El séptimo Arte

1 TRABAJO DE FIN DE GRADO. GRADO EN BELLAS ARTES – UNIVERSIDAD DE SEVILLA. CURSO 2015/2016. EL SÉPTIMO ARTE. Alicia Campos Redondo. Tutora: María José García del Moral y Mora. 2 3 It was written. Alicia Campos Redondo. 2016. Pintura acrílica sobre lienzo. 92 x 62 cm. Sevilla. España. 4 5 The King. Alicia Campos Redondo. 2016. Bolígrafo y acuarela sobre cartón de proyecto. 50 x 70 cm. Sevilla. España. 6 7 Singing in the rain. Alicia Campos Redondo. 2016. Bolígrafo y acuarela sobre cartón de proyecto. 50 x 70 cm. Sevilla. España. 8 9 Fotograma del video montaje realizado El Séptimo Arte. Alicia Campos Redondo. 2016. Escenas grabadas y escenas escogidas de Internet. Duración: 2.59 minutos. Sevilla. España. 16 3. METODOLOGÍA Y ANÁLISIS. LAS OBRAS CINEMATOGRÁFICAS. Slumdog Millonaire (2008). Dirigida por Danny Boyle. Un pobre indio resulta ganar una suma de dinero enorme gracias a un concurso televisivo que consiste en contestar bien a una serie de preguntas. ¿Y cómo un pobre inculto iba a saber las respuestas a todas esas preguntas? Es el quid de la cuestión. Y es lo que se preguntan los policías que lo tienen preso por creer que acometió numerosas trampas. Y esta es la historia de Jamal Malik y de cómo su desventurada y funesta vida le da pie a conocer las respuestas. La película empieza con una metáfora sobre nuestros destinos y sobre cómo la vida puede cambiar, cualquier vida, a través de una pregunta simbólica sobre si Jamal debería saber o no todas las respuestas. Y es lo que nos hace cuestionarnos desde el principio: ¿estamos adscritos a un destino marcado? ¿Puede todo cambiar? Es una película que nos hace inquirir sobre nuestra existencia y a dónde nos llevarán nuestras decisiones. Lo que decidamos o hagamos hoy, tendrá su consecuencia. Y nos llevará a donde ha de llevarnos. Es lo que me fascina de esta obra. Nos enseña y nos muestra la diferente y desventurada vida que vivieron los protagonistas. Pero que al final, todo tiene un sentido. Al final, todo encaja. “Una de las mejores películas de la década”. Juan Carlos Laviana, El cultural de El Mundo, (2008: 14). Y es el tren el que se convierte en un elemento simbólico crucial en la película. “La red ferroviaria es como la sangre que da vida a la India. Existe un ingente número de personas que mueren a diario en las vías porque se caen de un tren abarrotado”, Danny Boyle, La Butaca. (2009: 1). En el caso de nuestros protagonistas Jamal, Salim y Latika, esta caída supone, gracias a los movimientos temporales de la película, el paso de la infancia a la juventud, el paso agigantado que sus vidas les hace madurar. Es el tren cuando adquiere su significado más profundo: un viaje 17 iniciático donde los personajes irán conformando sus vidas y sus caminos a través de sus propias vivencias. Además, la película contiene una serie de escenas de la India casi de manera documental. Nos muestra el país y sus experiencias. El colorido, la cultura. La banda sonora es también crítica, mostrándonos el estudio más central del gran país asiático. A modo de flashbacks, la obra nos enseña el conocimiento de Jamal acerca de las respuestas. Una muestra magnífica a la que se recurre para enseñarnos lo que ha sido la vida de nuestros protagonistas. “Hoy en día ya no resulta moderno hacer películas sentimentales old-fashioned, con una carga de melodramática sordidez típicamente dickensiana y un romanticismo primario, un punto tosco pero muy efectivo. Pero Danny Boyle lo ha conseguido, y de qué manera.” Antonio José Navarro, SENSACINE, (2009: 2). Color, música, sonrisa, pobreza, belleza, flashback, tiempo. Son casi las palabras claves de esta obra magnífica que nos refleja cómo un joven pobre de la ciudad de Mumbai gana un inmenso premio económico, y sin prestarle ningún tipo de atención, sólo pretende encontrar al que siempre fue el amor de su vida. Lección de coraje y humildad. “Es una historia que te deja sin aliento, es emocionante, conmovedora y estimulante al mismo tiempo". Roger Ebert, Chicago Sun Times, (2008: 1). Slumdog Millonaire, dirigida por Danny Boyle. 2008. 