Benditos malditos

BBAA MARÍA AMORÓS LÓPEZ 2023 TRABAJO DE FIN DE GRADO Benditos malditos, "Cuenta tu propia historia y serás interesante" Louis Bourgeois Gracias Marcos. Y gracias a Joaquín Martínez, por ayudarme representar con su lente todo lo que quería que el mundo viera de mí y este proyecto. TRABAJO DE FIN DE GRADO BELLAS ARTES UNIVERSIDAD DE SEVILLA 4º CURSO "Benditos Malditos" AUTOR: María Amorós López TUTOR/A: Constantino Gañan Medina INTRODUCCIÓN...............................................................................21. 1. DELIMITACIÓN DEL TEMA.................................................................................21. 1.2. OBJETIVOS PROPUESTOS ................................................................................4 1.3. METODOLOGÍA ADOPTADA Y RECOPILACIÓN DE IDEAS.....................5 3. DESARROLLO DEL TRABAJO TEÓRICO...................................19 2. REFERENTES.....................................................................................14 3.1. SOBRE LA SUBJETIVIDAD DEL ARTE EN LA HISTORIA.............................19 3.2. EL ARTISTA COMO IDOLO.............................................................................32 3.3. NARCISISMO EN EL ARTE. AUTORRETRATO............................................36 3.4 EL EGO. ALTEREGOS........................................................................................48 4. PROYECTO ARTÍSTICO PLANTEADO.......................................55 5. PROYECCION LABORAL.............................................................60 6. CONCLUSIONES...........................................................................62 7. BIBLIOGRAFÍA Y DOCUMENTACIÓN ELECTRÓNICA.........64 RESUMEN DEL PROYECTO................................................................1 ÍNDICE Palabras clave: Escultura, personal, obra-artista, ego, alter ego, discurso, monstruo, sueño, diario, dualidad, stopmotion, papel maché, música, tatuajes, fotografía, arte terapia. ilustración. “La poesía no trata de soltar emociones, si no de escapar de las emociones, no es la expresión de la personalidad, si no una forma de escapar de la personalidad. Pero, claro, solo aquellos que tienen personalidad y emociones, saben lo que significa querer escapar de ellas.” T.S. Eliot 1 Para sintetizar este proyecto, concluyo que es un análisis de mi obra y su relación con mi vida. También hablaremos de este mismo vínculo, en el caso de otros artistas, a lo largo de la historia. Y en cuanto a la parte práctica, consecuente con mi proyección laboral, será un proyecto escultrórico/fotográfico que represente estos últimos años de carrera. RESUMEN DEL PROYECTO INTRODUCCIÓN 1.1. DELIMITACIÓN DEL TEMA. Al igual que a todos, me gusta mucho esquematizar mi vida, para poder ordenar mi mente y todo lo que quiero entender y expresar, así que he empezado definiendo el arte con el siguiente esquema: En el diagrama se muestra como el arte está comprendido por discurso, forma y obra, equitativamente, pero hay una tendencia social a modificar este orden y convertirlo en una pirámide en la que se corona como más importante el artista. En el proyecto seguiremos dos caminos en paralelo, por un lado el análisis de mi obra hasta hoy, y por otro de manera más genérica y teórica, como históricamente se ha producido este giro en el trígono de la imagen de arriba, analizando distintos movimientos, épocas y artistas, y la relación que tienen estos con su obra. artista Otro motivante para desarrollar esta idea es mi temor a que en mi proceso creativo se situé en la cima el "yo" o un ego negativo, que no me permita ver mis errores, y seguir evolucionando y aprendiendo. Y reitero "ego negativo"; porque ya hablaremos de como el "ego" no es siempre algo malo, de hecho ha sido el principal precursor de la evolución del arte y de muchos movimientos. Mediante un discurso personal, en esta etapa de mi vida, en la que considero mi trabajo como expresionismo pop (y un poco kitsch), intento desarrollar un proyecto que tenga como base su forma, que cuente ella la historia, que los límites entre esta y el discurso se desdibujen. Para ello crearé y daré vida a seres y lugares que representen todo lo que he vivido durante estos últimos cuatro años que he estado formándome en la Universidad de Sevilla. 2 En cuanto a lo de describir mi obra como "Expresionismo pop - con un poco de Kitsch", que lo he soltado previamente y me he quedado tan pancha; no lo digo porque verdaderamente sea así, de hecho, no tengo ni idea de lo que hago la mitad de las veces, y la realidad es que el encasillar a los artistas en movimientos se suele hacer cuando ha pasado un tiempo de su época productiva, cuando se crea la etiqueta que engloba a un grupo de gente (porque a todos nos encanta que nos etiqueten para sentirnos parte de un grupo). Así que me he etiquetado como Expresionista Pop, porque, además de que me siento más profesional y finjo que se lo que estoy haciendo, también tiene mucho que ver con los artistas que me han influenciado, la cultura absorbida, mis emociones, los guiños, lo satírico... En conclusión, este proyecto es el resultado de estar inmersa en un proceso creativo de autoconocimiento y de ser una persona muy transversal, una artista saltimbanqui. 3 Abrir un debate con mi yo creativo para poder entender mejor a mi obra. Perfeccionar mi técnica con el papel maché y sus posibilidades. Creo que mi obsesión, reciente, por esta técnica, se debe, a que me siento muy identificada con el papel maché, y las obras, realizadas con papel en general. Primero porque están muy infravaloradas -como yose les cataloga de débiles, efímeras, pero también son ligeras, y curiosas, muy laboriosas y tienen una vida previa, un fondo profundo, igual que esta menda. Además los resultado son muy resultones, es económica y accesible (yo no soy accesible ni económica, pero si curiosa y resultona). "Al igual que la arcilla, el papel maché es infinitamente moldeable, pero en lugar de provenir directamente de la tierra, una mezcla noble de minerales en bruto, ha vivido una vida completamente diferente, desde el árbol hasta la pulpa, la imprenta industrial, a la mesa del desayuno y al cubo de basura (persona) al arte, antes de emerger completamente irreconocible en forma escultórica (obra)." Christine Smallwood, escritora. Feb. 22, 2019 1.2. OBJETIVOS. Analizar mi obra. Ver como, históricamente, se han relacionado los artistas con sus obras, influenciados por el ambiente de su época. Reflexionar sobre la subjetividad en el arte. Indagar en el ego de los artistas, sus mecanismos, como surge y ver de que manera influye en su proceso creativo. Realizar un diario escultórico. 