Retrato de lo familiar: explorando el concepto de lo cotidiano

RETRATO DE LO FAMILIAR explorando el concepto de lo cotidiano Jaime Torrisco González Grado en Bellas Artes UNIVERSIDAD DE SEVILLA 2023-2024 TRABAJO FIN DE GRADO GRADO EN BELLAS ARTES - UNIVERSIDAD DE SEVILLA 2023-2024 RETRATO DE LO FAMILIAR: explorando el concepto de lo cotidiano JAIME TORRISCO GONZÁLEZ Tutor: Norberto Álvarez Gil 5 INTRODUCCIÓN MARCO TEÓRICO CONCEPTO DE LO COTIDIANO EL SURGIR DE UNA MIRADA MÁS PERSONAL DEL ENTORNO Escape hacia una realidad más próxima e íntima, siglo XVII. Rembrandt y Vermeer Velázquez y la pintura de género en España, siglo XVII DEL RETRATO DE UNA SOCIEDAD ABURGUESADA AL CALOR DE UNA MADRE. LOS SIGLOS XVIII Y XIX. Rococó. La vida burguesa como punto de partida Realismo. Courbet y Millet, una nueva versión de lo cotidiano Prevanguardias - Impresionismo: Sorolla y el calor de una madre NUEVAS INTERPRETACIONES DE LA REALIDAD. SIGLO XX Londres España NUEVAS GENERACIONES. SIGLO XXI Paco Lafarga Santi Pina Amaya Gurpide REFLEXIÓN Y BÚSQUEDA DE MI REALIDAD MÁS ÍNTIMA CONCLUSIONES OBRAS NOTAS INDICE DE ILUSTRACIONES Y APORTACIONES BIBLIOGRAFÍA 8-63 9 10-13 14-17 18-23 24-29 30-39 41-45 46-47 48-50 51-53 54-57 58-61 63-65 67-99 101-103 104-108 109-111 ÍNDICE 6-7 7 En el presente trabajo hablaremos acerca del retrato en los albores de lo cotidiano, todo ello desde el ámbito dibujístico y pictórico. Para llevarlo a cabo, tendremos en cuenta el entorno más próximo, así como mi propia experiencia como individuo y artista. Para fundamentar la temática que se abordará, haremos un breve repaso por la historia del arte, teniendo como punto de partida el siglo XVII y el origen de una nueva concepción del arte, valorando la experiencia personal e individual del artista y a su vez el entorno que lo rodea, dejando así de lado temáticas y estudios al servicio de una esfera de poder, todo ello para concluir con el contexto artístico actual, centrándose sobre todo en una selección de artistas nacionales que han dado pie a una estética y evolución personal de mi obra. Esta proyección histórica tendrá en cuenta el contexto histórico sobre el que los artistas seleccionados, en su mayoría referentes para entender mi evolución plástica, han tenido que resolver distintas problemáticas acordes a su época, siendo cada una decisiva, legando así un amplísimo número de interpretaciones y ramas que encontramos en el siglo XXI. A su vez, este proyecto no dejará de ser una continua meditación y reflexión acerca del concepto de lo cotidiano, elemento esencial sobre el que pivota esta investigación, teniendo como resultado una definición personal de lo que este significa y cómo a su vez condiciona y modela la temática de mi producción. Con un contexto ya formado, trataremos de dar respuesta y justificación al proyecto personal, resultado de los cuatro años de formación en la universidad, tomando como producto final la producción pictórica y dibujística llevada a cabo en el último año de carrera, sin dejar de lado ciertas obras de cursos anteriores, con el fin de entender de la forma más completa posible el proceso que se ha llevado a cabo. INTRODUCCIÓN 9 Sería imprescindible comenzar este trabajo hablando de lo cotidiano, dando una primera acepción de este complejo término. La RAE, Real Academia Española, define la palabra, o, mejor dicho, el concepto, con un solo adjetivo, “diario”, es decir, algo ordinario, frecuente, habitual y regular. El término es por tanto algo completamente ambiguo, poco preciso. Cuando hablamos de lo diario o habitual, hablamos de algo estrictamente personal. Lo cotidiano va fuertemente ligado a la experiencia personal, a la educación, a la infancia y en definitiva a todo aquello que compone nuestra vida desde que somos pequeños. Por ello resulta imposible definir con exactitud este concepto, y es por esto por lo que a su vez ha sido y es uno de los más usados y extendidos dentro del mundo del arte, ya que permite un acercamiento y conexión con la obra de un modo completamente incomparable, tanto para el creador, como para el espectador. Lo cotidiano puede abarcar desde el desayuno que tomas por las mañanas, hasta el simple y aparentemente insignificante hecho de llevar unas gafas; desde tu hogar, hasta la simple textura que compone el paso del tiempo en un muro. Es un término amplísimo, pero rico en imágenes, elemento principal del artista visual. MARCO TEÓRICO EL SURGIR DE UNA MIRADA MÁS PERSONAL DEL ENTORNO - Escape hacia una realidad más próxima e íntima, siglo XVII. Rembrandt y Vermeer Durante muchos siglos el arte ha estado relegado casi por completo al servicio de los mayores cargos de poder, ya sea la iglesia o la más alta nobleza y los reyes, como dos de los más sobresalientes. Todo lo producido durante el inicio del cristianismo hasta prácticamente el romanticismo y realismo en el siglo XVIII, exceptuando puntualmente algunos artistas y obras contadas, fue en detrimento de la expresión personal y más estrechamente ligada con la reflexión propia del individuo y su realidad vital, en aras de un estrato social mejor posicionado y de un reconocido nivel social mayor, algo que no parecía ocurrir con tanta evidencia en tiempos anteriores, en los que plasmar lo más “mundano” y frecuente era parte de la concepción de lo bello. Algunos de esos artistas que sí consiguieron romper esos moldes, representando de un modo mayormente contemplativo lo que en ese momento era lo habitual, callejero y diario, eran Rembrandt y Vermeer. Rembrandt, pintor neerlandés del barroco, supo distanciarse, por poco que fuese, de estas esferas, siendo sus autorretratos, la mayor aportación del artista para la posteridad. Consiguió dotar al retrato de una nueva dimensión, mucho más natural y a la vez agresiva, en cuanto a técnica se refiere, que servirá de precedente para artistas venideros, y que, junto con Velázquez, constituirán una nueva forma de abordar el retrato. Alguno de los retratos que podemos destacar de él son Autorretrato con gorjal de hacia 1629; Autorretrato de 1640 o Autorretrato a la edad de 63 años de 1669, tres obras en las que el artista se pinta así mismo y nos muestra como envejece y cambia con el tiempo, lo que nos hace reflexionar también acerca de cómo su entorno evoluciona con él, observación que podemos hacer mediante el tratamiento y la forma en la que se enfrenta al lienzo. 