18 Big Fish (2003). Dirigida por Tim Burton. Y llegó a nuestras vidas el mejor de los finales. Literalmente. La vida de Edward Bloom está llegando a su final por culpa de una terrible enfermedad. Y es entonces cuando su familia acude para estar con él en sus últimos momentos. Pero Will, su único hijo, nunca tuvo una buena relación con él: desde pequeño lleva escuchando las mismas historias que su padre cuenta acerca de su vida y que Will siempre creyó que son mentiras. Y fastidiado y atestado por las mentiras, se fue de casa dejando la relación con su padre a un lado. Pero las cosas han cambiado, ya que Edward se está muriendo. Y será la obra cinematográfica la que nos muestre, a través de flashbacks y memoriales, la vida de Edward Bloom. Y de cómo ha llegado a dónde está. Ahora bien, la película nos hace pensar sobre la realidad y la irrealidad. Es con lo que juega la obra constantemente: ¿qué es verdad, y qué no lo es? ¿Necesitamos fantasía en nuestras vidas? Nos hace deliberar sobre si queremos algo de irrealidad y magia en nuestras vidas o si preferimos la cruda realidad. Obra mayor en la filmografía de Burton, nadie debería dejar de ver esta genial historia singular (la definieron muy acertadamente como un cruce entre "El Barón Munchausen" y "Forrest Gump") del personalísimo director americano, una original y exquisita mezcla de drama, comedia y fantasía que obtuvo muy buenos resultados en la taquilla americana. Sin olvidar su toque gótico, Burton adereza de nostalgia, sonrisas y melancolía su mundo "ficticiamente real" para conmover más que nunca en un final maravilloso que apunta directo al corazón. La mejor y más genial crítica de "Big Fish" la dió un crítico americano: "Es una película preciosa... y discúlpenme, que tengo que llamar a mi padre." Pablo Kurt, FILMAFFINITY, (2004: 16). Pero creo que, sin duda, es el trasfondo de la obra lo que nos conmueve. Por un lado, la continua sed de Ed con el agua. Metafóricamente, Edward siempre se ha sentido un pez muy grande, destinado a hacer aún cosas mucho más enormes. Burton utiliza así su manera de expresar la continua necesidad de Edward de estar en contacto con el agua, explicándolo desde el principio 19 hasta el final con el pez Bestia. Nos hace elucubrar acerca de nuestra naturaleza más íntima, de en lo que en verdad somos y a lo que de verdad aspiramos. Y sobretodo, lo que queremos ser. Por encima de todo. Además, aunque el protagonista sea un hombre, no son sino las féminas las que mueven el hilo narrativo de la historia. Tanto es así, que uno de los tres mejores momentos que tiene la cinta, y sin duda alguna el más emotivo junto a ese magnífico "Grand Finale" al que pone alma la partitura de un inspirado Danny Elfman, se lo debemos a la capacidad de los veteranos intérpretes de de expresar sentimientos sin mediar palabra y a la extraña sobriedad que detenta la realización de Tim Burton cuando, mediante una meticulosa y minimalista planificación, concreta la secuencia de la bañera, una de las más bellas y cargada de significado —el director acababa de perder a su padre poco antes de comenzar el rodaje— que el cineasta ha rodado en cualquiera de sus producciones. Sergio Benítez, El Blog del Cine, (2013: 1). Todas las historias que cuenta Bloom, siempre tienen el mismo objetivo: conseguir el amor platónico de Sandra Templeton, el gran amor de su vida y madre de Will. La película nos explica así el deseo incondicional de alcanzar nuestros deseos más intensos y profundos. Y por supuesto, la muerte. Está presente en cada hito de la historia de la película. Desde pequeños, la bruja del pueblo les mostró a todos cómo morirían. Pero la muerte de Ed no la muestran. Te mantienes así toda la película esperando el momento insólito, que, además, él no para de repetir durante toda la cinta: lo espectacular que será su muerte. Toda la acción gira en torno a su muerte, como hemos dicho, y es por ello que Edward rememora su vida. Nos hace así entender la muerte como algo natural y un proceso de aceptación que todos debemos seguir. Con su manera de recordar lo que fue su vida y rodeándose de sus seres queridos, Burton y la película nos muestra esa forma de aceptar el que será el destino de todos. Y hablar sobre ello sin tabúes y