Distorsión anatómica en escultura

Distorsión anatómica en escultura Manuel Moreno Espina INTRODUCCIÓN La deformación y estilización anatómica en escultura, es una herramienta de trabajo que se ha utilizado en todos los periodos artísticos y por los más diversos escultores. La distorsión ha sido empleada:  Bien por interpretación de las formas (basada en la poesía y la expresividad que el escultor manifiesta en su obra).  Reglas canónicas establecidas (según el periodo artístico).  Desconocimiento del concepto de escultura. En consecuencia, esto hace que el producto resultante de un proceso técnico de sustracción o adición cobre significado y expresividad. La interpretación de las formas en escultura ha estado por entero al servicio de la expresividad plástica. El escultor ha tomado este rumbo en pos de ofrecer al espectador el sentimiento más profundo; un sentimiento que expresado a través de la distorsión anatómica, crea en el individuo, un estado consciente de complicidad con la obra plástica, fruto de la tarea de creación escultórica. La poesía que se desprende del producto resultante, nos condiciona en la justa medida, en que nosotros mismos participamos de la creación y concepción de la propia obra de arte. Las reglas canónicas que en la mayor parte de los periodos artísticos, han condicionado la realización y concreción artística, ha limitado en gran medida, el desarrollo de lo que pudiera entenderse como libertad de expresión en la forma icónica. Pero, aún con estas limitaciones y parámetros preestablecidos, cada estilo ha sabido adaptarse a las reglas del juego, participando de la expresividad de las formas como tal. El propio estilo artístico, ha creado para sí, una extensa galería de conceptos que desde la perspectiva del arte contemporáneo se nos antoja como novedoso. Las distorsiones anatómicas creadas en todos los estilos artísticos son el fiel reflejo de los valores sociales de cada época. Podemos destacar ejemplos en todos los periodos artísticos, y buena prueba de ello son, los que desarrollamos en el apartado de “Antecedentes en obras de escultores conocidos”, (pag. 29 - 41), y también en las páginas siguientes. Estas fotos que reproducimos, son muestras de lo que dentro de las reglas canónicas de la época son ahora ejemplos avanzados de distorsión y estilización anatómica. Cada uno de estos ejemplos son el resultado de la labor diaria de los artistas del momento, que buscaron la caracterización de los ideales de la época que les tocó vivir, creando formas con una expresividad y un dinamismo, que en nuestros días, se nos presenta como auténticos ejemplos de conocimiento y sabiduría. En el Románico, el concepto de elevación hacia Dios y la pureza de pensamiento, entre otros valores, se refleja con rotunda claridad en figuras como la que mostramos. La estilización de todos los miembros así como el claro concepto de lo que se quiere representar constata el saber hacer acorde con el pensamiento de la época. La distorsión e interpretación de los elementos anatómicos de la forma icónica, han vivido y compartido fielmente, los avatares políticos y sociales, derivados de los distintos gobiernos que como relojes del tiempo, han marcado el compás de la vida social, política y religiosa. Pero además, el del devenir creador de los artistas del momento, reflejándose en obras como las que exponemos junto a estas líneas. EJES DE LA DISTORSIÓN, DEFORMACIÓN, ESTILIZACIÓN Y EXPRESIÓN, DE LOS VALOREAS ANATÓMICOS EL CONOCIMIENTO Junto a los factores antes mencionados, es ineludible el subrayar uno de los que en estos momentos, copan con entera indulgencia y alevosía el mundo del arte contemporáneo; éste no es otro, que la ignorancia del estudio y la carente formación en cuanto al conocimiento anatómico se refiere. Y que en un gran sector del ámbito cultural, son retomados, como el conjunto de los valores artísticos contemporáneos. Se debe de dejar bien claro, que la libre interpretación de las formas, no tienen por qué ser consecuencia, de lo que en este tiempo que nos toca vivir se intenta difundir como “el arte por el arte”, teniendo como base, “el no conocimiento”, previo a la interpretación de los contenidos formales. La razón por la que se difunde rápidamente este concepto y forma