11 Ilustración 1: Muchacha leyendo una carta, 1657. Vermeer 13 EL SURGIR DE UNA MIRADA MÁS PERSONAL DEL ENTORNO - Ilustración 2: Estudio (EL astrónomo Vermeer), 2022. Jaime Torrisco Esta necesidad de reflejar el paso del tiempo quizás sea una de las premisas que nos ayudan a entender parte del interés en lo cotidiano y la importancia que guardan ambos conceptos. Otro de los pintores de la época, coetáneos de Rembrandt, y que no podemos pasar por alto es Johannes Vermeer. Este pintor holandés es, junto a Rembrandt, uno de los artistas más prolíficos en lo que al tema del que aquí estamos tratando, se refiere. A diferencia de Rembrandt, Vermeer se adentra mucho más en el aspecto de lo cotidiano, siendo conocido por sus numerosas escenas de interior en las que podemos observar a los protagonistas, en su mayoría gente de la nobleza holandesa y sus sirvientes, realizar numerosas actividades acordes a su día a día, así como simples momentos que se dan de manera natural en dicho espacio temporal. Obras como La callejuela de 1657-58, La lechera de 1658 o La muchacha del collar de perlas y La lectora en azul ambas de 1662-66, son un claro ejemplo del dominio técnico del artista, así como de su preocupación por entender el espacio y el momento que vive, sin recurrir a las ya clásicas composiciones de planos abiertos en los que el retratado es consciente de serlo, aportando así una nueva visión a la composición de escenas domésticas de interior. Vermeer pretendía dar a conocer lo oculto, siempre desde un punto de vista casi teatral, empleando en repetidas veces el recurso de la cortina, elemento separador que añade mucha más profundidad a la composición y que, de cierta manera, parece hacer partícipe al espectador, pudiendo este ser uno más de la sala. Ambos artistas holandeses presentan nuevos enfoques para un tema en concreto, aunque siempre desde una mirada más contemplativa, recurriendo a la figura humana como elemento con el que narrar una historia, un momento. Esta concepción será recogida y practicada por numerosos artistas de los siglos venideros. - EL SURGIR DE UNA MIRADA MÁS PERSONAL DEL ENTORNO 12 Velázquez y la pintura de género en España, siglo XVII. Tras esto, y si bien el siglo de oro de la pintura holandesa ha sido una parte bastante importante para entender parte del arte actual, quizás sea en España donde mejor podamos observar esta aparentemente nueva necesidad de preocuparse por el entorno, todo de la mano de artistas como Velázquez, quien a pesar de estar fuertemente ligado al poder de la época, como pintor de la corte, este se tomaría la licencia de dar a conocer aquellas escenas y personajes quizás no tan comunes dentro de lo que, para aquel entonces, era el arte. Velázquez es reconocido por su papel fundamental en la concepción de lo que sería la pintura en los próximos años. Su producción es considerablemente extensa, teniendo en cuenta la pérdida de obras que supuso el incendio del Real Alcázar de Madrid en el año 1734.1 El grueso de dicha producción lo realizaría en Madrid como pintor de la corte, retratando al monarca y su familia, así como parte de la nobleza que conformaba el círculo real. Otro de los temas recurrentes en la obra de Velázquez y que también ocuparía buena parte de su producción eran los motivos mitológicos. A comienzos de los años 20, con su primera aparición en la corte en 1622, Velázquez consigue rápido el apoyo del rey, alcanzando el título de Pintor de Felipe VI. Este contexto propiciará la continuación de los estudios del pintor en diversos entornos, siendo el más significativo los viajes que realiza a Italia, teniendo lugar el primero a finales de los años 20, 1629, donde tiene la oportunidad de estudiar a los grandes genios del renacimiento. Este viaje, junto con la presencia de Rubens en la capital, cuya influencia y admiración por Tiziano le llevarán a realizar su primer cuadro de carácter mitológico, Los Borrachos (1628), o Baco, será el comienzo de la obra de carácter mitológico de Velázquez.2 EL SURGIR DE UNA MIRADA MÁS PERSONAL DEL ENTORNO - 15 Ilustración 3: El aguador de Sevilla, 1620. Velázquez EL SURGIR DE UNA MIRADA MÁS PERSONAL DEL ENTORNO - una vez inmerso en la corte no volverá a tratar más los temas de género, como menciona Enriqueta Harris en su libro Velázquez. El retrato de Felipe IV logró también para el joven artista sevillano, la aprobación de Olivares quien, según Pacheco, le prometió que en adelante sería el único retratista del Rey. […] Desde ahora Velázquez iba a estar ocupado sobre todo con los retratos, dejando testimonio de los rasgos en los miembros de la familia real y de la corte. Sólo ocasionalmente se le pediría que pintara temas religiosos, históricos o mitológicos y nunca, hasta donde sabemos, volvió a pintar temas de género. 