4 Este personaje, creado a partir de un sueño que tuve, en el que un compañero de clase lo utilizaba para su trabajo, es mi primer alter ego (o él primero consciente) en mis obras. Además estéticamente representa muchos de mis miedos, que como en el texto de "El poder del ahora", del que hablaré más tarde (pg. 45), dice "el producto de tus miedos e inseguridades es el ego mismo", por eso le he acabado identificándo como este; por mi miedo a las amputaciones, mi preocupación por la delgadez, la feminidad confusa... mi alter ego principal, el máximo exponente de mi ego. Ponerle cara a este, me ha permitido abrir una conversación con él, para poder ser más consciente de mi proceso creativo, además intentar convencerme de que mis obras son el resultado del trabajo de la/os dos juntos. Mi cerebro es un espacio de coworking. Y aprender a lidiar con mi personalidad trasversal, mis días malos, de poca creatividad, o los resultados que no me convenzan. Y aunque el ego, tiene connotaciones negativas y hablaré de estas en el punto del "Artista ídolo" (pg.31), este también, puede ser un aliado curioso, ya que nos impulsa en muchas ocasiones a mejorar (a base de la envidia o necesidad de reconocimiento, tal vez, pero bueno) y es el ego de los artistas el que a propulsado y ayudado a evolucionar al arte a lo largo de la historia, además de ser el que perdura a lo largo del tiempo, cuando su artista fallece. 11 Una vez escrita, analizada, resumida, resumida y resumida, la turra anterior, vi como lo más repetitivo era la figura cortada, empecé a recopilar los dibujos de mi diario durante este tiempo, donde aparecía, y también los ejercicios de clase, como el de Creación abierta en Grabado; "The Artist; the gift and the curse". Y decidí que quería utilizarlo otra vez en este proyecto. Entonces elegí los discursos en los que más cómoda me había sentido; Los callejones, metáfora de partes de mi mente. Los personajes satíricos y retratos metafóricos. El diario visual, concretamente representado por el personaje cortado. Escultura . Stop Motion. Zona creativa- Concept art en alguna empresa, Diseño de decorados, de escenarios, de platós para películas, series o videoclips. Y luego pensé en la proyección laboral, (de manera ambiciosa;) Y con todo esto, más otras cosas que me gustaban; Buganvillas, fantasía, ironía, papel maché, música... Dije ¿Y si invito a la gente un mini mundo que abarque la mayor parte de lo que siento? 12 En un primer lugar, fui a lo fácil; entrego el proyecto de la asignatura de grabado. Probé a hacer collages combinando la idea de diario visual con el alter ego y salieron cosas bastante interesantes. Y por último, pensé en la escultura, para así poder conectarlo con mi proyección laboral y con lo que llevo disfrutando más toda la carrera. Y para crear un proyecto interesante, que combinara todo (lo vomitado), en las paginas anteriores; tuve varias propuestas: Hasta que caí en el proyecto "Ruckus Manhattan", del artista Red Grooms, que había descubierto al principio de todo este viaje, y me había llamado mucho la atención, también las películas que más disfruto, como Los mundos de Coraline o la Novia Cadaver, realizadas mediante modelado y sop motion, Y, ¿la verdad?, me encanta cuando pasan estas cosas; descubrir que la idea/respuesta estaba ahí desde el principio y que llevo cuatro meses más perdida que el barco del arroz, ignorándola; UNA INSTALACIÓN, un plato que materialize todas estas ideas. De hecho ya una vez, de pequeña, había creado algo parecido, una ciudad gigante de plástilina (a la que invite a mis vecinos y les obligue a pagar por la entrada) llena de personajes, de lo más peculiares, teniendo en cuenta que tenía 6 años, como; Meloniza, una señora con los senos enormes, el cerdo del kiosko, el toro-morsa de San Fermín... Ruckus Manhattan Representación tridimensional multimedia de Manhattan. La maqueta, construida con papel maché, madera, plástico, fibra de vidrio y vinilo, estaba diseñada para ajustarse a las dimensiones psíquicas de Manhattan, más que a las físicas. Inspirándose en fuentes diversas, como el cubismo y los cómics, la ciudad dentro de la ciudad de Red (1937) y Mimi (1940) Goss Grooms provocó una seria reflexión sobre la vida cotidiana en Manhattan. Otras instalaciones interesantes son la de la exposición de Tim Burton, "El laberinto" (Madrid). TeamLab Borderless, museo audiovisual en Japón. El museo del Studio Ghibli en Japón, también, que es literalmente una instalación a escala de las películas creadas por los grandes Hayao Miyazaki, Toshio Suzuki, Isao Takahata, Yasuyoshi Tokuma. Por último, pero no menos importantes, el Gabinete de Curiosidades de Viktor Wynd, un sótano, en un maravilloso barrio underground (cutre) Inglaterra, donde un joven coleccionista, se ha dedicado a meter todas la cosas que le gustan, desde taxidermia, a condones usados, esqueletos de hadas y sirenas y obras de arte de amigos suyos, para crear la octava maravilla del mundo, encima con un bar de copas en la planta de arriba. REFERENTES Burton, nació en una zona de Estados Unidos, caracterizada por la ausencia de estaciones (Burbank, California) esto, dice él, es uno de los principales motivantes de la creación de su obra, de la creación de un mundo distinto dentro de su imaginativo (Además de el chico era más raro que un piojo verde), y lo vemos muy bien en "Eduardo Manos Tijeras", una de sus películas más conocidas, donde el escenario es como Barbie city, y el protagonista, que es un fiel retrato de Burton, es diferente a todos los demás. Otro reflejo de su vida es la existencia de personajes frustrados en todas sus producciones, que acompañan al protagonista en su camino, que era lo que él veía en casa, en sus padres. Desde pequeño, considerado como un chico raro, no era algo que él tomara como una debilidad, de hecho, era justamente esto, lo que le permitía ser libre. TIM BURTON, y las consecuencias de aburrirse de lo cotidiano. Burton, totalmente influenciado por Edgar Allan Poe y el Expresionismo Alemán, es mi principal referente, tanto temático, como estético, desde muy pequeña (A veces me preocupa mucho incluso el caer en la copia). Sus personajes, tan característicos, han servido a muchos, incluido a mí, de refugio y de motivación para seguir nuestro camino, aunque no estuviéramos en la onda de los que nos rodean, y que por ser diferente, no somos menos válido (Me he marcado aquí un buen Mrs. Wonderfull). 14 "La oscura seducción del mito del subconsciente. Lo que no somos para poder ser. Aquello que desterramos para no mostrar, para, ni siquiera, dejar intuir. Todas las posibles interpretaciones de la realidad que ocultamos a la luz del sol para no ser juzgados, para no revelar unas debilidades y unos miedos que, por otra parte, siempre nos perseguirán. Pero es en el terreno onírico donde se mueven libres, sin etiquetas, y sentimos esa especie de liberación de aceptarnos como somos, de dejarnos invadir por aquello que pudiera parecer perverso, incluso sórdido. Allí convivimos con fantasías oscuras que si bien podrían justificar reproches morales, no tendrían por qué hacernos menos humanos. La sociedad que nos rodea es una construcción y como tal, edifica su sustento en una tabla de valores cuyo anverso queda, inmediatamente, sometido a condena, quemado en la plaza pública. Y es en la represión, en el dolor que subyace de la contención del yo, donde a veces surge el arte más salvaje, el más profundo, el más mordaz" Hipérbole, "Jan Saudek y la fotografía del subconsciente" ¹ Me parce importante mencionar aquí también a HENRY SELYCK, que es el creador de muchas obras que se asocian a Tim Burton, como Pesadilla Antes de Navidad - 1993 (que lo hicieron conjunto) o Los Mundos de Coraline -2009. JAN SAUDEK, del refugio en el subconsciente. Superviviente de los campos de concentración nazis, y del famoso médico alemán Josef Mengele, ya que tenía un gemelo, caramelito para el temido doctor. Una vez superado el punto anterior, Checoslovaquia 1935, lo que iba a ser una supuesta salvación; el Comunismo, se acaba convirtiendo en un arma de doble filo, transformando sus expectativas en una pesadilla. Castrador de libertades, generador de discursos único y opiniones únicas. Ha este artista lo podemos contextualizar fácilmente, para comprender su obra: Todo esto durante su infancia, obviamente, genero un ambiente de época, que era poco acogedor para los artistas, y que aun así, no pudo ponerle freno a un creador como la de Saudek. 