Fanzine fotográfico "Hot takes from nowhere"

Resumen Partiendo de una reflexión sobre lo que provoca la armonía en una fotografía. Los cánones que existen en cuanto a la belleza de una pieza gráfica. Se propone una colección gráfica sobre lugares mundanos y cotidianos, lugares que nos rodean pero no alcanzamos a veces en valorar su belleza. El lugar escogido representa unos espacios peculiares, pero no dejan de conservar ese estilo tradicional de la periferia de una ciudad. Un límite que queda entre lo urbano y lo rural. La serie se realiza utilizando una pequeña cámara compacta, Kodak Gold 200ISO y conduciendo por las carreteras secundarias que ponen fin al área metropolitana. ABSTRACT Wondering about what makes a photography balanced. All this rules that keep the beauty really rigid in a graphic item. Here is proposed a graphic collection about the most common and simple places, places which are around us but we may havent ever knew how to value his beauty. The chosen place to represent this special places, but keeping originally the traditional suburb style. Just in the edge of the cosmopolitan and rural area. The photographs were taken using a Point and Shoot camera, Kodak Gold 200ISO and travelling on this secondary roads that makes the border with the metropolitan zone. 2 ÍNDICE 1. JUSTIFICACIÓN TEÓRICA 4 2. PROPUESTA TÉCNICA 9 3. CRONOGRAMA DE LA PRODUCCIÓN 12 4. MAQUETACIÓN 13 5. MARKETING UTILIDADES 14 6. BIBLIOGRAFÍA 16 3 1. JUSTIFICACIÓN TEÓRICA El proyecto parte de la principal intención de mostrar un paisaje un tanto inusual, un lugar de Sevilla que ni es turístico ni vistoso, pero lleva muchos años ocupando su lugar y ofreciendo multitud de servicios a la ciudad. Un paisaje un tanto caótico, así como repleto de costumbrismo y naturalidad es el que llamó la atención desde hace un tiempo y se quiso reflejar de forma gráfica. La zona del Aeropuerto viejo y Valdezorras se compone mediante desguaces, solares, comercios tradicionales y su vivaz población, un lugar lleno de vitalidad pero a la vez desolado. Un paisaje dónde uno puede sentirse disociado de la capital y de los clásicos lugares emblemáticos de la ciudad. No por ello menos importante, la necesidad de dar el lugar que merece fue una motivación personal. Me presento como local de la zona y en toda mi obra gráfica siempre he querido reflejar lo que normalmente no se muestra o no llama la atención. La reflexión sobre qué es la belleza, dónde encontrarla o si existe algún punto común viene siendo teorizada desde hace mucho pero siempre me ha resultado muy acertada la reflexión que realiza el autor de “The beauty of everyday things” Soetsu Yanagi, en cual describe “en lo familiar, el confort que nos ofrecen las cosas del día a día hay más belleza de lo que apreciamos”. Viene muy definida por lo que sabemos y conocemos, nuestras experiencias y la forma de comprender el entorno que nos rodea. “Para el comportamiento humano, andar es una de las actividades más ordinarias, incluso la persona más simple y primitiva es capaz de andar, pero nadie hace el reparo de ser un buen andador, al igual que sí se hace con un artesano y su producto” (Yanagi, Soetsu, 2016, p21) De esa forma, una colección fotográfica que ilustre esos paisajes es la materialización de mi proyecto. Dedico la mayor parte de mi tiempo libre a la fotografía, a buscar recónditos lugares que carezcan de la clásica belleza y armonía fotográfica y que a su vez rebosan naturalidad y costumbrismo. De ahí, la especial inquietud por éste lugar. Con la principal intención de mostrar un entorno que me rodea y me llama la atención por su singularidad, y es que a pocos kilómetros de un mercadona puedes encontrar un puesto callejero donde un 4 señor te vende melones en la carretera, o antiguos locales abandonados que en su día fueron equipamientos de la ciudad, así como cartelería ya en desuso que sigue ocupando su sitio desde entonces. Mis referentes artísticos son muchos, desde fotógrafos a diseñadores de moda, pasando por artistas pictóricos o plásticos. Pero todos ellos tienen en común, el objetivo de ilustrar lugares peculiares poco explotados, o situaciones mundanas que rebosen naturalidad, nada de artificialidad o extravaganzas. Escritos y ensayos sobre el arte contemporáneo, como “Las vanguardias del SXX” dan lugar a una evolución, pero siempre partiendo del conocimiento y de la integración de tu ente como local de un determinado lugar. Todo ese costumbrismo viene muy fielmente reflejado por Stephen Shore, concretamente