¿Arte, crítica y reflexión?

Pedro Almeida GarcÍa Grado de BeLlas Artes Facultad de Bellas Artes-Universidad de Sevilla REFLEXI Ó N ARTE CR Í TICA ¿ ? TFG 4 5 TRABAJO FIN DE GRADO GRADO EN BELLAS ARTES-UNIVERSIDAD DE SEVILLA Curso: 2016-2017 TÍTULO: ¿Arte, crítica y reflexión? AUTOR: Pedro Almeida García TUTOR/A: Áurea Muñoz del Amo Vo. Bo. DEL TUTOR: 1. Trabajos ARTÍSTICAS 2. DESARROLLO TEÓRICO 2.1 ¿Quién soy? 2.1.1 Presentación 2.1.2 Posicionamiento Artístico 2.2 ¿Qué es lo que hago? 2.3 ¿Cómo lo hago? 2.3.1 Sobre el proceso creativo 2.4 ¿Por qué lo hago? 2.4.1 Sobre la necesidad de hacer Arte Crítico 2.5 ¿Por qué la crítica es el elemento central en mi obra? 2.6 ¿Cuándo empieza el Arte a ser Crítico? 2.7 ¿Qué artistas críticos me interesan? 2.7.1 - Jonh Heartfield 2.7.2 - Joe Webb 2.7.3 - Duane Hanson 2.7.4 - Ai Wiewei 2.7.5 - Banksy 9 23 24 25 25 26 30 34 36 40 42 44 51 52 54 56 58 60 6 2.7.6 - Pawel Kuczynsk 2.7.7 -Francisco de Pájaro 2.7.8 - Luis Quiles 2.7.9 -Colectivo Brandalism 2.7.10 -Vermibus 2.8 ¿Qué criticar a través del Arte? 2.9 ¿Cómo criticar a través del Arte? 2.10 ¿Para qué sirve el Arte Crítico? 2.11 ¿Por qué el fin es la Reflexión? 2.12 Conclusión 2.13 Bibliografía 2.14 Índice de imágenes 3. PROPUESTA DE INTEGRACIÓN PROFESIONAL: 3.1 ¿Cómo puedo seguir creando y vivir del arte? 3.2 Conseguir mis objetivos de forma progresiva 3.3 Vivir del arte. Vía Académica 3.4 Vivir del arte. Vía Artística 4. Anexo 4.1 Dossier 62 64 66 68 70 72 74 76 78 80 82 84 87 88 88 90 92 99 100 7 8 9 TRABAJOS ARTíSTICOS 16 Serie H06AR35, 2016 Fotografía Digital, Dimensiones: 82 x 55 cm 17 Serie H06AR35, 2016 Fotografía Digital, Dimensiones: 70 x 60 cm 18 Serie H06AR35, 2016 Serigrafía, Dimensiones: 70 x 50 cm (cada pieza) 19 Serie Fármacos, (cuatro de doce piezas) Serigrafía sobre papel, Dimensiones: 70 x 50 cm (cada pieza) 20 21 22 23 DESARROLLO TEÓRICO 24 ¿Quién soy? 25 Me llamo Pedro Almeida García, nací en la ciudad de Sevilla en el año 1993. Desde que recuerdo he tenido inquietud hacia las artes. Durante mi adolescencia desarrollé un profundo sentido crítico que hoy combino con la creación plástica. Práctica que he ido perfeccionando durante mis años de formación; desde que en el año 2011 entré en la Escuela de Artes de Sevilla para estudiar Bachillerato Artístico y, más tarde, en 2013 en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla. Mis años en la facultad me han dado la oportunidad de madurar artística e intelectualmente y eso me ha servido para posicionarme. Quiero que se entienda que cuando hablo de posicionamiento no me estoy refiriendo a un posicionamiento estético o técnico. Me refiero a un posicionamiento personal, a una manera de ser, una manera de hacer. En este sentido, desde el respeto a todos los artistas, considero que cada creador debe ser único. No creo en las “escuelas” ni en las ”etiquetas”, de ahí que haya empleado este Trabajo Fin de Grado para sentar las bases de lo que podría entenderse como mi propio “Tratado Artístico”. Posicionamineto artístico Presentación 32 Cuando realizo mi obra, medito y voy imaginando cuál va a ser el resultado. Siempre abierto ante las posibles sorpresas que el proceso creativo brinda. Igualmente trato de materializar la obra tomando mis propias decisiones, arriesgándome y asumiendo las consecuencias. Aún así debo aclarar que en ocasiones es necesario delegar en otras personas o máquinas ciertos trabajos que uno no puede realizar por sí solo, pero eso es diferente al hecho de que otros hagan parte del trabajo en tu lugar. En mi opinión el arte no consiste en generar obras sin más, como si de una fábrica se tratara. Entiendo que el mercado del arte induzca a llevar determinados ritmos, pues funciona como el resto de los mercados, ofreciendo una mercancía ajustada a la demanda. Pero el Arte no, el arte, entendido como una vía de expresión, no es un mercado. O al menos no debería serlo en esencia, solo en consecuencia. Sin embargo, existen numerosos artistas que conciben su producción a gran escala, como el artista británico Damien Hirst: “Rembrandt, Velázquez y Goya, todos ellos pensaban, creo yo, en los aspectos comerciales del arte. Yo me limito a hacer lo que harían ellos si estuviesen vivos” (HIRST citado por RÁBAGOS, 2008). Yo no pongo en duda la afirmación de Hirst. Lo que sí me pregunto, es si estos maestros del arte clásico le dedicaban tanto tiempo como Damient Hirst a los aspectos comerciales del arte, o si se lo dedicaban a su propia obra. 33 34 Cuando me encuentro en una etapa creativa trato de revisar todo lo que he ido recopilando, guardando y archivando en mi ordenador o