17 Ilustración 4: Vieja friendo huevos, 1618. Velázquez. - EL SURGIR DE UNA MIRADA MÁS PERSONAL DEL ENTORNO Sin embargo, es su obra anterior, la de juventud, la que más interesante resulta para esta investigación, más concretamente la de carácter naturalista con predilección por los motivos típicamente españoles. En esta primerísima etapa, o lo que se tiene conocimiento de ella, que tampoco es demasiado, al contrario que las etapas posteriores que anteriormente nombramos, Velázquez trata de aprender el oficio junto a su maestro Pacheco, quien rápidamente reconocería el valor y virtuosismo del joven. Una de las obras con datación más antiguas y que se enmarca en este periodo, es Vieja friendo huevos, de 1618. En ella, además del incuestionable valor pictórico que tiene, es importante destacar la temática. Velázquez realizará un número contado de obras en las que el motivo representado sea la propia vida de la sociedad, escenas que pertenecían a aquella parte de la población más alejada de la nobleza y que forman parte de la llamada pintura de género, entendida por muchos como la antecesora del costumbrismo y el realismo que se da dos siglos más tarde, en convivencia con el romanticismo. Esta obra, Vieja friendo huevos, refleja ya la estética del gran pintor que hoy en día conocemos, caracterizándose por ese interés hacia el naturalismo y la naturaleza que Pacheco le inculcase, pudiendo observarlo también en otra de sus obras de juventud, El Aguador de Sevilla, en la que el pintor vuelve a retratar una de las figuras del imaginario español, pudiendo, por lo tanto, y teniendo en cuenta la escena por completo, enmarcar esta obra dentro de esa pintura de género. Destacaría este apartado de su pintura, ya que, puede que el joven sevillano fuese una de las figuras más cruciales para que posteriormente esa pintura costumbrista evolucionase como lo hiciese hasta determinar el futuro de la representación de la figura humana y el retrato. Además, es admirable como esto trascendió tanto a las futuras generaciones teniendo en cuenta la escasa obra que de él se conserva con estas características, porque 16 Sería un error no comenzar hablando del que, para mi consideración y producción, ha sido una de las mayores influencias, tanto estéticas, como temáticas, Sorolla. El pintor español resultó ser uno de los más valorados pintores impresionistas, no solo a nivel nacional, sino internacional. Aunque si bien es cierto que el pintor valenciano realizó gran parte de su producción en los inicios del siglo XX, cuenta con obras de gran importancia datadas a finales del XIX. Algunas de estas obras son Madre, de 1895 y Mi mujer y mis hijos, de 1897. En ambas, el artista compone una imagen cuyo interés reside, de forma casi total, en el retratado, haciendo del fondo un elemento secundario con el que terminar de componer la luz de la escena. Es cierto que este aparente desinterés por un fondo o entorno delimitado ya podíamos observarlo con anterioridad en los cuadros de corte del barroco, como hiciese Velázquez en Pablo de Valladolid, de 1635, siendo algo realmente curioso y diferente con respecto al retrato de la época, que solía incluir elementos compositivos que relacionasen al retratado con un contexto específico. Esta particular forma de afrontar la composición será una seña característica de algunos pintores de las nuevas vanguardias. Además, podríamos afirmar que esta relación “fondo-figura”, tiene mucho que ver con el academicismo, que desde un tiempo atrás venía siendo práctica habitual. En este caso, Sorolla finalizaría sus estudios oficiales en el año 1881. El papel de Sorolla en esta investigación es determinante, siendo fundamental para entender el concepto de lo cotidiano. Tras ver su obra, podemos concluir que, para el pintor, este concepto era amplio y a su vez simple, en tanto que lo resumía todo a su entorno, las personas y el paisaje; el retrato y la luz. No había nada más interesante que su alrededor, su casa, su mujer, sus hijos, su mar, la arena, el juego, la paz y el descanso. Es un grandioso autorretrato, una colección de figuras e imágenes que nos muestran quién era él, cómo se relacionaba, cuáles eran sus gustos y cómo los entendía. No hay nada más sincero y verdadero como la propia vida del artista. 31 DEL RETRATO DE UNA SOCIEDAD ABURGUESADA AL CALOR DE UNA MADRE. LOS SIGLOS XVIII Y XIX. DEL RETRATO DE UNA SOCIEDAD ABURGUESADA AL CALOR DE UNA MADRE. LOS SIGLOS XVIII Y XIX. PRE-VANGUARDIAS Impresionismo: Sorolla y el calor de una madre. Uno de los movimientos que iniciarían esta vorágine de vanguardias de carácter relativamente efímero y de una celeridad incomparable sería el impresionismo. Este aunará unas bases que servirán como precedente para las demás vanguardias, tales como el fauvismo y/o cubismo. Con estas nuevas corrientes las representaciones de las vidas y momentos cotidianos experimentarán un crecimiento considerable, serán el grueso de las temáticas de la época, distanciándose de las anteriores realistas en tanto que estos nuevos, los impresionistas, descartarán cualquier tipo de teatralidad, aún más que los realistas que aún no conseguían desprenderse del todo del contexto romántico con el que convivían. Parte de las nuevas aportaciones del impresionismo fueron la importancia que cobraba la luz y el color, completos protagonistas de todas las obras. Quizás fuese por esta razón, y por el ya evidente interés que tenían los artistas de mitad de siglo por representar lo que acontecía en el día a día, por lo que los artistas de comienzos de la década de los 70 del siglo XIX escogiesen las escenas costumbristas y cotidianas como motivos a representar, para conseguir así nuevas facturas e impresiones que valorasen la pintura, la luz y el color. La cantidad de artistas, sobre todo pintores, que formarán parte de estas nuevas tendencias es considerablemente grande, por lo que haremos una selección de algunos de los más significativos para la investigación, teniendo en cuenta su repercusión en la obra realizada durante los estudios de grado. 