en su obra “Transparencies”, dónde el autor recopila todas sus fotografías viajando por los lugares más recónditos de Estados Unidos desde el año 1971-1979, retratando todos esos paisajes, lugareños y curiosidades utilizando una pequeña cámara compacta de 35mm, la Rollei 35, la precursora de las cámaras “Point and Shoot”. De ahí vino mi principal motivación de utilizar estas pequeñas cámaras a la hora de retratar todos éstos paisajes de mi fanzine. Pienso que la esencia de utilizar ese tipo de cámaras no profesionales aportan esa fotografía más casual. (Stephen Shore - Profesor de fotografía, s. f.) Stephen Shore fue uno de los precursores del uso del color en película fotográfica. Nacido en Estados Unidos, siempre con interés en mostrar la América más desconocida y profunda desde un punto de vista del costumbrismo muy peculiar. Consiguió vender tres obras al MoMa llamando al comisario y mostrándole su trabajo con tan solo 14 años. Compartió una etapa de su vida con Andy Warhol tras rodar su cortometraje “Elevator”, el cual quedó prendado de su admiración por lo banal y natural de las cosas. Entre sus obras más relevantes encontramos “Amarillo:Texas” (1970) o “American surfaces”(1974). 5 Figura 1. American Surfaces (Stephen Shore, 1974) Dentro de mi principal obra como fotógrafo, he tenido desde la adolescencia numerosas influencias. Mi interés en todo ello nace a los 15-16 años cuando pasaba la mayor parte en el skatepark de Sevilla, dónde todos los que estábamos allí nos veíamos inmersos en una tribu del underground, todo lo que fuese la moda y lo normal del momento nos aterraba, siempre queríamos diferenciarnos del resto. Una adolescencia dónde consumía muchas revistas de fotografía, fanzines de amigos y de personas que venían a Sevilla de todos los lugares del mundo y compartimos experiencias con ellos. “Lo que vemos, en lo que nos fijamos, viene definido por lo que sabemos y lo que creemos” (Berger, John. 2008, “Ways of seeing” p26) Una de las principales influencias y revistas de las que más me empapaba era la llamada “VICE”, una revista mensual donde se hablaba de numerosos temas, pero siempre temas un tanto escabrosos y que no solían ocupar espacios en el resto de publicaciones. Siempre pendientes de artículos diferentes y con la intención de retratar al no retratado. Había temas 6 tan candentes como perturbadores, que resultaba adictivo. La forma de tratar todos los temas y sobre todo la forma de componer el artículo junto con el material fotográfico era algo que admiraba mucho. Siempre utilizaban cámaras analógicas, me llamaba mucho la atención y decidí realizar una inmersión en ese mundo. Algunos de los artículos que recuerdo : ”¡La melofobia es real! , “El miedo a la música” “Anarquía y paz, en litigio”, “Una composición de los idealistas punk de 2010”, “La guía vice para no estar en un grupo” . Siempre recurrían a artículos llamativos por ser realmente poco ortodoxos. Figura 2. Número 25. (Vice Mag.2018) Figura 3. Número 4. (Vice Mag.2020) La teoría del arte contada por John Berger, pintores emblematicos como Hopper y corrientes artísticas como el “Genre picture”, escrituras sobre la belleza de lo natural de Soetsu Yanagi o escritos sobre el arte de “Ortega y Gasset” van componiendo mis ideales dentro de la fotografía, y más allá, de la concepción del mundo. De la relevancia que se otorga a las cosas que me rodean, de una belleza en lo mundano y en lo más cotidiano que nos rodea. Encontrar particularidad en la tranquilidad de lo común. Llegando a una concepción del arte que sobrepase los límites de los cánones de belleza o de modelos de representación. Ese arte nuevo del que habla Ortega y Gasset (Ortega y Gasset. 1925 “La deshumanización del arte”) 7 El genre painting fue una corriente artística que tuvo como precursores pintores holandeses como Peter Bruegel, y que tenía la principal motivación de retratar la sociedad, las costumbres y los hábitos de las clases más bajas, con un objetivo instructivo y de reclamo. Fue una corriente rompedora en la época en la que los cánones de belleza eran muy rígidos con reglas muy puritanas. La forma de éstos artistas de crear un espectáculo dentro de la vida cotidiana de campesinos y familias resulta inspirador. Pasado el tiempo, la corriente toma un camino más contemporáneo, dónde la principal base y reflexión se mantiene fiel a los principios de la corriente pero las escenas son más modernas, propia de la sociedad del momento. Alain Pontecorvo o John Macaulay fueron personajes