile buscan dedicarse a ello de por vida. Se crearon “coreografías de grupo y bailes individuales enmarcados en el terreno del mundo
profesional de la danza y que desataron cierta pasión por la danza moderna entre los jóvenes de la época” (Moreno, 2015: 6). El género pop llega al cine para dirigirse directamente a un público más joven. Cabe destacar la importancia que tuvo Disney en esta década con títulos como La Sirenita (1989), lo que le aseguró un éxito absoluto en la década siguiente en cuanto a películas de animación. En el epígrafe Años 90 quedará desarrollado de manera más extensa. 6.7.1 El fenómeno disco y la música de aerobic Ya en los 70, la música disco se había convertido en la favorita para bailar en la discoteca, y muchos grupos tenían su especialidad en crear canciones movedizas que revolucionaban las pistas de baile. Esto llega al cine de la misma manera, dando lugar a algunas de las películas más famosas de la historia del musical, donde se combinan el drama y la comedia: Can’t stop the music (1980), cuyo tema principal es del famoso grupo Village People, o Xanadú (1980), protagonizada por Olivia Newton-John. 1983 fue el año decisivo, cuando aparecen Staying alive, de nuevo con John Travolta como protagonista y segunda parte de Fiebre del sábado noche, o Flashdance: “con una sencilla historia, se desarrolla uno de los musicales de mayor éxito, dotado de una banda sonora extraordinaria” (Pérez, 2004: 409). La temática high school americana iba a estar muy presente en los musicales desarrollados a partir de los 70 tras el éxito de Grease (1978). Nace en 1980 Fama, una película cuyo éxito provocó que se trasladara a televisión, convirtiéndose así en una serie musical. El baile y el aprendizaje es el hilo conductor de la trama, así como las vivencias personales del reparto. Como señala Carmona (2004, 86), su éxito fue imparable, tanto que posteriormente se creó a una serie con el mismo nombre en Estados Unidos y otros países también copiaron la idea, como el caso de España con la serie Un paso adelante (2002-2005). Flashdance (1983) puede ser vista como “una moderna Cenicienta que de trabajar en una lúgubre fundición, pasa a ser seleccionada para entrar en el Conservatorio de danza, comenzando así su sueño de ser bailarina profesional” (Molina, 2004:94). La banda sonora de esta película es bastante memorable. Tan sólo un año más tarde, una película llega para volver a arrasar: Footloose (1984). Es este el caso de una película de jóvenes para jóvenes, donde la rebeldía es la protagonista. Su éxito hizo tener un remake en el año 2011. Ya a finales de los 80 llega otro gran musical, probablemente uno de los más importantes de la historia del género: Dirty dancing (1987). Fue muy premiada y aclamada, “explotada hasta la
saciedad en distintos formatos” (Molina 2004:67). Feuer (1992) señala que este largometraje musical es, incluso empleando códigos de narración de su década, un intento de rescate fallido del género más tradicional. “El filme indudablemente es una historia romántica, ahora ya un clásico de los años 80, en el cual los bailes no son lo más logrado y, en ocasiones, se perciben incorrectos” (Pérez, 2004: 435). El director de esta película es el mismo que en los 90 crearía Sister act (1992). 6.7.2 Otras películas musicales importantes en esta época. A pesar de las tendencias existentes, durante los 80 se estrenaron películas exitosas cuya banda sonora no eran del tipo de las vistas hasta ahora. The Blue Brothers (1980), donde una joven Aretha Franklin canta algunos de sus temas más conocidos, entre otros grandes artistas, reflejando el soul y un poco de jazz. Sobre esta película, Pérez aclara lo siguiente (2004: 394): “Una de las cosas más interesantes del filme es la habilidad para intercalar los números musicales, pues parece lógico que en ese momento todos se pongan a cantar. Después se alternan las persecuciones de la policía con las canciones, y éstas con los nazis enfurecidos, interrumpiéndose las peleas cuando alguien decide cantar”. Incluso Coppola se anima a realizar películas musicales, creando One from the heart (1982) y Cotton Club (1984). Barbra Streisand vuelve a protagonizar otro musical llamado Yentl (1983), donde hace de chica judía a principios de siglo XX, y como señala Moreno (2015), sus números musicales y la trama hacen referencia a temas de identidad sexual, algo que también queda reflejado en la historia Víctor, Victoria (1982). Este largometraje fue otro de los musicales protagonizados por Julia Andrews, donde la ambientación hace retroceder de nuevo a los espectáculos de cabaret de los años 30. Este es uno de los casos de película con temática diferente en la época, la igual que ocurre con Amadeus (1984), una película sobre la vida de Mozart considerada cine de culto. Raro, pero no menos famoso es el largometraje La tienda de los horrores (1986), donde una planta carnívora es la real protagonista de la película. Además, destaca también por tener una de las “primeras apariciones de Jack Nicholson como mafioso masoquista” (Molina 2004:194).