de creación, no es otro, que el desconocimiento de la forma anatómica y la rápida excusa de “lo he querido hacer así”. No se debe de caer en el engaño, que sustentado por la alocución verbal de falsos reinos se nos quiere hacer ver, la distorsión anatómica como pura casualidad no intencionada, ésta casualidad, no sería distorsión anatómica sino una deformación producida por el resultado de la pura casualidad. En consecuencia, por lo expresado anteriormente. De cada uno de los factores que pueden condicionar la creación de la forma icónica, bajo los parámetros antes expuestos, cabe deducir; que la interpretación, creación y distorsión anatómica, nunca ha sido producto de una casualidad, ni tan siquiera, por el desconocimiento que en algunos periodos de nuestra historia nos haya podido parecer, sino de un intencionado estudio, que según que épocas, han dado como resultado, obras como las que podemos admirar en nuestros días. Varias vías, son las que rodean a este desconocimiento, entre ellas, podemos definir un mismo denominador común, que basándose en la interpelación de los factores que condicionan el estudio y conocimiento de la materia, posibilitan la creación escultórica desde unos presupuestos muy determinados. EL DESCONOCIMIENTO DE LA FORMA ANATÓMICA. El por qué, de los condicionantes que generan este desconocimiento, es uno de los puntos fundamentales que se deben de aclarar. Esta búsqueda, debe de empezar por la base, y es en la base, como primera toma de contacto, donde se sitúan las academias y escuelas, y en un segundo lugar, los centros de enseñanza superior como son las facultades de Bellas Artes en las que se continúan los estudios artísticos. Son en estos centros donde se definen la formación de los alumnos, y es aquí, desde donde se deben de hacer los primeros esfuerzos, en la enseñanza de los conocimientos, que a la postre, facultará al alumno en el ejercicio de la interpretación, distorsión y deformación anatómica. Son éstos alumnos quienes en el futuro tomarán las riendas del arte contemporáneo. Tomamos como arte contemporáneo, todo lo que se realiza dentro del periodo en el que vivimos. Según el diccionario de la Real Academia de la Lengua española: Contemporáneo: 1. (Del Latín contemporanéus.) adj. Existente en el mismo tiempo que otra persona o cosa. // 2. Relativo al tiempo o época actual. El periodo en el que estamos realizando nuestras obras de arte, es por entero un periodo eclépticista, fruto de las recapitulaciones de distintas etapas artísticas. Por este motivo, nos encontramos en un momento artístico, en el que predomina la pluralidad de ideas y técnicas artísticas , así como de estilos. Por ello, la creación y realización de obras de arte basadas em ña distorsión anatómica, como el reconocimiento del estudio anatómico, en pos de ofrecer una mayor formación a los futuros artistas, no es una aberración clasicista, ni un empeño desquiciado, de lo que en muchos ámbitos se considera como un arcaísmo prehistórico; sino la aportación de una serie de conocimientos, que pueden influir positivamente en otros artistas. El conocimiento de la forma anatómica como tal, debe de ser, el fruto de un estudio exhaustivo de los contenidos anatómicos, sin el cual, la concreción de lo representado solo quedaría en una mera fachada sin contenido. El continente, sería una forma vacía, un cubículo en el que el vacío sería el autentico dueño de lo intrínseco, revelándose éste último, como el contenido vital de la escultura. LA CREACIÓN POR DESCONOCIMIENTO: Durante mucho tiempo, he observado, como la creación de formas escultóricas basadas en la anatomía, han producido auténticas deformaciones anatómicas; deformaciones, que a primera vista, han podido pasar por distorsiones anatómicas fundadas en el conocimiento. Nada más lejos de la realidad, estas realizaciones son como ya hemos dicho, la creación del desconocimiento. Obras en las que sus autores han querido representar la realidad de una forma concreta como es la interpretación del cuerpo humano desde el punto de vista de la escultura y que han llegado a otro puerto muy distinto. Los alumnos que inician su andadura por el mundo de las bellas artes, y que dentro de sus primeros pasos, realizan obras encaminadas bien, a la copia