15 ¹ Granda, H. G. (2016, 13 marzo). Jan Saudek o la fotografía como eco del subconsciente – Hyperbole. https://hyperbole.es/2014/08/jan-saudek-o-la-fotografia-como-eco-del-subconsciente/ (11/06/2023) Sus fotografías, unidas a la técnica de coloreado manual (Que en un principio rechazaba porque su madre lo tachaba de Kitsch - como si fuera algo malo) y un sótano mohoso (Curioso esto porque el siguiente artista, referente también esta relacionado con un sótano) acaban ayudándole a generar un discurso, tan crítico, como erótico, pero sobre todo libre. Siempre en la lineal de análisis del individuo y el género. Tristemente no es un artista muy conocido, aunque muy valorado, por los que lo hacen. Claro representante del "Tableau Vivant" (Este término, que en español significa “pintura viviente”, hace referencia a una actividad recreativa del siglo XIX que consiste en la recreación, por parte de una o más personas, de una determinada obra pictórica a través del sostener con el cuerpo una determinada pose y puesta en escena con vestuario y utilería- Definición de Proyecto Idis ² ) ADOLFO ARENAS Artista Sevillano, asentado en Londres, me parece importante decirlo porque no solo es uno de mis referentes más recientes, sino que también me gustaría seguir un poco su camino (Aunque bueno, igual, igual tampoco, porque cada uno tiene su vida) . Formado en la Escuela de Artes y Oficios de Sevilla. Del campo de la ilustración y actualmente probando otros medios, como la escultura. Vemos en su obra un estilo muy muy propio y reconocible. Lujuria y decadencia. Y aunque estoy enfocando el análisis de mis referentes desde un punto de vista contextual, porque de eso trata el este proyecto, el artista y su obra, Arenas es bastante anónimo en este sentido, y su vida no se conoce mucho. Pero esta claro que cuando observo su obra me vienen muchas preguntas a la cabeza ¿Por que esa anatomía?, que me recuerda tanto al Greco, más expresionista, más caricaturesco ¿Y la ausencia de color? ¿Detrás de esos retratos, hay alguna identidad?¿Cuentan alguna historia los personajes de las obras?... 16 ² Tableau vivant | IDIS. (s. f.). https://proyectoidis.org/tableau-vivant/ (20/06/2023) Jan Saudek : Divadlo Zivota - Theatre of Life GREGORY CREWDSON DPR IAN Influenciado mayoritariamente por Diane Arbus, Hitchcock y Edward Hopper, pero principalmente por su padre, o más bien, lo que hacía su padre; Psicoterapia Y como dije antes, al igual que Saudek, tomaba consulta, en el sótano de su casa ¿Y que hacía Crewdson?, pues pegar la oreja en sus consultas. "Pero también aquella zona de la casa constituía un espejo de la topología psicoanalítica de la mente: los pisos de arriba eran el “Yo”, debajo, en el sótano, se alojaba “El Ello” " (Que bien escribe la gente). Oscar en fotos; "Gregory Crewdson y su mundo extraño"³. También, representante del Tableau Vivant, como Saudek otra vez, con platos, producción y presupuestos enormes, este artista crea imágenes que susurran, que ocultan secretos y que generan todo tipo de sensaciones muy intimas (Supongo serán muchas una representación de lo que escuchaba en las sesiones de su padre). , la niebla de un sótano. Artista musical, Christian es australiano y su nombre de artista IAN. DPR hace referencia a que está dentro de DREAM PERFECT REGIME, grupo musical multigenero y visual, que crea dirige, produce y edita su propio contenido, y hay otros artistas con esta coletilla. 17 ³ Nates, Ó. C. (2015, October 21). Gregory Crewdson y su extraño mundo. Oscar En Fotos. https://oscarenfotos.com/2015/04/05/gregory-crewdson/ (20/06/23) En sus últimos proyecto "M.I.T.O" y "Mood swings in this order" habla de su propia dualidad, muy marcada debido a su trastorno de bipolaridad y me parece una forma artística de aceptarse a si mismo. "+Where did I go wrong with you?, Out of all my creations, you were the epitome of all that is good, the utmost of my potential. You were my first. -And I'll make sure to be your last. You created me in your own image, and now is time to create mine in yours" DPR IAN (29 de julio de 2022) . ⁴ DPR IAN - SERAPH | 1 SHOT | MOOD | RIBBON | OFFICIAL MIITO MOVIE (PART I). Youtube. https://www.youtube.com/watch? v=k9EtzlAozOQ&list=PLNc0f2nxZ28yOzGt6PX64Fs2J6i5kQrJU&index=6&ab_channel=DreamPerfectRegime En la cita anterior, que es la intro de una película creada por el artista, podemos ver una conversación entre él y su otro yo que es más evidente debido a su trastorno. Ian ha decidido hacer de esta enfermedad, que podría considerarse socialmente como una "Debilidad", un proyecto, crear un personaje y explotarlo artísticamente. También me parece interesante, como el artista ha expresado varias veces como sus momentos de "bajón" (provocados por los cambios de humor) lo llevaron a algunos de sus mejores trabajos, y cómo debe evitar volverse dependiente de estos estados para la creación, así que para protegerse del proceso se crea alter egos que representan cada proyecto. OTROS Otros artistas, que me han dado ideas para este proyecto, son Alberto Ortega, que monta maquetas y luego pinta cuadros hiperrealistas de estas. Los platós montados para las películas que me parecen super interesantes: 18 El Studio Ghibli, y sus mundos de fantasía, Louis Bourgeois y Frida Khalo, de las que hablaré más adelante, y el libro de Germán Piqueras (2022) "La estética de la tragedia". Punto de Vista editores. DESARROLLO DEL TRABAJO TEÓRICO Me parece importante, hablar ahora, ya que he mencionado a una de las "madres de la subjetividad", como, el objetivo del arte subjetivo, no siempre es el mismo. En el caso de Frida, por ejemplo, vemos a lo que llamaría mi tutor el "Triunfito llorando": Esta artista solo se desahogaba, era la típica amiga, que viene a la mesa del bar a quejarse, sin plantearse el dejar de llorar y joder, o la posibilidad de que el arte y su producción podían tener una funcionalidad terapéutica. Para este caso podríamos hablar de; LOUISE BOURGEOIS (25 de diciembre de 1911, París - 31 de Mayo de 2010) Como Jesús. Con un discurso, totalmente, basado en sus vivencias, esta escultora, apodada como la "Mujer araña", consiguió analizar su dolor y su infancia, y encontró la manera de canalizarlos artísticamente, con el fin de curarse. "Todas las obras que he realizado en los últimos cincuenta años, todos mis temas se han inspirado en mi infancia. Mi infancia nunca ha perdido su halo mágico, su misterio, su drama” "El arte es la garantía de la cordura". Su obra se ha catalogado dentro del arte contemporáneo, aunque, ella lo percibía como ARTE CONFESIONAL, que hace referencia a la exposición de las partes íntimas de uno mismo, "porque ya no te dan vergüenza. Porque estás reclamando ese poder de algo que es tuyo y de nadie más”, decía. 