30 Otro de los artistas que creo imprescindible para explicar la pintura de la época, siendo también español, es Fortuny. El pintor reusense, coetáneo de grandes artistas del momento como Degas, Renoir o Sargent, del que hablaremos ahora, fue todo un genio de la pintura del diecinueve. Con apenas 36 años, Fortuny realizó un gran número de obras, cuya mayoría se pueden enmarcar, según varios libros biográficos del artista, dentro de la ya conocida pintura de género, que, tras ser dejada de lado por los pintores barrocos españoles, en valor de la aún poderosa iglesia, es recuperada por artistas franceses durante algunas décadas del siglo XIX. Puede que esta atracción por la pintura de género provenga de la admiración que este tuviese por la pintura holandesa del siglo XVII. Tres obras que debo destacar del pintor son, Viejo y Viejo desnudo al sol, ambas de 1870 y Desnudo en la playa de Portici, de 1874. En todos ellos, al igual que mencionaba en la obra de Sorolla, comparten una característica fundamental, el mono cromatismo sintético que protagoniza los fondos, volvemos a encontrarnos el “fondo-figura”. Indudable la estrecha relación que el artista mantenía con el academicismo, que tenía por maestro de la figura. La tipología del viejo semidesnudo constituye uno dwe los motivos artísticos más recurrentes del pintor. […] De alguna manera, el sujeto pintado no deja de ser un mero pretexto para poder ejercitar sus extraordinarias facultades artísticas y realizar virtuosos ejercicios de naturaleza académica, entre los que sobresale la eficaz resolución, con brillantes y efectivos efectos naturalísticos, de los problemas compositivos que genera la incidencia del factor lumínico sobre los objetos corpóreos. (Mendoza, 2003) El virtuosismo y preciosismo con el que resolviese sus obras, en añadido al gran interés que mostraba por la colección de objetos orientales, harían de la pintura de casi finales de su vida una de las etapas más importantes del pintor, quien introduciría dichos intereses en los artistas nacionales coetáneos, originando así la llamada pintura fortuniana. 33 DEL RETRATO DE UNA SOCIEDAD ABURGUESADA AL CALOR DE UNA MADRE. LOS SIGLOS XVIII Y XIX. 32 DEL RETRATO DE UNA SOCIEDAD ABURGUESADA AL CALOR DE UNA MADRE. LOS SIGLOS XVIII Y XIX. Ilustración 8: Madre, 1895. Sorolla Ilustración 9: Desnudo en la playa de Portici, 1874. FortunyIlustración 9: Desnudo en la playa de Portici , 1874. Fortuny. Antes de comenzar con el siglo XX, debo hablar a cerca de John Singer Sargent, pintor estadounidense de mediados del siglo XIX. Sargent fue también un pintor de trayectoria sobresaliente, mayormente conocido por sus retratos. También estará vinculado con la academia, siendo el comienzo de sus estudios en el año 1868, en Roma. Más tarde trabajará en el taller de Carolus-Duran 9, donde estudiará y admirará la obra de Velázquez 10. Lo cierto es que estos dos artistas guardan una estrecha relación, siendo ambos retratistas de personajes de alta alcurnia, sin dejar de lado la idea de retratar lo más personal y o cercano, como puede ocurrir en Clavel, lirio, lirio, rosa, de 1886 o en Claude Monet Painting by the Edge of a Wood, de un año antes, en la que retrata a su amigo Claude Monet. En este caso no es necesario hacer hincapié en el hecho de que este recurra a los momentos cotidianos, pues es cierto que gran parte de su obra son retratos de encargo, por personajes quizás menos vinculados a su círculo cercano, sin embargo, sí creo conveniente hablar de dos obras en concreto, que entiendo son bastante ilustrativas de cara a la proyección final de esta investigación. En Retrato de Madame X, de entre 1883-4, Sargent sitúa a la retratada en el centro de la composición, haciendo un uso magistral de los valores. Por la ambientación podemos hacer una conexión con los retratos de Velázquez y los de su maestro Duran, nunca perdiendo de vista el anclaje tan pesado que supone el academicismo para sus obras. Así mismo lo vemos en Las hijas de Edward Darley Boit, en la que Sargent representa a las hijas del cosmopolita estadounidense, siendo considerado uno de los retratos más psicológicos del pintor. Es interesantísimo como el artista realiza una gran obra retratística de una sola composición, pero en la que realmente podemos distinguir tres retratos individuales distintos. No resulta complejo realizar un paralelismo con Las meninas, obra que pintase Velázquez mucho antes, sin embargo, en este caso, Sargent distancia mucho más los personajes, los divide e individualiza, cada uno parece estar en un plano distinto. Uno de ellos, el de la hija que se sitúa más a la izquierda de la composición, podría haber sido un simple estudio académico, el cual juega armoniosamente con el fondo que lo contiene. DEL RETRATO DE UNA SOCIEDAD ABURGUESADA AL CALOR DE UNA MADRE. LOS SIGLOS XVIII Y XIX. 36 Ilustración 10: Clavel, lirio, lirio, rosa, 1885-6. Sargent Es innegable que los siglos XVIII y XIX han sido fundamentales para la comprensión de lo que hoy en día es el retrato y la representación de lo cotidiano y cercano, sin embargo, el siglo próximo se verá tan condicionado por su contexto, que los artistas comenzarán a investigar por otros caminos que se alejarán de lo que consiguiesen pintores como los ya mencionados en este capítulo. 