de modelos en vivo, (del natural) o modelos que tienen grabados en su subconscientes. Son, el mejor de los ejemplos para definir el primero de los perfiles sobre la creación y distorsión anatómica. Este alumno, utiliza de forma consciente los recursos que almacena en su mente sobre la comprensión del ser humano, y de aquí, lo proyecta hacia el exterior, utilizando los recursos de los que dispone, entre ellos: el modelado, la talla, o cualquier otro método de trabajo. La primera impresión que nos producen estas figuras, son las de un verdadero desconocimiento anatómico, por lo que, el resultado de la acción de creación de una forma reconocible, pasa a ser, el resultado del desconocimiento. No hemos hablado aún, de lo que significa la creación de estas mismas formas pero agregándoles el factor del sentimiento. Hasta ahora, solo habíamos prestado atención a los resultados externos que del proceso se han obtenido; es por ello, el momento de tomar como punto de referencia los valores intrínsecos que de cada forma se desprenden. La intención manifiesta que cada artista desea representar en la escultura que realiza, va más allá de la simple interpretación de los sentimientos, no en vano, en el resultado obtenido de cada uno de los ejercicios podemos ver, como se desean expresar los sentimientos de una forma gráfica, quedando reflejado en la impotencia que ante la materia es manifiesta. El desconocimiento de las formas, no tiene por qué ser un obstáculo infranqueable. Muchos autores olvidan intencionadamente la anatomía para poder proyectar la verdad concluyente de sus sentimientos, sin importarles la veracidad o el estudio de parámetros de creación. No somos nosotros, quienes desestimamos ésta, como otra de las opciones para crear obras con valores emocionales claros, más bien, se alaba todos y cada uno de los métodos por los que se puedan conseguir estas distorsiones anatómicas. Pero también queda claro, que lo que se pretende es orientar en la medida de lo posible, en la obtención de productos que partiendo de un conocimiento previo, pueden ofrecer nuevas vías de expresión a la plástica de la escultura. LA VERDAD DEL CONOCIMIENTO “La verdad, solo tiene un camino.” Esta famosa frase que como un típico tópico habremos escuchado en más de una ocasión, es del todo cierta, y aplicable por entero en este apartado. El conocimiento de la forma anatómica es fundamental para la creación y distorsión. Las masas en escultura se deben de mover de una forma ordenada y lógica. El estiramiento, composición, y manipulación de cada uno de los elementos que configuran la anatomía de la obra representada, ha de obedecer de forma clara, a una deformación lógica y concreta:  Los ritmos han de ser consecuentes.  Los enlaces entre los distintos niveles de concreción, exactos.  Las desproporciones compensadas.  Las incoherencias provocadas. Etc. Solo así, el conjunto en su final, cobrará significado, y sus valores reconocidos como una auténtica distorsión basada en el conocimiento. Por el contrario, quedará, como un intento de expresión del sentimiento a través de la anatomía, sin consecuencias que favorezcan la buena interpretación de las formas. No es lo mismo: “distorsionar”, “deformar”, o “estilizar”. Según el diccionario de la Real Academia de la Lengua española: DISTORSIONAR: Causar distorsión. (De distorsión). DISTORSIÓN: // 2. Deformación de imágenes, sonidos, señales, etc., producida en su transmisión o reproducción. // 4. Fig. Acción de torcer o desequilibrar la disposición de figuras en general o de elementos artísticos, o de presentar o interpretar hechos, intenciones, etc., deformándolo de forma intencionada. DEFORMAR: Tr. Hacer que algo pierda su forma regular o natural. ESTILIZAR: 1. Interpretar convencionalmente laforma de un objeto, haciendo más delicados y finos sus rasgos. Como vemos, en el campo artístico significa: ejecutar la acción de deformar de forma intencionada. Distorsionando conseguimos que los mismos elementos de información se estructuren de forma distinta, ofreciéndose una nueva visión de lo que fue una realidad congruente. Estilizando conseguimos suavizar y simplificar conforme a nuestro deseo personal. Dentro de ambos términos haré mención al significado de la expresividad plástica