móvil, buscando el detonante que me inspire para trabajar. Considero que hay un tema, una fuente de inspiración en cada esquina. Si eres observador y tienes un poco de empatía te das cuenta de que hay mucho de que hablar y que hay mucho que aportar, en mi caso a través de un empleo crítico del arte. En este sentido entiendo que, aunque el arte normalmente no supone una solución directa de los problemas, sí que tiene una enorme capacidad de concienciación y puede inspirar grandes actos. Mi proceso creativo seguramente no sea diferente al de muchos compañeros, ya que no es más que una metodología de trabajo que he ido construyendo durante mis años de estudio. No obstante, entiendo que mi proceso creativo podría dividirse en estas cuatro etapas: Análisis y documentación sobre el tema acerca del cual voy a trabajar. Búsqueda de una resolución técnica apropiada para dicho tema. Realización de bocetos y borradores. Creación de la obra. Sobre el proceso creativo 35 36 ¿Por qué lo hago? 37 2En referencia al apoyo que encontraron en las formas clásicas grecolatinas. Creo que los artistas del Renacimiento tenían el objetivo de demostrar que el ser humano estaba por encima de lo que había logrado hasta entonces. Realmente se superaban a ellos mismos no solo en la búsqueda de nuevos horizontes de conocimiento, sino demostrándose y mostrándole al resto del mundo que el ser humano se podía superar como nunca antes lo había hecho. Estos artistas, que comenzaron mirando hacia atrás2 con la nostalgia de un pasado glorioso estaban haciendo ya una crítica de su presente. Y esa crítica que hacían del momento que estaban viviendo les llevó a hacerse preguntas y a reflexionar. Esa reflexión, en forma de creación, fue su demostración de que la humanidad podía avanzar. Los artistas renacentistas superaron los modelos arcaicos, arrojando luz al conocimiento y disipando la oscuridad del medievo. Un claro ejemplo del pensamiento renacentista y del espíritu de superación nos lo muestra el humanista y pensador Giovanni Pico della Mirandola, en su obra Discurso sobre la Dignidad del Hombre: “No te hemos dado -dice Diossemblante ni capacidades propiamente tuyas (…) En tu mano está embrutecerte, descendiendo a las formas inferiores de vida, o ensalzarte por tu propia decisión a los niveles superiores de la vida divina. (…) Entendamos, pues, que somos criaturas nacidas con el don de llegar a ser lo que queramos ser, y que una especie de elevada ambición invada nuestro espíritu, de modo que, despreciando la mediocridad, ardamos en deseo de cosas superiores y, puesto que podemos alcanzarlas, dirijamos todas nuestras energías a tenerlas.” (PICO DELLA MIRAN DOLA citado por RACIONERO, 2004: 21) Hoy el ser humano no se plantea la existencia de límites insuperables, muy al contrario, continúa superando retos. Sin embargo, personalmente creo que hemos avanzado tanto en ciertos aspectos como hemos retrocedido en otros, sobretodo desde finales del siglo XIX. Y me pregunto: ¿todo ha sido gracias al sistema que adoptamos? 38 “Por ejemplo, tras la aparición del capitalismo en la Europa occidental, la adquisición competitiva de riqueza se convirtió una vez más en el criterio fundamental para alcanzar el estatus de gran hombre. (…) Durante los primeros años del capitalismo se confería el mayor prestigio a los que eran más ricos pero vivían más frugalmente. Más adelante, cuando sus fortunas se hicieron más seguras, la clase alta capitalista recurrió al consumo y despilfarro conspicuos en gran escala para impresionar a sus rivales. (…)Entretanto, las clases media y baja continuaban asignando el mayor prestigio a los que trabajaban más, gastaban menos y se oponían con sobriedad a cualquier forma de consumo y despilfarro conspicuos. Pero como el crecimiento de la capacidad industrial comenzaba a saturar el mercado de los consumidores, había que desarraigar a las clases media y baja de sus hábitos vulgares. La publicidad y los medios de comunicación de masas aunaron sus fuerzas para inducir a la clase media y baja a dejar de ahorrar y a comprar, consumir, despilfarrar o gastar cantidades de bienes y servicios cada vez mayores. De ahí que los buscadores de estatus de la clase media confirieran el prestigio más alto al consumidor más importante y más conspicuo.” (HARRIS, 2014: 147) Las ideas sobre las que se sostiene el mundo han sido redefinidas tantas veces que ahora todo resulta indefinido. La ética y la moral parece que ya no importan y que los valores que se pensaba que sostenían el mundo ya no tienen defensores. Por lo que si se pretende criticar el presente por esta vía, dicho intento sería automáticamente neutralizado por la ambigüedad del contexto, siendo finalmente ineficaz; convirtiendo a la propia crítica en una especie de anécdota. Algunos artistas contemporáneos, hambrientos de una fama efímera, han rebasado tanto los límites que no se pueden superar a sí mismos, mostrándose redundantes en su forma y en su fondo. Diría -a riesgo de estar equivocadoque vivimos en una nueva edad media y que las artes actuales, como forman parte del conjunto, también están decayendo. 