25 ⁷Convierte el trauma en arte confesional | UDEM. (2023, June 29). https://www.udem.edu.mx/es/institucional/noticia/convierte-el- trauma-en-arte- confesional#:~:text=Para%20m%C3%AD%2C%20de%20eso%20se,de%20nadie%20m%C3%A1s%E2%80%9D%2C%20destac %C3%B3. (19/06/2023) "Entonces, el arte, si bien es un pasaje importante, no siempre es una finalidad, sino un instrumento para mantener dinámico y abierto un proceso de ordenación interior, como bien suscribe Assumpta Bassas. Se podría decir que el arte es una forma de vida, que a veces produce grandes obras de arte y otras no; pero, sobre todo, se puede definir como un instrumento que siempre cambia la percepción de la vida" German Piqueras, en "La Estética de la Tragedia", sobre Josefa Tolrà. JOSEFA TOLRÀ "Solo cuando dibujo, me siento en paz" Igual que Bourgeois, otra artista que utiliza el arte como medio terapéutico es Tolrà, que además, abre un nuevo camino; el de la mediumnidad, el Arte Medium. Para contextualizarnos, es importante saber que esta artista era espiritista y clarividente, y su obra estaba totalmente ligada a estas habilidades. El arte de la mediumnidad, hace referencia a una forma de representar de manera intuitiva, conectando con espíritus y así canalizar su mensaje. (Hablaré de otra artista espiritista actual, mas adelante; Melani Martinez, en la pag. 54) Y aunque empatizar con su obra es una cuestión de fe, si podemos apreciar la sensibilidad de sus dibujos y bordados, sentir la unión entre vida y obra, y como admirar cualquiera de las dos partes, implica sorprenderse con la otra. Como dice David Santamaria, (también mencionado en Estética de la tragédia), el arte utilizado para "hacernos ver, y casi tocar, este lugar espiritual que nos rodea", Tolrà hacia realidad un mundo que le rodeaba, para curarse (de un dolor causado por la muerte de sus dos hijos), y al materializarlo nos invitaba a sentir lo que ella sentía. 26 Lo que me parece curioso es que son el dolor y duelo, los motores que impulsaron al arte a convertirse en algo más subjetivo, como decía Bourgeois (que sabia es, leche) "Las personas que tienen paz no tienen nada que contar" , hasta el punto de que se crearan movimientos y nuevas corrientes. Mientras que previamente solo veíamos las almas de los artistas en momentos muy puntuales y/o camuflados ya sea bajo el anonimato o como modelos y una búsqueda constante de la estética y lo "Bello". A partir de este punto, cobraba mayor importancia aquello que el artista quería contar; Como menciona German Piqueras, "Kathe Kollwitz creó un universo personal alejado de la idea de querer agradar a todo el mundo. Ella dibujó lo que sentía. Y por eso ha pasado a la historia." No podemos no mencionar el nacimiento de la cámara fotográfica (Louis Daguerre en 1839), que también incitó a los artistas a responder con estos movimientos previamente mencionados. Igual que en la actualidad surgirán nuevos movimientos en respuesta a las famosas IA's (Inteligenica Artificial) Entonces, he planteado una clasificación de lo que pasa a continuación en el mundo del arte: Por otro lado, los que engloba el concepto "arte por el arte", y dentro de este: Por un lado, los últimos movimientos mencionados, tan vinculado a lo personal y emocional. Obras del pasado, que se vuelven inservibles, ya que su funcionalidad educativa o propagandística ya no va ligada a nuestro tiempo y necesitan ser "salvadas", para ello se empieza a valorar su técnica o el "artista", alcanzando valores económicos absurdamente altos, como el del Leonardo al descubrir lo que vale su obra y que no ha visto ni un céntimo. 27 "Salvator Mundi" (1500) de Leonardo Da Vinci (derecha), de 450,3 millones de dólares. Artes aplicadas (también denominadas artes menores, artes decorativas o artes y oficios) que han alcanzado la etiqueta de diseño... O se han llegado a convertir en movimientos lideres del momento. Facilmente comerciables. Por ejemplo; KITSCH Estilo artístico considerado «cursi», «adocenado», «siútico», «hortera» o «trillado» y, en definitiva, vulgar aunque pretencioso y por tanto no sencillo ni clásico, sino de mal gusto y regresivo o infantiloide. ⁸ Se originó entre 1860 y 1870. Losada eres el mejor Siendo sus máximos representantes aquí en España; Alaska y Mario (Ellos mismos una pieza más del movimiento y su casa un gabinete de curiosidades de este). O, una de mis mayores referentes, Jessica Harrison, artista escocesa, con su vuelta de tuerca de esta corriente (Hay piezas menos gores), que no podía olvidar mencionar. "Broken Ladies" Jessica Harrison 2014* 28 ⁸ colaboradores de Wikipedia. (2023). Kitsch. Wikipedia, La Enciclopedia Libre. https://es.wikipedia.org/wiki/Kitsch#:~:text=El%20kitsch%20(%2F%CB%88k%C9%AAt%CA%83%2F),gusto%20y%20regresiv o%20o%20infantiloide.(28/04/2023) CAMP Un tipo de sensibilidad estética, del arte popular, que basa su atractivo en el humor, la ironía y la exageración. Muy influenciado por el anterior, también se dice de él que es una copia menor o sin gusto (Como el CAMPamento al que me llevo mi padre de chica) de estilos ya existentes que tienen algún grado de valor artístico. Y por último, pero no menos importantes, otros movimientos influenciados directamente por la cultura del momento. Es decir los equitativos al Renacimiento para la cultura el siglo XV, o al Expresionismo para la cultura de principios del siglo XX, pero en este caso al ambiente del siglo XXI. Muchos de estos generados a partir de la necesidad de ruptura, y de abrir el debate de lo que es arte o no, buscar en los espectadores una reacción, que no siempre tiene porque ser positiva y sin seguir unas pautas de lo que es "estético": POP Movimiento artístico surgido en Reino Unido y Estados Unidos a mediados del siglo XX, inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época, tales como anuncios publicitarios, comic, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. Con uno de los artistas más reconocidos en la actualidad; Andy Warhol, y otros menos conocidos por las personas agenas al arte, pero igual de valorados por los profesionales; como Yayoi Kusama. Yayoi Kusama 29 Otros movimientos mencionables son el FLUXUS (Jhon Cage o Yoko Ono), "Fluxus-arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional" George Maciunas⁹ el POVERA,... Y otros de diferentes culturas como el SUPERFLAT, que es un movimiento posmoderno fundado por Takashi Murakami, y principalmente influenciado por el manga y el anime. Este provee una interpretación "exterior" a la cultura popular japonesa de la posguerra a través de los ojos de la subcultura otaku (O andalucificado, friki). “Kaikai Kiki and Me”, 2008 Tipos de artes muy ligados al "Hago lo que me da la gana", pero que no siempre tienen porque tocar temas muy personales. O nuevas técnicas como el collage, la performance... (*Aclaración; he mencionado los que más me llaman la atención, pero obviamente hay muchos más). Para concluir este análisis histórico, reiteraría que durante épocas de duelo social, donde nada de lo que recibes de fuera tiene sentido, la gente ha tendido a aislarse más en si mismo, el sufrimiento se convierte en una jaula y es entonces cuando el artista, por desahogarse, transforma su arte en algo más subjetivo y personal. Un arte muy sensible. Y esto, también pasa cuando las personas tienen más tiempo libre, de hecho muchos de los artistas que he mencionado previamente, representan su dolor una vez pasado (No siempre es así, obviamente, como Felix Nussbaum, que pintaba mientras estaba en el campo de concentración) es decir una vez han sobrevivido, comienza la creación durante el proceso de curación o de duelo. 