Simbiosis entre arquitectura y moda. Aplicación del plegado japonés

APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA Isabel Sánchez García Escuela Técnica Superior de Arquitectura Grado en Fundamentos de la Arquitectura TRABAJO FINAL DE GRADO JULIO 2019 SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS AUTORA Isabel Sánchez García TUTORA Noelia Galván Desvaux SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 7 Resumen / Abstract Desde nuestros orígenes coexisten dos disciplinas artísticas tan dispares como similares, arquitectura y moda,, con el objetivo común de cobijar en su interior desde un cuerpo humano a una multitud de personas en busca de una actividad a realizar. La íntrinseca relación entre ambas, ha evolucionado a la par de los avances tecnológicos, cultura, política y mentalidad de la sociedad pasando por trances complicados de rechazo total hasta situaciones de conexión total complementando una disciplina a la otra. Una serie de proyectos arquitectónicos y diseños de moda son analizados en este trabajo con la intención de establecer una comparativa real y cercana al espectador comprobando así la relación que ha existido y existe actualmente. Palabras clave: Arquitectura, moda, conexión, geometría, plegado, tecnología, sociedad, expresión Since our origins, two artistic disciplines, architecture and fashion, coexist as disparate as they are similar, with the common objective of sheltering inside from a human body a multitude of people in search of an activity to be carried out. The interrelationship between both has evolved along with technological advances, culture, politics and mentality of the society going through complicated situations of total rejection until situations of total connection complementing one discipline to the other. A series of architectural projects and fashion designs are analyzed in this work with the intention of establishing a real and close comparison with the spectator thus verifying the relationship that has existed and exists today. Key words: Architecture, fashion, connection, geometry, fold, technology, society, expression 01. INTRODUCCIÓN 11 Estado de la cuestión 15 Objetivos 16 Metodología 17 02. ANÁLISIS PREVIOS 19 Historia comparativa de la moda y la arquitectura 21 Espejos entre arquitectura y moda 31 nicios y motivación de la relación arquitectura y moda 33 03. ARQUITECTURA + MODA 43 Temas de encuentro 45 El pliegue como principio estructurante 49 Origami. Origen y desarrollo 51 Aplicación del pliegue en la indumentaria 52 Aplicación del pliegue en edificios arquitectónicos 57 04. CASOS DE ESTUDIO 61 Vestido / Amaya Arzuaga - Hotel Marqués de Riscal / Frank Gehry 64 Vestido Saco / Cristóbal Balenciaga - Casa Dior / Christian de Portzamparc 74 Vestido 132 5 / Issey Miyake - Bloomberg Pavilion / Akihisa Hirata 84 Brazalete / Zaha Hadid - Parque de la relajación / Toyo Ito - Torre Turning Torso - Santiago Calatrava 94 Zapatos / Tea Petrovic - Auditorio Tenerife / Santiago Calatrava 108 05. DISEÑO PRÁCTICO 117 06. CONCLUSIONES 125 07. NOTAS Y BIBLIOGRAFÍA 131 SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 16 Objetivos El objetivo principal de este trabajo es establecer y poder comprender los elementos de relación entre dos materias artísticas en un principio tan diferentes. Dicho fin se pretende conseguir mediante el análisis de una sociedad, que evoluciona desde el rechazo por completo de la similitud de la conexión entre ambos sectores hasta la complicidad máxima entre diseñadores y arquitectos, llegando incluso a arquitectos diseñadores que promueven un interesante intercambio de ideas y posibilidades. El estrecho vínculo entre ellos nos lleva a la fascinación de arquitectos que basan sus propuestas edificatorias en una prenda de vestir y viceversa, con diseñadores de moda que llevan la ropa hasta el uso de elementos volumétricos, demostrando una gran versatilidad en cuanto al diseño formal, espacial, material, tecnológico y estructural. Se pretende abrir una futura línea de trabajo, no sólo como arquitecto para el diseño de edificios, sino también como diseñador de indumentaria permitiendo una relación cercana con otros profesionales de nuestro sector y de la moda, dos ámbitos unidos por la imaginación, la total libertad del diseño y la evolución continua. Y quizá el objetivo más importante e interesante de este trabajo es aspirar a plasmar los conocimientos adquiridos a lo largo de la carrera de Arquitectura y la investigación llevada a cabo durante estos años en el modelado de un diseño propio relacionando diseño de moda y arquitectura. SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 17 Metodología Para efecturar el análisis de la evolución histórica del diseño de moda y arquitectura, la investigación está orientada a un primer enfoque teórico partiendo de una breve introducción del estado de la cuestión en cada uno de los