39 “Pero, paradójicamente, cuanto más transgresivo se vuelven los gestos de los artistas, más condescendientes comienzan a ser los contextos de intermediación ya que el mercado del arte logra neutralizar la crítica incorporándola. El locus específico del arte se convierte en el lugar mismo del conflicto y de la resistencia, ofreciendo como espectáculo las reivindicaciones hechas por los mis mos artistas”. (MAZUECOS, 2008: 216) Paradójicamente, viviendo en un mundo a todo color y con más pantallas que nunca, volvemos a estar ciegos. “Ante el vertiginoso crecimiento del medio eléctrico, Marshal Mclu han, teórico de los medios, advertía en 1964: <<La tecnología eléctrica ya esta dentro de nuestros muros y estamos embotados, sordos, ciegos y mudos ante su encuentro con la tecnología de Gutemberg>>.1 Algo semejante sucede hoy con la tecnología digital. (…) Nos embriagamos hoy con el medio digital, sin que podamos valorar por completo las consecuencias de esta ebriaguez. Esta ceguera y la simultánea obnubilación constituyen la crisis actual”. (HAN, 2014: 11) Pero a pesar de todo somos capaces de más, y mi objetivo es, como hicieron los artistas del Renacimiento, demostrar que estamos por encima de nosotros mismos. Ese es el fin de mi obra, utilizar la crítica como despertador de conciencias. Intentar que empecemos a reflexionar y a mejorar. Hemos llegado muy lejos, pero podemos hacerlo mejor. 40 Sobre la necesidad de hacer Arte Crítico 41 Siento que tengo la necesidad de hacer arte porque es la mejor manera en la que puedo expresarme. Y al expresarme, aflora mi visión crítica de la sociedad. Para mi, la crítica es casi una obligación moral. No concibo una vida cuadriculada y estructurada para avanzar hacia delante sin preguntarme el porqué de las cosas que suceden a mi alrededor. Y la consecuencia de cuestionarlo todo, es que no puedes estar seguro de nada salvo de la propia duda. Como afirma René Descartes en su obra Discurso del método para conducir bien la razón y buscar la verdad en la ciencia: “Mi pensamiento, y por lo tanto mi existencia, es indudable a partir de lo cual puedo establecer nuevas certezas” Con la necesidad innata de expresarme mediante la creación artística y la voluntad de cuestionarlo todo, genero un discurso artístico propio con el que empezar a trabajar de manera más madura y consciente. Un discurso artístico que me ayude a cumplir el compromiso ético y moral que pienso que tienen los artistas para con la sociedad, y contribuir así a que ésta avance y vaya a mejor. 48 Para concluir con este apartado voy a citar un fragmento del artículo que escribió el artista y doctor en Historia del Arte Eugenio Garbuno Aviña para la revista electrónica Reflexiones Marginales, titulado “Arte crítico: más allá del arte contemporáneo”: “Una quinta acepción del Arte Crítico está orientada como crítica a a sociedad, no sólo desde el arte como ocurrió desde el romanticismo y el realismo, y luego continuó con las vanguardias históricas (expresionismo, dadaísmo, surrealismo), el muralismo mexicano, los grupos y acaso con algunas neovanguardias (el accionismo vienés, el arte povera), (…) Es una crítica al contrato social rousseau niano, al Leviatán de Hobbes, a la sociedad capitalista desde el marxismo, al Estado desde el anarquismo como filosofía política, al malestar en la cultura desde la metapsicología de Freud, a la civilización desde la dialéctica negativa de la teoría crítica de Adorno y Horkheimer; a la sociedad represora y represiva a partir de la liberación de Eros que propone Marcuse; a la sociedad del espectáculo que exhibe el situacionismo de Debord; la sociedad de la economía libidinal y del capitalismo y la esquizofrenia estudiada por los filósofos posestructuralistas del deseo, Lyotard, Deleuze y Guattari; a la sociedad de consumo posmoderna desde la socioficción y la teoría de la simulación de Baudrillard. En específico, se pretende Figura 4. Pablo Picasso, 1937 Guernica, Óleo sobre lienzo, 349,3 x 776,6 cm 49 una crítica a la sociedad mexicana, a su sistema político y económico, a los medios de comunicación masiva y su monopolización, a la dependencia económica de las grandes potencias imperialistas, al post colonialismo que es asimilado como un proceso de aculturación por los modelos hegemónicos, a la desaparición de las culturas originales de nuestro país por el exterminio de las etnias indígenas condenadas a la pobreza y el olvido, al empobrecimiento de la cultura popular reducida a la afición al futbol y el culto al estilo de vida de los narcotraficantes, a la importación de las modas culturales provenientes de Europa y Estados Unidos, a la aceptación acrítica del modelo mainstream”. 