30 ⁹ Fluxus. (01 de Julio de 2023) Mas de arte https://masdearte.com/movimientos/fluxus/ (28704/2023) Una vez se inicia esta libertad de expresión, aunque, no se puede negar que hoy en día el arte se sigue utilizando de manera propagandística, siendo la publicidad la principal disciplina de producción visual. Ya no hay tantas normas que limiten a los creadores; pero estra en un estadao de bienestar mas generalizado, surgen o obras muy comerciales o movimientos, que aunque subjetivos, están más vacíos o se precipitan a una creación más difícil de entender por el público general, tan encerrada en la contextualización individual de cada artista y a las tan dispares opiniones y gustos de los espectadores, cosa, que caracterizan al ambiente de época actual. Obras que se pueden llegar a tachar de "absurdas" o lo típico que pondría en duda tu cuñao', una creación muy controvertida, pero que ha generado piezas igualmente increíbles. A la misma vez que todos estos movimientos descritos, han ido evolucionando, ha surgido, en el campo de las artes, un (a mi parecer) efecto secundario/daño colateral, que, como un parasito silencioso, se ha hecho con todo, y este es; La "Aparición del autor y su identidad, comercialmente explotable". Llegando al nivel de que es el artista es el que se posiciona en la cúspide de nuestro triangulo y se convierte en lo único que importa, independientemente de la obra, que ha acabado adquiriendo un valor directamente proporcional y dependiente de su creador. artista 31 "IDOLO": Figura o imagen que representa a un ser sobrenatural y al que se adora y se rinde culto como si fuera la divinidad misma o Persona o cosa por la que se siente un amor o admiración excesivos (Oxford languages¹⁰) Por lo que veo en el arte hoy en día, cuando una obra triunfa, los artistas no solo no se desvinculan, si no que a veces, incluso, se inunda su ser de un narcisismo del que no tienen ningún control. Este vinculo obra-vida lo llamaremos EL EGO, que al ser reconocido, diremos es el ecargado de que se nos suba o no a la cabeza. Y pienso, ¿si el público rechaza una obra en la que has volcado parte de ti , como es posible que no duela?, ¿Que no moleste que infravaloren tus emociones? Y en el caso de que esta cobrara mucha fama, ¿Cómo no se te va a subir a la cabeza?. La realidad es que vivimos en un mundo que nos hace inseguros y todos estamos sedientos de aprobación externa. El artista, si lo extrapolamos a los campos de la música y del cine, sería el símil del compositor de una banda musical o el director de un filme. Sin embargo, parece que históricamente lo que los artistas han conseguido, intentando sentir reconocimiento, o en lo que les ha convertido la sociedad, es estar al nivel de los cantantes o los actores actuales, es decir, personajes públicos. 3.2. EL ARTISTA COMO IDOLO. "Pintada de puerta" Anónimo 32 ¹⁰idol noun - Definition, pictures, pronunciation and usage notes | Oxford Advanced Learner’s Dictionary at OxfordLearnersDictionaries.com. (n.d.). https://www.oxfordlearnersdictionaries.com/definition/english/idol (27/06/2023) Un buen ejemplo de esto, si hablamos de los artistas que han tocado el tema personal, sería Frida Khalo, que incluso se ha convertido en un ídolo estético total y un icono pop. Hasta el punto de que su obra se ha quedado en segundo plano. Es la Lady Gaga de las artes plásticas. Otros que han conseguido esto, pero sin tocar el tema personal; han generado frases como "Mi bisabuela tenía un Rembrant", "Se subastan Picassos", ..., la sociedad a seguido alimentando a su ego, icluso post-morten. Mi pregunta es, sin embargo, ¿Son buenas obras siempre, realmente? Y que hay de "No me compré un Botero, en su día, que se vendía a 50€, y ahora se venden sus obras por millones", o las tan comentadas obras de David Hockney, Yoko Ono o Marina Abramovic, todos siguen vivos, ¿Cómo lidiaran día a día con su fama?. Con estas aclaraciones no me posiciono es si su obra es buena o no, pero si me pregunto ¿Todas merecen realmente la pena?. La figura del "Artista ídolo" tiene mucho que ver con el valor que se le ha dado a las artes (de todo tipo) en el último siglo. Por un lado, al no parecer ser una necesidad, pero que tantos admiran, ha cobrado una importancia casi "sacra", y por otro lado, el llamado don de la creatividad, tan alabado, que ha generado que se perciba a el/la creadora como alguien venerable. Al final, es, por lo que veo, casi imposible que a los artistas no se les suba a la cabeza tanta admiración externa. El valor del "quién" ha eclipsado al "que" y al "como". 33 Sin lugar a dudas, pienso, que esto es contraproducente para nuestra evolución y aprendizaje, ya que facilita la posibilidad de que nos quedemos estancados en obras ya acabadas. Como me dijo un profesor una vez "Es fácil llegar a la cima, pero no quedarte en ella", y no podemos quedarnos en la cima viviendo del cuento de una solo cosa buena que hayamos hecho. (Aunque parece que esa cima, últimamente, esta un poco como la del Everest) Tal vez es por esto que algunas culturas han enseñado a la sociedad mecanismos para no ser presas, no solo del egocentrismo, si no de otros efectos que pueden provocarse en las personas creativas, como son la locura o la tendencia al suicidio. De esto, hay numerosos estudios, tanto histórico-biográficos, como psicológicos y (recientemente) neurobiológicos, que consideran lo siguiente; (Informe de Frederik Ullén y Örjan de Manzano, del Instituto Karolinska de Estocolmo) "A diferencia de las personas “normales”, el sistema de dopaminas (subtipo receptor D-2) de las personas creativas no filtra de manera tan estricta el torrente de impresiones sensoriales (visuales, auditivas, olfativas, etc) con el que estamos en contacto todo el tiempo, lo cual aumentaría la capacidad del individuo de percibir relaciones y crear asociaciones originales y, a veces, extravagantes o delirantes. Desde el punto de vista de la creatividad, este sistema puede originar una corriente inagotable de ideas e inspiración, pero desde el punto de vista de la enfermedad, puede conducir al paciente a la confusión y la angustia. En resumen, una hiperestimulación que podría provocar tanto procesos creativos como desórdenes psicóticos"¹¹ 34 ¹¹Los demonios existen. Sobre creatividad y locura | Lilian Fernández Hall | Dos puntas tiene el camino | Ciudad Letralia. (n.d.). https://letralia.com/ciudad/fernandezhall/101124.htm (16/06/2023) "Um, drunk at a mates 21st, I tripped ofer [sic] and landed lip first (with front teeth coming a very close second) on a set of steps. I had a hole about 1cm long right through my bottom lip. And sorry about the focus, it was a selfie" 13 de septiembre de 2002, ABC on line, foro público en Austral ia. Oxford eligió la palabra como la «palabra en inglés del año en 2013» Este modelo de retrato fotográfico y la facilidad que tenemos actualmente para acceder a cámaras y espacios web públicos, ha divido el campo de la fotografía en muchas ramas, algunas profesionales y otras simple entretenimiento vulgar, como es propiamente el selfie. Los selfies y el narcisismo han creado a la mayor de las bestias actuales; LOS INFLUENCERS. Que si lo analizamos teniendo en cuenta el título, son una aberración genética que ha surgido del