Dualidades en el agua: Aproximación plástica a lo antagónico a través de la herencia escandinava

TRABAJO FIN DE GRADO GRADO EN BELLAS ARTES - UNIVERSIDAD DE SEVILLA – 2019-2020 Dualidades en el agua. Aproximación plástica a lo antagónico a través de la herencia escandinava. Autora: Anabel Saez Lascurain. Tutora: Carmen Andreu Lara. Índice Resumen ................................................................................................................................ 6 Abstract .................................................................................................................................. 6 Palabras clave ........................................................................................................................ 6 Key words ............................................................................................................................... 6 Introducción ........................................................................................................................... 7 Grado de innovación ............................................................................................................. 8 Objetivos ................................................................................................................................ 9 Metodología ........................................................................................................................... 9 I. Dicotomías en el agua .................................................................................................. 10 I.I Los Dioses del mar del Norte................................................................................... 10 I.II Aguas caóticas. Los opuestos en la abstracción y la creación artística. ............... 15 II. Repulsión y Fascinación. La dualidad como unidad en el agua y en los artistas. ..... 19 II.I La representación pictórica del agua y la semilla del Romanticismo nórdico. .... 19 II.II Ictiofobia e hidrofolía. Las experiencias traumáticas como motor creativo. ...... 31 Conclusiones ........................................................................................................................ 40 Bibliografía ........................................................................................................................... 41 Lista de ilustraciones ........................................................................................................... 44 6 Resumen Las dualidades conviven en el agua, en el arte y en nuestras propias mentes. En este trabajo emprenderemos un viaje a través de la mitología del norte de Europa y las diferentes manifestaciones artísticas. Esta ruta nos ayudará a comprender lo antagónico desde la sensibilidad escandinava y desde algunas obras contemporáneas que entienden lo acuático cómo una metáfora de lo oculto, de todo aquello que nos aterroriza y a la vez nos apasiona. Abstract Dualities coexist in water, in art and in our own minds. In this work we will undertake a journey through the mythology of northern Europe and the different artistic manifestations. This route will help us to understand the antagonistic from the Scandinavian sensibility and from some contemporary works that understand the aquatic as a metaphor of the occult, of everything that terrifies us and at the same time we are passionate about. Palabras clave Artes plásticas. Agua. Dualidad. Antagonismo. Escandinavia. Fobias. Océano. Mitología. Arte. Expresionismo Abstracto, Folclore. Romanticismo nórdico. Key words Art. Water. Duality. Antagonism. Scandinavia. Phobia. Ocean. Mithology. Art. Abstract expressionism. Folcklore. Nordic romanticism. 7 Introducción Este trabajo fin de grado aborda el análisis de los miedos y pasiones intrínsecos al ser humano y las contradicciones de la mente, a través de la metáfora en la representación plástica del agua. El discurso se fundamenta en la investigación teórica sobre los terrores y atracciones inherentes a la psique colectiva respecto al agua a través del análisis comparativo de las sensaciones, imágenes y conceptos presentes en las leyendas y mitos del norte de Europa, con la obra y el discurso de artistas contemporáneos que conciben también el medio acuático como un mundo de dualidades. Este proyecto artístico se materializa plásticamente mediante la contraposición de elementos inspirados en la atmósfera, las formas y luces de las grandes masas de agua. El magnetismo subyacente en el agua, y la vida que esconde, contribuyen a partes iguales a alimentar mi aversión e interés hacia ellos. De manera anecdótica, creo que las transparencias de las aletas y membranas en el movimiento del agua son la mayor causa de mi repulsa por los peces, además del inobjetable y manifiesto terror por las profundidades oscuras. El principal motor que me ha llevado a querer investigar y desarrollar este trabajo sobre la dualidad, es la autocomprensión de mí misma y de mi obra artística. El agua y sus habitantes, han sido elementos con los que he trabajado durante mi formación en distintas disciplinas artísticas. Sin embargo, el océano y la vida marina, que al principio parecían tener tan solo un significado estético basado en las formas orgánicas, se han convertido en parte inseparable de mi obra. No ha sido hasta comenzar a cimentar las bases de mi discurso, a través de preguntarme por qué creaba lo que creaba y qué quería decir, cuando me he dado cuenta de lo imprescindible que era el agua en mi expresión artística y todos los aspectos que desvelaba. De este modo, el mejor objeto de representación de estos dos ámbitos es la vida bajo el agua. El medio acuático establece una relación clara entre conceptos contradictorios, lo aterrador y lo fascinante, que conviven en un mismo entorno. Gracias a su cualidad