6.8 Años 90 Escasas películas musicales van a llamar la atención en esta época. Sin embargo, Disney ya había aparecido pisando fuerte a finales de los 80 con La Sirenita, y durante los 90 y los 2000 será gran protagonista debido a la exitosa producción de películas infantiles, cuyos números musicales serán recordados siempre. Sobre esta década, De Andrés indica lo siguiente (2013: 343): “Resulta significativo observar que desde mediados de los años 90 se han completado producciones cinematográficas basadas exclusivamente en: […] repertorio del musical clásico, citas aisladas al musical en películas o series de televisión, recreación del estilo del musical dentro del rock clásico”. 6.8.1 El caso Disney Disney dio con la tecla exacta durante finales de los 80, cuando al estrenar La Sirenita consiguió un éxito rotundo al combinar en su película de animación números musicales. Esta fórmula la repitió a lo largo de la década, dejando en la historia títulos muy famosos que serán recordados por los niños de los 90. Cada personaje se convertía en parte de la esencia de Disney, acercando a los más pequeños la música y números divertidos y perfectamente creados para ser una combinación de color y cuento. “Una fábrica de grandes éxitos, tanto en películas como en bandas sonoras, son las de dibujos animados, y en las que normalmente son canciones pegadizas […] que se identifica rápidamente con la película” (Aragú y Haro, 2011: 53). Entre los títulos más famosos encontramos (ordenados por fecha de estreno) La bella y la bestia (1991), Aladín (1992), El rey león (1994), Pocahontas (1995), El jorobado de Notre Dame (1996), Hércules (1997), Mulán (1998), El rey león 2 (1998) y Tarzán (1999). Tim Burton como productor crea una de sus películas más llamativas en 1993, Pesadilla antes de navidad, un musical infantil con un toque de terror, donde Disney tuvo que intervenir para eliminar algunas partes consideradas más terroríficas y poco apropiadas para el público infantil. Cabe destacar que Disney creó en 1983 un canal de televisión llamado Disney Channel, aún vigente en la actualidad. Con el tiempo, ha jugado un papel esencial en la historia del musical, ya que ha creado producciones que han revolucionado y marcado a toda la generación de los chicos de los 90, con películas y series que serán recordadas por estar basadas, muchas de ellas, en algunos de los grandes musicales de la historia. Más adelante, en el epígrafe La era del 2000 se desarrollarán más detenidamente algunos de los casos más espectaculares en cuanto a producciones de esta cadena se refiere.
6.8.2 Otras películas musicales importantes en esta época. El lágrima, llora nena (1990) muestra a un joven Johnny Depp en los años 50, en una película que a pesar de no ser un éxito rotundo, parodia a muchos de los musicales más famosos donde aparecen jóvenes rebeldes. Whoopi Goldberg se convirtió en uno de los iconos de la década al protagonizar uno de los musicales más divertidos y exitosos: Sister Act (1992) y posteriormente Sister Act 2 (1993), destacando por sus números musicales mezclando el blues y las corales góspel. Es uno de esos casos cuyo éxito posteriormente hizo que se creara un musical para teatro inspirado en la película. Ya había formado parte del reparto de otro musical dos años antes en Ghost, más allá del amor (1991). Evita (1996) es un film protagonizado por Madonna y Antonio Banderas, considerado un “tópico biopic sobre la ascensión y muerte de Eva Perón” (Miret y Balagué, 2009:229). Woody Allen estrena ese mismo año Todos dicen I love you, donde él mismo es parte del reparto junto con Julia Roberts, Natalie Portman, Drew Barrymore y Edward Norton. Como señala Viñuela (2012), la secuencia final de este largometraje es la muestra de cómo se ha parodiado el género musical, pudiendo notar la decaída sufrida en las últimas décadas. Otro de los cantantes en participar en este tipo de películas fue Chayanne, quien en 1998 protagoniza Baila conmigo. 6.9 La era del 2000 Como se ha podido comprobar, las últimas décadas demuestran que el género había decaído notablemente en comparación con el número de producciones realizadas durante los años 30, 40 y 50. Sin embargo, el siglo XXI va a suponer un cambio, gracias al éxito de los espectáculos musicales en teatros, las series, los programas considerados fenómenos musicales para jóvenes y grandes películas que han hecho que el género vuelva a nacer, más fuerte que en otras épocas. Se ha producido en estas siete décadas “una continua adaptación técnica, estética y argumental a los tiempos” (Moreno, 2015:7). Los finales felices ya no son prioritarios como lo eran en las primeras décadas del género, salvo en producciones infantiles o juveniles. “Un estilo cada vez más en auge es el jamado jukebox musical. Se trata de musicales que se nutren de versiones de grandes éxitos del rock y del pop” (Martínez, 2017).