ámbitos. Se estudiarán los procesos culturales, tecnológicos y materiales de cada una de las materias para posteriormente poder compararlos paralelamente y transmitir las similitudes y/o diferencias observadas a la hora de “construir y diseñar” edificios y “construir y diseñar” prendas de vestir. Para ejecutar dicho análisis se parte de estudios ya realizados con anterioridad que analizan las interesantes relaciones entre ambas disciplinas y la reelaboración personal de los conocimientos que pueda añadir. Seguidamente, el trabajo se conduce a un estudio de los principales temas de encuentro, y en especial a la aplicación de la geometría y el plegado japonés, investigando sobre los inicios de éste tanto en arquitectura como en moda y, poniendo de manifiesto a los artistas con un papel más relevante por su actuación. Se realiza un estudio de los edificios y diseños de indumentaria más llamativos por sus cualidades funcionales, formales y conceptuales, así como se tomará algún ejemplo no tan figurativo e inmediato, del cual también se puede llegar a sacar conclusiones tan interesantes como en los casos anteriores. Para ello se ha tomado como documentación gráfica los diseños presentados en pasarelas de moda internacionales, así como edificios de gran renombre. Por último se lleva a cabo un diseño real basándose en el marco analítico de todo el trabajo, con un desarrollo claro de voluntades e intenciones sobre materiales, plegados y patronaje, calidad y escala, dejando ver las similitudes encontradas en el camino de la investigación. ANÁLISIS PREVIOS CAPÍTULO 02 “La elegancia reside en la discreción”3 (Elio Berhanyer) 3 Telva, “10 lecciones de estilo que aprendimos de Elio Berhanyer”, http://www.telva.com/moda/2019/02/03/5c51b25d01a2f1e95c8b45a8. html (consultada el 4 de febrero de 2019) SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 21 Historia comparativa de la moda y la arquitectura El diseño de moda busca conquistar al consumidor mediante “la marca de la firma” y la arquitectura viene estratificada por el bombardeo de información según la escala de reconocimiento de sus arquitectos. La obligación de adornar nuestro cuerpo o nuestra vivienda está a un nivel posicionado en la cumbre de la jerarquía de clases que nos incitan a estar en constante cambio para adaptarnos a la situación más conveniente. La capacidad para reinventarse por parte de ambos campos de trabajo es tan grande que tanto el pasado como el futuro merecen una consideración de la misma índole que el presente. Desde esta perspectiva, se ve necesario señalar a modo de marco teórico previo cuatro periodos relevantes en la historia de la moda y la arquitectura en la que se percibe el acercamiento o alejamiento entre ambas disciplinas según la situación política, cultural y social de cada etapa. Arquitectura Moda Finales siglo XIX Arts and Crafts Cintura de avispa Principios siglo XX Art Nouveau Estilo Liberty Primera mitad siglo XX Art Decó y Bauhaus Paul Poiret y Chanel Segunda mitad siglo XX Mov. Postmoderno “New look” y alta costura Imagen 1. Serigrafía del diseño Gala de Erté en 1980 SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 22 El movimiento Arts & Crafts surge a finales de 1880 como rechazo a la estética de la revolución industrial que estaba completamente asentada en Europa, acentuando la frialdad, sencillez y la excesiva funcionalidad de los diseños. Este estilo inspirará más adelante al movimiento Art Nouveau. Hasta la Segunda Guerra Mundial, la moda se asocia con la superficialidad del ornamento, no funcional, frívola y exagerada. La ropa femenina de las últimas décadas del siglo XIX, precedían de la inspiración medieval, con atuendos pesados y muy estructurados asociándolos con la pureza y elegancia de las mujeres (imagen 2). Los vestidos, de pies a cuello sin dejar mostrar la piel, se conformaban con poca movilidad para la mujer y con corsés sumamente ceñidos apoyados por unas varillas de acero, para forzar la postura erguida consiguiendo una “cintura de avispa”. La cintura, símbolo de sensualidad era resaltada por faldas piramidales y mangas inmensas. La ropa masculina, por el contrario se asoció más a la funcionalidad del día a día, incluso al mundo deportivo. John Ruskin, teórico inglés reconocido por sus estudios sobre arquitectura, junto con Willian Morris, dos de las principales figuras de la British Arts and Crafts Movement, producen un importante episodio de relación entre arquitectura, moda y ornamento, marcando un bypass en el estilo europeo. Asociaban el papel de la superficie exterior de un edificio arquitectónico al tejido y vestido de un cuerpo humano. Con un lema de “el ornamento como base del arte” acentuando la visión exterior antes que la funcionalidad interior, la fachada y la decoración superaban a la propia edificación y, la ropa era más sugestiva que el propio cuerpo humano. Rechazó la vestimenta tradicional