de encerrar secretos desconocidos, Las grandes masas de agua se convierten en el paradigma de las dicotomías. Aunque, a nivel personal y artístico el peso de esta investigación recaiga a grandes rasgos en la confrontación de odio y pasión, el agua abarca muchos otros pares de opuestos como muerte vs vida, o bien vs mal. De este modo, consideramos que es imprescindible retraerse a las épocas más primitivas del ser humano para comprender bien la relación que muchos pueblos establecieron con el agua, y cómo algunas claves siguen vigentes en la cultura y el arte contemporáneos, además de en mi propia producción artística. Si observamos las leyendas del mar del norte y la cultura escandinava, podemos rescatar muchas características que convierten a estas sociedades marinas en una referencia muy interesante de nuestra relación con el agua. Podríamos comenzar por la escasez de pistas 8 que nos proporcionan históricamente, y que contrasta con la sobreexplotación del legado mediterráneo. Esto permite una investigación menos ceñida a las formas y normativas estéticas y visuales de las culturas mayoritarias a las que ya tenemos acostumbrados nuestros ojos y nuestro gusto. Al igual que sucede con el agua, la cultura nórdica por su propia naturaleza misteriosa, contrasta con nuestro bagaje cultural, convirtiéndose en un objeto de estudio mucho más atractivo que lo ya conocido. Además, gracias a las diferencias culturales podemos apreciar con mayor claridad las dualidades que coexisten en el líquido elemento y cómo son interpretadas antes y ahora. Grado de innovación El arte es un poderoso instrumento en nuestras manos para comprender y mejorar nuestro mundo. Siendo tanto medio como objetivo de la atracción, la belleza que apreciamos en él puede ayudarnos a asumir también las partes más siniestras que no solemos considerar. Numerosos artistas han abordado lo macabro, lo grotesco, lo dual. Sin embargo, con este trabajo lo que se pretende plasmar es lo inquietante en todo ello, lo que no se puede definir bien ni encasillar en referencias que ya conocemos. Lo contradictorio por esencia, pero por esencia humana, que al no poder delimitarlo y encontrarle un opuesto nos aterroriza y nos fascina. En ese espacio de aportación individual crece el arte, la aportación de cada artista de cada espectador contaminada por el medio y la historia, pero contaminada de manera única para cada uno. La dualidad entre miedo y fascinación, lo bello y lo siniestro y tantos otros opuestos se podrían resolver en un único concepto complejo. Esta situación, no crearía discordia sino una mayor similitud entre los opuestos y por tanto la disolución de los mismos. De esta manera nos dispondremos a comprender el juego de la contradicción a través de ejemplos en la historia y también de la actualidad. Se pretende así, aportar un nuevo acercamiento al arte, sin polarizar los conceptos, encontrando la armonía entre ellos. Además, el espectador podrá ser más consciente de su sensibilidad y de la atracción a lo “mal visto”. Este proyecto tratará algunas claves que nos permitan comprender desde el arte como nos enfrentamos a nuestros miedos y fobias recurrentes. Pretende también, aportar instrumentos que nos permitan profundizar mejor en la importancia de la actitud del ser humano, su tolerancia y asimilación de lo opuesto. Ahondaremos, además, en la relación que tiene el agua con algunas fobias o enfermedades mentales a través de la representación pictórica y la herencia pagana escandinava. En un artículo publicado en Psychology Today, la psicóloga y escritora Patty Chang Anker, autora de Some Nerve: Lessons Learned while Becoming Brave (Riverhead Trade), señala que en Estados Unidos dos tercios de la población tiene miedo de las grandes masas de agua (Barnés, 2014: párr. 3). Este trabajo pretende conectar desde un enfoque creativo, con esas personas que, como su autora, sienten la lógica atracción por el medio acuático y a la vez les produce temor y fobia. Para ello utilizaremos dos instrumentos que han sido tradicionalmente útiles en los procesos de reconocimiento y aprendizaje: las leyendas y el arte. 9 Objetivos El presente trabajo fin de grado se propone realizar una Inmersión en los miedos y pasiones que desprende el agua en su autora. Siendo el agua un elemento que ha generado tanto atracción como temor en el ser humano desde tiempos remotos, nos planteamos comprender algunos de los aspectos más significativos en su representación a través del arte contemporáneo. Pretendemos ahondar en la cara oculta y a veces denostada del ser humano, para conocernos mejor a nosotros mismos. Para conseguir este objetivo será necesario realizar un viaje introspectivo de autoconocimiento a través del enfrentamiento activo y creativo con nuestros miedos primordiales. Proponemos, en definitiva, que las dualidades o los conceptos contrarios se consideren como rangos cambiantes de una misma cosa, con el objetivo de obtener una visión menos condicionada por lo formal y lo canónico en el arte. Metodología La metodología que seguiremos en este trabajo consistirá en revisar ejemplos en la mitología escandinava y en artistas contemporáneos mostrando las premisas comunes de dualidad entre pasión y aversión en las masas de agua. Este trabajo fin de grado se ha planeado con una metodología teórico-práctica, la revisión teórica precede en ocasiones a la práctica y esta ha permitido alimentar y profundizar en los planteamientos teóricos. Desde el punto de vista teórico, hemos investigado en el folclore del norte de Europa y cómo el agua influye en su paisaje y sus artistas. Además de estudiar concienzudamente la relación del romanticismo nórdico con el expresionismo abstracto y algunos artistas contemporáneos escogidos, hemos indagado en la filosofía que fundamenta estas obras. Para sustentar el desarrollo práctico, hemos tratado de comprender qué significado tiene el agua para los artistas escogidos en este trabajo, recurriendo en algún caso a la entrevista directa. También, hemos realizado una selección de trabajos artísticos que comenzarían a realizarse en 2017 y seguirían hasta junio de 2020 acompañados de la investigación y reflexión teórica. 