Los musicales están resurgiendo y renovándose. Rob Marshall expone (2017): “alguna gente cree que los musicales son un género distinto y hay que abordarlos de forma especial pero en realidad hay que tratarlos como cualquier otra historia dramática. Es decir, en vez de un monólogo tienes una canción. Yo creo que lo más importante en un musical es que las canciones estén integradas orgánicamente en la historia y que la historia sea a su vez parte de los números musicales de forma que no puedan separarse”. 6.9.1 El fenómeno Disney Channel “La factoría Disney, tras el éxito de sus primeras películas, no dejó de producir este género sino que se dedicó a intentar mejorarlo e incluso, amplió el público al que quería dirigirse” (Odene, 2012: 12). Este conocido canal infantil ha sido uno de los grandes protagonistas en cuanto a causantes del renacer del musical. La generación de los 90 ha crecido viendo numerosas series y películas de la cadena que han logrado crear y atraer aficionados al género a través de bonitas historias de amor memorables, como es el caso de High School Musical (2006, 2007, 2008). Como señala Moreno (2015: 7): “Cohan (2010) incluye esta trilogía juvenil en el conjunto de largometrajes que están haciendo renacer el género a día de hoy: Sin duda es curioso que en la primera década del nuevo milenio, no solo hubiese una serie de películas musicales notables de las que hablaremos en breve, sino también una apreciable producción de musicales para adolescentes. […] Podríamos señalar un parecido entre estas sagas y la serie de películas protagonizadas por Fred Astaire y Ginger Rogers en los años treinta”. Otros ejemplos importantes que siguen este tipo de características son Camp Rock (2008, 2010) o incluso la serie Hannah Montana (2006-2011), donde una joven Miley Cyrus se dio a conocer y se convirtió en un icono para toda una generación. Fue a partir de esto cuando Disney vio el potencial que tenían las series en el canal, creando así otras muchas donde la música siempre estaba presente, como Phineas y Ferb (2007-2015), Violetta (2012-hoy) o Sunny entre estrellas (2009-2011). También es importante mencionar que Disney continuó creando películas de animación musicales tras el éxito logrado en los 90, ya que además a mediados de la primera década de los 2000 adquirió la productora Pixar, consiguiendo de esta manera que la empresa luchara contra los altibajos que estaba teniendo. Encontramos títulos como La Sirenita 2 (2000), Tiana y el sapo (2009), Enredados (2010) y Frozen (2013). Los cuentos de carne y hueso llegan con Encantada, la historia de Giselle (2007), donde la historia interfiere de lleno en el día a día de uno de los
protagonistas, y la película Into the woods (2014), cuyo reparto lo componen grandes actores que crean un musical menos exitoso de lo que se esperaba: Meryl Streep, Johnny Depp, Anna Kendrick, Emily Blunt y James Corden. “Disney está volviendo a sus años dorados del musical (como en los años 90) con nuevos musicales como Tiana y el Sapo […] o Rapunzel” (Odene, 2012: 12). 6.9.2 Otras películas musicales importantes en estos años. Uno de los títulos más relevantes del género se estrena a principios de este siglo: Moulin Rouge! (2001). “Musical irreverente que toma como espacio referencial el famoso local parisino para fabricar un artificio pirotécnico que dinamite las convenciones del género” (Miret y Balagué, 2009:234). Es una película muy rica en contenido musical, que hace referencia a temas clásicos y de la época, mezclando diferentes estilos. Es un gran espectáculo protagonizado por Ewan McGregor y Nicole Kidman. Como señala Moreno (2008: 195), su director es un romántico ortodoxo, ya que como se muestra en esta película, los protagonistas se enamoran incondicionalmente, en dirección a un trágico final. Tan sólo un año más tarde llega otra gran película: Chicago (2002), premiada con seis Oscars, protagonizada por Renée Zellweger, Catherine Zeta-Jones y Richard Gere. Ambientada en 1929, y como señalan Miret y Balagué (2009: 238), supone un esfuerzo para traer de vuelta la esencia de los musicales de la época dorara. “Es sorprendente por varios motivos, siendo lo más significativo el hecho de que nadie sabía bailar ni cantar, pero bajo su acertada dirección hasta consiguen marcarse buenos pasos de claqué” (Pérez, 2004: 452). También ese mismo año se estrena Billie Eliot (2002), otra película cuyo mensaje es luchar por los sueños. En 2004 el género vuelve a destacar por dejar en la historia dos películas importantes: Los chicos del coro y El fantasma de la ópera. La primera fue un éxito absoluto en taquilla, con el lema “la música puede cambiar a la gente” logró enamorar con sus canciones a los espectadores. Está inspirada en una película de 1945 llamada El canto de los ruiseñores. Por otro lado, El fantasma de la ópera (2004) es la adaptación de un musical ya existente, considerado muy ampuloso y con una banda sonora memorable. En 2005 se estrena una película que recorre los primeros años de la carrera del cantante Johnny Cash, titulada En la cuerda floja. Ese mismo año, Tim Burton vuelve a crear otro musical de animación titulado La novia cadáver (2005). Sin embargo, más exitoso será dos años más tarde
Sweeney Todd. El barbero diabólico de la calle Fleet (2007), donde Johnny Depp es el actor que da vida al personaje principal. Esta película ofrece esa estética característica del polémico director, donde encontramos una mezcla de thriller y musical. “Tim Burton se hace suyo el mundo de Sondheim en este cuento de terror con canciones” (Miret y Balagué, 2009:238). Beyoncé y Jennifer Hudson protagonizan la película Dreamgirls (2006), donde la temática “luchar por los sueños” vuelve a ser el hilo conductor de la historia. Vuelve este mensaje de lucha en 2007 con Hairspray, que como bien se comentó en epígrafes anteriores, supuso un éxito absoluto e inesperado para un musical ambientado en los años 60, donde la madre de la protagonista es John Travolta, y cuenta, además, con la estrella de Disney Channel Zac Efron. “El remake adopta un aire kitsch propio de la postmodernidad” (Moreno, 2015: 8). No puede caer en el olvido otro de los grandes musicales de la década: Mamma mía! (2008), el largometraje basado en el conocido musical donde Meryl Streep hace el papel de Donna, y los mejores temas del grupo ABBA aparecen en la historia. La película cuenta con números musicales coloridos, divertidos y un gran reparto que hace de una historia dramática algo divertido y entretenido. Step up (2006, 2008, 2010, 2012, 2014) es otra de las sagas que ha marcado a una generación. Siguiendo el estilo de musicales de los 80 y 90, el baile es el protagonista, y no tanto la canción o el espectáculo. Aprovechando el éxito de este tipo de películas, se hace un remake de Fama en 2009. Dos divas de la canción vuelven a unirse para crear Burlesque (2010), donde Cher y Christina Aguilera dan vida a las protagonistas. El mundo del espectáculo y el cabaret ocupa un lugar esencial en la historia, la cual se desarrolla en Los Ángeles. 