aceptar así lo que todos alcanzaremos algún día. De este modo, la obra nos exhibe, además, una banda sonora espectacular. Esta música nos acompaña durante toda la cinta, y realmente, es lo que hace que sea lo que es. Conmovedora, tierna y brillante, compuesta por el inconfundible Danny Elfman. Es junto con el colorido y la puesta en escena lo que hace de la película una obra técnicamente idónea. La película, contada a modo de cuento mágico, es lo que le da la especial dulzura. Nos enseña un mundo mágico de fantasía irreal. Pero que a la vez, tiene mucho que ver con la realidad. Es lo que se descubrirá a medida que la película avanza. Ahí reside el cliché. Cada momento rememorado por el protagonista se nos presenta como un cuento de hadas, y es lo que hace conmover al espectador, revolviendo pensamientos y emociones acerca de nuestra infancia y vida en familia. Los flashbacks, además por supuesto, son esenciales para revivir con el protagonista la vida. La representación es una continua nostalgia. Cuando la observamos, pensamos en nuestra infancia: el gigante, la bruja, etc, nuestra vida, y sobretodo, en nuestros padres. Y en nuestra relación con los seres queridos. Pensamos en los pasos que hemos recorrido a lo largo de los años 20 vividos. En una mezcla de nostalgia y melancolía que la película atribuye a tu alma cada vez que la observas. Se produce una extraña tristeza conmovedora dentro de ti. Añoras, algo añoras. Te crea una expectación además inmensa hasta el final: ¿cómo será, por fin, la muerte? Y cuando llega ese momento, te encantaría que la propia muerte se concibiese y fuera así. Todos tus seres queridos esperándote, aplaudiéndote, llenos de felicidad. Y convirtiéndote, al final, en lo que siempre has debido ser. Y lo que siempre has sido. Desgarrador. Perturbador. Conmovedor. Es realmente la mezcla de fantasía y realidad lo que la hacen brillar con luz propia. 126 minutos que pasan como si fuesen dos, 126 minutos llenos de color, de magia, de grandiosos personajes, de fantasía, de escenarios maravillosos, de amor, de nostalgia… 126 minutos plagados de buen cine, de sensaciones increíbles, de enormes secuencias, de escenas que quedarán retumbando en mi mente hasta que yo también me convierta en un gran pez, 126 minutos incapaces de olvidar, 126 minutos que se quedarán guardaditos en un lugar privilegiado de mi corazón. Lourdes Lueiro, Ojo Crítico, (2005: 3) Lugares y personajes insólitos, como Spectro, el circo, las siamesas, el gigantón. Fomentado como producto de cuento infantil que pasa a formar parte de nosotros, y nos hace creer en la magia, y creer en la muerte como un final feliz, emocionante y sentimental. Sin más dilación, nos enseña su moraleja: ¿qué historia quieres creer? La que tú quieras creer. Nos enseña a pensar por nosotros mismos y a guardar dentro de nosotros. La ignorancia atrae felicidad, el conocimiento problemas. Me hace meditar acerca de cómo vivimos nuestra vida. Qué es así, qué no lo es, cómo preferimos que sea. La creo obra prodigiosa sobre la necesidad del alcance de la imaginación y la fantasía en nuestras vidas. Big Fish, dirigida por Tim Burton, 2003. 21 The Rocky Horror Picture Show (1975). Una película de Jim Sharman. Y llegó la locura extraterrestre. La película versa sobre una pareja recién prometida que se accidenta con el coche a medianoche, por lo que, bajo la intempestiva lluvia, deberán buscar refugio. Y acaban en el castillo del extraño doctor Furter. Poco a poco, descubrirán sus alocados planes y que todo se trata de una convención de extraterrestres transexuales. La obra ha pasado a la historia como film de culto. Todavía en numerosos lugares es aún reproducida y cantada y aclamada por sus receptores fans. ¿Por qué? Se trata, sin duda, de uno de los mayores musicales de la historia de la industria del cine. Por su falta de convencionalismos, por su frescura, por rareza y extravagancia, por sus maravillosos números musicales animados. Basada en un musical escrito por Richard O’Brien, se recrea un escenario único y poderoso. Y es, además, o más bien fue, una rotura de tradicionalismos. En la película se incluyen los props, escenas en las que