10 I Dicotomías en el agua Yo conozco tus obras, que ni eres frío ni caliente. ¡Ojalá fueses frío o caliente! Pero por cuanto eres tibio, y no frío ni caliente, te vomitaré de mi boca. (Reina Valera, 1960, Apocalipsis 3:15 - 3:16) En este capítulo trataremos de comprender el agua en su complejidad concebirla como un elemento único y a la vez pleno de connotaciones. Comenzando por las antiguas leyendas de la mitología escandinava y los pueblos del norte ligados cultural y vitalmente al agua y desgranando las múltiples facetas aparentemente contradictorias percibidas por el ser humano que como un canon se repite hasta nuestros días y se refleja en la vida y en el arte. Para poder profundizar en la concepción del elemento acuático en la sociedad y en el arte, debemos contemplar las masas azules desde las mentes del pasado y las contemporáneas María Teresa Pozzoli, lo aborda como una premisa fundacional del pensamiento complejo: El agua, como toda entidad viva y compleja debe ser abordada como si se tratara de un fractal, que contiene un complexus de realidades simultáneas y superpuestas, polívocas y diversas. Por lo mismo, los códigos complejos del agua generan perplejidad como este cuento de los dinosaurios; la perplejidad aparece con la interconexión que trazan los puentes impensados por nuestra inteligencia ciega; pasadizos misteriosos entre lo remoto y lo de hoy, entre lo de adentro y lo de afuera, entre lo de arriba y lo de abajo, entre lo inefable y lo cotidiano, en definitiva, en el agua como en toda entidad viva, está presente ‘lo uno y lo múltiple’ (Pozzoli, 2007: 2). I.I Los Dioses del mar del Norte. El incansable debate que existe en el arte contemporáneo acerca de si el arte es arte sin público, podría encontrar su posicionamiento si concebimos las leyendas y mitos antiguos cómo una obra que se prolonga en el tiempo y el espacio. Si observásemos los mitos antiguos cómo quien observa un cuadro en un museo, nos costaría mucho diferenciar al artista y al público. Podríamos decir incluso que se trata del mismo individuo. Con frecuencia, el artista y el público se presentan como personajes muy delimitados en el debate sobre el arte, enfrentándose a veces en una contradicción. Sin embargo, en la mitología, la creación recaería en todo el que comparte, interioriza o representa la sensación o el monstruo. Podemos observar que lo importante en este intercambio es la acción. El arte debería poder ser comunicado y recibido, pero parecemos empeñarnos en trazar una línea clara intentando anular a una de las partes, sin darnos cuenta de que con artista y público podemos estar hablando del mismo concepto. Cualquier sujeto que crea e interpreta la obra conformándola subjetivamente y no completándola. De este modo la dualidad de dos individuos para la realización de una experiencia artística se anularía, dando lugar a un intercambio mucho más complejo que dependería de todo aquel que lo haya experimentado. 17 dimensión y siempre aparecen en un equilibrio que se aprecia en las artes, cabe preguntarse por qué no son considerados grados del mismo concepto en vez de separarlos en distintas realidades. Así, la unión de los opuestos daría lugar a algo superior, lo que está separado se desarrollará gradualmente y producirá mediante la conexión de las partes una tercera cosa nueva, superior e inesperada (Goethe, 1997: 177). Los puntos opuestos no están fijados, consisten en un movimiento continuo y gradual. Fijo sólo en un punto, el punto central, en el cual los conceptos están latentes (Klee, 1979: 15). (Imagen 2) The Goldfish. (Paul Klee. Acuarela y óleo sobre papel. 1925) Nos resulta interesante contemplar la obra de Paul Klee bajo el enfoque de nuestro trabajo. Él se defina como “abstracto con recuerdos” (Klee, 1912). Sin embargo, la abstracción, no estaría motivada por una incomprensión del mundo en la relatividad de su forma actual, sino por una profundización en la comprensión del lenguaje que habla ese mundo (Sánchez, 1986: 208). El teórico del arte alemán Wilhem Worringer, coetáneo de Klee, sentó una serie de preceptos muy delimitados entorno a relaciones entre opuestos como la de abstracción – figuración, asociándolas con la psicología o incluso con una suerte de taxonomía racial y geográfica. Según S.M Nicolas Gómez (2008: 300-302), Worringer utilizó las claves de la teoría de la Einfühlung para establecer dos direcciones en el proceso de creación artística: una relacionada con la imitación de la forma de acuerdo con una actitud de concordia con el ser humano y su entorno y otra, relacionada con la hostilidad y la tensión, que se traduce en la tendencia a la abstracción en la creación artística La primera de las direcciones, según la actitud de concordia, desarrolla el arte del área mediterránea dentro del pensamiento clásico, y la segunda, según la actitud de discordia, inspira el arte de los pueblos nórdicos conforme a su idiosincrasia fuera del clasicismo mediterráneo. 18 De esta manera Worringer, establece una relación directa entre angustia y abstracción, sin embargo, la abstracción no surge de la angustia, sino de la aceptación del caos como una realidad que nos aporta una infinidad de posibilidades constructivas. La abstracción conlleva una inmersión en el interior del caos (Sánchez, 1986: 208). Llegados a este punto la relación entre la naturaleza, la sensibilidad, lo siniestro o melancólico y los artistas del norte de Europa comienza a ser más evidente. No obstante, en los capítulos siguientes veremos cómo de forma casi arquetípica los artistas nórdicos mantendrán los elementos primordiales de la naturaleza y cómo reaparecerán en los vocabularios más abstractos (Rosenblum, 1993). 