50 51 ¿Qué artistas críticos me interesan? 52 “El fotomontaje es una de las contra-imágenes del poder más importantes del siglo XX.(…) John Heartfield nació en 1891 en Berlín. Su nombre oficial era Helmut Herzfelde, pero decidió anglicanizarlo tras surgir un fuerte sentimiento anti-inglés en Alemania(…) Durante estos años surgen los primeros fotomontajes, avalados por los dadaístas por sus connotaciones mecánicas. (…) En 1918 Heartfield entró a formar parte del recién formado Partido Comunista Alemán. Y es que su implicación política podrá verse a lo largo de toda su obra, ya que fue uno de los primeros que usó el fotomontaje como imagen política. Así, se alejaba de esos primeros planteamientos dadaístas contra todo, y se centraba en la propaganda del lado del comunismo. Con el tiempo perfeccionará la técnica, pasando de los primeros fotomontajes más cercanos al collage, a otros en los que ya no podremos prácticamente ver la mano del autor en la modificación de la imagen. JOHN HEARTFIELD La crítica que Jonh Heartfield hacía con sus obras me parece admirable, ya que realmente le comprometía hasta el punto de vivir en el exilio. Hoy los temas que él trataba siguen estando al orden del día, aunque los protagonistas no sean los mismos, por lo que sus obras continúan resultando plenamente vigentes. Figura 5. John Heartfield, 1932 A dolf superhombre, traga oro y Caños basura Fotomontaje sobre papel, 3 5,4 x 24,6 cm 53 JOHN HEARTFIELD Su producción más importante la realizó entre 1930 y 1938 (…) Esos años además fueron complicados, ya que cuando Hitler ganó las elecciones en 1933 tuvo que huir a Praga, aunque siguió publicando para la revista desde allí. Los fotomontajes aludirán a todos los conflictos instigados por las potencias fascistas en los años treinta. Hitler y las figuras más importantes del nazismo serán los personajes más tratados. Éstos aparecerán siempre parodiados, pero no sólo con la intención de ridiculizar a los representados, sino que quería promover la crítica en los lectores de la revista. (…) Su imagen más famosa sin duda es la de Hitler el superhombre: traga oro y suelta chatarra. A modo de radiografía, vemos a Hitler y su columna vertebral compuesta de monedas de oro. Está criticando cómo se produjo el ascenso de Hitler y el nazismo en Alemania, apoyados por las grandes fortunas. Además, deja en evidencia la contradicción entre la retórica anticapitalista nazi, y sus prácticas procapitalistas después.” (HERRERO) Figura 6. John Heartfield, 1931 Die letzte Weisheit der SPD: “Nieder mit dem Marxismus!”, Arbeiter Illustrierte Zeitung (The ultimate wisdom of the Social Democratic Party: “Down with Marxism!”, from the Workers’ Illustrated News , Vol. 10, No. 27, JOE WEBB “Joe Webb está a punto de llenar su ciudad natal original, en este momento fascinante de su historia, con sus agudas visiones de la vida del siglo XXI. (…) A pesar de lo bellas que son sus imágenes, constantemente hacen alusión a las muchas verdades incómodas que subyacen a las brillantes superficies del mundo moderno. ¿Qué artista ha tenido la mayor influencia en tu práctica? <<Rauschenberg: la forma en que usa imágenes políticas como JFK, ojivas nucleares y lanzaderas espaciales. Él estaba haciendo arte de las noticias en ese momento y realmente captura ese momento de la historia. Él collaged con serigrafía. Me gusta la forma en que sus lienzos tienen fuertes referencias fotográficas, pero se ven pictóricos y expresivos, todo al mismo tiempo>>. En tu trabajo, no evitas abordar grandes problemas. ¿Cuál crees que es el mayor problema que enfrenta el mundo en este momento? <<La aniquilación nuclear es bastante importante en este momento. Los líderes mundiales armados hasta los dientes con armas nucleares mientras lanzan insultos pueriles es profundamente inquietante>>. ¿Estás más inspirado por cosas que te llenan de alegría o cosas que te hacen enojar? <<Intento tener un equilibrio tanto oscuro como ligero. Por lo general, intento inyectar algo de humor en un tema difícil. Me ayuda a lidiar con problemas a veces bastante sombríos y lo hace más aceptable para el espectador. Espero que después de que inicialmente vean una imagen retro ‘genial’ empiecen a pensar más profundamente sobre las capas subyacentes>>. 