39 DEL RETRATO DE UNA SOCIEDAD ABURGUESADA AL CALOR DE UNA MADRE. LOS SIGLOS XVIII Y XIX. Ilustración 11: Las hijas de Edward Darley Boit , 1882. Sargent. Tras esto, y con poco margen de reacción, los países volverán a verse inmersos en otra guerra mundial. Esta, la segunda, traerá consigo otro de los movimientos más significativos, el expresionismo abstracto, que vuelve a revelarse contra lo anterior. A partir de ahora el arte tendrá mucho más en cuenta lo gestual, lo formal, aquello que tiene que ver con la plástica, así como los sentimientos, dando paso al rechazo de lo figurativo tal y como se venía haciendo los siglos anteriores, que se creía, en cierto modo, condicionante y opresor de una expresión verdadera y personal del artista. Londres A pesar de este contexto, dominado por la nueva abstracción y una figuración alterada por el expresionismo, a la llegada de la mitad del siglo XX surgirá un nuevo movimiento que se denomina “Nueva Figuración”, dominada por los artistas de la Escuela de Londres, quienes, a pesar de no desvincularse del todo del expresionismo y su contexto, trabajarán con una figuración más próxima a una realidad más veraz y psicológica, sin dejar de lado el uso del color y la materia, que ganarán importancia. Dos de las figuras que mejor representarán esta nueva vertiente de la figuración son Francis Bacon y Lucian Freud, quienes, a pesar de pertenecer al mismo círculo de artistas, encontrarán formas distintas de abordarla. Francis Bacon, un poco anterior a Freud, realizará una representación figurativa muy vinculada a lo visual del cubismo y futurismo, empleando aquellos recursos, como la celeridad y fragmentación, propios y característicos de ambos movimientos. La obra de Bacon sería consecuencia de todo el contexto bélico que se vivió en aquel entonces, dando como resultado una obra caótica, pero ordenada, así como gestual y cruda. 41 -. NUEVAS INTERPRETACIONES DE LA REALIDAD. Siglo XX El siglo XX será una época de cambios vertiginosos y acelerados, cambios que terminarán por alterar cada uno de los aspectos de la vida que se conocía, siendo el arte uno de los más caóticos y complejos. El contexto del que se venía, aquel en el que los artistas harían de la figuración y la realidad más formal y visual el terreno sobre el que trabajar, experimentó un rápido y devastador cambio, mayormente provocado por la revolución industrial y las guerras mundiales. En primer término, la segunda revolución industrial que se diese a finales del XIX permitió una renovación tecnológica, así como urbanística en todo el mundo, teniendo mayor repercusión en Estados Unidos, quién será clave para la nueva realidad que estaba por dominar el arte. Este contexto de novedades y avances será fundamental para el inicio del “futuro”. La otra realidad, muy alejada de esta innovación y evolución, fue la guerra, la Primera Guerra Mundial, que condicionaría por completo el modo de vida acelerada y renovada que estaba vigente. En este contexto, debido al desencanto y pasividad que vivían los artistas, surge el llamado dadaísmo, que pretende revelarse contra todo este ambiente desinteresado que prima. Plantea unas bases completamente provocativas que más allá de buscar solamente el escándalo, genera dudas y debate en torno a lo que es o deja de ser arte. Quizás sea este rechazo de lo burgués y esta nueva problemática e inquietud, la que de paso a una nueva concepción del arte, una en la que el concepto y el contexto del artista cobra una importancia mayor, incluso superior al control de este. 40 NUEVAS INTERPRETACIONES DE LA REALIDAD. Siglo XX Tras esta etapa, Freud comenzaría una investigación plástica que pondría en valor el cuerpo de la materia, el peso y la textura. Será una nueva forma de afrontar la representación del cuerpo humano. El pintor alemán dará paso a una pintura “pesada” rotunda, en la que las pinceladas y los pigmentos se solapan de forma directa en el soporte y hacen de la obra un bajo relieve, cuya fragmentación daría lugar a una abstracción total. Pretende generar una conexión inmediata con el modelo y el lienzo, buscando así en los gestos y texturas las facciones y la psicología del retratado. Para él, la identidad corpórea del sujeto sería razón suficiente de estudio, mucho más allá de belleza canónica y preestablecida, teniendo pues en cuenta unas cuestiones más sensibles y casi sociales. Fue un artista sobresaliente que supo mantenerse firme en lo que respecta al uso de la figura humana como motivo a representar, todo dentro de una época en la que el arte abstracto se había ganado la confianza y el gusto de la población. Además, Freud también centraría su interés en lo más cercano y próximo a él. Casi exclusivamente trabajó el retrato: gente conocida como amigos, familia, colegas artistas, amantes… Tuvo la suerte de poder rechazar lucrativos retratos por encargo. Siempre buscó de alguna manera nutrirse de lo autobiográfico. (Santos, 2016) Sin duda alguna, los británicos de la Escuela de Londres, en especial Freud, fueron fundamentales para la supervivencia de lo que es la figuración humana “realista”, que contará con una nueva dimensión plástica ya alejada del convencionalismo académico. 43 Su personal visión atormentada y descompuesta del ser humano es el mejor documento de la crisis que aquejó a la humanidad durante la segunda mitad del siglo XX. […] A Bacon siempre le interesó el aspecto más amargo de la existencia y sus obras son metáforas de la lucha del ser humano con su entorno. Su personal lenguaje pictórico muestra los aspectos más misteriosos e inquietantes de la condición humana; sus retratos no buscan el parecido de los rasgos físicos del modelo, sino su condición espiritual. En cuanto a la técnica pictórica, Bacon fue un perfeccionista y dominó como nadie la mezcla simultánea de los componentes de azar y orden. En sus obras se combinaba un interés por la fotografía con su admiración por los grandes maestros de la pintura, especialmente por Velázquez, Rembrandt y Goya. (Thyssen-Bornemisza, s.f) Como se afirma en la página oficial del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, Bacon no centrará su interés en buscar el parecido con el retratado, sino que encuentra estimulante la condición más espiritual del mismo, tratando de acercarse a un retrato podríamos decir