los espectadores participan de diferente manera: cantando, tirando arroz, bailando, con agua…etc. Sin duda, supuso, en una década como los setenta, una revolución. "Película de culto, apología de la diversión y el sexo por el sexo, contiene algunas de las escenas más hilarantes y provocativas del cine de los años 70", Javier Ocaña, revista CINEMANÍA (2001: 18). En los años 50, apareció el rock and roll, rompiendo todos los moldes musicales. Era visceral, espontáneo, duro y arrollador. “El viaje que emprende la pareja protagonista es un particular viaje iniciático hacia la liberación sexual, frente a esa imagen ingenua que viene ofreciendo el cine de Hollywood al respecto de la castidad y pureza de las relaciones amorosas”, Manuel de la Fuente (2012 :18). La película es, en su plenitud, un destape sexual que durante tanto tiempo fue un tabú. La película juega constantemente con la identidad de los años setenta. La criatura que el doctor Furter crea, Rocky, es la índole que hace que todos los cuerpos en la obra se fundan en una orgía carnal, haciendo que la pareja de enamorados pierdan su virginal pureza. Es ahí cuando ocurre ese 22 despliegue de sexualidad, vaporosidad e identidad. La valía del propio cuerpo: una liberación. Además, la crisis de identidad corporal se plantea durante toda la cinta. Unos travestis, otros transexuales. No hay un género dominante en el film. Son todos homenajes disparatados. La película tiene un inicio con la pareja perfecta de novios perfectos de los años cincuenta. Y se pone punto y final, con la llegada del castillo y los demás personajes. Comienza el liberalismo y el avance libertino y sexual. Ha llegado una nueva era. Éste es el secreto de la cinta: tratar con humor los temas políticos y sociales, mofarse de las religiones de un modo escandaloso (se relaciona al doctor Furter con un posible Cristo que baja de los cielos para “liberar” a la especie humana) y de reírse de uno mismo. Una nueva cultura ha nacido. ‘The Rocky Horror Picture Show’ es una de esas películas que hay que ver por lo menos una vez en la vida. Es necesario para entender por qué es adorada por miles de personas y por qué muchas de ellas la han convertido en un símbolo de rebeldía contra la moralidad (no parece casualidad que los únicos actores estadounidenses del reparto sean Barry Bostwick y Susan Sarandon). Victor Guerrero, El Criticón. (2013: 2). Por si fuera poco, la obra está dotada de maravillosos tecnicismos. En primer lugar, la magnificencia del maquillaje y el vestuario. Es ahí cuando esta categoría comienza a poseer prestigio y vitalidad, con el extraordinario trabajo que esto conlleva. El género musical, desde hacía poco, comenzaba a tener protagonismo. Y es cuando se funden estos talentos cuando nace algo maravilloso como este film que nos hace olvidar la realidad y reírnos de todos los tradicionalismos que acontecen a la época. Es, sin duda, una oda a la excarcelación de los tópicos políticos, sociales y religiosos. Por ello creo que se ha convertido en una película de culto y de tanto prestigio. Aún hoy se sigue emitiendo en numerosas salas de cine de todo el mundo. Ha acometido un antes y un después, en el cine y en la vida real. Es otra forma de mirar el cine y de aprender todo lo que nos transmite. Una revolución total. The Rocky Horror Picture Show, dirigida por Jim Sharman. 1975. 23 Tiburón (1975). Una película de Steven Spielberg. El terror en estado puro. La llegada de Tiburón, supuso en la época, sin duda, la llegada del pánico. Narra la historia de la venida de un gran tiburón blanco a la orilla de una veraniega playa americana. El monstruo no tardará en sembrar el miedo. A los turistas y a los propios espectadores de la película. Fue la primera vez que se rodó algo que presentaba semejantes problemas. La película está basada en la famosa novela de Peter Benchley, y desde el inicio de su rodaje, fue un tortuoso camino. Estrenada concretamente en verano, tuvo el esperado éxito brillante, marcando realmente un hito en la historia del cine. Por su rodaje, por su música, por su novedad, por su puesta en escena, por su fotografía. La consagración definitiva de Steven Spielberg