19 II Repulsión y Fascinación. La dualidad como unidad en el agua y en los artistas. Habiendo considerado ya lo siniestro, lo bello, el bien y el mal o la vida y la muerte en relación con el agua y sus dualidades internas, podemos resumir estos “opuestos impuestos” con la contraposición de repulsión y fascinación. En esta relación parece que se nos muestra de manera mucho más clara la dependencia que tiene el uno del otro. Intentaremos entender que la aversión no sólo va ligada a la atracción, sino que una vez más se trata de un juego entre las variantes de un mismo concepto que hemos decidido descomponer y enfrentar evitando siempre la parte funesta. El asco que actúa como barrera inicial implica la admisión necesaria de que lo que hay tras el asco no es asqueroso sino hermoso. Las metáforas y caretas conllevan una consecuencia interesante: nos salvan de decir que lo aversivo es atractivo, lo cual sería absurdo por definición(Miller, 1998: 163). Sin embargo, “El asco también nos fascina, hasta el punto que tenemos una palabra dedicada justamente a este interés”(Gil-Juárez, 2008: 85). A través de los siguientes apartados nos disponemos a analizar esta mezcla de interés y aversión a través de la representación del agua en el arte, la utilización de los colores y las formas acuáticas. Para ello además de la aportación teórica comenzaremos a ilustrar los conceptos de dualidad en el agua tratados en cada punto, con imágenes de obras propias y de artistas que han representado el agua, comenzando nuestro viaje por el romanticismo nórdico. II.I La representación pictórica del agua y la semilla del Romanticismo nórdico. Las gotas son preciosas formas elementales asociadas al equilibrio hidrostático que moldean las fuerzas gravitatorias al combinarse con la curvilínea tensión superficial en el contacto no confinado -es decir, de superficie libre– entre pequeñas masas de agua y el aire u otro fluido inmiscible. Las gotas son curiosas paradojas geométricas y parecen oximorones de la naturaleza porque dan forma canónica a una materia que no tiene forma propia alguna (Lanza Suárez, 2008: 70) El agua nos seduce y estremece a partes iguales, su multiverso siempre ha actuado en el arte como un tema recurrente y ha sido representado de múltiples maneras. Aunque las épocas y los artistas enfrenten las formas de representación del agua de maneras diversas, es innegable que el imaginario colectivo y nuestra propia morfología ocular establece relaciones muy concisas entre el azul y las masas acuáticas. Según Alexandre Prunés i Bosch, en su doctorado sobre la praxis de la pintura de paisaje hay dos tendencias marcadas en cuanto a la representación pictórica del agua por parte de los artistas. 20 Todo pintor de “paisajes de agua” tiene una tendencia u otra al concebirlos: bien como voz de las balsas profundas rodeadas de vegetación, sueña en el dulce líquido primigenio, se refleja o refleja objetos en el agua interior, hace navegar pequeñas barcas y se mueve en la melancolía; o bien sueña en el infinito de las aguas del mar y el océano, o proyecta sus emociones en el mar bravo, sublime, a la vez origen y destrucción, el mar de la calma y del placer, el de la contemplación metafísica y también el de la violencia (Prunés i Bosch, 2016: 124). Una vez más nos enfrentamos a una contraposición de tendencias, ya sean simbólicas, conceptuales o plásticas en las representaciones artísticas donde el agua es protagonista. Sin embargo, consideraremos la división que Prunés i Bosch hace entre las aguas dulces y las saladas meramente anecdótica ya que no hace más que facilitar la comprensión de las diversas facetas de un mismo elemento. La clasificación diferenciada entre el agua dulce y el gran océano esclarece como los numerosos atributos y significados que toma el agua son tan múltiples que se adaptan a su forma voluble. En el texto se proponen numerosas particularidades que Prunés i Bosch a través del estudio de numerosas obras, atribuye bien a las aguas dulces o a las saladas. Tomaremos dos de las particularidades más contrastadas ofrecidas por el autor para hacer evidente la discordancia entre los opuestos que coexisten en el mismo elemento acuático. Jugaremos con los conceptos del mar violento y la calma a la que relaciona con el agua dulce. Según este autor, las aguas violentas del océano aludirían al caos, a la muerte y a lo siniestro, con sus monstruos y criaturas, el mar que hunde los barcos y devora a los marineros. Podríamos decir que engloba una serie de peligros que debería convertirlo (y de hecho lo hace) en uno de los mayores objetos de nuestro miedo, y por lo tanto de nuestra aversión. Sin embargo, lejos de alejarnos del océano, nuestra fascinación por él no ha disminuido en ninguna época o cultura, y por supuesto en el arte ha sido y es un tema por excelencia. Como se comentaba en la primera mitad de este trabajo, las representaciones están ligadas directamente a la experiencia y al individuo. Es por eso que un mar violento, evidentemente peligroso y mortal encuentra una variedad de representaciones tan diversas, cambiantes y aparentemente tan discordantes como los individuos que lo perciben y de su capacidad de tolerar y procesar o transformar lo siniestro. Si, por otro lado, nos fijamos en la calma del agua dulce que previamente comentábamos, a pesar y a causa de su quietud es también concebida como un símbolo funesto en muchas representaciones artísticas. Aún relacionándola con la muerte, la serenidad y el estado meditativo al que llevan las aguas calmadas es innegable. Una vez más se ansían de alguna manera elementos que relacionamos directamente con lo tenebroso. Bachelard nos habla de lo que él define como el complejo de Caronte y el complejo de Ofelia. Si nos centramos en el último, el autor desvela una pista fundamental que 21 podemos aplicar a las aguas tranquilas en la historia de Hamlet y en el mismo personaje de Ofelia: Si el lector, que posiblemente nunca ha visto semejante espectáculo, lo reconoce, sin embargo, y se emociona, es porque ese espectáculo pertenece a la naturaleza imaginaria primitiva. Es el agua soñada en la vida habitual, es el agua del estanque que se "ofeliza" por sí sola, que se cubre con toda naturalidad de seres durmientes, de seres que se abandonan y que flotan, de seres que mueren.