más “psicológico”. Además, hace referencia a artistas como los aquí ya mencionados, atestiguando así la importancia de estos en las generaciones futuras. Por el contrario, Freud sí tendrá muy presente el parecido del retratado, sin perder la condición de retrato “psicológico”, siendo una de sus mayores cualidades. En sus inicios, el pintor de nacionalidad alemana realizó varios retratos que se alejarían bastante de los que hiciera posteriormente. Esta primera etapa parece tener gran relación con la psicología que su abuelo, Sigmund Freud, estudiase previamente, aquella que dio paso al mundo interior más bizarro y místico característico del surrealismo, el psicoanálisis. Estos retratos, como Chica con gatito, de 1947, a pesar de que algunas fuentes los enmarquen dentro del surrealismo, puede que erróneamente por esta cuestión y vínculo familiar, estuviese a medio camino entre esta y la Nueva Objetividad. 11 42 NUEVAS INTERPRETACIONES DE LA REALIDAD. Siglo XX NUEVAS INTERPRETACIONES DE LA REALIDAD. Siglo XX Ilustración 13: Retrato del barón H.H , 1982. Freud.Ilustración 12: Mujer con gatito , 1947. Freud. El arte de lo figurativo en relación con la figura humana y el retrato cobrará un sentido mucho más realista, aproximándose a lo que se conociese por hiperrealismo, pero sin llegar a enmarcarse en este, ya que dicha tendencia, en gran medida, dota a la obra de una planimetría que pretende erradicar cualquier, o en su defecto, la mayoría, de la intervención del artista. Antonio López transciende a esa replica mecánica, le interesa el movimiento y la vida de la plástica pictórica, aunque de un modo quizás más contenido y comedido. Estos principios plásticos que pusiese en práctica, la precisión, la cuadrícula, el error, la pincelada corta, la división por pequeños planos de color, la posterización simultánea y sutil, todo ello constituirá un nuevo futuro para la figuración realista española. Algunos de los cuadros que mejor reflejarán este nuevo estilo son Espaldas, de 1965; Figuras en una casa, de 1967; La cena, entre 1971-80 y la serie de Rosas de Ávila. En todas ellas podemos observar el carácter que adquiere la pintura y la obra, fragmentada en pequeños planos de color y de texturas. 47 España Si analizamos lo que ocurría en España por ese entonces, el camino seguido en lo que respecta a la figuración tomará rumbo a una representación más controlada y casi fotográfica, destacando por encima de otros la figura de Antonio López. Este artista español (Tomelloso en el año 1936) cambiará completamente la visión que se tenía mayormente en la península, de las representaciones pictóricas de temática de género y/o cotidiana. El pintor nace en el seno de una familia acomodada que disponía de tierras. Esto quizás sea fundamental para entender por qué la Guerra Civil Española, que tiene lugar en el mismo año de su nacimiento, no tendría repercusión directa en su pintura. La distancia y la edad hicieron de su infancia una feliz y tranquila. Desde los doce años en adelante, este no parará de dibujar y pintar, así como ocurriría más adelante, inmerso ya en la academia, con la escultura. En el 1955 su obra tiene gran influencia del surrealismo, movimiento que dejará de aparecer, paulatinamente, desde su llegada a la capital, compartiendo así residencia entre Tomelloso y Madrid. En este momento, su obra tendrá como protagonistas ambas localizaciones, que cada vez tendrán mayor vinculación con una representación objetiva más aproximada a la realidad. Comienza la etapa en la que el artista centrará su interés en lo cercano, cotidiano e íntimo, acercándose a ello desde un prisma mucho más fiel al ojo humano. Es a partir de aquí que Antonio López pasará a ser un referente nacional para el paisaje y el retrato de lo sórdido en la cotidianeidad. El artista volverá a dotar a la figuración de una calidad mucho más cercana a la académica, pero sin llegar a caer en su repetición. 46 NUEVAS INTERPRETACIONES DE LA REALIDAD. Siglo XX NUEVAS INTERPRETACIONES DE LA REALIDAD. Siglo XX Ilustración 14: La cena, 1971-80. Antonio López Paco Lafarga Ha pintado a su mujer, a su padre, a su cuñada, a su piscina azul. Es lo mismo que hizo Morandi con sus botellas o el de Altamira con sus bisontes. Se trata de que la pintura se manifieste a través de lo cercano. Sólo siendo absolutamente local se puede aspirar a ser verdaderamente universal. (Cerdá & Ara Oliván, 2011) Como también comentaba acerca de Sorolla, no hay nada mas sincero que la propia vida del artista, su propia experiencia como individuo. En este fragmento que escribiesen Cerdá y Oliván, para el catálogo Paco Lafarga; Instante-alambre, parecen jugar también con esa idea, lo cercano como cauce por el que corre la pintura, como motivación para elaborar una idea a través de la pintura. En el caso de Paco, esta motivación se ve ligada con lo que para él es la síntesis de la pintura, diluida y planimétrica, que consigue de algún modo generar un volumen ópticamente acertado y contradictoriamente erróneo, plano, como si fuese un trampantojo 12. Juega con las direcciones, los raspados, los recortes, todo ello en favor de una pintura más aérea, la cual permite que el espectador conecte aún más con la obra, que deja de ser mímesis mecánica y permite deducir y plantear debates que enriquecen a este último y a su visión acerca de la temática y el momento. En lo que respecta a la temática y su composición, el autor juega con una cotidianeidad muy personal, aparentemente basada en una vinculación directa con el academicismo y la fotografía de reportaje. Con esto hablamos de escenas en las que el protagonista adquiere una actitud similar a la de un modelo que posa para ser retratado. Su cuadros reflejan esa esencia de la academia, su propuesta de lo cotidiano está basada en lo cecano, su entorno, pero, sin embargo, en ocasiones, este parece cobrar un sentido más académico y menos espontáneo. 