y convencional de los trajes estirados de los trabajadores o los vestidos desmesurados de las mujeres. Su esposa, Jane Burden, fue la primera en poner en práctica el nuevo estilo fluido Periodo 1. Finales del siglo XIX Imagen 2. Vestido típico de los años 1880 de inspiración medieval SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 23 defendido por Morris, quien le diseñaba los vestidos a su gusto y medida. Poco a poco, este estilo fue avanzando en la sociedad y muchas mujeres se liberaron usando ropa suelta, inspirando a las casas de alta costura parisinas. Con la introducción de Japón en el comercio internacional, Europa incrementó sus intereses en este país, llegando a convertirse en el centro de las operaciones comerciales. Esta influencia se plasmó con la aparición de la tendencia denominada japonismo.4 La moda europea tomó como inspiración los kimonos, atraídos por la fluidez de las prendas, el exotismo de los batines para estar en casa y las telas con motivos florales, naturales o animales. A finales de siglo, empiezan a deslumbrar los primeros paralelismos entre moda y arquitectura con Otto Wagner como principal precursor. Sostenía que debían originarse nuevas formas de diseño a medida que aparecían nuevos materiales y métodos de construcción. Consideraba que la moda era barata y prescindible, algo que se oponía al propósito de la arquitectura.5 Promovió una campaña de vestimenta racional en la que las mujeres pudieran manifestarse alegando la necesidad de una ropa más apropiada a la rutina. A partir de este momento, fueron numerosos los arquitectos, como Peter Behrens, Henry Van de Velde o Josef Hoffman, quienes comenzaron una nueva etapa considerando los problemas expuestos por las mujeres intentando aportar soluciones con ropa libre y fluida. Otra de las figuras importantes en el mundo arquitectónico y textil fue Adolf Loos, con más desarrollo en el periodo siguiente, pero quien con gran interés en el diseño de moda, relacionaba la liberación de la mujer con la libertad de que pudiesen vestir ropa masculina. Expresó la idea de que “una casa debe parecer reservada desde el exterior, pero dentro de ella debe revelar toda su riqueza” (imagen 4). Una metáfora a través de la moda y entendida por sus creencias de estilo eterno para el interior externo (la moda del hombre) y personalmente adornado (moda de mujer)6. Los edificios que se construían en estas décadas, se reconocían a simple vista por los muros, mobiliario y fachadas medievales, con motivos florales y naturales (imagen 3), tratando de preservar el estilo gótico británico. Se apreciaban un trabajo cuidado en cada detalle tanto del interior como del exterior, alzando los trabajos artesanales dejando los materiales tan como son y evitando la industrialización. 4 Dorling Kindersley y otros, Moda. Historia y estilos (Gran Bretaña, 2012), 206 5 Domosidi Ergina-Elena, “FOLDED TERRITORIES: A Parallel Symbiosis of Architecture & Fashion”Trajes espaciales “ (tesis doctoral, Scuola di Architettura Urbanistica Ingegneria delle Costruzioni , 2012), 12 6 Ibid., 13 Imagen 4. Interior de los cottage típicos del movimiento Arts & Crafts. Imagen 3. Estampado típido del movimiento Arts & Crafts con motivos florales y naturales. SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 24 El segundo episodio a recorrer se desarrolla en el salto del siglo XIX al siglo XX, nombrado de forma distinta dependiendo en qué país de Europa abordemos, tal como “Nieuwe Kunst”, “Style Liberty”, “Jugendstil”, “Art Nouveau” o “Modernismo”. Evoluciona del estilo anterior, Arts and Crafts, constituyendo un movimiento cultural y artístico que afectó a todas las disciplinas del diseño de la actualidad influenciados por el pesimismo y oscuridad de la Primera Guerra Mundial. El estilo Art Nouveau se extendió hasta campos muy diversos, que fueron desde la arquitectura hasta el mobiliario, la moda y el arte, como parte de la vida cotidiana. Se trata de un periodo arraigado a la evolución tecnológica de la industrializació,n con un fulminante desarrollo de nuevas técnicas materiales y constructivo, principalmente con la aplicación de materiales como el hierro, el acero y el vidrio. El rápido avance de los procesos tecnológicos aportó un mayor grado de libertad formal a los diseños, así como una mayor variedad de propuestas. Una época en el que la política tomaba fuerza y amenazaba a la burguesía, la sociedad decidió vivir en un mundo idílico de autoengaños con una decoración inspirada en las formas exóticas de la naturaleza evitando las convulsiones sociales que precedían. Como continuación del periodo anterior, se sigue apreciando el gusto por la artesanía y el cuidado de los tejidos de alta costura para elaborar prendas de ropa de calidad. La simplificación y el concepto “menos es más” marcaron el rumbo de la moda a principios del siglo XX.7 La dinámica y andrógina flapper8 (imagen 