( Bachelard,1942: 129) En el primer capítulo de este trabajo señalábamos una de las ilustraciones de Kay Nielsen, (Imagen 1) que sin representar a Ofelia ya nos recordaba a ella y a toda la atmósfera lúgubre descrita por Bachelard. La tesis de Rosenblum que esbozamos al final del segundo capítulo, relacionaría directamente este carácter melancólico, la “tradición romántica nórdica”(Rosenblum, 1975) y sus artistas con el expresionismo abstracto americano. Para comenzar a argumentar esta relación, el autor conecta dos obras de Friedrich y Rothko como pilares de su teoría. Así mismo lo hace con Van Gogh, Munch , Mondrian y otros artistas del norte de Europa a los que describe como “la comunidad emocional de los artistas que quisieron penetrar en un mundo de espíritu y no de superficies”(Rosenblum,1993: 201). La tradición romántica del norte sin embargo, no ha de ser concebida como una verdad histórica absoluta (Hoffman et al., 2007: 237), sino como una ruta a través de las similitudes de la estructura formal de las obras y a una semejanza de sentimiento e intención entre los artistas (Rosenblum, 1993: 15). A partir de esta relación de artistas hemos seleccionado algunas afinidades comunes entre las obras que aluden a la representación del agua. Las vistas marinas conforman un tema recurrente en estos artistas. La inmensidad insondable del mar, fue un motivo observable a través del cual se podía acceder a mundos nunca vistos. En casi todos los aspectos, las nuevas interpretaciones de esos temas repiten y renuevan su primera formulación en el romanticismo nórdico (ibídem: 209). Merece señalarse que al igual que otras representaciones románticas de los misterios más elementales de la naturaleza – El monje junto al mar, de Friedrich, La puesta de sol sobre el mar de Turnerla serie de Mondrian Embarcadero y océano pueden experimentarse a la vez plana como profunda… Estos cuadros se convierten en resonantes, luminosas extensiones que pueden alternativamente ceñirse a los estrechos confines del plano pictórico o expandirse en ilusiones de infinito alejamiento hacia horizontes remotos o invisibles. Es un misterio espacial que de hecho se reproducirá en muchas obras de Pollock, Rothko y Newman.(ibídem: 219) Se destaca la necesidad de muchos de estos artistas de encontrar en el mar “la metáfora natural de los misterios infinitos” (ibídem: 219). Esta búsqueda se derivó cada vez más en una abstracción reductiva del esqueleto mismo de la naturaleza. La metáfora del mar ilustra la recurrente ambigüedad de mucha pintura nórdica de talante místico. De lo 22 complejo de la naturaleza, se destilan los esquemas más sencillos, que transforman lo que puede resultar efímero en un símbolo capaz de evocar las fuerzas y los misterios elementales (ibídem, 1993: 221). Observamos una serie de similitudes en forma y concepción de lo dual, además de comprender la intención y la capacidad de la abstracción transcendental que nos dirige a lo “abstracto sublime”(Rosenblum, 1961). En 2007 la Fundación Juan la March dio un giro de tuerca a la tesis de Rosenblum añadiendo nuevos artistas a la lista inicial y organizando una exposición con sus obras. El catálogo de esta muestra recoge una interesante reflexión que aporta también un nuevo enfoque a lo “nórdico”. Los mitos nórdicos ocuparon a partir de un determinado momento histórico el mismo lugar en el arte y la literatura que había disfrutado la mitología grecolatina. Con esa progresiva orientación hacia lo “nórdico” fue haciéndose posible la oposición a las tradiciones cristianas. En los albores de la Modernidad esas relaciones se alteraron de nuevo y de una forma tan sustancial que parece justificado plantearse hasta qué punto lo “nórdico” no será una metonimia de lo “moderno” (y viceversa), mientras que, en cierto modo, lo “meridional” y lo latino han devenido los arcaicos contrafuertes de la civilización del Atlántico Norte (Hoffman et al., 2007: 248). A continuación, nos dispondremos a examinar una serie de obras de artistas incluidos en la exposición de La March, además de algunas propias y otras seleccionadas a propósito de ampliar aún más el espectro y contemplar las afinidades dentro de lo diverso en la representación del agua. En primer lugar, comenzaremos por hacer especial mención a la influencia de Caspar Friedrich y sus paisajes de las costas bálticas. Hemos elegido comentar la obra El mar de hielo (Imagen 3). La obra muestra el naufragio del HMS Griper que asoma su popa en medio de una capa de hielo rota en pleno Océano Glaciar Ártico. El hielo se eleva hacia el cielo, convirtiéndose en una especie de monolito funerario (Calvo Santos, 2017). El agua helada acompaña y propicia la calma de la muerte. Un paisaje inerte en el que el barco pasa casi desapercibido en la inmensidad de su mausoleo de hielo. El agua que poco a poco se entumece y se paraliza, volviéndose transparente y permaneciendo inmóvil e imperturbable en su sueño azul parece actuar como una metáfora recurrente del camino a la muerte. 