2012 llega con otras dos grandes películas que se convertirían en éxito absoluto en taquilla y totalmente diferentes. Por un lado, Dando la nota con su segunda parte en 2015, donde la temática de instituto vuelve a ser la protagonista. Por otro lado, Los Miserables (basado en la novela de Víctor Hugo) consiguió un éxito rotundo, fue muy premiado y alabado. Una historia conmovedora considerada uno de los mejores largometrajes musicales: “la incombustible fórmula de la adaptación al cine de un musical teatral engrosa los formatos que adopta el género musical contemporáneo, en su discreta presencia entre las producciones de Hollywood más actuales” (Moreno, 2015: 9). Llegados a este punto, en 2016 llega otro musical que ha revolucionado las taquillas de cine, consiguiendo un éxito asombroso incluso en aquellas personas que no se consideran amantes de las películas de este género: La la land, la ciudad de las estrellas (2016). Muy premiada y comentada, es un largometraje que ha roto esquemas, destacando las grandes referencias
Llegando a la gran fiesta a la que van, se observa cómo aparecen los carteles luminosos de los locales de Los Ángeles, al igual que en Cantando bajo la lluvia (1952). Este es un caso de imitación por continuación, donde se ambas escenas son muy parecidas, pero cada una se adapta al contexto de la historia (imagen 14). El final de la canción es una escena en la piscina donde la cámara gira en el agua, inspirada en la película Boogie Nights (1997). Posteriormente, Mia acude a otra fiesta cuya estética es bastante similar a la de esta película (imagen 15). Uno de los números más destacados del largometraje es A lovely night, donde los protagonistas mantienen una conversación sobre ellos mientras cantan y bailan tras haber ido a la misma fiesta, donde ella era invitada y él parte de la banda que ameniza la fiesta. Esta canción y la conversación que los protagonistas mantienen a través de ella pueden ser comparadas con A Fine Romance, de la película En alas de la danza (1936). Es este un caso de transformación paródica, que acoge lo mejor de la danza de la época dorada mostrándola en un film moderno (imágenes 16 y 17). El atardecer de Los Ángeles puede verse aquí de forma parecida a como se muestra en Cantando bajo la lluvia (1952). Este número es importante porque la decoración también hace referencia a la película, ya que Damien decidió decorar el mirador con farolas como las del largometraje de 1952, donde Gene Kelly canta la conocida canción que le da nombre a la película. Ryan repite en La la land (2016) el mismo paso que él, girando sujeto a la farola. Esta escena es un caso de imitación seria, donde la referencia es directa y adaptada a la película (imagen 18). En ese mismo número se hace alusión a otra película protagonizada por Fred y Ginger, concretamente Shall we dance (1937), donde los personajes patinan en el parque con la canción Let's Call The Whole Thing Off. Aparecen sentados en un banco, y hacen un juego coreografiado con los pies antes de comenzar a patinar. Mia y Sebastian hacen algo muy parecido antes de bailar en el mirador al estilo de las antiguas coreografías de los musicales de los 50, como Dancing In The Dark en The Band Wagon (1953). Esta comparación puede verse en las imágenes 19, 20, 21 y 22 del anexo 5 (página 81). Como se ha indicado anteriormente, Sebastian pasa a recoger a Mia a la cafetería donde trabaja, situada en el interior de los estudios Warner Bros. Cabe recordar que esta es la productora de muchos de los musicales más importantes que se realizaron en los años 50 y 60. Mientras caminan por la zona, se puede ver cómo el resto de la gente implicada en rodajes se encuentra
trabajando. Esta escena es muy similar a una que aparece en Cantando bajo la lluvia (1952), donde Gene Kelly y Donald O’Connor pasean hablando por los estudios (imagen 23). La canción City of stars es, probablemente, la más destacada de la película, y tiene dos versiones; por un lado, la que interpreta Ryan Gosling solo en el muelle, y por otro, la que ambos protagonistas cantan en casa de él. La primera versión puede compararse con el tema Something’s coming de la película West Side Story (1961), incluso comparten la frase “who knows?”, o con otra canción de la misma película: María. En esta ocasión, el protagonista camina solo hablando consigo mismo a través de la melodía tras conocer a una chica y enamorarse de ella (imagen 24). Uno de los números más apasionados de la película es Planetarium, donde los protagonistas recorren la ciudad de Los Ángeles mostrando algunos de los lugares más mágicos. Tras ir al cine Rialto a ver la película Rebelde sin causa (1955), otra de las influencias de Damien, deciden ir al observatorio. La llegada allí está grabada de la misma manera que la película original, mostrando el exterior del edificio (imagen 25). Por otro lado, el interior hubo que recrearlo, y es donde se puede disfrutar de otro de los grandes números de bailes de la película, donde Ryan y Emma bailan un vals en la sala del observatorio. Una clara referencia se hace aquí a la película Moulin Rouge! (2001), concretamente a la canción Your song, cuando los protagonistas bailan en el aire con el cielo estrellado de fondo sobre la ciudad de París (imagen 26). Cabe destacar aquí que