5) reemplazó a la mujer estática y restrictiva con una cintura de avispa y corsés entallados evocando un nuevo estilo siempre en movimiento 7 Dorling Kindersley y otros, Moda. Historia y estilos (Gran Bretaña, 2012), 222 8 El término Flapper es un anglicismo utilizado a principios del siglo XX referenciando a un nuevo estilo de vida de las mujeres en la que sustituían los estructurados vestidos y corsés de la década de los 80 por faldas cortas, sencillas y liberadas. Periodo 2. Principios del siglo XX Imagen 5. Vista posterior y lateral del modelo típico de vestido flapper con escote, falda corta, telas finas y fluidas y cuentas. SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 25 como símbolo de juventud, moda y diversión a través del estilo Liberty desarrollado inicialmente en Italia. Se produjo un cambio gradual de la silueta curvilínea femenina hacia una figura más tubular abriendo camino a prendas de ropa más sencillas, prácticas y atemporales. Así mismo, las mujeres de la época empezaron a mostrar su belleza natural con un buen maquillaje desarrollado y una cabellera trabajada, ondulada y hacia un camino de erotismo. La combinación de un atuendo cómodo para adaptarse a la mecanización de la vida moderna, automóvil, tranvía, bicicleta, y una indumentaria con espíritu aristocrático como significado de una alta posición social condujo a los vestidos resultados de esa época. A medida que las prendas se reducían y desestructuraban, tanto hombre como mujeres empezaron a mostrar cada vez más su cuerpo. Las mujeres comenzaban a llevar escotes y brazos al descubierto principalmente en sus vestidos de gala. Destacaron los diseñadores franceses Chanel y Patou fomentando la ropa más dinámica para la mujer activa. La decoración habitual de estos diseños eran los mismos adornos e inspiraciones referidas en los edificios arquitectónicos, tales como motivos florales, líneas sinuosas y curvilíneas y asimetrías. Los arquitectos más representativos de este periodo son Henry Van de Velde y Víctor Horta, pioneros del Art Nouveau en Bélgica, quienes demostraron que el metal y el hierro pueden utilizarse creativamente para construir formas estructurales y decorativas orgánicas tanto en interiores como exteriores. El resultado de dichas obras arquitectónicas fueron potentes diseños ornamentales con inspiración orgánica y floral. La primera obra que muestra el conjunto de características principales de este estilo es la Casa Tassel de V. Horta (imagen 6), con una estructura interior de acero totalmente vista, bow window y vidrio al exterior y balaustradas onduladas y curvilíneas (imagen 7). Imagen 6. Fachada principal de la Casa Tassel del arquitecto Victor Horta, ubicada en Bélgica. Imagen 7. Vista interior de la Casa Tassel, con balaustradas onduladas de estructura de acero y decoración curvilínea. SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 32 importa el tamaño del proyecto. Hay microarquitectura y maxiarquitectura.”13“El ser humano se constituye en un espacio propio, delimitado por su estructura morfológica que habita una serie de espacios. Las experiencias corporales, las interacciones entre el cuerpo habitante y el espacio habitado, posibilitan la percepción de los límites físicos que caracterizan estas relaciones en la forma de la indumentaria o de ambientes construidos”14 En el contexto del diseño arquitectura y moda coexisten y se desarrollan paralelamente para garantizar el adecuado uso y la correcta función del elemento construido: un edificio debe albergar en su interior a un grupo de personas que realizan una actividad bajo unas condiciones óptimas de la envolvente para su desarrollo, mientras que una prenda de vestir debe albergar en su interior a un cuerpo humano de dimensiones, talla y forma diferentes bajo unas condiciones que deben adaptarse a éstas. Por lo cual, hablar de moda y arquitectura bajo la óptica de habitar es hablar en términos equivalentes: diseñar y proyectar con el fin de buscar la adecuación del usuario al espacio que ocupa. “Arquitectura y moda están al servicio de las personas. Las envuelven para que se encuentren lo mejor posible”, explica Paloma Sobrini15. Para Mello16, en ocasiones la representación gráfica de los edificios arquitectónicos – plantas, alzados, secciones, detalles constructivos – y del diseño gráfico de las prendas de vestir – colocación de costuras, hilo, piquetes, talla - (imagenes 15 y 16) presentan trazos tan similares, que dificultan su identificación de forma inmediata, a punto de confundir moldes de la vestimenta con planos urbanos. En realidad, todo lo que tiene que ver con el diseño está relacionado entre sí – todas las disciplinas del arte: dibujo, escultura, pintura, arquitectura, modaya que, al fin y al cabo su meta es construir volúmenes, formas, espacios, colores, texturas, proporciones, escala e imaginación. Hoy en día, nos encontramos en un punto de la historia en el que los diseñadores de moda construyen prendas de vestir y los arquitectos diseñan edificios, pero no siempre ha habido esta buena relación entre ambos profesionales. 