23 (Imagen 3) El Mar de Hielo. (Caspar Friedrich. Óleo sobre lienzo.1824) (Imagen 4) Helvengen. (Anabel Saez Lascurain. Acrílico, óleo y sal sobre cartón preparado. 2018) Helvengen es un nombre que encontramos en la cultura nórdica, que se refiere precisamente al camino al reino de los muertos. Además de las referencias en las Eddas antiguas, actualmente estos poemas se siguen reinterpretando a través de la música. El grupo de música noruego Wardruna, fundado en 2009 por Einar Kvitrafn Selvik, dedica una de sus canciones a este camino a Hel. En recientes entrevistas Selvik comenta que su música es en cierto modo es su tributo y homenaje a los antiguos skaldas (como se 24 conocía a los poetas en las culturas germánicas). Una especie de enfoque moderno a esta vieja tradición. El desarrollo plástico y anímico de la obra Helvengen (Imagen 4) se ha servido de una de las canciones de este grupo que comparte el mismo título. Los sonidos y sensaciones son transmitidos a través de instrumentos que imitan los originales, construidos con materiales como madera y hueso, materiales que apelan directamente a lo orgánico y primigenio. La evocación de los versos antiguos confiere a esta música un elemento perfecto para acompañar el concepto pictórico del camino a Hel que una vez más mostramos a través del agua. Helvengen. Wardruna .2013. En esta pintura se eligieron diversos conceptos que se trataban en la canción, el principal es el frío, el agua helada. Como observábamos en el óleo de Friedrich (Imagen 3), el hielo favorece la coexistencia de lo trágico y lo majestuoso. Las transparencias cobran un papel fundamental dentro de los azules que acaparan la superficie y transcurren entre las texturas y la preparación del soporte con sal. La mancha negra que se impone en la mitad inferior izquierda pretende contrastar drásticamente en la calma azul helada. La intención de la mancha izquierda incluso su posicionamiento vuelve a ser precisamente la compatibilidad entre la violencia de estas y la tranquilidad en el resto de la obra. Lo siniestro convive con lo pacífico en las aguas, sus colores y formas son las que desencadenan temor y pasión a partes iguales en el ser humano. El estatismo del hielo, el frío y que muchos artistas encuentren fácilmente en ellos la metáfora de la muerte, establece el agua en estado líquido como un elemento vivo con el que empatizamos, es decir nosotros mismos nos sentimos agua. Sin embargo, aunque la relación de hielo y muerte sea evidente, la multiplicidad del elemento acuático va adoptando variantes en el arte. Por ejemplo, si comparamos El mar de hielo de Friedrich (Imagen 3) con Los Icebergs del artista británico Frederic E. Church, ambas obras tendrían un aura épica y trágica a la vez, aunque se reciben de maneras muy distintas. Podemos [(…) Todo lo sé, Odin dónde escondiste tu ojo ¿Quién va a cantarme? a envolverme en el sueño de la muerte cuando camine por el camino a Hel y las huellas que deje estén frías, tan frías(…)] (…) Allt vita ek, Óðinn Hvar þú augu faldir Hver mun syngja mér Í sofa dauða kasta mér Er ek helvegin fer Ok lagið sem ek stíga Eru kaldir, svá kaldir (…) 25 observar cómo discurren las afiladas agujas en la pintura de Friedrich, cómo la composición queda abigarrada y se traduce en una obra más personal, más inquietante. De la misma manera que Friedrich, Helvengen (Imagen 4) pretende también narrar plásticamente el concepto de un viaje, pero también de un aprendizaje. Además, esta obra crea un marco menos comprometido, que permite explotar las calidades y recursos plásticos recurriendo a infinidad de materiales texturas y formas que utiliza la misma naturaleza o el agua en su discurrir. Cómo ya sugerimos en apartados anteriores, especialmente en la representación del agua resulta interesante apreciar cómo el camino hacia lo no formal potencia y acompaña la naturaleza de lo acuático. Turner lo ejemplifica muy bien con su Tormenta de nieve en el mar o con Fuego en el mar, comenzaría así una tendencia osada para algunos y un cambio significativo para la pintura occidental que desembocaría en el expresionismo y la abstracción. De cualquier manera, nos interesa reparar en cómo el agua tanto en su representación descriptiva, así como en la más abstracta, está plagada de dualidades, interconexiones y de subjetividad. Comparemos por ejemplo la famosa Ola de Courbet de 1869 con uno de los mares de Nolde como sería el Mar otoñal VII' de 1910 (Imagen 5). (Imagen 5) Mar otoñal VII. (Emil Nolde. Óleo sobre lienzo. 1910.) El cromatismo naturalista de Courbet y su construcción descriptiva de las corrientes embravecidas del mar no resulta más inquietante que El mar de otoño a pesar de su innegable coherencia con la realidad. De alguna manera las formas caóticas que entremezclan las aguas y las nubes de la pintura de Nolde, las texturas y la saturación del 26 color propician un paisaje atmosférico que, si bien no se adaptan a un naturalismo estricto, si favorecen la ensoñación y la recreación de sensaciones. También encontramos algunas acuarelas de Nolde como la de El lago lucerna que se aleja mucho de sus mares picados y sus empastes, en una escena de calma y transparencias acuosas que no dejan de ser inquietantes. El reflejo de las aguas mansas es protagonista en esta obra de Nolde al igual que en la pintura de El pozo (Imagen 6). (Imagen 6) El Pozo. (Anabel Saez Laskurain. Acrílico, óleo y albero sobre tabla. 