intento de reconocimiento mediante el uso de los autorretratos cutres, un exceso de narcisismo y muy poco arte. https://www.youtube.com/watch?v=xQdPyzPwqmA Para resumir todo lo que hay detrás de un influencer recomiendo acérrimamente ver este video tan maravilloso, titulado "Cringy tiktokers giving me SEVERE second hand embarrassment" ("Tiktokers escalofriantes dándome severa vergüenza de segunda mano") de Vento 41 Me gustaría añadir, en este apartado, lo curiosos que me ha parecido la escasez de información de fail alcance sobre los autorretratos en el campo de la escultura (A no ser que busques muy específicamente). Dentro del estudio de la historia del arte, hay una tendencia a los pictórico y lo grafico. La escultura salvo en Egipto y Grecia, queda en segundo plano a partir de la Edad Media, parece (Incluso siendo conscientes de que está por todas partes). Al realizar una búsqueda mas específica conseguí encontrar algunos artistas interesantes que habían utilizado este medio para representarse: Marc Quinn Este artista contemporáneo británico, lleva desde 1991, haciendo reproducciones, mediante moldes, de su cabeza. Pero lo original es que el material utilizado es silicona mezclada con su propia sangre, que necesita de refrigeración constante (a -18ºC). El porqué de esto, en Selfs, titulo de la colección, es por la forma en la que el artista ha concebido la teoría del autorretrato, y es que para él los artistas recurren a la autorrepresentación para reflejar momentos claves de su vida, buenos o malos, y su primer retrato lo realizo cuando era alcohólico. Ahora que esta rehabilitado, el hecho de que las escultura necesiten estar en frio siempre, le obliga a ser constante y le recuerda como es necesario estar conectado siempre a algo a tu alrededor. Otras obras suyas con autorretratos son Fear of Fear (1994) o Emotional detox (1994-2022) Franz Xavier Messerschmidt Otro retratista, bastante popular por uno de sus trabajos en concreto. Messerschmidt, (1736-1783), excéntrico y solitario, obsesionado con fantasmas, es el creador de las famosas 69 "Cabezas de carácter". 42 Gian Lorenzo Bernini Afectado por problemas mentales y supuestas visiones espectrales, resultaron en 69 bustos, la mayoría, se cree, autorretratos. Una vez fallecido, su familia heredó las piezas y en 1793 los dio a conocer en el Hospital de Viena. Algunos ejemplos de los títulos que acompañaban a las cabezas, totalmente satíricos, eran; "El hombre que sufre de estreñimiento", "El fagotista inepto", "El hombre que bosteza", ... Debido a su modernidad y su distancia con los cánones estéticos, no fueron obras aclamadas por el público de la época en la que se realizaron y no fue hasta 1920 que se llegaron a valorar como se debía. A día de hoy se consideran uno de los precedentes del Expresionismo. Inés López Morilla Inés, artista totalmente actual, nacida en 2001, es compañera en la facultad de Bellas Artes, y otro ejemplo de artista que ha utilizado la escultura como medio para el autorretrato. Aunque, el retrato y la figura humana es recurrente en su obra, no es hasta "Tempus Fugit" (2022/23), que utiliza su rostro para incluirlo en su proyecto de investigación sobre el tiempo, llegando a la conclusión de como todo puede cambiar en un abrir y cerrar de ojos, y de como nuestras acciones tienen siempre consecuencias que se coordinan en presente, pasado y futuro. "Tempus Fugit"; fue presentada al público en la exhibición "Pieles de Bronce"; realizada el año 2023, en el espacio "Antiquarium", en Sevilla. 43 Solo, para empezar, ya podemos ver como la definición no es 100% verídica, ya que hay muchas perfomance en las que el público únicamente participa como mero espectador, como "Transfiguration" de Oliver Sagazan o "Antropometría de Klein (1960) poniéndose entonces el acto como un espectáculo a la altura de un concierto de Beyonce (O menos altura, por que los conciertos de Beyonce son apoteósicamente maravillosos). Entramos otra vez en el tema de, hago lo que me da la gana y lo llamo performance, que bueno, si abro mi mente como Moisés abrió las aguas, dejo de debatir sobre si el arte debe estar regido por unas normas o simplemente debe poner siempre en duda las establecidas. No digo que todas las obras realizadas mediante la performance tengan menos valor, ya que hay muchas muy interesantes, pero sí que hay algunas, que te las cuelan con calzador, donde no veo una evolución del artista que no dependa de la necesidad de reconocimiento; como "Ocho horas sentada" de Marina Abramovic (2010), o Jens Haaning con "Take the money and run" (2021), presentando dos lienzos en blanco tras embolsarse 74.000 € (que no he investigado, pero espero haya devuelto o donado), o las canciones de Yoko Ono. Además del autorretrato, hay otras técnicas que han convertido a sus artistas en el centro de atención y en mi más sincera, y lo mismo equivocada, opinión, han sido contraproducentes para con su obra, en algunas ocasiones; la performance. 2. f. Actividad artística que tiene como principio básico la improvisación y el contacto directo con el espectador. (RAE, 22/05/2023) "Tarnsfiguration" (2001) de Oliver Sagazan Entonces, las fronteras de lo que se considera arte y performance, se desdibujan y dependen de lo que el artista (o espectador) quiera o no. Por lo tanto el vídeo de "Ole el arte y la gracia de PACO bailando por bulerías" sería la mejor performance que he visto en mi vida, según yo. 45 Para concluir, en un principio se aprecia como el artista recurre al autorretrato en búsqueda de reconocimiento profesional, hemos podido analizar como esto, en la actualidad, ha evolucionado de una manera buena, y los autorretratos de los artistas contemporáneos guardan un significado y un discurso mucho mas elaborado. Mientras que los autorretratos narcisistas y sedientos de reconocimiento se han quedado como mecanismos en las redes sociales, para que las personas se expongan a una sociedad critica, y recibir alguna valoración únicamente por su físico, reforzando así la idea de que el narcisismo es la patología arquetípica de nuestro tiempo. Keith Arnatt, "Im a real artist" (1969-72) / "Savage, I am a fraud", (2011). "Es mala amante la fama y no va a quererte de verdad Es demasia'o traicionera, y como ella viene, se te va Sabe que será celosa, yo nunca le confiaré Si quiere' duerme con ella, pero nunca la vayas a casar" -Rosalia ft. The Weeknd, LA FAMA (2022) Podríamos llegar a la conclusión de que la fama y el reconocimiento son adicciones difíciles de combatir. 