que logra la obra de arte al sufrir una deformación anatómica; el rigor científico cobra aún mucho más importancia cuando los elementos anatómicos que transformamos dejan de ser una realidad concreta para pasar a ser la expresión de voluntad. Es la voluntad la que rige el comportamiento de lo formal, y es éste, el que se nos brinda para que podamos abrirnos hacia la expresividad plástica, es decir, una fuerza de dentro a fuera. LA DISTORSIÓN ANATÓMICA COMO PENSAMIENTO ESCULTÓRICO La expresividad de la forma icónica surge como resultado de un proceso de depuración del pensamiento. Desde que en nuestro cerebro se empieza gestar la idea concreta que da como resultado una obra de arte largo ha sido el proceso que ha seguido la idea hasta su gestación y posterior alumbramiento. El pensamiento es el que rige la conducta de lo formal y a su vez, es la conducta de la irracionalidad intencionada, que surge como un manantial desde nuestro interior. La interpretación de las formas, la realidad congruente que ha sido modificada, para ofrecernos un nuevo vinculo hacia la expresión plástica, es la que nos abre de par en par las vías de la interpretación y distorsión de la forma anatómica. La poesía que se desprende de ésta depuración del pensamiento da como resultado la creación de unas formas que en su unidad y conjunto responde a unos valores expresivos determinados. La expresividad es el fin que queremos conseguir, y el vehículo para conseguirlo no es otro que la vida misma. Es la vida, la que rige todos y cada uno de los elementos que determinan que la obra de arte sea algo más que una simple forma inerte, para pasar a ser, la forma que por sí misma crea y determina la proyección de su propio vínculo con la existencia. Las neuronas del sistema nervioso, dan órdenes concretas a elementos locomotores del organismo, como son los músculos, y estos ejecutan la contracción que desemboca en el movimiento y la expresión del cuerpo, consiguiéndose la virtud de la vida. Todas estas anotaciones y observaciones sobre el ser humano, no es otra cosa, que el reflejo del alma. Mente y cuerpo se configuran en uno sólo buscando la concepción de las formas que aunque al principio aparecen inertes, cobran vida y expresividad dentro de nosotros mismos, dando paso así a una prolongación de los sentimientos y nuestros propios miedos. En el caso de la piedra, la materia que se utiliza es fría y seca, pero a su vez cálida y agradecida. Esta materia es el punto de partida para crear formas llenas de dinamismo, expresividad, dulzura, y tantas otras cualidades que favorecerán la comprensión de lo realizado. Qué duda cabe que según que tipo de material así influirá en nosotros la concepción y el sentido de expresión que pretendamos ofrecer con nuestra obra. La deformación formal de los elementos, ha de ir en función del sentimiento que se quiere representar. MOISES: En esta escultura se puede observar claramente como el autor realiza modificaciones anatómicas en pos de conseguir una mayor expresividad en el conjunto. No voy a hablar de la escultura en sí, sino de la situación estratégica de elementos como la escotadura yugular muy desplazada de lo que sería el centro axial de la figura. Se observa como existe una gran distancia desde éste punto hasta el exterior del brazo izquierdo, y mucho menos, hacia el brazo derecho. El resultado de esta incoherencia a todas luces intencionada no es otro que ofrecer en la escultura la distancia suficiente para poder desarrollar con más intensidad la mirada del “Moisés”. La escultura por entero sufre una distorsión anatómica en todos sus elementos. BERRUGUETE Es otro de los autores que representa la figura humana desde una perspectiva totalmente particular. No haremos referencia a su biografía ni a muchos de sus aspectos artísticos, solo haremos una breve nota introductoria sobre algunos aspectos de las distorsiones anatómicas y estilizaciones que observamos en sus esculturas. Representa en ellas toda una carga emocional, combinando los valores expresivos de la forma, con el contenido icónico de la misma. Berruguete / * Crucificado * Obispo Berruguete / El martirio de San Sebastián En esta representación escultórica, podemos observar claramente como Berruguete distorsiona la realidad