2020.) El Pozo aborda la dualidad desde otro aspecto, la luz del agua dulce en un apunte del natural de un pequeño estanque en los Alcázares de Sevilla. He querido dotar a este apunte de paisaje de un cierto carácter vivo. Disfrutando de la pintura del natural y la improvisación e interactuando con los materiales, incluí en la pintura ciertos elementos como el albero del suelo donde pintaba al lado del estanque, o las propias pinturas diluidas en el agua del mismo. La pintura del reflejo que produce la doble imagen pretende fundir el cielo con el agua del estanque, apoderándose de dos realidades y traduciéndolas en una masa ondulante en la superficie acuosa que refleja a ambas. “La fascinación que ejerce la doble imagen no se repite en ningún otro elemento de la naturaleza”(Prunés i Bosch, 2017: 129). También hablamos anteriormente del complejo de Ofelia y su traducción al reposo de las aguas del lago. Hay que tener en cuenta que, aunque a este magnífico personaje lo 33 (Imagen 10) I Felt into a dream. (Christina Bothwell. Cristal, cerámica y taxidermia. 2007-2009.) Las esculturas de Bothwell están plagadas de representaciones oníricas, y ella misma dice que su infancia también lo estuvo. La utilización del cristal es muy común en sus esculturas, algunas incluso incluyen piezas de taxidermia como I Felt into a dream (Imagen 10). En sus obras, Bothwell explora los límites entre lo que vemos con los sentidos y aquello que no se puede ver: El agua representa el inconsciente, tendemos a ser capaces de ver lo que está en la superficie, de digamos, un océano o un lago, pero hay muchos más misterios ocultos que acechan debajo y sólo podemos imaginarlos. Y cuando una persona está sumergida, ¡está tan calmado! Como estar en un sueño... lleno de potencial para que suceda absolutamente cualquier cosa. (Bothwell, 2020, Entrevista inédita 09/06/2020) 34 El artista danés Olafur Eliasson también dota de vida al cristal y lo utiliza en el elemento marino. Observemos su obra No symmetry in the ocean, 2019 (Imagen 11). El danés encuentra en la naturaleza los elementos que inspiran sus obras. Su obra Riverbed de 2014 o Waterfall de 2016 en los Jardines de Versailles son ejemplos de cómo el artista es capaz de instalar el paisaje boreal en cualquier espacio. En una entrevista para la CNN en 2016, Eliasson reconocía su pasión por el paisaje escandinavo además del interés por las relaciones entre forma y contenido que se establecen en la cultura nórdica (Eliasson, 2016, Entrevista en línea). (Imagen 11) No symmetry in the ocean. (Olafur Eliasson. Acero inoxidable, cristal con filtro efecto color (cyan), cristal colorado (azul) y sitema LED. 2019) Aunque a lo largo de este proyecto ya hemos ido comparando algunas obras propias dedicadas a las dualidades del agua, finalizaremos este apartado con una selección de las más significativas para la investigacion personal y artística. Una de las primeras pinturas que desataría mi investigación artística en torno a las dualidades en el agua, comenzaría con la obra La Ballena (Imagen 12). En 2017, no era consciente de la influencia que tendría esta obra en mis trabajos posteriores. 35 (Imagen 12) La Ballena. (Anabel Saez Lascurain. Óleo sobre tabla. 2017.) La Ballena (Imagen 12), fue realizada como una interpretación pictórica del capítulo La caza de Moby Dick escrita por Herman Melville en 1851. Al igual que Helvengen (Imagen 4) está inspirada por una canción, esta vez se trata de The Hunt de la banda alemana de doom metal Ahab, que dedica su música a la novela del escritor estadounidense. El proceso creativo de La Ballena o de Helvengen se apoyó de estas canciones reproducidas en bucle durante el desarrollo de la obra, propiciando una especie de trance. El acompañamiento musical durante el proceso o la asociación de las obras con canciones potencia de algún modo las atribuciones personales a la obra y apreciarlas en conjunto constituye trabajos más íntimos y complejos. La ballena obsesionaba al capitán Ahab. La pintura pretende captar el reflejo del mastodonte blanco emergiendo de las aguas en el delirio del marino que quiere matarla y a la vez la desea con todas sus fuerzas. La dicotomía entre odio y pasión, lo antagónico en las aguas comenzó a desarrollarse desde la creación de La Ballena. 36 (Imagen 13) Rán. (Anabel Saez Lascurain. Acuarela y óleo sobre lienzo. 2020.) Consideramos interesante comparar La Ballena (Imagen 12), obra desencadenante, con la última en cronología, Rán (Imagen 13). De alguna manera este tondo trata el mismo caótico Maelstorm que representaba Frankenthaler. Sin embargo, Rán trata de estudiar las corrientes del remolino y apreciar en sus transparencias el movimiento circular del agua. Como citábamos con anterioridad Miller apreciaba que nosotros somos en última instancia el fundamento de todo asco (Miller, 1998: 16) y de todo rechazo. De esta reflexión y a modo de abordar la ictiofobia nacen las obras de hibridación entre humanos y peces. Lo ejemplificaremos con dos obras muy dispares realizadas como trabajos de dos de las asignaturas optativas de cuarto curso. Comencemos con la versión más dulcificada de las sirenas. Estos seres aparecen de manera recurrente en mis ilustraciones ya que son un símbolo muy eficaz para que el espectador empatice con el medio acuático y la vida marina. 37 (Imagen 14) Biodegradable. (Anabel Saez Lascurain. Punta seca sobre polimetilmetacrilato, tinta negra y acuarela en papel Fabrianno 350gr. 2019.) Biodegradable (Imagen 14), consiste en un silent book dedicado a la concienciación medioambiental y la protección de los océanos. Las ilustraciones de sirenas se sirven en este proyecto de la humanización de conceptos, la figuración y la belleza formal, ya que éstas parecen conseguir un efecto de aprobación más generalizado que las que de alguna manera son más siniestras. Es el caso de la obra Tártaro (Imagen 16) por ejemplo. Las figuras en bronce de peces con rostro humano representan también lo que conoceríamos popularmente como sirenas, no obstante, estas figuras resultan infinitamente más inquietantes que las primeras que comentábamos. (Imagen 15) Tártaro (detalle). (Anabel Saez Lascurain. Bronce, acero y cristales pulidos por el mar. 2020.) 