49 -. NUEVAS GENERACIONES, SIGLO XXI. Tras el grandísimo impacto que tuviese en la pintura realista en España Antonio López, nuevas generaciones en el siglo XXI continuarán con lo que el artista tomellosero iniciase. Estos nuevos artistas no perderán la preocupación por captar aquello que mejor define su realidad, lo cotidiano, lo cercano. Jóvenes y curiosos, pretenden alcanzar un realismo analítico y complejo que dialoga a la perfección con el juego de la plástica. No comprenden una sin la otra, la pintura y el dibujo deben estar vivos, presentar una cualidad no simplemente mimética, sino fiel a la verdadera magia del material, que más allá de servir simplemente al artista, llega a cobrar vida por si sola con el objetivo de no interrumpir su naturaleza. El arte, para este entonces, ya se habrá extendido como práctica común por todo el mundo, lo que tiene como resultado un amplísimo número de artistas, más aún si cabe, que en el comienzo del siglo XX. Por ello, aquí, en esta investigación, nos detendremos en tres de los que más han contribuido al desarrollo de la práctica personal. 48 NUEVAS GENERACIONES, SIGLO XXI. CONCLUSIONES 62 Lo plástico, textural y divertido, cualidades que entiendo necesarias e intrínsecas a las artes, han cobrado una importancia mayor, consiguiendo así alcanzar una nueva aproximación al dibujo, pintura y escultura, que permitiese seguir trabajando dichas temáticas ajustándose a la época que estamos viviendo. 65 Lo cotidiano, o aquello que nos resulta más familiar y cercano, es, ha sido y será, uno de los motores creativos más comunes entre todos los artistas. Desde el comienzo de la historia del arte y de, las que consideramos, primeras creaciones artísticas, aproximar esta práctica a nuestra experiencia más íntima y real ha sido fundamental. Durante un largo periodo de tiempo, en el que la religión y la política reinaban sobre cualquier otra cuestión, este carácter personal se ha visto eclipsado y ha ido mermando. Como hemos visto en este trabajo, no será hasta, verdaderamente, el siglo XVIII, cuando esta preocupación por lo cotidiano cobrará sentido y adquirirá una mayor importancia. Artistas como Vermeer o Velázquez, quizás precursores, seguidos de Courbet, Goya, Sorolla, Fortuny, Freud o Bacon, serían los que valorasen y continuasen con esta necesidad, aportando siempre su punto de vista, muy vinculado con la figuración como vehículo narrativo que diese sentido a su idea y concepción de lo que es cotidiano. Esta investigación ha demostrado la contínua necesidad del uso y representación de la figura humana en las artes, teniendo como resultado una línea temporal que deriva en las últimas generaciones que parecen no perder interés por estas cuestiones. Estas han sido esenciales para comprender, no solo la evolución histórica, sino la personal alcanzada en esta última etapa de estudios universitarios. La obra de artistas como Santi Pina, Paco Lafarga o Amaya Gurpide, han dejado ver nuevos intereses e inquietudes que parecen conectar indudablemente con gran parte de la juventud actual. En lo personal, ahondar en el concepto de cotidiano, para dar mi propia versión de este y compaginarlo, enlazarlo y revisarlo con la obra de artistas como los mencionados en última instancia, ha sido totalmente enriquecedor. El estudio y trabajo de cuatro años ha contado con un cambio de parecer en lo que a las artes se refiere, abriendo nuevos caminos que explorar y conocer. 64 OBRAS 68 69 Autorretrato, 2022. 70 71 Siesta de primavera, 2023. 72 73 RECUERDO III (Sofá), 2023. 74 75 Bebé dormido, 2024. 76 77 S / T, 2024. 78 79 Autorretrato, 2024. 80 81 Arropado, 2024. 94 95 Boceto , 2024. 96 97 María con vestido negro , 2024. NOTAS 11. El grupo Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad) reaccionó contra el expresionismo, dedicándose sobre todo al género del retrato y autorretrato, con fisonomías simples o tendiendo a la caricatura. 12. De trampa ante ojo, la RAE lo define como tal, trampa o ilusión con que se engaña a alguien haciéndole ver lo que no es. 103 1. En la nochebuena de 1734 se incendia el Alcázar de Madrid por motivos desconocidos. A pesar de los esfuerzos por apagar el fuego, que se extendió a lo largo de cuatro días, nada se pudo hacer por salvar el edificio, ni a las 500 obras de arte que allí perecieron, entre ellas varios cuadros de Diego Velázquez 2. (Harris E. , 1991) 3. Pintor francés del siglo XVIII considerado como uno de los más importantes de la época. Fue maestro de Fragonard y centró su producción en la temática de naturalezas muertas (bodegones) y el retrato. 4. Pintor francés, 1684-1721, es considerado el auténtico iniciador del rococó, aun sin ser enmarcado en tal tendencia. 5. Serie de grabados que realiza Goya como resultado de la verdadera atrocidad y crueldad que bañaba la realidad de la guerra que se vivía en la época. 6. Crítico e historiador de arte modernista estadounidense. 