47 3.4. EL EGO. ALTEREGOS. El EGO hace referencia al "yo" y a la valoración excesiva de uno mismo, según Oxford languages, pero yo en este caso, como ya he dicho, lo considero el vinculo entre obra y vida. EL PODER DEL AHORA “El final del drama de tu vida”- Eckhart Tolle "La mayoría de las cosas presuntamente malas que suceden en la vida de la gente son achacables a la inconsciencia. Son autocreadas o, más bien, EGO-CREADAS [...] El nombre de “drama”. Cuando eres plenamente consciente, el drama ya no puede entrar en tu vida. El ego es la mente no observada que dirige tu vida cuando no estás presente como observador, como conciencia que testifica. El ego se percibe como fragmento separado en un universo hostil, sin conexión real con ningún otro ser, rodeado por otros egos que o ve como una amenaza potencial o intentará manipular para sus propios fines. Los patrones básicos del ego están diseñados para combatir sus miedos más arraigados y su sensación de carencia. Son la resistencia, el control, el poder, la avaricia, la actitud defensiva, la agresividad. Algunas estrategias del ego son extraordinariamente inteligentes, aunque no llega a resolver ninguno de sus problemas por que el problema es el ego mismo" Aquí reitero la idea de como, en la actualidad en ausencia de polémica social, las personas hemos tendido a individualizarnos y meternos mucho en nuestras cabezas, generando problemas donde no los hay y dando a luz al ego. El ego del artista tiene un papel fundamental en la práctica artística e influye consciente o inconscientemente en su producción creativa; se deja ver en las obras de numerosos artistas como un cara o cruz de una moneda y en mi caso, por lo menos fomenta mucho mi actitud creativa. No creo que los artistas sean consciente de este proceso, que en ocasiones redirige totalmente su trabajo hacia los intereses personales e, inevitablemente, les vincula de por vida con su obra, por mucho, que en un inicio, haya comentado que el motivo del proyecto, como comenta mi profesor, es saber si me puedo desvincular de la obra y dejarla sobrevivir sola. Pero ¿y si intentara hacer las dos cosas?, como una madre debe hacer, jamás desvincularse pero dejarla libre. ¿O si creara un mecanismo para poder ponerme un escudo frente a mi obra y su éxito o fracaso? 48 Un primer paso para dejarle libertad a la obra y desprenderse de conductas negativas vinculadas al ego, es el que hemos culminado con este punto; darse cuenta de la situación de este y entenderlo a él y como repercute en la obra. Un desprendimiento que permita tener bajo control nuestro esquema del arte: discurso forma obra De todas formas hay artistas que sin tener el control de este esquema han conseguido bastante reconocimiento, como son el caso de Frida Kahlo y Van Gogh, que están completamente homogeneizados con sus egos y han dejado de ser dos para solo ser uno y que su producción, totalmente dirigida por este, necesite de una contextualización para ser entendida. También ha provocado bastantes efectos secundarios en ambos a nivel personal, siendo dos personas bastante inestables emocionalmente y con depresiones muy profundas. Lo más curioso que he encontrado sobre el ego, es que es la etimología latina de "YO", y que hablar del ego como ser independiente es originario de las corrientes psico-analíticas de Freud y de Lacan. Después de leerlo 100 veces, tener una batalla campal con mi compresión lectora, y casi morirme, he medio conseguido descifrar lo que ambos querían decir, y aunque, partiendo de la misma idea, (Y como no, culpando a la madre de la existencia de esta mente inconsciente); cada uno de estos señores defendía una manera diferente de interactuar con el ego. 49 En el caso de Freud, que lo llama "ello", se refiere a este, como la parte impulsiva de nosotros, y dice que el "yo", lucha contra este para asemejarse al "super-yo" (producto de la sociedad y moralidad), y es así como surge la conducta humana. En el caso de no actuar dentro de los limites impuestos para parecerse al "superyo", se podrían sufrir casos de manía u otras enfermedades mentales (Lo mismo que el super-yo impuesto actualmente por la sociedad sea Kim Kardashian, es el motivo por el que hay tantas personas con enfermedades mentales sueltas por ahí) Y es aquí donde me lío, porque por lo visto, Freud defiende que hay que reforzar el ego para la curación psicológica, a pesar de básicamente describirlo como nuestro lado salvaje, y es Lacan (que se ha montado hasta una gráfica, que encima de que se me da fatal interpretarlas, esta en francés, así que es como descifrar el código da Vinci) él que defiende que no se le debería reforzar ya que es el origen del narcisismo. A continuación, vamos a plantearnos a este "ello"; al "ego"; como un ser "independiente", incluso vamos a darle su parte de racionalidad, y es cuando al convertirle en un inconsciente pensante, lo elevamos al título de "alterego". ALTEREGO La idea es abrir el dialogo entre este ego y yo, para que mi producción artística, creatividad y aprendizaje mejore. Plantearlo como la criatura de las que Elisabeth Gilbert nos hablaba, el demoni. Abrir esa pequeña habitación de nuestro subconsciente para conocerle y ver el mundo desde su punto de vista, sin necesidad de meternos LSD, a través del arte, crear un alterego. A continuación, voy a hablar de algunos alter egos de la historia, que no tienen relación, a primera vista, con el ego, ya que son personajes creados, pero que a mi parecer representan parte de ese subconsciente que los artistas tienen dentro, el "otro yo"; que tiene tanta fuerza, que necesita salir. "Derivación de la personalidad dominante del sujeto" o "Un segundo yo, que se cree es distinto de la personalidad normal u original de una persona." Sergio Garcia. "El Control del Ego" ¹² Erzesebet Korb, Alter ego. ¹²Sergio Garcia (26 de agosoto de 2022) El control del ego. Linkedin. https://www.linkedin.com/pulse/el-control-del-ego- she-hulk-puede-por-qu%C3%A9-los-dem%C3%A1s-/?trk=pulse-article&originalSubdomain=es (28/06/2023) 50 Leeson (1941, Ohio), artista visual, trabaja combinando el arte con la sociedad, particularmente en la relación personas-tecnología. Su trabajo ha ayudado a promover la legitimación de las formas del arte digital. En cuanto a su alterego, Roberta Breitmore, nació en 1974, y consistió en una performance que duró cuatro años. Lo mejor de este alterego es que la artista consiguió tramitar tarjetas de crédito y su licencia de conducir a nombre de Roberta. Roberta Breitmore sirvió de punto de partida para investigaciones sobre IA's, realidad virtual, robótica y manipulación genética que la autora llevó a cabo posteriormente. SHANA MOULTON Y CYNTHIA (1976) Artista de California, radicada en Nueva York, que explora las ansiedades contemporáneas, derivadas de la tecnología, principalmente, a través de su alterego Cynthia, obsesionada con la salud. LYNN HERSHMAN LEESON Y ROBERTA BREITMORE MARCEL DUCHAMP Y RROSE SÉLAVY Rrose nace en 1920, apartir del pionero francés del dadaísmo, Duchamp, siendo sualterego femenino. Rose por ser uno de los nombres más comunes de la época y Sévaly de c'est la vie, juego de palabras muy común en Duchamp. Su primera aparición es en los fotogramas de Man Ray, y se llega a convertir en, incluso, autora de algunas obras, sin tener este aura perturbadora, que otros alteregos tienen. Comparte con el artista la tendencia al arte manual, dentro de una época de configuraciones técnica. 51 TOMOKO SAWADA A continuación, una de mis artistas favoritas, y sus, no uno si no,, cientos de alteregos. (1977), Tomoko Sawada es una artista japonesa. Fotografía y performance. Influenciada por el trabajo de Cindy Sherman, explora la identidad, cultura, individualismo, estatus social,... a través del retrato. Para su fotografía utiliza maquillaje y disfraces para alterar drásticamente su identidad, de modo que cada fotografía parece representar a personas diferentes. Sawada utiliza a fotógrafos comerciales, foto matones y el ambiente de su propio estudio editado digitalmente para representar cientos de identidades diferentes. 