13 Jot Down. Contemporary Culture Mag, “Teresa Sapey: «Los arquitectos no somos genios, nos equivocamos como cualquier otra persona»” https://www.jotdown.es/2014/03/teresa-sapey-los-arquitectos-no-somos-genios-nos-equivocamos-como-cualquier-otra-persona/ (consultada el 25 de enero de 2019) 14 Patricia de Mello Souza, “Moda e arquitetura: relações que delineiam espaços habitáveis” (traducción propia en el trabajo), revista D´obras (2014): 90 15 El País, “Cuando la moda y la arquitectura comparten el mismo escenario” https://smoda.elpais.com/moda/cuando-la-moda-y-la-arquitecturacomparten-el-mismo-escenario/ (consultada el 26 de enero de 2019) 16 Ibid., 89 Imagen 15. Desarrollo de un vestido mediante el patrón delantero y el patrón trasero con cotas y dimensiones. Imagen 16. Desarrollo de la Casa Rosen mediante planta y alzado. Comparativa con el proceso de desarrollo en la moda SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 33 Inicios y motivación de la relación arquitectura + moda A lo largo de la evolución histórica que hemos analizado anteriormente se aprecia el insensato rechazo que los primeros arquitectos tenían hacia los diseñadores de moda y viceversa, influenciados principalmente por la situación política del momento, las costumbres culturales y clásicas de la sociedad y el poder de la burguesía sobre el resto. Un autor que ha dedicado parte de sus escritos a la búsqueda de encuentros y más bien rechazos y roces entre arquitectura y moda ha sido Mark Wigley con los escritos “White Walls” y “La policía de la moda”. En el discurso de éste último, publicado en el 2013, parte de la convicción de que “el discurso contemporáneo sobre la arquitectura continúa organizado alrededor de los continuos ataques a la moda”. Para mostrar esta realidad repasa la actitud defensiva de algunos de sus principales representantes teóricos: desde Le Corbusier (imagen 17) y sus escritos sobre las paredes blancas, hasta Giedion, cuya posición es rastreada con minuciosidad a lo largo de sus principales escritos. Wigley concluye mostrando cómo estos rechazos de la moda son en definitiva una prueba de su vigencia como disciplina y explica que, en consecuencia, “ningún discurso puede aislarse de la moda sin más”.17 Esto hizo que hasta la última mitad del siglo XX, sobre los años 1970, no se formalizara una conexión entre las dos prácticas profesionales, cerciorándose de que las dos artes se necesitaban mutuamente y podían conseguir diseños mucho más llamativos para la sociedad. Si bien es cierto, como en cualquier disciplina siempre sobresalen algunos autores adelantados a su época, los cuales ya introducían conceptos revolucionarios que posteriormente se llevarán a cabo más desarrolladamente. 17 Mark Wigley, “La policía de la moda” , Revista de arquitectura (RA) (2013): 9 Imagen 17 Villa Savoye de Le Corbusier, gran referencia del uso en todas sus obras de las paredes blancas Imagen 18. Portada de Espacio, tiempo y arquitectura, de Sigfried Giedion. SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 34 Nos referimos a los diseñadores Coco Chanel y Cristóbal Balenciaga, dos grandes maestros de la alta costura, aún referentes para las grandes promesas actuales y todavía visibles en las pasarelas de moda y exposiciones. Chanel, la diseñadora que pasó del tweed hasta la masculinidad en sus líneas femeninas y Balenciaga quien utilizaba grandes cantidades de tejido para generar volumen, formas trapezoidales, drapeados y dinamismo a sus diseños; del diseñador Christian Dior con su colección presentada en los años 50 con una línea clara: estructura alámbrica, entretelas, materiales rígidos y gran volumen a las faldas o vestidos; y de los diseñadores japoneses como Issey Miyake, Rei Kawakubo y Yohji Yamamoto (imágenes 21-26) cambiaron radicalmente el concepto de moda sobre los años 1970 suponiendo un gran impacto y una gran referencia a los diseñadores occidentales.18 . La incongruencia aparecía en el momento de analizar el desarrollo evolutivo que sufría una y otra disciplina de diseño, como bien explica María Llerena19, siendo dos técnicas que queriendo o sin querer evolucionan a velocidades muy diferentes y escalas opuestas, el ladrillo con el mortero exige longevidad, permanencia y solidez, mientras que la tela y el hilo se acerca más a la transitoriedad, flexibilidad y efemeridad. Así Issey Miyake comentó que “La moda es como el viento”.20 La arquitectura está pensada para permanecer en el tiempo, sin apenas variaciones y sin necesidad de adaptar su uso y función. Sin embargo la moda como habitualmente llamamos a los elementos pensados para durar un periodo de tiempo corto “pasan de moda”, y en unos años son olvidados, sustituidos y cambiados por completo, e incluso se dejan de utilizar por no poder adaptarse a la figura humana según su tamaño. Leyendo la guía de la exposición “Skin and Bones” se redacta brevemente la unión y el desarraigo de las dos disciplinas “ambos crean espacio y volumen a partir de materiales planos y bidimensionales (imágenes 19 y 20) Si bien tienen mucho en común, también son intrínsecamente diferentes. La escala humana, las proporciones, tamaños y formas difieren enormemente”21. 