dentro de la industria hollywoodiense fue esta adaptación de una novela de Peter Benchley. Combinando dos planos netamente diferenciados, el abiertamente fantástico y otro matizadamente costumbrista, construyó un film impecable por la progresión de su ritmo y el sentido de la tensión. FOTOGRAMAS, (2005: 20). Para comenzar, en los años en los que andábamos, carecíamos completamente de los efectos especiales con los que contamos hoy en día. Y hubo que realizar el tiburón por medio de un robot mecánico. La primera vez que lo soltaron en el mar, se hundió. Por lo que hubo que rehacerlo. Pero aquí no acabaron los problemas mecánicos. Tanto, que el director reinterpretó las escenas para que la mayoría de veces, el animal se insinuara y no se viera directamente. Proferida la cinta al fracaso, esto conmovió el éxito: para esa insinuación de amenaza, se creó la obra maestra de todas las bandas sonoras que todos conocemos, compuesta por el magnífico John Williams. La tensión de la melodía atrapa perfectamente al espectador en el expectante estado de tensión que se desea. Por otra parte, el rodaje fue, desde el principio, un auténtico desastre que presagiaban a la catástrofe. A parte de los tormentosos líos mecánicos, tenían que estar pendientes de los temporales, de las mareas, etc. No fue nada fácil, ni un rodaje cualquiera. Parecía que nada 24 funcionaba y todo estaba condenado al hundimiento. Y Spielberg estuvo a punto de abandonar y suspender el rodaje. Pero no lo hizo. Prosiguió y alcanzó la que sería una fama mundial que pasaría a la historia del cine. Lo consiguió. Esto es lo que nos enseña. “Tiburón” es un meritorio aunque sobrevalorado film, valioso en muchos aspectos como notable ejemplo de cine de aventuras más que de terror. La película se sostiene con intensidad durante todo su desarrollo, con tenso pulso narrativo y conseguida sensación climática, alcanzando su punto culminante en las impresionantes secuencias de la cacería del escualo llevada a cabo por el estupendo trío protagonista, un honesto e hidrófobo policía, un afable científico y un malhumorado y vehemente marino. Antonio Méndez, Aloha Criticón, (2006: 1). El incesante levantamiento de la caída. El valor de hacer lo que uno quiere hacer. El trabajo duro para alcanzar cualquier resquicio del sueño y el deseo. Nada es fácil si se quiere alcanzar. Tiburón nos enseña lo fácil que puede parecer algo desde fuera y el trabajo y la dureza que esconde. Y es que no hay que abandonar, jamás, si se cree en algo. “Convertido en director estrella, este rotundo triunfo le transportaría al grupo de los directores más famosos y cotizados del mundo, grupo en el que ha continuado hasta la actualidad, aunque pocas veces lograría algo tan hermoso y formidable como este ‘Tiburón’.” Adrían Massanet, El Blog del Cine, (2009: 1). Tiburón, dirigida por Steven Spielberg. 1975. 25 Lolita (1962). Una película de Stanley Kubrick. Todos conocemos a Lolita. La jovencita que volvió loco al profesor Humbert Humbert. Basada en la famosa novela de Vladimir Nabokov, la obra nos transporta a los años cincuenta. El profesor se obsesiona con la niña, algunos creyéndolo enamorado y otros un pervertido. Kubrick aceptó enseguida el guión que le entregó Nabokov, aludiendo que era el mejor guion que había leído en su vida. Y la película nos lleva por el tortuoso camino del profesor por hacerse con el corazón y el cuerpo de la joven. La considero una obra llena de alusiones, metáforas y trasfondos. ¿Es mejor la novela o la obra cinematográfica? Creo que, con las extravagancias y peculiaridades de ambos autores, la historia se creó por sí sola. Nos recrea la locura del hombre, la mente perversa o extraña en que puede convertirse. Lolita, luz de mi vida, fuego de mis entrañas. Pecado mío, alma mía. Lo-li-ta: la punta de la lengua emprende un viaje de tres pasos desde el borde del paladar para apoyarse, en el tercero, en el borde de los dientes. Lo.Li.Ta. Era Lo, sencillamente Lo, por la mañana, un metro cuarenta y ocho de estatura con pies descalzos. Era Lola con pantalones. Era Dolly en la escuela. Era Dolores cuando firmaba. Pero en mis brazos era siempre Lolita. Vladimir