54 De todos los trabajos que ha realizado, ¿cuál es su favorito? <<Una pieza titulada Sed . Está analizando el colonialismo británico en Australia y el efecto devastador que ha tenido sobre los aborígenes. ¡Solo los británicos podrían invadir la mitad del mundo y luego protestar por la inmigración! El trabajo presenta a un hombre aborigen bebiendo de un manantial que está siendo contaminado por una mano gigante que vierte whisky. Es un collage muy temprano que me mostró cómo la edición simple de imágenes puede abordar temas complicados y poco frecuentes. Hay demasiado arte que es simplemente diseño de interiores, quiero contra eso y decir algo sobre el mundo en el que vivimos>>. Fragmento de entrevista. Joe Webb me interesa principalmente por su mensaje crítico y por su uso directo de la ironía. Juega con imágenes que no son desagradables a primera vista, pero que extrañan al espectador y le invitan a la reflexión. Figura 7. Joe Webb, 2016 Before the War Collage 55 “Utilizando nuevos materiales como resinas, poliéster, postizos, vestidos y objetos reales para conseguir esta ambigüedad entre lo real y lo fabricado.(...) Pero junto a esta primera impresión que genera la hiperrealidad, la DUANE HANSON Para algunos lo más destacable de las aportaciones que hizo Duane Hanson tiene que ver con la introducción de nuevos materiales en el campo de la escultura, sin embargo yo creo que lo realmente destacable era la intención crítica que tenía el artista y, que los materiales que introdujo, solo le ayudaban a conseguir ese objetivo. De este modo, de Duane Hanson, subrayaría su voluntad de encontrar las soluciones técnicas necesarias para transmitir su discurso de la forma más afinada posible; lo que en su caso pasaba por el “trampantojo” visual. Figura 8. Duane Hanson, 1988 Tourists Escultura 56 DUANE HANSON obra de Hanson tiene otros méritos que, habitualmente, suelen quedar en un segundo plano, siendo acaso lo más importante (y duradero) de su obra. Está, sobre todo, una visión crítica de la América moderna. Más allá del parecido con lo real, ¿qué más nos provoca? Como veis hay un mensaje crítico más allá del puro impacto visual, y en su obra desfila toda esa América menos glamorosade la clase media estadounidense de vidas vacías, alienada, monótona… La cara contraria a la imagen que pretende proyectar Hollywood con sus grandes producciones. En la obra de Hanson no hay espacio para las grandes estrellas ni sus vidas de cuento, sólo una realidad dura, sin estilismo, peluquería ni maquillaje.” (JONES) 57 Figura 12. Francisco de pájaro art is crash intervención urbana 64 FRANCISCO DE PÁJARO “Me llamo Francisco de Pájaro (1970), Zafra (España). Comienzo a dibujar y a pintar con dedicación a partir de 1.990 en mi pueblo natal, paralelamente, trabajando en todo tipo de trabajos del sistema laboral. En 1.993-5 ingreso en la Escuela de Arte Aplicadas de Mérida (Badajoz). Decido abandonar los estudios donde tan solo estuve una año y medio. De vuelta a mi pueblo, soy co-fundador de Rotuletto. Una empresa dedicada a la rotulación, cartelería y pinturas decorativas. En el año 2.002 abandono todo y me voy a vivir a Londres para dedicarme al arte por completo donde más tarde fracaso al no poder adaptarme a la ciudad. Viajo la primera vez a Barcelona a finales del 2.003 y decido quedarme a vivir en la ciudad Condal. Para sobrevivir trabajo en un sin fin de trabajos precarios. A mediados del 2.009 decido salir por primera vez a las calles de Barcelona a pintar en la basura por un cúmulo de circunstancias negativas: La estafa económica de España, la precariedad laboral, la prohibición de expresarse en la calle con libertad, la negatividad de las galerías de arte en exponer mis pinturas y finalmente; mi frustración como artista. Todas estas decepciones y desilusiones se convertirían en una bomba de relojería de manera natural donde lo llamaría: El Arte Es Basura (Art is Trash). El Arte Es Basura (Art is Trash): Es un disfraz de anti-héroe que sirve para la acción de pintar en los objetos abandonados en la calle para criticar con libertad todo aquello que me genera aversión y me inquieta. Todo lo que hago en la calle es radicalmente ESPONTÁNEO, accidental e instintivo. Toda mi inspiración se basa en mi estado de ánimo. La intención es pintar rápido y sin tecnicismos académicos para dejar un mensaje simple y claro al ciudadano. El arte, no solo está en las galerías para apreciarlo o en los museos de las instituciones donde ha sido secuestrado por intereses políticos y económicos. El arte puro nos pertenece a nosotros, al pueblo, a los obreros esclavizados”. (DE PÁJARO) Francisco de Pájaro me resulta súmamente inspirador, tanto por su fondo como por su forma. Sus intervenciones van al meollo de lo que pretende criticar. De Pájaro construye sus piezas aprovechando la basura de las calles de la ciudad, entendiendo la basura como un desecho del sistema en sentido literal y figurado. La basura es lo que sobra del sistema, lo que no encaja y nadie quiere mirar. 