18 Akiko Fukai y otros, Moda. Una historia de siglo XVIII al siglo XX (lugar publicacion, 2018), 449-450 19 María Llerena Iñesta, “Envolver el cuerpo. Una aproximación a las miradas cruzadas entre arquitectura y moda” (tesis doctoral, Departamento de Historia, Teoría y Composición Arquitectónicas, Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla, 2017), 7 20 Nosotras que lo queremos todo, “¿Cómo la arquitectura y la moda logran vincularse?” http://www.nosotraselblog.cl/2018/01/la-arquitecturala-moda-logran-vincularse/ (consultado el 2 de febrero de 2019) 21 Gwyn Miles (dir.). Skin & Bones. Parallel Practices in Fashion and Architecture (traducción propia en el trabajo). (Exposición celebrada en Los Ángeles, 24 de abril al 10 de Agosto del 2008) Imagen 19. Dibujo del Möbius Dress por J. Meejin Yoon mediante geometrías y pliegues del tejido. Imagen 20. Dibujo del Max Reinhardt Haus por Eisenman Architects Imágenes comparativas del proceso constructivo en arquitectura y moda mediante las mismas técnicas geométricas y, con un aparente resultado final y formal similar. Imagen 21. MarieHelene Arnaud con el traje Chanel de tweed Imagen 22. Chanel en La Pausa con traje masculino Imagen 23. Vestido con armadura de caparazón y brocado de Balenciaga Imagen 24. Blusa drapeada que envuele el cuerpo de la colección de Balenciaga Imagen 25. Diseños volumétricos actuales de la diseñadora japonesa anti - moda Rei Kawakubo Desde los orígenes de la diseñadora de moda Coco Chanel y el maestro de la costura Cristóbal Balenciaga, los diseños han evolucionado a volumetrías sobredimensionadas y estructuradas, dejando de lado la silueta perfecta de la mujer para conseguir ropa liberada y dinámica. La utilización de nuevos materiales más manejables y geométricos construyen las prendas de ropa que se exponen hoy en día las pasarelas de todo el mundo. Imagen 26. Diseño geométrico de vestido del diseñador Issey Miyake SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 36 El punto clave que supuso una unión permanente, al menos hasta la actualidad, ha sido la evolución tecnológica que ha padecido la sociedad. Lo primero, fue la creación del ordenador en 1936 y con ello el desarrollo de los programas informáticos del diseño paramétrico, permitiendo reducir el tiempo de cálculos de estructuras en arquitectura y de diseño a mano de piezas de modelaje en moda y una mayor facilidad para la construcciones de elementos más orgánicos y complejos. Hoy en día, la implantación de la impresión 3D proporciona una mayor exactitud en el diseño y/o patronaje (imágenes 27 y 28). Con los materiales informáticos al alcance de diseñadores y arquitectos eliminan la limitación a la hora de crear edificios sencillos, rectos, sin complicaciones, permitiendo ahora modelajes circulares, irregulares, de grandes dimensiones y alturas, etc. Las curvas, los ángulos, los patrones y los colores que se encuentran en los edificios se utilizan como alimento para el pensamiento de los diseñadores y llevan a ropa, zapatos y joyas impresionantes y futuristas22. De esta forma los edificios se han llevado hacia líneas más fluidas y dinámicas y las prendas se han construido más arquitectónicas y estructuradas. Aunque la mayoría de los resultados de la unión de arquitectura + moda parecen tener un aire futurista por sus excesivos volúmenes y estructuras, ejercicios como el de Rei Kawakubo con Comme des Garçons, han demostrado una preocupación minimalista común por vestir el espacio alrededor del cuerpo humano más allá de una simple prenda de vestir que cumpla su función de refugio. Zaja Hadid es una de las arquitectas en las que se puede comprobar el papel fundamental que ha tenido la tecnología en sus construcciones – líneas fluidas, voladizos imposibles, megaestructuras…- todo gracias a la reinvención de la tecnología y a su pensamiento unido a un diseño mínimo y con intencionalidad. Al igual que estos conceptos los aplica a sus diseños arquitectónicos también resuelve diseños de moda, joyas, zapatos y ropa, con las mismas nociones (imagen 29). Gracias a la evolución estructural y de diseño que han sufrido los edificios, los diseñadores de moda empezaron a apoyarse en los arquitectos que veían que realizan auténticas obras de arte en cuanto a volumen, forma y concepto y les encargaban proyectos (a arquitectos de renombre en la época) para la elaboración de edificios para la exposición de su indumentaria. Nos referimos a las tiendas de Prada en Tokio diseñada por Herzog & de Meuron, la tienda de Tod´s en Tokio por Toyo Ito o la Casa Dior en Seul diseñada por Christian de Portzamparc entre otras. 