38 (Imagen 16) Tártaro. (Anabel Saez Lascurain. Bronce, acero y cristales pulidos por el mar. 2020.) Tártaro consigue conectar desde el principio la investigación sobre los traumas y fobias con un desarrollo escultórico que obligaba a afrontarlos activa y creativamente. Al tratarse de una escultura en bronce a la cera perdida, para la reproducción de los cuerpos de los peces se utilizaron dos ejemplares reales. Este desarrollo del modelado en cera implicó una manipulación directa de los peces, el trabajo particular con sus aletas y casi la disección de las mismas para facilitar la colada del bronce. Las formas aéreas en suspensión y su movimiento hacen mención a los vaivenes del mar que mecen a las dos sirenas de bronce. Los cristales suspendidos, han adoptado su forma naturalmente mecidos por estos mismos movimientos que los han ido redondeando y puliendo durante años. Los cristales pulidos de Tártaro, fueron recogidos a las orillas de la playa de Ostia Lido, Roma. Pretenden de alguna manera también referenciar el carácter mitológico y clásico de la obra. Hasta que no logramos empatizar con un concepto, no podemos comprenderlo en su totalidad. Para poder finalizar este trabajo consideramos necesario la creación de una obra que de alguna manera sintetice los contenidos fundamentales de toda la investigación y que ha sido realizada con esa ambición. 39 (Imagen 17) Daría un ojo por un sorbo. (Anabel Saez Lascurain. Acuarela, acrílico, óleo y sal sobre tabla. 2020.) Daría un ojo por un sorbo, son las palabras de Odín cuando entrega su ojo a cambio de la sabiduría que le otorgan las aguas de Mímisbrunni, el manantial del centro del mundo. Esta obra pretende ser una alegoría de la sabiduría que se obtiene mediante el sacrificio. No obstante, su principal propósito es la ensoñación del espectador en torno al medio acuático. Daría un ojo por un sorbo (Imagen 17), se beneficia de su gran formato para esbozar un rostro que nos mira debajo del agua y que tiene como objetivo propiciar un ambiente inquietante, dónde nos sentimos observados. Uno de los ojos ve lo que todos ven, el otro ve lo oculto. Uno mira a la superficie, el otro a los abismos. Los traumas y fobias son grandes impulsores de la creatividad ya que son sentimientos extremos, como el amor o el odio. La creación artística enfrentando los traumas , hace que nuestra mente tome caminos inesperados o poco habituales, en definitiva la revelación de lo desconocido. 40 Conclusiones Hemos podido comprobar que las referencias paganas al agua son constantes, dándonos cuenta de cómo condicionan, a veces inconscientemente, nuestra concepción de lo acuático en la actualidad. Artistas contemporáneos siguen recordando los poderes oscuros y a veces olvidados que damos a los elementos naturales, como formas vivientes que nos envuelven. Las artes siguen imitando en gran medida los diseños de la naturaleza y demuestra que estamos sumidos en un ciclo interminable de aprendizaje y creación, basándonos en nuestra propia humanidad. Encontrar el lugar exacto para todo clasificándolo compulsivamente como bueno o malo, bello o feo, divino y terrenal parece aportar una falsa tranquilidad en nuestras estructuras cerebrales. Debemos tener en cuenta que estos conceptos son cambiantes según los individuos y las épocas, aunque haya grandes tendencias mayoritarias condicionadas por la religión, la cultura o el modo de vida. Llegamos a tal nivel de categorización que la repulsa y el odio se apodera de todo aquello que no se considera propio o con lo que no se tiene afinidad, y a su vez, este odio es tratado como tabú, tema incómodo, lugar para los monstruos y las oposiciones. Alejarnos de lo siniestro, de lo primitivo y lo visceral, de la naturaleza, de lo caótico y en última instancia la muerte, nos hace alejarnos de la comprensión de otras dimensiones del ser y del arte. Nos negamos a la maravillosa tensión que crea lo no predecible, lo caótico y la multiplicidad inabarcable, simplemente nos conformamos con la comodidad de la zona de confort y estabilidad para la supervivencia que supone lo formalmente bello. Debemos evitar la clasificación inconsciente y asumir la posibilidad de que los conceptos que parecen innegablemente opuestos tienen correlación, dependencia o incluso equivalencia. Este trabajo de fin de grado y en definitiva de toda la carrera de Bellas Artes han sido un camino de descubrimiento y aprendizaje. Sin embargo, no considero que este proyecto encuentre aquí su punto y final. De hecho, comprender el porqué de mis obras y la filosofía que han tenido muchos artistas mediante el ejemplo del agua, me ha hecho llegar a la conclusión que, de manera involuntaria y metódica, ya estaba enfrentando mis propias aversiones gracias al arte. Este hallazgo me incita a la investigación en futuros proyectos artísticos dónde el público sea capaz de reflejar sus propios traumas y enfrentarlos a través de experiencias artísticas personales que hablen directamente al alma del espectador. Como comentábamos en el inicio de este trabajo, el arte es un poderoso instrumento para cambiar el mundo. Mi nuevo enfoque de trabajo está dirigido a crear espacios dónde el espectador encuentre un remanso de calma para enfrentar sus miedos, dónde lo que nos aterra también nos fascina y no es contradictorio. Al fin y al cabo, desmentir que un mundo dónde temamos menos y sepamos más es una utopía. 41 Bibliografía Asbjornsen, P. C., & Nielsen, K. (1922). East of the sun and west of the moon: old tales from the North. New York: G.H. Doran. doi: 10.2307/3847142 Bachelard, G. (2005). El agua y los sueños. México: Fondo de Cultura Económica. Barnés, H.G. (2014). “La fobia más común pero de la que nadie habla y cómo se puede superar”. 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