65 66 “Que una imagen dice mucho más que mil palabras puede sonar a cliché, pero al usarlo para describir el trabajo de Luis Quiles, ilustrador español, resulta ser más que conveniente. Y es que ver algunas de sus ilustraciones es dar un vistazo a todo un discurso de crítica social y cultural encerrado en un pequeño espacio. La calidad estética de sus personajes parece contrastar con el contexto en el que se sitúan, ese es uno de los primeros detalles que sorprenden al momento de acercarse al trabajo de Luis Quiles, ya que los rasgos de aparente ingenuidad y serenidad, en algunos casos, de pronto se ven subyugados por una realidad que puede parecer difícil de asimilar para algunas personas. Lo de Luis Quiles es la crítica, pero una fundamentada en el acontecer diario que suele desfilar ante los seres humanos en los distintos medios de comunicación, los mismos que bombardean con tanta información negativa que, por la repetición, pareciera haber vuelto al hombre inmune al mensaje. Es por este motivo, quizá, que este artista ha preferido dejar de lado el discurso aburrido y dogmático tradicional para, mediante el humor, hacer que el mensaje llegue a más personas de una manera más contundente. Temas como el racismo, la intolerancia, la misoginia, la doble moral, la cosificación sexual, la voracidad de políticos y grandes empresas son sólo una parte de la realidad que Quiles se encarga de desnudar (literal y metafóricamente) en sus ilustraciones, siempre con un agudo sentido de crítica y humor ácido.” (PÉREZ) LUIS QUILES Luis Quiles es un artista gráfico que busca la reacción inmediata, está actualizándose constantemente y en sus redes sociales es muy activo. Los temas que trata me parecen realmente relevantes, especialmente en el ámbito occidental. El juego que hace de comparativas entre extremos opuestos y la voluntad de ridiculizar al sistema en sus ilustraciones me resultan muy atractivos. Figura 13. Luis Quiles Ilustración Digital 67 “Podemos contraatacar examinando de modo crítico los mensajes de la publicidad, que nos anima a tener una relación íntima con los objetos para que pensemos que en ellos está la felicidad”, dice un portavoz anónimo de Brandalism. El proyecto del colectivo —cuyo nombre en inglés es un juego de palabras entre brand (marca) y vandalism (vandalismo)— reúne a 26 artistas de todo el mundo que han decidido combatir con arte urbano “la omnipresencia de la publicidad en el espacio público y privado” y “el modo en que los anuncios afectan a la vida, la cultura y los sueños”. Instalan las obras en vallas publicitarias “espacios que tradicionalmente nos animan a consumir” de ciudades inglesas. Figuras consagradas como el creador estadounidense Ron English o artistas callejeros como el francés OX contribuyen con obras que parodian mensajes famosos, modifican la intención de un anuncio o funcionan como una alegoría del consumo. La producción mecánica creó el sistema que lleva al consumo. La decisión de iniciar su batalla en Inglaterra no es casual: “Es el lugar de origen de la Revolución Industrial. La producción mecánica creó el capitalismo industrial, el sistema que conduce al consumo”. El colectivo también recuerda los disturbios que tuvieron lugar en Londres y en otras ciudades inglesas en 2011, donde algunas personas rompieron escaparates y saquearon tiendas. Según Brandalism, “el materialismo fue el factor clave” para que muchos se echaran a la calle a conseguir objetos que simbolizaban un estatus social y un éxito profesional que se les negaba”. (CARDENAL) La publicidad es la herramienta que utiliza el sistema capitalista para que la rueda continúe girando y nunca pare. El colectivo Brandalism redefine este medio y lo hace a través de la crítica, para generar una reflexión. Esa intención es también la mía. 68 Figura 14. Colectivo Brandalism, 2012 Warning, UK. 69 COLECTIVO BRANDALISM JFigura 15. Vermibus, 2013 MILÁN - ITALY, Disolving Europe Series. 