22 Form follows fashion, “Colors, Curves And Patterns” (traducción propia en el trabajo) https://formfollowsfashion.gr/specials/colors-curves-andangles/ (consultada el 29 de enero de 2019). Imagen 27. Diseño del edificio Londioon Aquatic Centre de Zaha Hadid gracias a programas de diseño paramétrico. Imagen 28. Edificio London Aquatic Centre en construcción de Zaha Hadid caracterizado por totalidad de lineas curvas fluidas. Imagen 29. Diseño de los zapatos Nova por Zaha Hadid para la firma United Nude SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 37 Como hemos empezado nombrando, la década de 1970-1980 fue una etapa de grandes cambios sobre todo en el mundo de la confección femenina. Los límites y rechazos entre ambas disciplinas que llamaban la atención años anteriores parecían haberse dispersado y empezaron a cooperar juntos con un diálogo de grandes y novedosas ideas entre ambos para alcanzar diseños minimalistas que fueran de interés de los ciudadanos. Conceptos como efímero, temporal, estático o adaptable se usan en el lenguaje arquitectónico del siglo XXI del mismo modo que aparecen como términos en el diccionario histórico de la moda. En el XVIII, la celosía de una catedral se veía reflejada en un estampado de un vestido femenino. Hoy, la transparencia de los tejidos ligeros se aprecia en multitud de construcciones, entre otros, en los edificios de Aoki Jun para Louis Vuitton (imágenes 30 y 31) o en la White Chapel de Osaka. La moda ha sabido reflejar la abstracción «que desliga al hombre de lo natural y primitivo», según preconizaba Mondrian. Al hilo del deconstructivismo arquitectónico «llegó Comme des Garçons y abrió la moda a ideas más conceptuales»23, nos recuerda Belén Moneo. Los acontecimientos que nos dejan clara el interés por dejar ver y desarrollar la arquitectura junto con la moda son las publicaciones en revistas, las exposiciones en museos o tiendas de ropa y la presentación en pasarelas de moda. El punto de inflexión en la relación arquitectura – moda, se puede ubicar en los años 70 cuando un grupo de arquitectos y diseñadores se afilian para crear la asociación Archizoom en Florencia. Supone un cambio en la construcción de la sociedad, como explica Ignacio Martín “desde la condición del aire que respira el hombre hasta la vestimenta que porta”24. Llevan a cabo la No – Stop city (imagen 32) como crítica al espacio arquitectónico donde se mueve el ser humano intentando hacer una muestra de identidad aplicando una nueva y radical forma de movilidad. Este cambio urbanístico lo orientan hacia la aplicación del diseño – moda, vestimenta, producto – como un procedimiento de transformación más rápido y eficaz de la sociedad. “Así en el curso de 1970 a 1971 la vestimenta se convierte ya, para Archizoom en el primer grado de la construcción del hábitat”25. 23 El País, “Cuando la moda y la arquitectura comparten el mismo escenario” https://smoda.elpais.com/moda/cuando-la-moda-y-la-arquitecturacomparten-el-mismo-escenario/ (consultada el 26 de enero de 2019) 24 Ignacio Martín Asunción, “Trajes espaciales. La vestimenta como proyecto arquitectónico” (tesis doctoral, Departamento de Proyectos Arquitectónicos, Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, 2012), 182 25 ibid., 183 Imagen 30. Edificio de la casa Louis Vuitton en Hong Kong diseñado por Aoki Jun mediante transparencias nocturnas. Imagen 31. Detalle de la fachada del edificio de la casa Louis Vuitton utilizando el aluminio en zig-zag , distintas tonalidades de blanco y espejos basándose en el patrón de la firma “Damier”. Imagen 32. Globo para dos colgado de la fachada de la Nostop city de Archizoom. SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 38 La finalidad de esta proposición era la eliminación de ataduras de la sociedad, el diseño estricto de unos cuantos arquitectos, liberando a los habitantes de las ataduras iniciales y posibilitando su incorporación a las decisiones de diseño. Branzi explica: “La idea de una arquitectura catatónica, inexpresiva, resultado de las formas expansivas de la lógica del sistema y sus antagonistas de clase, fue la única forma de arquitectura moderna de interés para nosotros... Una sociedad liberada de su propia alienación, emancipada de “Las formas retóricas del socialismo humanitario y el progresismo retórico: una arquitectura que tomó una visión audaz de la lógica del industrialismo gris, ateo y dramatizado, donde la producción en masa produjo infinitas decoraciones urbanas”26 Este proceso colaborativo, tuvo dos etapas. En la primera, las aspiraciones de los arquitectos y diseñadores del grupo se reducían a la realización de trajes con materiales plásticos buscando la abstracción, exageración y la no