la inspiración de Damien Chazelle proviene principalmente de grandes películas, no sólo musicales, sino referentes en la historia de cine. Sin embargo, el director explicó en una entrevista para Entertainment Weekly (2017) que también se puede ver en el largometraje influencia de pintores (los cuadros de David Hockney), lugares icónicos de la ciudad de los Ángeles (el teatro Rialto, el funicular Angels Flight), cantantes (música jazz de la costa oeste) o libros. Debido a sus orígenes franceses, dos de los títulos más influyentes para el director y en los cuales están basados muchos rasgos importantes de La la land fueron Los paraguas de Cherburgo (1964) y Las señoritas de Rochefort (1967), de donde Damien sacaba las paleta de color que quería que tuvieran las diferentes escenas de La la land (2016). Esto se refleja en las imágenes 27 y 28 del anexo 5. Otro de los números musicales más representativos de la película es la audición de Mia casi al final de la película, donde canta sola con un foco de frente. Lizza Minelli hace algo muy parecido con la canción But The World Goes 'Round, donde todo el escenario y objetos que la rodean
comienzan a desaparecer (imágenes 29 y 30). En su canción, Mia habla de París, lugar donde se llevará a cabo el ficticio rodaje para el cual hace la audición. La capital francesa ha sido referente en el cine en muchas ocasiones, y en esta no iba a ser menos. Pero, a pesar de todas las referencias a las que se acaban de hacer alusión, el epílogo de la película muestra otra larga lista de largometrajes a través de un escenario de fantasía y color. Ordenados por orden de aparición, se pueden ver elementos míticos de los siguientes títulos: Cantando bajo la lluvia (1952), cuando bailan dentro de un plató con carteles y diversa decoración, con mucho color; Funny face (1957), con la escena en la que Audrey Hepburn se encuentra enfrente del Arco del Triunfo de París y le dan los globos de colores; Un americano en París (1951), donde los escenarios están pintados con acuarela y el protagonista pasea por las orillas del Sena); Le ballon rouge (1956), un niño quieto sujeta firmemente un globo rojo); Los paraguas de Cherburgo (1964), donde los protagonistas son recreados sentados en un banco abrazados); Un día en Nueva York (1949), aparecen varios marineros comprando flores) y La Melodía de Broadway (1940), bailando vals sobre lo que parece agua y un cielo de estrellas (imágenes de la 31 a 34). El final de la película (imágenes de la 35 a la 38), la escena del club donde se muestra el éxito de ambos personajes puede ser comparada con el final de New York New York (1977), donde aparece también cómo ella consigue su sueño y los protagonistas no acaban juntos, o Casablanca (1942). Es curioso que lo que en aquella época fue visto como un mal final para dicho largometraje, es a día de hoy una de las cosas que los espectadores de La la land (2016) más han valorado. 7.2 Narrativa de la película Para hablar de la estructura narrativa de la película, se toma como principal referencia el libro Narrativa Audiovisual Publicitaria (2003) de Isidro Moreno Sánchez. Podemos encontrar aquí cómo la estructura narrativa es el gran esqueleto macroestructural que recoge al resto de estructuras: dramática, informativa, persuasiva, etc. Como señalara Chatman (1990: 11): “para mí, el planteamiento más interesante de estas cuestiones es el dualista y estructuralista, en la tradición aristotélica. Siguiendo a estructuralistas franceses tales como Roland Barthes, Tzvetan Todorov y Gérard Genette, planteo un qué y un modo. Al qué de la narrativa lo llamaré su historia, al modo lo llamaré su discurso”.
Teniendo en cuenta esta dualidad, podemos analizar por un lado la historia y por otro su discurso. Como señala Moreno (2003: 28-29): “tanto en el contenido (historia) como en la expresión (discurso) casi todos los investigadores de la narrativa audiovisual distinguen la forma y la sustancia. La forma del contenido es la historia y la constituyen los personajes, el espacio, el tiempo y las acciones. Son los códigos culturales del autor los que transforman la forma en sustancia” Por ello, a continuación se procede al análisis, por un lado, de los elementos puros y sustancias expresivas que conforman la historia y su discurso, apoyándonos en la teoría de Isidro Moreno y en los resultados obtenidos en el focus group y la entrevista en profundidad. 7.2.1 Actores y personajes Este es el tercer largometraje que protagonizan como pareja Ryan Gosling y Emma Stone. No eran la primera opción del director, ya que también tuvo en cuenta a Miles Teller y Emma Watson. Sin embargo, pensó que Stone podía hacer un buen papel tras verla en el musical de Cabaret, donde era la protagonista. Fue a ver la obra como una audición informal y posteriormente se lo propuso en una cena. Es innegable la química existente entre los protagonistas, ya que hacen que el trabajo sea más fácil, y se conocen lo suficientemente bien como para que los papeles sean más naturales de cara al público, tal como indica el director de la película en los Behind the scenes (2017). Es por ello que los compara con otras grandes parejas de la historia del musical, tales como Ginger Rogers y Fred Astaire. Según Damien, Ryan y Emma son buenos actores, cantantes y bailarines, que se tienen que mover llevados por sus emociones para que el baile se sienta natural y con los pies en el suelo. Ambos actores han realizado películas de éxito, y son a día de hoy, muy reclamados en Hollywood. “Hay algo muy contemporáneo en ellos y en su estilo al interpretar. […] Es una combinación rara: el aura del viejo star system, y la capacidad de guiarte por una historia moderna” (Chazzelle para Entertainment Weekly, 2017). Esto se ha visto claramente en el público, quien ha agradecido la naturalidad que los actores transmiten. Se defienden en el canto y baile, pero no son profesionales, algo que se aprecia al actuar. Ryan fue un chico Disney durante su infancia, por lo que entendía un poco de música y baile, aunque en los últimos años no ha hecho ninguna película de este género. La voz de este actor es elegante, perfecta para las canciones de la película.