importantes de tal evolución contemporánea. (Johns, Elizabeth .1991.”American Genre Painting: The politics of everyday”) A raíz de la mencionada admiración por lo cotidiano e inquietud por reflejar el estatus de las costumbres de una población, hay un pintor que admiro mucho y trae consigo una serie de trabajos que resultan muy inspiradores para el proyecto personal en cuestión, y mi forma de ver los paisajes. Soetsu Yanagi, una figura con numerosos escritos sobre la artesanía japonesa. De origen japonés, le atraía la idea de la belleza en los objetos cotidianos, de cómo el diseño de los mismos perdura a lo largo del tiempo y de las modas, haciendo valer la funcionalidad del diseño. Su obra “The beauty of everyday things” hace hincapié en que la búsqueda de la belleza está más cerca de lo que pensamos, observar nuestro alrededor nos ofrece esa animadversión con la belleza y nuestra forma de relacionarnos con ella. Tal como otros teóricos de la armonía pictórica y gráfica reflexionan como John Berger, el cual otorga mucha importancia a la forma de pensamiento individual, nuestras experiencias y creencias a la hora de apreciar lo que nos rodea, de cómo observar y fijarnos en nuestro entorno y la sensibilidad que potenciamos frente a ello. (“La belleza del objeto cotidiano”. Soetsu Yanagi y el movimiento mingei – Revista Ecos de Asia, s. f.) Todo ese universo gráfico y teórico comentado componen mi visión de la realidad que nos rodea, y mis inquietudes a la hora de realizar una obra fotográfica. La impopularidad de este tipo de reflejos, frente a obras gráficas de una belleza fácilmente reseñable o notable hace que me acerque aún más para conseguir ofrecer una visión del mundo que muchos no contemplan pero que también existe. 8 2. PROPUESTA TÉCNICA Desde que comencé a usar la antigua Nikon f-601 de mi padre he ido probando, experimentando y llegando a un punto en el que me siento muy cómodo con el estilo visual que proyecto. Las vivencias de mi alrededor, los paisajes tan surrealistas como naturales que voy encontrando forman un universo con coherencia, su sencillez transporta a un irreal más real de lo que pensamos. De alguna forma, siempre con mi obra he tenido conflictos internos con lo que supone la belleza, dónde se encuentra la belleza, o cómo realmente valorarla. Pasado el tiempo, la sensación que te ofrece un paisaje en concreto viene definido, pienso, mediante nuestra sensibilidad. Una fotografía perfectamente tomada técnicamente perfecta de un atardecer en una playa maravillosa, por ejemplo, personalmente no me aporta nada nuevo, es una fotografía tomada una y otra vez. De ahí que me fijase en algo diferente, en las singularidades que ofrecen una visión más panorámica de nosotros y de nuestro entorno. La unicidad de ello me motiva y compone mi discurso visual. Presento una serie de fotografías propias con el fin de componer mi estilo visual. Figura 4. Obra propia Figura 5. Obra propia 9 7. BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA BERGER, John (2008). “Ways of seeing”. Reino Unido: Penguin Books GIMENEZ DEVÍS, A. e Izquierdo Castillo, J. (2016): El movimiento fanzine español y su evolución en la era digital: una propuesta conceptual para el webzine, Icono 14, volumen 14 (2), pp. 353-376. doi: 10.7195/ri14.v14i2.978 http://repositori.uji.es/xmlui/bitstream/handle/10234/167465/52784.pdf?sequence=1&isAllo wed=y JOHNS, Elizabeth .(1991).”American Genre Painting:The politics of everyday” Reino Unido: Yale University Press. ORTEGA Y GASSET, José (1925). “La deshumanización del arte”. España: Revista de Occidente RICO, Guillermo. 2020. “Lugares residuales y su potencialidad: El casco Norte de Sevilla” [En línea]Ruíz, Alfonso. Trabajo Fin de Grado. Universidad de Sevilla. Escuela Superior de Arquitectura. Grado en fundamentos de la arquitectura. SHORE, Stephen- Profesor de fotografía. (s. f.). Profesor de fotografía. https://fotogasteiz.com/blog/fotografos/stephen-shore-vida-obra-biografia/ YANAGI, Soetsu (2017).The beauty of everyday things. Japan: JPIC Pintura de Género: La estética de lo cotidiano. (s. f.). Singulart Magazine. https://blog.singulart.com/es/2020/06/19/pintura-de-genero-la-estetica-de-lo-cotidiano/ 'La belleza del objeto cotidiano'. Soetsu Yanagi y el movimiento mingei – Revista Ecos de Asia. (s. f.). Revista Ecos de Asia. http://revistacultural.ecosdeasia.com/la-belleza-del-objeto-cotidiano/ Stephen-Shore-2. (s. f.). Oscar en Fotos. https://oscarenfotos.com/2013/10/26/galeria-stephen-shore/stephen-shore-2/ 16