Nabokov, (1961: 1). En primer lugar, lo primero que llama la atención es el carácter obsesivo del protagonista. Siente una especie de atracción por lo que él llama sus “nínfulas”, pequeñas y dulces adolescentes. ¿Hablamos de pederastia o de ternura? Es lo primero que se nos pregunta. Creo en la obra cinematográfica porque nos hace pensar y sentir a cada uno por desigual. Unos lo ven como una paria social que sólo busca divertirse con las niñas pequeñas. Pero otros pueden pensar que hay algo de bello en lo que siente, y que, pudiéndose fijar en una mujer de su edad, se obsesiona en la dulzura de una adolescente. La película nos llevará por el camino de la obsesión y lo que esto conlleva. Nos acompañará en cada escena. Y lo que somos capaces de hacer por aquello que nos perturba y se amuebla en nuestra mente. Además, el llevar la obra a la gran pantalla, supuso un peligro por la intermitente y constante amenaza de censura. Hablamos de un tema peculiar. Se 32 4. TÉCNICAS CINEMATOGRÁFICAS. Si bien hemos analizado hasta ahora lo que supone el cine en nuestras vidas de manera emocional y profunda, e investigando quizás el sentido, objetivo y la intrínseca raíz de la película, investigaremos ahora en las técnicas cinematográficas, aquello que, digamos, construye la película de manera técnica y efectiva. En el caso de la edición y la postproducción, es casi el trabajo prioritario. Se encarga de manipular el material audiovisual para que todo quede finalizado y perfecto. Componer la escena, digitalizarla, manejarla para que se desarrolle como se desea. Es el trabajo más extenso y difícil, porque te entregan todo el material que está grabado, pero ahora el trabajo es recomponerlo para que todo cobre sentido. Además se añadirán efectos, animaciones, terminaciones… un proceso largo y trabajoso. Es, digamos, el culmen del trabajo: montar el trabajo de verdad con lo que hasta ahora se ha procesado. Pero ha habido un gran cambio en éste ámbito. Por supuesto, por la tecnología y el avance de los tiempos. La informática ha avanzado a pasos agigantados, por lo que hoy en día, existen diversos programas tecnológicos con los que realizar el trabajo de manera fácil y accesible. Pero antes era otro cantar. Antaño, prácticamente, todo era de manera manual y el proceso de edición era mucho más lento y rudimentario. Hoy en día, los efectos que se pueden sacar casi de la nada, son verdaderamente increíbles. Mientras ahora el 80% de una película puede ser íntegramente por ordenador y de forma tecnológica, antiguamente, todo era grabado y montado tal cual se componía la escena. Creo que es la mágica del cine clásico, del de antes. Como es en el caso de por ejemplo, Lo que el viento se llevó, Tiburón, Casablanca,… Todas ellas tuvieron un elaborado proceso de edición puesto que todo era de forma real: toda la escena era real. Y por el contrario, como en Big Fish, Slumdog Millonaire, Avatar…etc, se puede añadir cualquier efecto que se desee aunque esté completamente lejano de la realidad. Fondo verde para el rodaje de efectos especiales de Los Vengadores, dirigida por Joss Whedon, 2012. 33 Los planos de la película son diversos y variados. En algunas pueden usarse muchísimos planos, y en otras, uno solo, o dos. De forma más general, nombraremos los más representativos, como por ejemplo, el Plano General, en donde se ve y observa el plano completo, séase un paisaje con un conjunto en su interior, o muchas personas, o lo que sea. En el plano general puede observarse la escena completa. El Plano Americano, en el que se encuadra a la figura completa hasta las rodillas. Se llama así porque se utilizaba muchísimo en las películas americanas de vaqueros antiguas, y en El Resplandor, se utilizaba mucho, porque da un efecto de presente figurativo. Los diversos planos medios y Primer Plano, en el que se observa el rostro. En Lo que el viento se llevó, Tiburón… y en general películas más antiguas, se utilizaba mucho, para dar el efecto de la impresión, y se conecte mucho mejor con el problema de la figura que se nos presenta. El Plano Picado, en el que se graba en vista de planta a una altura superior a los ojos. Películas como El Señor