de lo representado, para realizar una representación basada en la expresividad de las formas atendiendo al conjunto; destacando con más intensidad las zonas de mayor importancia, como puede ser el torso. Berruguete, distorsiona de manera escandalosa la proporción de los brazos y las piernas, para destacar en un desarrollo exagerado la proporción del torso. Debemos de preguntarnos, si, ésta distorsión es intencionada o partía de un desconocimiento riguroso de las proporciones. Sería lógico el preguntarse esto, cuando tenemos muchos ejemplos de obras suyas en la que la incoherencia de las formas son la tónica predominante. ANTONIO CANO D. Antonio Cano, escultor sevillano, Catedrático de Escultura de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla. Cano nos demuestra en su obra la creatividad en la figuración, basándose en el conocimiento de la anatomía, para olvidarla luego. Estiliza y distorsiona tal como se le antoja; su base y conocimiento anatómico le facultan para ello. La concepción geométrica de la forma se adivina fácilmente en su obra. La proporción es empleada de forma correcta y la simbiosis de los elementos unifica el conjunto. Cabe destacar la utilización de una escala inferior en la cabeza de la escultura de Colón situada en el Paseo de la Palmera. En conversación con su esposa Dña. Carmen Jiménez, Catedrática Emérito de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla. Me explicaba, cómo Antonio Cano no utilizaba modelo, todas sus realizaciones las creaba desde su propio concepto de escultura, haciendo reseña al perfecto dominio del dibujo y de la anatomía. Antonio Cano / Columna del descubrimiento EL CONOCIMIENTO DE LA FORMA ANATÓMICA Antes de iniciar cualquier tipo de propuesta, debemos de conocer el terreno en que pisamos. Y es por ello, por lo que debemos de estudiar y analizar concienzudamente todos los factores que nos condicionen o capaciten para la realización de una obra de arte, siempre bajo los presupuestos que nosotros pretendamos. El conocimiento de la anatomía, es el primero de los puntos que tenemos que tener en cuenta. La anatomía por sí misma, es tan solo el principio de un intenso y extenso proceso de estudio, para ello debemos no solo de estudiar la teoría escrita, también debemos de profundizar en el estudio anatómico desde la perspectiva objetiva de trabajos prácticos. Podemos recurrir, a trabajos que nos lleven a un mayor conocimiento de los condicionantes anatómicos. Entre los trabajos que podemos ver e investigar, se encuentran los de disecciones anatómicas directas o en su defecto réplicas anatómicas realizadas en materiales plásticos, también podemos documentarnos con trabajos de otros artistas, así como de otras fuentes. Entre estas fuentes cabe destacar, el estudio de la antigüedad clásica. Son en estas esculturas donde la interpretación de la forma anatómica resulta evidente, y de donde podemos tomar sin prejuicios, ni demora, las referencias que necesitemos, con un amplio abanico de nociones en las que podamos fortalecernos, a la hora de poder comprender en principio y basarnos luego durante el proceso de ejecución del trabajo elegido. El Laoconte Obra del periodo clásico griego, donde se demuestra el amplísimo conocimiento que se poseía sobre anatomía. Contorsionando la forma de tal forma que, la expresión del cuerpo responde por los gritos sordos del personaje representado. Hércules, Jean de Bolonia El estudio de la Antigüedad Clásica, el Renacimiento, así como otras etapas artísticas, nos marcarán parte del camino a seguir en la investigación que se pretende. Junto a esto; el análisis exhaustivo de la anatomía artística nos educará en la parte científica, y así, con todos estos parámetros estaremos capacitados para afrontar el ejercicio de la creación plástica y expresiva de una distorsión anatómica en escultura. Adolescente / Manuel Moreno Para poder llegar a realizar una deformación o distorsión anatómica, primero se ha de afrontar la realización de una obra de arte en su verdadera dimensión, dando paso luego a la interpretación de los contenidos y desde los parámetros que creamos oportunos. Dependiendo del ejercicio que se nos presente, el estudio anatómico será de uno u otro calibre. Lo que sí hay que tener siempre en