70 71 ¿Vermibus es pintor, activista o artista urbano? Hoy por hoy siento que mi figura como artista se aproxima más a la de pintor, y así me considero, ya que ahora mismo siento que dicha disciplina se ajusta mejor a lo que quiero expresar. (…) También puede verse como activismo artístico dada la parte más política y social de lo que hago. Cuentas que tus herramientas de trabajo habituales son el disolvente y las llaves para abrir las marquesinas de donde extraes posters, y que te interesa pode deslocalizar tanto temporal como físicamente las obras, que se mueven por Europa. ¿Cómo trabajas? Suelo trabajar de forma muy espontánea e intuitiva, a pesar de que cada proyecto esté cuidado y meditado. A veces es difícil seguir ese ritmo, sobretodo para la gente que trabaja conmigo. ¿Qué persigues con esta transformación y desfiguración de la imagen? Mi trabajo es tanto una crítica a los cánones de belleza preimpuestos por la industria de la moda y la publicidad, como a los iconos que crean para servir a la sociedad de consumo que están tratando de imponer sobre el resto del mundo. Mi intención no es deshumanizar al modelo sino todo lo contrario. El modelo después del maquillaje y el retoque fotográfico es el que queda deshumanizado, transformando la persona en si misma en un elemento más dentro del conjunto de una marca. El individuo en sí no es importante en una campaña, sino los símbolos que representa”. (SENDRA) VERMIBUS Vermibus (artista español residente en Berlín), al igual que el colectivo Brandalism, utiliza el lenguaje publicitario para transformar ideas y conceptos y presentarlos de forma que inciten a la reflexión. Vermibus interviene directamente la publicidad de las marquesinas de la calle, y se centra en la crítica a los cánones de belleza impuestos por ésta. 72 ¿Qué criticar a través del Arte? 73 Esta pregunta se podría hacer también de la siguiente manera: ¿De qué hablar cuando se puede hablar de todo? Yo lo planteo de la siguiente manera: no hablo de lo que todo el mundo esté hablando o de lo que esté de moda. No critico nada que sea pasajero, como noticias o sucesos con fecha de caducidad. Aunque trabaje con temas actuales y a veces utilice el humor como vía para acercar ciertos temas al espectador, no soy un periodista que busca lo último ni un humorista que busca la risa fácil. Yo no hago arte, ni critico a través del arte para la inmediatez, aunque el mundo parezca que funcione así últimamente. Yo hago críticas que son profundas, que son a largo plazo y que generen reflexión igualmente que sirva a largo plazo. Actualmente los temas que critico son fundamentalmente sociales y políticos. Hago una crítica al sexismo desde la revisión histórica y religiosa, al igual que trato temas como la sobremedicación de los países del primer mundo o sobre la deshumanización de las nuevas tecnologías. 80 ¿Arte, crítica y reflexión? Esta es la pregunta que da comienzo a este trabajo académico. Una cuestión que resume los tres pilares fundamentales de mi discurso. En esta etapa de mi formación, la realización de este trabajo me ha servido fundamentalmente para dos cosas. Por un lado, para encontrar nuevos y valiosos referentes teóricos sobre los cuales sustentar mi obra artística. Por otro, para reflexionar profundamente sobre lo que quiero aportar al mundo como artista y como persona. Gracias a las cuestiones que he tenido que plantearme para dar forma a este trabajo he conseguido un nuevo grado de madurez artística, ya que me he visto en la tesitura de tener que ver mi obra desde una perspectiva teórica y no creativa. Era algo que nunca había hecho y ha resultado ser un ejercicio realmente útil. Esta práctica la tendré en cuenta a partir de ahora para futuros proyectos, ya que me ha ayudado a contextualizar y argumentar mucho mejor mi obra. Para finalizar he de decir que creo que se me da mejor hacer arte que hablar de ello. Aun así, me gustaría aclarar que considero que la discusión y teorización sobre el arte no debe traspasar el límite hacia la pretensión de verdad absoluta, porque no llegará a otra orilla que a la del dogmatismo. Algo tan reconocible y a la vez tan subjetivo como el arte, no puede seguir la comba de teorías cambiantes que van basculando según lo que les convenga a los más poderosos. Si algo nos ha enseñado la historia, es que los poderosos han sido siempre muy pocos. Mientras, los irrelevantes siempre hemos sido demasiados. Conclusión 81 82 Bibliografía AA.VV. , 2008. “Origen histórico de la filosofía”. En: Acfilosofía. [Consulta: 20 de noviembre de 2017]. Disponible en: https://www.acfilosofia.org/materialesmn/filosofia-y-ciudadania/el-saber-filosofi- co/598-origen-historico-de-la-filosofia BERGUER, John, et al., 2004. Modos de ver. Barcelona: Editorial Gustavo Gil, SA CARDENAL, Helena, 2012. “Los anuncios mienten casi tanto como los gobiernos, dice el colectivo urbano Brandalims”. 