Emma es diferente, algo que también se refleja en su personaje. Como señalaron los participantes del focus group: “ella es siempre natural, extrovertida y divertida. Es una chica súper expresiva, las caras que pone, como se mueve…se ve que es una chiquilla que aunque esté actuando es súper picarona, juguetona”. Es por ello que el público valora incluso más la interpretación de ella que la de Ryan, mostrando su acuerdo por los premios recibidos gracias a esta película. Este largometraje la ha descubierto a muchas personas que no la conocían, mostrando también sus dotes musicales. “Son personas acostumbradas a otro registro […] personaje y película, no pueden poner alguien que cante brutal, porque no sería natural”. Incluso su personaje, Mia Dolan, destaca más, haciendo más suya la historia que de Sebastian, aunque el público cree que ambos se apoyan en sus respectivas carreras para perseguir sus sueños, algo que debería ser clave en la felicidad de la pareja. Son personajes reales, con sus problemas y sus aspiraciones, y conviven con todo eso juntos. Resulta representativo que Emma y Ryan son de ese grupo de actores que han realizado una serie de largometrajes de otros géneros cinematográficos, y ha sido en este donde se ha descubierto que también cantan. Con John Legend ocurre justamente lo contrario: actúa en la película, siendo cantante, y aporta a sus conocimientos como músico y sobre todo, su voz. Es interesante destacar aquí la opinión de la profesora Luisa Moreno, quien afirma en la entrevista que Ryan y Emma: “cantan bien y bailan poco; tienen recovecos, y eso siempre se agradece. Sin embargo, no son comparables totalmente a Fred y Ginger, ya que estos dos últimos tenían grandes dotes para el baile y una gracia especial que resultaban pizpiretos a la vez que majestuosos. Señala también que las miradas seductora y la vez burlonas de Astaire eran igual de graciosas que las de sarcasmo y coquetería de Rogers”. 7.5.2 Producción Moreno Cardenal mostraba su ilusión por este largometraje declarando que:
“es una película excelente, fue muy emocionante verla; la manera en la que comienza es espectacular, aunque luego se mantenga esa línea y se vaya volviendo más intimista”. Es importante destacar en esta película la labor de preproducción. Tanto los protagonistas como los extras pasaron meses y meses de ensayo. Por un lado, Ryan y Emma tenían que aprender las coreografías, así como claqué, vals, etc. También debían practicar las canciones que ellos interpretaban. Primero lo hicieron por separado con profesionales, y posteriormente comenzaron a ensayar juntos en estudios y en los sitios reales de grabación. La importancia aquí la encontramos en el hecho de que el director quiere rescatar una de las características principales de los musicales clásicos: los números de baile de larga duración sin cortes. Es por ello que la preparación debía ser en este caso también muy cuidada, ya que encontramos escenas como la del atasco o el atardecer, las cuales debían grabarse sin interrupciones. Ensayaban diariamente durante 2/3 meses. En cuanto a esto, Luisa Moreno admitía en la entrevista que: “toda la puesta en escena es muy bonita […] y a pesar de que esté inspirada en los grandes musicales, tiene su propia personalidad, esto intensifica la emoción. Además, si una película no emociona, no funciona”. Como curiosidad, la escena del atasco cuenta con diez bailarines profesionales y un gran conjunto de extras perfectamente coreografiados, los cuales estuvieron ensayando primero en un parking simulando la autopista, usando los mismos coches que posteriormente se ven en la película (se pueden ver las abolladuras en los techos de los ensayos), donde Damien hacía pruebas con su teléfono móvil para dejar claro cómo debía ser el movimiento de cámara. Esto es algo muy presente a lo largo del largometraje, ya que a través del movimiento también se pretende transmitir los sentimientos del momento. La escena del atardecer tenía que estar muy ensayada, ya que su duración es de seis minutos, mientras que el sol se ponía tan solo en diez, por lo que tenía que salir bien a la primera, o deberían volver cada día para intentar grabarlo. Por otro lado, Ryan admite en Behind the scenes (2017) que es la película para la que ha tenido que hacer una fase de preproducción más dura, ya que además del baile y el canto, tuvo que aprender a tocar el piano ensayando cuatro horas diarias durante tres meses. Esto era, principalmente, para buscar el mayor realismo posible a la hora de grabar las escenas con números musicales, sobre todo aquellas que tenían larga duración. Se ha valorado mucho que Ryan no haya tenido doble para ninguna de las escenas en las que toca el piano, sino que haya
aprendido para poder rodar todo de manera más natural. Como indicaba uno de los participantes del focus: “yo aluciné cuando supe que era él quien tocaba el piano en todas las escenas, porque la verdad es que me fijé mucho pensando que realmente tenía un doble”. Este tipo de detalles son los que le aportan más valor al actor y al largometraje, y permite compararlo con el tipo de escenas de los musicales más tradicionales, rodados sin ningún tipo de corte. Un caso parecido es el del cantante John Legend, quien en la película es un viejo conocido de Sebastian que le ofrece un puesto de pianista en su grupo. Es curioso porque el cantante sabe tocar el piano, pero decidió aprender a tocar la guitarra por el mismo motivo: buscar el realismo a la hora de interpretar las canciones. Como anécdota cabe mencionar que Sebastian está inspirado en el joven compositor de la banda sonora, algo que se ve reflejado en detalles en la película porque Damien decidió que fuera así, junto con la opinión de Ryan, quien le dio más vida al que al principio iba a ser un joven pobre y más arruinado de lo que finalmente se muestra. Incluso el apartamento de Sebastian es parecido al apartamento original del compositor. El piano como mesa, las paredes blancas, toda la sala vacía sin apenas muebles, etc. Así era la decoración cuando firmaron el acuerdo con la productora, algo que se ve en la escena en la que Sebastian llega a casa y encuentra allí a su hermana, quien se preocupa por él y por su forma de vida. 7.5.3 Dirección de arte y vestuario Los colores vivos resaltan en toda la película, y toda la escenografía está perfectamente combinada con la ropa de los personajes. Se suelen usar paletas de tres colores en las escenas, es algo que está muy milimetrado. Además, a lo largo de la película podemos ver cómo varía el color: al principio, todo es colorido, algo que se mantiene e incluso aumenta hasta la escena del planetario, cuando podemos decir es el culmen de la felicidad de Mia, por lo que va acorde con sus sentimientos. Sin embargo, las tonalidades comienzan a volverse más sobrias y oscuras a medida que avanza la película, donde llegan los tonos más nudes y acaba con blancos y negros (monocromático). Podemos decir que la madurez de Mia se ve en ese cambio de tonalidad del color. La estilista se inspiró en algunos vestidos que Emma ya había utilizado anteriormente en actos o entregas de premios (como es el caso de vestido amarillo). El personaje de Sebastian tiene muy pocos conjuntos de ropa, todos del mismo estilo y color, elegantes y medidos.