7. (Fried, El realismo de Courbet, 2003) 8. (Fried, Aproximación a Courbet, 2003) 9. Pintor e instructor francés del siglo XIX (1837-1917) que dedicó gran parte de su producción al estudio de la obra de Velázquez y a las clases de la academia, concretamente y al final de su vida, la de Roma. 10. (Thyssen-Bornemisza, sf) 102 Figura 1: Johannes Vermeer. Muchacha leyendo una carta, 1657. Óleo sobre lienzo, (83 x 64 cm). https://historia-arte.com/obras/muchacha-leyendo-una-carta-frente-a-la-ventana Figura 2: Diego Velázquez. El Aguador de Sevilla, 1620. Óleo sobre lienzo, (106,7 x 81 cm) https://historia-arte.com/obras/el-aguador-de-sevilla Figura 3. Diego Velázquez. Vieja friendo huevos, 1618. Óleo sobre lienzo, (100,5 x 119 cm) https://historia-arte.com/obras/vieja-friendo-huevos-de-velazquez Figura 4. Francisco de Goya. El Pelele, 1791 - 1792. Óleo sobre lienzo, (267 x 160 cm) https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/el-pelele/a1af2133-ff7b-4f47- a4ac-030cb23cb5b6 Figura 5. Francisco de Goya. El Quitasol, 1777. Óleo sobre lienzo, (104 x 152 cm) https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/el-quitasol/a230a80f-a899- 4535-9e90-ad883bd096c5 Figura 6. Jean-Simeon Chardin. The Kitchen Maid, 1738. Óleo sobre lienzo, (46.2 cm x 27.5 cm) https://www.nga.gov/collection/art-object-page.41650.html Figura 7. Jean-François Millet, La recolecta de la patata, 1855, Óleo sobre lienzo, (54 cm x 65.2 cm) https://art.thewalters.org/detail/22652/the-potato-harvest/ Figura 8. Joaquín Sorolla. Madre, 1895. Óleo sobre lienzo, (125 x 169 cm.) https://historia-arte.com/obras/sorolla-madre Figura 9. Mariano Fortuny, Desnudo en la playa de Portici, 1874. Óleo sobre tabla, (13 x 19 cm) https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/desnudo-en-la-playa-de-porti ci/33ac763d-c95d-43a9-bd98-70ee23e46911 105 INDICE DE FIGURAS Y APORTACIONES Aportaciones Aportación 1: Jaime Torrisco. Autorretrato, 2022. Monotipo, (Estampa: 29,5 x 21 cm / Grabado: (39 x 34,5 cm). Aportación 2: Jaime Torrisco. Estudio (EL astrónomo Vermeer), 2022. Punta de plata sobre papel prensado en tablilla (30 x 22 cm). Aportación 3: Jaime Torrisco. Siesta de primavera, 2023. Carboncillo sobre papel caballo, (50 x 35 cm). Aportación 4: Jaime Torrisco. RECUERDO III (Sofá), 2023. Carboncillo y barra de conté sobre papel caballo, (100 x 70 cm). Aportación 5: Jaime Torrisco. Bebé dormido, 2024. Grafito, carboncillo y tinta, (40 x 50 cm). Aportación 6: Jaime Torrisco. S/T, 2024. Tínta serigráfica sobre papel Figueras, (50 x 32,5 cm). Aportación 7: Jaime Torrisco. Autorretrato, 2024. Grafito, carboncillo y tinta, (24,5 x 21,5 cm). Aportación 8: Jaime Torrisco. Arropado, 2024. Grafito, barra de conté y tinta, (120 x 70 cm). Aportación 9: Jaime Torrisco. DURMIENTE, 2023. Óleo sobre lienzo, (116 x 89 cm). Aportación 10: Jaime Torrisco. María, 2023. Óleo sobre papel Figueras, (medida). Aportación 11: Jaime Torrisco. Marta, 2024. Óleo sobre lienzo, (17,5 X 17,5 cm). Aportación 12: Jaime Torrisco. Rafa y Rosario, 2024. Óleo sobre papel Figueras, (50 x 65 cm). Aportación 13: Jaime Torrisco. Marco, 2024. Óleo sobre papel Figueras, (32 x 24 cm). . 107 Figura 10. John Singer Sargent, Carnation, Lily, Lily, Rose, 1885–6, Óleo sobre lienzo, (170 cm x 153,7cm) https://www.tate.org.uk/art/artworks/sargent-carnation-lily-lily-rose-n01615 Figura 11. John Singer Sargent, The Daughters of Edward Darley Boit, 1882, Óleo sobre lienzo, (221.93 x 222.57 cm) https://collections.mfa.org/objects/31782 Figura 12. Lucian Freud, Chica con gatito, 1947. Óleo sobre lienzo, (41 x 30 cm). https://historia-arte.com/obras/freud-chica-con-gatito Figura 13: Lucian Freud, Retrato del barón H.H, 1982, Óleo sobre lienzo, (51 x 40 cm), https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/freud-lucian/retrato-hombre-ba ron-h-h-thyssen-bornemisza Figura 14: Antonio López. La cena, 1971-80. Óleo sobre tabla, (89 x 101 cm) https://www.fundaciocatalunya-lapedrera.com/es/experiencias-expositivas/exposicion-an tonio-lopez Figura 15: Paco Lafarga. Desnudo azul, 2017. Óleo sobre tabla, (110 x 105 cm) http://www.pacolafarga.es/project/desnudo-azul/ Figura 16. Santi Pina, Mask off, Óleo sobre tabla, (60 x 75 cm), https://www.instagram.com/santi_pina_art/ Figura 17. Amaya Gurpide. Rechinai, 2023. Técnica mixta, (30,48 x 71,12 cm). https://amayagurpide.com/new-gallery/rechina-mixed-media-12-x-28-in-2023 106 Aportación 14: Jaime Torrisco. Boceto, 2024. Óleo sobre papel Figueras, (32 x 24 cm). Aportación 15: Jaime Torrisco. Boceto, 2024. Óleo sobre papel Figueras, (32 x 24 cm). Aportación 16: Jaime Torrisco. María con vestido negro, 2024. Óleo sobre lienzo, (146 x 97 cm). Aportación 17: Jaime Torrisco. María con vestido negro (fragmento), 2024. Óleo sobre lienzo, (146 x 97 cm). 108 BIBLIOGRAFÍA Cerdá, P., & Ara Oliván, J. L. (2011). Paco Lafarga: Instante-alambre. Zaragoza: Ayuntamiento de Zaragoza: Área de educación, Medioambiente y Participación Ciudadana. Cristina Mendoza, Mercè Doñate y Francesc M. Quílez i Corella. (2003). Fortuny. Barcelona: Museo Nacional d´Art de Catalunya. Fried, M. (2003). Aproximación a Courbet. En M. Fried, El realismo de Courbet (págs. 15 16). Madrid: A. Machado Libros. Fried, M. (2003). El realismo de Courbet. Madrid: A. Machado Libros. Harris, E. (1991). En la corte: Los años 20. En E. Harris, Velázquez (págs. 57; 70-73). Vitoria: Fundación Caja Vital Kutxa. Harris, E. (1991). Velázquez. Vitoria: Fundación Caja Vital Kutxa. Mendoza, C. (2003). De Granada a Portici: un nuevo lenguaje artístico. En C. Mendoza, M. Doñate, F. M. Quílez i Corella, S. Alcolea Blanch, J. Á. Carbonell, P. Guimferrer, . . . B. V. de Tapol, Fortuny (pág. 268). Barcelona: Museu Nacional d´Art de Catalunya. Pina, S. (s.f). Bibliografía: Santiago Pina. Obtenido de Santiago Pina: https://www.santiagopina.com/biograf%C3%ADa Robert Hughes. (2004). Goya. Barcelona Galaxia Gutenberg, Círculo de lectores 110 Santos, M. C. (27 de Septiembre de 2016). Lucian Freud. Obtenido de Historia Arte: https://historia-arte.com/artistas/lucian-freud Thyssen-Bornemisza, M. N. (s.f). Francis Bacon: Museo Nacional Thyssen Bornemisza. Obtenido de Museo Thyssen-Bornemisza. https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/bacon-francis Thyssen-Bornemisza, M. N. (s.f). John Singer Sargent: Museo Nacional Thyssen Bornemisza. Obtenido de Museo Thyssen-Bornemisza. https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/sargent-john-singer 111