20 Minutos [en línea]. 03 de agosto de 2012 – 07:28h, Cultura, Artes [con-sulta: 16 de agosto de 2017]. 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Miguel Ángel, 1535 El Juicio Final (Detalle), Ábside de la Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano, Roma Fuente: http://turyarte.blogspot.com.es/2013/01/el-curioso-juicio-final-de-miguel-angel.html Figura 3. Goya, 1814 Los fusilamientos, Óleo sobre lienzo, 268 cm × 347 cm Fuente: https://i.pinimg.com/originals/ec/c6/b3/ecc6b33708d670e9ee7ef08803e05b12.jpg Figura 4. Pablo Picasso, 1937 Guernia, Óleo sobre lienzo, 349,3 x 776,6 cm Fuente: http://www.museoreinasofia.es/sites/default/files/obras/DE00050.jpg Figura 5. Figura X. John Heartfield, 1932. Adolf superhombre, traga oro y Caños basura. Fotomontaje sobre papel, 3 5,4 x 24,6 cm. Fuente: https://tallerescuelalaimagen.wordpress.com/page/6/ Figura 6. John Heartfield, 1931 Die letzte Weisheit der SPD: “Nieder mit dem Marxismus!”, Arbeiter Illustrierte Zeitung (The ultimate wisdom of the Social Democratic Party: “Down with Marxism!”, from the Workers’ Illustrated News, Vol. 10, No. 27, Fuente: https://www.fostinum.org/john-heartfield.html Figura 7. Joe Webb, 2016 Before the War Collage Fuente: http://www.joewebbart.com/2016/1/26/2016/1/26/before-the-war Figura 8. Duane Hanson, 1988 Tourists Escultura Fuente: https://imageobjecttext.com/tag/duane-hanson/ Figura 10. Ai Weiwei, 2010 The Unilever Series, sunflowerseeds, TATE MODERN Fuente: http://culturadesevilla.blogspot.com.es/2012/02/ai-weiwei-llegara-al-caac-en-septiembre. html 85 Figura 10. Banksy Bristol Graffiti Fuente: http://www.culturavia.com/blog/2016/01/05/banksy-obras/ Figura 11. Pawel Kuczynski Ilustración, Serie Facebook Fuente: https://www.trendir.com/cartoonist-pawel-kuczynski-takes-on-facebook-with-his-thou- ght-provoking-art/ Figura 12. Francisco de Pájaro art is crash intervención urbana Fuente: https://www.enkil.org/2013/09/09/francisco-de-pajaro-art-is-trash/ Figura 13. Luis Quiles Ilustración Digital Fuente: http://cogollando.com/abracadabra-la-critica-se-transforma-en-arte-luis-quiles/luis-quiles/ Figura 14. Colectivo Brandalism, 2012 Warning, UK. Fuente: http://www.20minutos.es/fotos/cultura/anuncios-antianuncio-8773/5/ Figura 15. Vermibus, 2013 MILAN - ITALY, Disolving Europe Series. Fuente: http://www.itfashion.com/cultura/arte-y-parte/vermibus-disolviendo-la-publicidad/ 86 87 PROPUESTA DE INTEGRACIÓN PROFESIONAL 88 ¿Cómo puedo seguir creando y vivir del arte? Conseguir mis objetivos de forma progresiva Todo depende de qué se entiende por vivir del arte. Para mi vivir del arte no comprende solo el hecho de realizar una obra y especular con ella. Para mi el hecho de vivir del arte abarca muchas más posibilidades. Realmente creo que vivir del arte significa vivir dentro del arte, ya sea como artista, teórico o docente. Por ello creo que existe un amplio abanico de posibilidades y yo podría combinar alguna de ellas. Para conseguir mis objetivos profesionales he planificado un método dividido en dos caminos que correrán de forma paralela en el tiempo. Hablo de una vía académica y laboral y, por otro lado, vía artística personal. Ambas las realizaré en paralelo. 89 96 Página web oficial En esta página web se podrá encontrar información personal sobre mi y mi obra, se actualizará cada vez que termine una colección y ésta haya sido expuesta. YouTube Este será mi medio de comunicación directa con mis seguidores, será como mi ventana al mundo. La propuesta inicial es que funcione como video blog y sea como si el que me ve estuviera viendo anduviera dentro de mi estudio. En este canal habrá vídeos de todo lo que tiene que ver con el arte, de procesos de creación, técnica y procedimientos y algún que otro vídeo sobre mi obra artística. 97 Instagram Este será un perfil profesional, se entenderá como una suerte de diario de artista, donde cada día suba obras, procesos y vídeos. Se actualizará cada día. Página de Facebook En esta página de Facebook se colgarán todas las obras que vaya realizando y todas las noticias relacionadas con mi trabajo personal. Exposiciones, prensa, concursos… Se actualizará casi a diario. 98 99 ANEXO 100 Dossier Pedro Almeida García Dossier de obras 2015 / 2017 Serie Conciencias vacías, 2015 Transfer y acrílico sobre tabla, Dimensiones: 20 x 20 cm (cada pieza) CRUX, 2016 Óleo sobre tabla, Dimensiones:114 x 146 cm CRUX, 2016 Óleo sobre tabla, Dimensiones:114 x 146 cm Serie: Conceptos Serigrafía REFLEXI Ó N CR Í TICA