Los participantes del focus group destacan estos contrastes de color y cambios, quienes quedan maravillados ante la alegría que pueden transmitir dichos tonos, o como combina todo a la perfección: escenario, vestuario, decoración: “a ver, a mí la dirección de fotografía me gusta por la utilización de los colores, las combinaciones […] me recuerda a la película Hair, que son colores preciosos, pantones guays. Me gusta la fotografía que tiene, pero pienso que no ha creado nada nuevo”. El final de la película es oscuro, lo que incrementa la tristeza que puede comunicar el epílogo del largometraje: el vestuario de ambos, el local Seb’s y la escena que se desarrolla allí. En cuanto a los escenarios, Damien recorre toda la ciudad para rodar, destacando así la magia de Los Ángeles. Los sets y la decoración están muy medidos, interior y exterior. Podemos ver gracias a la película incluso lugares que no tienen permitida la entrada al público (como es el caso del funicular de la ciudad) o mostrar de manera exhaustiva lugares tan curiosos como los estudios de Warner Bros. Los detalles de decoración se aprecian incluso en las casas de cada uno, las cuales representan a la perfección a cada uno de los personajes. Al público le llamó la atención los colores y combinaciones en la de Mia, comparándola con la de él; totalmente diferente, pero realista, reflejando la situación laboral de Sebastian en el momento en el que se muestra. Como indicaba uno de los usuarios participantes del focus group: “me gusta la diferencia entre ambas casas, sobre todo la de Sebastian, porque es de verdad; muestra que está arruinado realmente, y que lo único que tiene en ese momento es la música, lo que ama, con todos esos objetos de jazz o el detalle de la banqueta en la escena con su hermana, donde se ve cuánto le importa lo que tenga que ver con este tipo de música”. En esta película juega un papel muy importante la iluminación, ya que hace del personaje un protagonista total en determinadas escenas, las cuales se asemejan bastante a la estética del teatro, algo que gustó mucho a los participantes del focus group: “la escena antes al momento en el que se conocen y le da el codazo, o la audición final de Mia; las escenas donde los personajes son protagonistas gracias al único foco que les ilumina recuerdan a los espectáculos de teatro, y a mí eso me encanta, es mucho más dramático”. 7.5.4 Banda Sonora de la película.
Justin Hurwitz es el compositor de la banda sonora de la película. Damien y él se conocieron en la universidad, y ya han trabajado juntos anteriormente en otras películas de Chazelle, como Whiplash (2014). La música que ha creado en esta ocasión tiene inspiración en otras bandas sonoras de las películas favoritas del director. Cuando estaba componiéndola, Justin buscaba que la melodía consiguiera transmitir esa emoción que querían recrear también con las escenas. El joven compositor tuvo que hacer hasta 1500 versiones de la música, modificando según le indicaban Damien. Intentaban siempre que fueran muy rítmicas y pegadizas, con el toque de jazz e inspiradas en las melodías de los musicales clásicos. Cabe destacar aquí que esto es algo que ha gustado a los espectadores, ya que admiten que los ritmos de las canciones son alegres, aunque en ocasiones las letras sobraban, buscando algo más melódico. Another day of sun es una de las canciones favoritas por ser una mezcla de magia en mitad del caos. El compositor indicó en una entrevista cómo había sido el proceso para que escenas y melodías encajaran perfectamente, ya que fue algo inusual. Normalmente, la música se hace después cuando la película está acabada, pero en esta ocasión decidieron que sería mejor que mientras Tom Cross (editor) y Damien trabajaban en las escenas en la sala de al lado, Justin terminaba y retocaba la música según lo editado, y posteriormente, todo se ajustaba. Como indicó el compositor en la entrevista concedida al periódico El Mundo (2017), “la película y la partitura fueron evolucionando juntas”. Una de las mejores cosas de las grabaciones de las melodías según Justin fue haber podido grabar en los estudios de la Metro Goldwyn Mayer Lion, ya que la mayoría de los grandes musicales también grabaron ahí. Cuando estaban buscando a la actriz que interpretaría a Mia, Justin tenía claro que querían una voz parecida a la de Audrey Hepburn, que se notara que no era cantante profesional. Emma canta con voz ligera y despreocupada, haciendo que sea más realista su personaje. Con Ryan ocurre más o menos lo mismo, ya que su voz grave encaja perfectamente con la de Emma y tampoco resulta demasiado profesional. El caso de la canción de John Legend debía ser diferente el resto de la banda sonora; tenía que tener un trasfondo de jazz pero alejado de lo que Sebastian, el personaje de Gosling, quería tocar. Es por ello que tiene ese toque comercial y pegadizo, que hace que el tema sea al final más del género pop que del jazz. La banda sonora es una de las cosas que caracteriza a este largometraje musical, ya que es diferente porque concuerda muy bien con la trama. A pesar de que el primer número ya es considerado fuerte tanto por los espectadores como por Luisa Moreno, el resto de canciones no son bruscas en la trama, porque no la cortan, sino que aparecen de manera más natural. La