cuenta, es que la forma externa tenga una relación clara con la realidad. No importa lo deformada que ésta esté en su aspecto físico, lo importante radica en los enlaces que se crean dando unidad al conjunto. Se ha de pretender que expresiones plásticas como la interpretación, la deformación, estilización, distorsión, etc. Tengan un denominador común, y éste ha de ser el empleo de la anatomía, bien como fiel reflejo de una realidad, o de forma creativa. PARAMETROS PARA LA CREACIÓN DE UNA OBRA DE DISTORSIÓN ANATÓMICA ¿Qué pretendemos hacer? Son varias las formas que podemos utilizar para dar cabida a una idea. ¿Qué se pretende hacer? Partimos desde la base, de que la creación de una obra de arte es una depuración del pensamiento, un estadio en el que el hombre abre su mente, para dar rienda suelta a sus pensamientos más íntimos. La idea, debe de surgir de forma espontánea pero no por acción de la casualidad, sino por el estudio que ha precedido a dicha concepción. Una vez que la idea queda lo suficientemente clara, bien si nos basamos en una distorsión o en una estilización, iniciaremos el estudio de bocetaje para dejar resuelto parte de los problemas con los que nos encontraremos al ejecutar la obra en tamaño real. Por otra parte, podemos no tener resuelto el boceto y sólo contar con el esbozo de la idea, en cuyo caso iremos resolviendo la formas conforme se nos vayan presentando los problemas. La conciencia de lo escultórico ha de estar claramente presente, el pensamiento interno del artista se refleja deforma espontánea, atendiendo a la simple puesta en escena de los conceptos conocidos. La fase de bocetaje es fundamental en el proceso de realización de una distorsión anatómica en escultura. Los diferentes parámetros que podemos seguir, a la hora de realizar los bocetos de la obra que pretendemos hacer son múltiples y muy diferentes. * El inicio de un boceto a lápiz es el medio más habitual a la hora de lanzar la idea fuera de nuestra mente. * El rápido modelado de la idea a pequeña escala también es un buen paso para iniciar la correspondiente ejecución de la obra. * El más arriesgado de los vehículos de plasmación de una idea sobre la materia que vamos a trabajar, es la ejecución directa sin paso previo. Durante el desarrollo de la escultura las modificaciones serán constantes, tratando de ir modelando todas las formas en nuestra cabeza antes de pasar a la materia. Paulatinamente será la escultura la que nos vaya guiando en el proceso de elaboración de la pieza. * Además de estos, también existen otros medios para poder extrapolar la idea que poseemos a la materia que hemos elegido. * Otro ejemplo: Todas son líneas de masa y textura Sueños / Manuel Moreno LA TEXTURA Y LA FORMA Si la aplicación de la textura no es la adecuada, ésta puede competir con la forma y por consiguiente desviar la atención del verdadero punto de enfoque que el escultor pretende ofrecer. Este planteamiento se potencia mucho más, cuando en la escultura que se realiza, los elementos formales tienen por sí mismos un contenido y un mensaje propio. La textura ha de estar perfectamente enlazada y fundida en el contexto que se representa, no puede actuar de forma independiente. El Modelador / Manuel Moreno NEXOS ENTRE ORIGEN Y FIN, ETAPAS INTERMEDIAS Cuando se crea una escultura sobre la que se pretende realizar una distorsión, siempre hay que tener muy presente la organización de los elementos dentro del conjunto, la composición y otros aspectos. Estas sugerencias siempre deben de estar presente, puesto que la relación entre origen y fin es fundamental. Dentro del esquema de dibujo, tenemos que tener bien claro que, si un elemento como el deltoides está en una proporción, y otro elemento como la mano está en otra distinta, las relaciones intermedias han de ser consecuentes y proporcionales; de no ser así, lo que conseguiríamos es un conjunto tosco, carente de concepto y significado. El brazo ha de tener la proporción adecuada con respecto al antebrazo y a la mano; de esta forma, continuaremos con el resto de la figura. Hacer lo contrario es como romper el ritmo curvo que determina la pierna y el muslo; marcando un ritmo contrario, estaríamos rompiendo la articulación y el dibujo natural de la pierna. RELACIÓN