de los Anillos y El Resplandor acuden mucho a este plano. Puedes observar así la escena a vista de pájaro, y consigue ese efecto y sentimiento de emoción, diciéndote claramente algo que tienes que observar. Se centra mucho en la imagen e impresiona, no es algo que podamos ver normalmente por nuestros ojos. Plano americano en Gladiator, dirigida por Ridley Scott, 2000. Hoy en día existen los impresionantes efectos especiales digitales como en el caso de El Día de Mañana, Star Wars, cualquiera de superhéroes… antes, como he dicho anteriormente, se utilizaban los llamados efectos mecánicos, en los que verdaderamente, se construían robots, títeres y muñecos. Verdaderas obras de ingeniería, como por ejemplo, para fabricar el tiburón de Tiburón o el greemlin bueno Gizmo de Greemlins. Asimismo, los efectos visuales u ópticos, actúan casi completamente sobre la imagen, grabada de una manera especial o manipulada tecnológicamente para que la escena parezca una cosa determinada. 34 Efectos especiales digitales en la postproducción de El Señor de los Anillos, 2001. Si hablamos de los movimientos de cámara, claramente hablamos de los llamados Panorámicas o Travellings. Existen diversos grupos dentro de los dos tipos, pero esencialmente, el movimiento panorámico, abarca todo lo que sea una cámara girando sobre su propio eje, mientras que en el travelling, es cuando la cámara “viaja” de un lado a otro por medio de una grúa o personal. En el caso de Gravity, por ejemplo, tenemos numerosas panorámicas del Planeta Tierra, de diversas maneras. Y por el contrario, el travelling aparece constantemente en Jurassic Park, Apocalypto, Slumdog Millonaire…etc. Movimiento de cámara travelling en el rodaje de El Resplandor, dirigida por Stanley Kubrick, 1980. Mientras que la imagen constituye la pieza fundamental en el lenguaje cinematográfico. El cine es una realidad en movimiento, porque la imagen es en sí el cine. Y muchas imágenes unidas detrás de otras constituyen la escena, el largometraje, pues toda imagen extraída de un film carece de sentido, pues no es más que un fragmento estático e inerte. En cuanto al color y la luz, podemos decir que cuando llegó el color al mundo del cine, se proporcionó una mayor semejanza al mundo real, puesto que nuestros ojos ven en color. No obstante, el antiguo y blanco y negro consiguieron unas altísimas cotas de perfeccionismo en la fotografía y la imagen. Y asimismo, la luz es igual de esencial: sin luz no hay cine. La luz crea efectos sobre la piel, sobre la figura, sobre el paisaje, sobre todo, pudiéndole dar a la sombra o el claroscuro un papel casi protagonista. Aunque también hemos de decir que en la actualidad, muchos cineastas recurren al blanco y negro para dar un toque especial atmosférico, como en el 35 caso de La Lista de Schindler. Hablando en términos generales, podemos decir que usamos los valores pictóricos cuando queremos asemejar la atmósfera de una película a una pintura o un cuadro, la histórica cuando queremos que todo se asemeje a una época concreta o incluso los colores de forma psicológica: el negro evoca a la elegancia, lo formal, lo fuerte. El azul al frío, la melancolía, la tranquilidad. El rojo a la pasión, el amarillo a la vida, el blanco a la pureza…etc. Cada color tiene su trasfondo psicológico y nos afecta de una manera u otra. Son utilizados según las emociones que se nos quieran provocar. Pero el efecto es inminente e instantáneo. Fotograma con la policromía basada en la escena. Amelie, dirigida por Jean-Pierre Jeunet, 2001. Y cuando investigamos sobre la música, la banda sonora en el cine, encontramos verdaderas maravillas. La música y el sonido son puestos esenciales y muy cuidados en una película. Acompañan constantemente a la escena. Y nos provocan, como el color, una serie de emociones y sentimientos únicos. Nos ayudan a incidir y conectar con la escena de una u otra. Por ejemplo, en el caso de Titanic, compuesta por James Horner, la banda sonora nos transporta de inmediato a la escena de tristeza, presión, melancolía de la historia que se nos cuenta. Mientras que Tiburón nos mantiene en constante vilo y tensión con la magnífica composición compuesta por John Williams. Y por último, la dirección de fotografía, que se encarga de supervisar la imagen en sí. Todo debe fundirse en una sola composición: maquillaje, cámara, encuadre, luz… etc. La fotografía trabaja mano a mano con el director por las decisiones que conllevan sobre las distintas imágenes y planos. Es un papel fundamental porque es al final lo que el espectador observa. En el caso de Persona, contiene una fotografía espléndida: cada fotograma puede ser una sola fotografía perfecta, al igual que en Lo que el viento se llevó o Psicosis. 