profesora asegura que el compositor ha realizado aquí un trabajo increíble, desde Another Day of sun hasta las baladas como City of stars. Señala Moreno lo siguiente: “tienen eso que tenían las de los musicales clásicos, que con oírlas una sola vez ya se recuerdan y repetirlas produce placer; solo había que ver la cantidad de covers que circulaban por YouTube al poco del estreno de la película”. City of stars es la favorita del público, algo a lo que contribuye también la escena donde ambos la cantan en la película, considerándola cálida por sus voces y el contexto. Muy destacada es también The fools who dream, aquella que Mia canta casi al final del largometraje al realizar la audición. Moreno Cardenal compara esta escena y esta canción con la que Anne Hathaway canta en Los Miserables: “salvando las distancias dramáticas, por eso está dotada de cierta impostura. Esta es una de las grandes diferencias con el musical clásico, que allí se cantaba y se bailaba como sin nada, sin darle tanta importancia; lo extraordinario no se subrayaba, el espectador lo descubría solo”. En cuanto al jazz, es un género musical olvidado en la realidad, y al igual que el protagonista de la película, el director es un gran fan del mismo, por lo que debía estar presente de alguna manera en la banda sonora, convirtiéndose al final en protagonista de la trama. El público destaca que la película intenta darle protagonismo al jazz de una manera diferente, adaptándolo a la actualidad como hace el personaje de John Legend en la trama, y esta adaptación atrae a nuevos públicos que quieren escucharlo: “A mí el jazz no me gusta, no es un género que escuche a día de hoy. La canción de John Legend es muy John Legend. […] No es un género comercial, a mí no me atrae. Sin embargo, aunque no me transmite absolutamente nada, lo han intentado adaptar a lo nuevo, al igual que en la película, y en parte refleja la situación que este género musical está sufriendo también en la realidad. Se puede ver como el resto de la película, intentan do revivir el género musical” Moreno Cardenal afirma sobre esto que los temas que el compositor ha creado para la ocasión: “son tan buenos que, aparte de que en el relato se hable mucho de jazz, también se nos permite disfrutarlo en su esencia, dentro del relato, especialmente en las escenas que transcurren dentro de los clubs”. 7.5.5 Otros elementos a tener en cuenta sobre la película
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1. En su opinión personal, ¿qué tiene el género musical que lo diferencia de otros? 2. En su opinión personal, ¿cuáles son las diez mejores películas de la historia de musical? 3. ¿Qué opinión tiene sobre la película La la land? ¿por qué? 4. ¿Qué opina de los actores protagonistas? (interpretación, papeles, voces, bailes, compenetración entre ambos). ¿Pueden ser comparados con Fred Astaire y Ginger Rogers? 5. ¿Qué opinión tiene sobre Damien Chazelle, director de la película, teniendo en cuenta que ha ganado el Oscar a mejor director, siendo el más joven de la historia en recibir este premio? ¿Es el nuevo Vincente Minelli? 6. ¿Qué opinión tiene sobre la banda sonora del largometraje? ¿Cree que es importante que uno de los géneros musicales más presentes en el largometraje sea el jazz? 7. ¿Qué le parecen los escenarios, la decoración, la dirección de fotografía, el vestuario y la iluminación que aparece en la película? 8. ¿Qué opinión tiene con respecto a las referencias que se hacen a otras grandes películas (musicales y no) en este largometraje? 9. ¿Qué diferencia a este musical de otros realizados en los últimos 20 años? 10. ¿Cree que son merecidos los premios que se le han concedido? (Oscars, Globos de Oro, etc.) 11. ¿Cómo cree que puede influir esta película en el público que manifiesta su descontento con los musicales? 12. Valoración final de la película.
- ¿Os gusta el cine? ¿Con qué frecuencia veis cine? - ¿Qué medios utilizáis para ver películas: televisión, DVD, online, plataformas de pago…? ¿Por qué? - ¿Os gusta ir al cine y por qué motivo vais? - ¿Cuál es vuestro género favorito y por qué? - ¿Qué opinión tenéis del género musical? - ¿Qué creéis que lo hace interesante (o no)? - Títulos importantes de este género a lo largo de la historia que hayan visto o conozcan. - ¿Conocéis actores o grandes figuras que hayan marcado este género de manera especial? - ¿Cuándo visteis La la land con respecto a la fecha de estreno, qué medio usasteis y cual es vuestra opinión de la película? - ¿Qué diferencia este musical de otros realizados en los últimos 20 años? - ¿Qué es lo mejor y lo peor de la película? - ¿Qué opináis sobre elementos como: banda sonora, actores, colores, ambientación, escenarios e iluminación? - ¿Sobrevalorado o no?
Imagen 8. Fuente: IndieWire Imagen 7. Fuente: IndieWire Imagen 10. Fuente: YouTube Imagen 11. Fuente: Monument Script Services Imagen 9. Fuente: Huffington Post
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