ARMÓNICA DE LOS ELEMENTOS Durante el ejercicio se ha de tener en cuenta que los elementos anatómicos están sufriendo deformaciones, así la concordancia de los elementos y la relación que entre ellos se establecen deben de seguir configurando una unidad. Quiero decir con esto, que la inclusión de elementos anatómicos externos al conjunto, puede chocar de forma importante a la hora de la comprensión de la obra de arte como tal. Sueños / Manuel Moreno * Otro ejemplo: línea de relación Eva / Manuel Moreno EL MATERIAL Es fundamental tener en cuenta en qué material se trabaja. No es lo mismo que sea piedra, que un material, que aún siendo de sustracción permita algún tipo de modificación o ensamblaje; caso de madera, stiroport, etc. El error en piedra es difícilmente modificable, por lo que tendremos que tener muy claro tanto la idea como el boceto previo. Los materiales: Piedra /Hierro / Barro, a través de éste por un proceso de reproducción escultórica: el Bronce y la Resina de poliéster LA COMPLEJIDAD TÉCNICA Según qué tipo de material, la complejidad técnica es distinta. El proceso de elaboración de la piedra requiere un trabajo lento de desbaste si se utiliza puntero y herramientas manuales; por el contrario, si utilizamos herramientas mecánicas como amoladoras, etc. el proceso se agiliza enormemente, sin dar tiempo a pensar convenientemente. En otros materiales como la madera, stiroport bronce, etc. los mecanismos de reacción y de trabajo son totalmente distintos, posibilitándonos el adicionar si fuera necesario. LOS VALORES PERSPECTIVOS DE LA DISTORSIÓN ANATÓMICA Este aspecto es relevante, puesto que la creación de obras de arte a través del estudio de distorsión anatómica, está supeditada al estudio y al análisis de forma más puntual y exhaustiva, que otro tipo de obras. La distorsión y deformación que se puede crear de forma intencionada es contrarrestada por la colocación en perspectiva de la figura con respecto al punto de vista, ofreciendo al espectador una visión cercana a la realidad de una forma física deformada y en apariencia incoherente. La obra cuando esté terminada requerirá de unos parámetros visuales que, junto al punto de vista elegido y otros factores, serán determinantes para el resultado final. PERSPECTIVA Y DISTORSIÓN Línea de Horizonte y de Tierra Líneas de proyección Traslado I Desdén / Manuel Moreno LA CORRECCIÓN DE LA DISTORSIÓN A TRAVÉS DE LA PERSPECTIVA Cotas de reducción Líneas de correspondencia La distorsión que pueda existir en una escultura puede ser compensada por la perspectiva desde un punto de vista determinado. Líneas de proyección Descendimiento I / Manuel Moreno GALERÍA DE OBRAS DEL AUTOR Ficha técnica * Adolescente I Título de la obra: “Adolescente I” Técnica empleada: Moldeado y vaciado. Soporte utilizado: Resina de poliéster y calcita. Dimensiones: 1,60m x 59 x 60cm. Colección: Del autor. * Desdén Título de la obra: “Desdén” Técnica empleada: Moldeado y vaciado. Soporte utilizado: Resina de poliéster y calcita Dimensiones: 63 cm. x 43cm. Colección: Del autor. * Despertares Título de la obra: “Despertares” Técnica empleada: Talla directa en piedra. Soporte utilizado: Mármol blanco de Macael. Dimensiones: 53 cm. x 47 cm. x 36 cm. Colección: Excma. Diputación de Málaga. * Eva Título de la obra: “Eva” Técnica empleada: Talla directa en piedra. Soporte utilizado: Mármol blanco de Macael. Dimensiones: 67 cm. x 42 cm. x 45 cm. Colección: Excma. Ayunto. Bollullos del Condado. Huelva. * Las tres edades Título de la obra: “Las tres edades” Técnica empleada: Talla directa en piedra. Soporte utilizado: Mármol blanco de Macael. Dimensiones: 1,50 m. x 1,20 m. x 65 cm. Colección: CEMAF (Consorcio Escuelas del Mármol de Fines). * Victoria Título de la obra: “Victoria” Técnica empleada: Modelado y vaciado. Soporte utilizado: Resina de poliéster. Dimensiones: 210 x 95 x 154 cm. Colección: Del autor. * Manos a la obra Título de la obra: “Manos a la obra” Técnica empleada: Talla directa en piedra. Soporte utilizado: Mármol blanco de Macael. Dimensiones: 60 cm x 40 cm x 30 cm. Colección: Excmo. Ayunto. de Macael Bibliografía ALCINA FRANCH, J. Arte y antropología. Madrid. Alianza Editorial, S.A. 1982. ARNHEIM, R. 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