36 Fotograma que recoge la fotografía perfecta. Psicosis, Alfred Hitchcock, 1960. 37 5. CONCLUSIONES. LO QUE DE VERDAD AMAMOS. Mis conclusiones son sencillas. Haz lo que amas hacer. Busca tu sueño, persíguelo, ámalo, protégelo y alcánzalo. Es lo que el cine me ha enseñado siempre. A ser lo que quiero ser. Es por lo que considero el cine esencial e imprescindible en nuestras vidas. Casi como un padre, nos enseña, desde pequeños. Cultura, lenguaje, sociedad, política, religión, amor, emociones. Nos enseña algo tan fundamental como sentir. Y creo que la vida es sentir. Lo esencial y primordial, sentirlo, todo. Lo bueno y lo malo. Sentir con pasión, saber lo que sentimos y entenderlo. Aprender sobre nuestros pensamientos y emociones, y el cine es un magnífico conector de todos ellos. Cumple un papel básico en nuestras vidas: el de hacernos crecer. Hacernos pensar y madurar. A través de su aprendizaje, podemos ver distintos lugares del planeta, vivencias de otros seres, comportamientos y culturas diferentes, incluso distintos idiomas. Podemos aprender sobre el pasado, el presente y el futuro. Algo tan insólito como esto. Lo pienso y me deshago de emociones. ¿Qué sería de nosotros sin albergar este tipo de cosas? Perturbador. La fábrica de emociones. El cine es un elemento soñador que nos transporta a distintos lugares y distintos espacios, épocas o galaxias. Nos hace viajar por un mundo diferente, o completamente igual. He ahí el cliché. El cine puede ser lo que tú quieras que sea. Es un transporte puro y cristalino. Interpretar e interiorizar lo que se experimenta durante dos o tres horas mientras observas boquiabierto lo que en la pantalla se desarrolla. Y cada película es distinta, cada obra nos muestra y enseña algo completamente diferente y nuevo. ¿No es extraordinario de tan sólo pensarlo? Se me eriza el vello: poder vivir lo que sea. Lo que sea. Y experimentar y sentir lo que sea. Sentir, sentir, sentir. El mayor aprendizaje que podemos procesar jamás. Y no sólo con las películas que han sido aquí recogidas y estudiadas. El cine está compuesto desde el flamante Viaje a la Luna hasta el cine más actual de ayer mismo. Todas tienen un por qué y un hueco en nuestros corazones. Nos roban el alma, y se nos quedan dentro. Podemos recordar y pensar en una película de hace cincuenta años, sesenta, setenta. Y siguen estando presentes. Nunca se van, siempre están ahí. Es tierno y hermoso, comprender el cine como un amigo que tener siempre al lado y que no te suelta, en los mejores y en los peores momentos. Una esencia casi espiritual que vive dentro de ti, en cada poro, en cada fibra. Corre por tus venas y te insufla la vida. Es casi el oxígeno de la vida. La expresión de cualquier cosa que desea ser escuchada. Y poder guardar eso dentro de ti es un tesoro. Sentir con inmensa pasión lo que se te propone me parece extraordinario, y el mejor de los poderes. Me proclamo absolutamente enamorada del cine y proclamo en voz alta el cine como el gran amor de mi vida. 38 6. BIBLIOGRAFÍA Y REFERENCIAS. Abuín, Alberto. 2010. “Lolita”. Blog de Cine. España. [Documento de Internet disponible en http://www.blogdecine.com/cine-clasico/stanley-kubrick-lolita ]. Aisa, Javier. Aisa, Andrea. García, Cristina. Armendáriz, Fernando y Castejón, María. 2011. “El cine, el mundo y los derechos humanos”. IPES Elkartea. País Vasco. [Documento de Internet disponible en http://www.cineddhh.org/guias-didacticas/slumdog/i-introduccion/#g ]. Aloha Criticón, 2005. “Lo que el viento se llevó (1939) de Víctor Fleming”. Aloha Criticón. 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