52 Las distintas escenas escogidas: Hada en tarro Hada teatro Callejon de escaleras Camión de helados Hada aplastada Baño espejo Stripclub Arbol bugambilias Tren Restaurante Habitación con corazón Ranas corriendo Restaurante Cementerio de sueños. Gusanos Ojos faróla Contenedor mataintrusos (hombres) Gama cromática: 57 En cuanto al desarrollo del plato, que es de las dimensiones de una maqueta de esas que te encuentras en el taller de un arquitecto, de base es de cartón. Para reforzarlo le dí a todo una capa de papel de periodico con cola blanca y agua (el papel mache sin triturar y hacer pasta) y realice algunos detalles con pasta de modelar, como algunas molduras de ventanas y barandillas. La silicona caliente (que no esta en las palabras clave) también a sido un gran aliado en todo esto. FOTOGRAFÍAS REALIZADAS CON LA AYUDA DE JOAQUÍN MARTÍNEZ, ESTUDIANTE DE DE REALIZACIÓN Y PRODUCCIÓN. AUTOR: María Amorós López (Con la colaboración de Joaquín Martinez) TUTOR/A: Constantino Gañan Medina TRABAJO DE FIN DE GRADO BELLAS ARTES UNIVERSIDAD DE SEVILLA 4º CURSO "Benditos Malditos" (Catálogo anexo) PROYECCIÓN LABORAL En cuanto a este punto, lo único que puedo decir es; ¿Cómo se supone que debo pensar ahora mismo en mi futuro laboral si después de cuatro años, no creo que esta Universidad me haya preparado para enfrentarme a él?. Yo si que me enfrento ahora sola a un mundo hostil y no mi obra. Más perdida que el barco del arroz, de repente me exigen una respuesta, como si la facultad me hubiera dado las herramientas para poder contestarla con seguridad, como si no me viera en la necesidad de seguir formándome. Lo único que sé, ahora mismo, es que mi futuro laboral, no solo esta lejos en tiempo, sino que también lo está en distancia, porque probablemente tenga que salir de España, y para ello me tendré que tirar todo un verano ahorrando la miseria que gane en algún restaurante sin contrato. ¿Qué si sé lo que me gusta?, Si, la escultura, la creación de personajes, me interesa el decorado y los proyectos de stopmotion, también trabajar en equipo, no tener que verme forzada a ser la más creativa constantemente, algo estable, no tener un jefe narcisista (Eso me lo ha enseñado la cafetería), inspirar a la gente... Me parece importante recalcar como la universidad NO se ha adaptado a la situación de una estudiante activa laboralmente, prejuzgándome, en ocasiones, por no haber sido capaz de de dar el 100% de mi en todas y cada una de las asignaturas. Siento que la carrera te direcciona únicamente, a ser un artista expositivo, porque incluso si la mayoría intentaremos hacer el MAES, la realidad es que ninguno, con la formación de estos últimos años, seriamos profesores a la altura, y Dios bendiga a nuestros futuros alumnos. Muchos de nuestros "Maestros" (Si siquiera se les puede llamar así) nos recuerdan constantemente, como en su época todo era mejor, como si fuera nuestra culpa que las cosas estén organizadas así ahora. Se que esto apesta a crisis post graduación, pero me siento decepcionada, fracasada... Me he enfrentado por primera vez, a que mis habilidades/capacidedades fueran infravaloradas por ser mujer y escultora, recibiendo comentarios constatemente sobre mi "poca fuerza", comparaciones odiosas, o prosefesorAS dando por sentado que compañeros, que miraban lo que hacia, me estaban haciendo el trabajo, o compañerOS apoyandose entre ellos y organizando proyectos juntos sin contar conmigo (pero para la cervecita de luego si). Me da miedo no entrar de prácticas en ningún taller escultórico, porque lo que necesitan es mano de obra, y como "estoy muy canija no puedo ayudar". 60 En el mejor de los casos, me tendré que meter en la parte creativa de alguna empresa, o si no tendré que conformarme con tomarme cafés en el bar de enfrente de la universidad, mientras escucho las penas, gratis, para los cuatro artistillas que se aprovechan de que soy mongola. O a maestra y ser destinada a algún colegio mundano de algún pueblo cutre de Madrid, o que conozca a algún hombre rico mientras trabajo en el Hotel Alfonso XIII, que quiera mantenerme, porque se haya obsesionado conmigo hasta el punto de que no le importe subvencionar mi arte. Si intento ser positiva, me convenzo de que se me abre ahora un mundo de posibilidades, e intentaré manifestar que alguna empresa valore el esfuerzo que he puesto en mis últimos proyectos. El mundo del arte es exigente, esta carrera lo es también, pero yo lo soy más. Se que valgo y voy a conseguir lo que me proponga. Solo espero que el mundo este por la labor. 61 CONCLUSIÓN Exeso de ambición y falta de planificación, que me han llevado a estar tres semanas levantandome temprano y acostandome a las tantas de la mañana trabajando. La transversalida, que aunque también es un fuerte, a veces puede llevarme a tener ideas impulsivas dificiles de materializar, con las herramientas que tenía a mi alcance. En conclusión, este proyecto me ha recordado mis debilidades: Creo que es importante, a partir de ahora, recordar que en futuros proyectos, aunque los haga sola, no todo tiene que ser sobre mí, y tener en cuenta a quien quiero que vaya dirigida mi obra. Porque no solo quiero aprovechar las posibilidades terapeúticas del arte, también quiero comunicar. Hasta ahora, en proyectos previos, he añadido el texto a mis obras porque es mi forma de asegurarme de que mi mensaje llegara al público. Ya que si lo dejo sin texto solo lo entiendo yo. Ahora entiendo a que se refería Nino con "Dejarla que sobreviva", y es que tengo que confiar en ella, y que el espctador forme sus propias conclusiones, sin tener que estar justificandola todo el rato. El juego está ahí, en que la obra tenga libre interpretación y cobre vida propia en los ojos de los distintos espectadores (si alguna vez hay alguno, claro). Y saber, que si esta bien hecho, parte del mensaje siempre llegará. Como explica Jimmy Lovine, gran productor musical, “When you catch a really great songwriter, the song is about something else, but you say, ‘That’s me’.” Importante recordar, entonces lo que Toby Litt, escritor de Dead Boy Detective, aclara, para mantener al EGO a raya; “Bad writing is almost always a love poem addressed by the self to the self. The person who will admire it first and last and most is the writer herself.” La idea de este proyecto, al fin y al cabo, era analizar, que tipo de relación tengo con mi obra, todo por el debate de como desvincularme de esta una vez creada, y si esto era posible si tenía un discurso muy personal. Y hombre, si en el futuro me encargan hacer una virgen para una iglesia o un muñeco de cera de Lana del Rey, ahora se, que me será más fácil desvincularme, por que son encargos, pero con otras cosas que se me ocurra hacer por simple gusto, como este proyecto, lo mismo no me quiero desvincular, y no hay nada malo en eso, mientras que no afecte a mi evolución. 62 He iniciado algo que me interesa y eso es lo importante. En realidad siento que si hubiera podido responder a todo lo que me preguntaba al principio, de manera conlcuyente, este proyecto se hubiera convertido en un punto y final en mi vida, y, la verdad, no me apetece ese punto todavía, prefiero el punto y aparte. Tengo altas expectativas del mundo en el que me adentro. Quiero mantenerme fuerte y perseguir mis sueños, sueños que el resultado de este poryecto ha hecho visibles y emocionantes, (Y si no, siempre podrán convertirse en Desencanthadas, feuchas, a las que achuchar). 63