distinción de géneros permitiendo su uso a cualquier persona (imagen 33). Sin embargo, no se lograron los objetivos deseados hasta la segunda etapa del proceso, cuando realizan una colaboración con la firma de ropa Fiorucci de Milán. Ambos tenían la misma inquietud sobre la producción de ropa económica, atrevida, exagerada y mediante superposición de telas. Esta colección llevada a cabo por ambas partes se publicó en la revista italiana L´Uomo vogue en 1972 y fue presentada en la pasarela (imagen 34), realzando su carrera como diseñadores de moda al más estilo rocambolesco. Fue un símbolo de unión entre arquitectos y diseñadores, dejando ver las amplias posibilidades que pueden llegar a crearse cuando dos personas piensan de manera conjunta sobre un ejercicio y con un objetivo similar. De estos avances producidos en el mundo de la moda se harán eco los arquitectos internacionales quienes descubren una nueva mirada entre diseño de ropa y edificios. La sugerente metodología de operar con el material de una forma tan directa será lo que atraiga la atención de los arquitectos, encontrando en ellos posibles alternativas de transformación volumétrica y creación espacial, y entenderán estos patrones como singulares referentes para posibles planos técnicos de construcción arquitectónica27. Los años 80, una década de gran diversidad cultural, supuso un cambio radical en las interrelaciones entre arquitectura y moda. Fueron aumentando las publicaciones en revistas y periódicos locales sobre nuevos diseños, 26 Architizer journal, “Retrospective: Archizoom And No-Stop City” https://architizer.com/blog/practice/details/archizoom-retrospective/ (consultada el 29 de enero de 2019) 27 Ignacio Martín Asunción, “Trajes espaciales. La vestimenta como proyecto arquitectónico” (tesis doctoral, Departamento de Proyectos Arquitectónicos, Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, 2012), 188 Imagen 33. Nearest habitat system desarrollado por la asociación Archizoom en el año 1971 Imagen 34. Colección de ropa publicada en la revista italiana L´Uomo Vogue en el año 1972 con ropa económica y atrevida sin distinción de género. SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 39 colecciones, influencias, materiales novedosos, etc en las capitales europeas como Londres, Nueva York, Tokio y París.28 Este periodo proporcionó una base fértil para una de las grandes generaciones de arquitectos y diseñadores fusionando sus ideas e innovaciones. Los precios de los diseños se dispararon, como muestra de las grandes aportaciones que habían hecho a la sociedad, lo que produjo que en un principio solo tuviera acceso a ellos la clase media alta. La revista Blueprint llega en el año 1983 a la ciudad de Londres rompiendo los límites entre las disciplinas objeto de estudio, incluyendo en sus artículos información sobre prácticamente todas las artes que se llevaban a cabo en el momento, diseño industrial, mobiliario, decoración de interiores, arquitectura y moda con el objetivo de convertir estos temas en inquietudes de profesionales estando más accesibles para todo el público, sin tabúes y con posibilidad de expansión. De la revista más influyente a nivel internacional, pasamos a la exposición en la que se analizó formal y conceptualmente los posibles cruces entre diseñadores y arquitectos. Cronológicamente nos situamos en 1982 cuando el museo del Massachusets Institute of Techology (MIT) organizó una exposición liderada por Susan Sidlauskas bajo el nombre “Intimate Architecture: Contemporary Clothing Design. En ella se examinó y comparó el trabajo de ocho diseñadores de moda desde un punto de vista más arquitectónico. Los diseñadores fueron Giorgio Armani, Gianfranco Ferré, Mariuccia Mandelli de Krizia, Stephen Manniello, Issey Miyake, Claude Montana, Ronaldus Shamask y Yeohlee Teng.29 La exposición conllevó un gran éxito mundial, a partir del cual se publicaron numerosas divulgaciones analizando indumentarias variadas constructiva y arquitectónicamente y, construcciones arquitectónicas desde el punto de vista del diseño de moda. Los diseñadores antes nombrados, Issey Miyake (imagen 35) y Yeohlee Teng empezaron a evolucionar a velocidades impensables, con creaciones completamente nuevas, volumétricas, inspiradas en edificios conocidos. Éstos serían los diseñadores que unieron moda y tecnología. Ignacio Martín explica los diseños de Miyake con “una preocupación ambientalista, de control y cuidado del aire que movilizamos con nuestros movimientos.”30 28 Gwyn Miles (dir.). Skin & Bones. Parallel Practices in Fashion and Architecture (traducción propia en el trabajo). (Exposición celebrada en Los Ángeles, 24 de abril al 10 de Agosto del 2008) 29 Susan Sidlauskas, “Intimate Architecture” http://www.susansidlauskas.com/intarch.html (consultada el 25 de enero de 2019) 30 Ignacio Martín Asunción, “Trajes espaciales. La vestimenta como proyecto arquitectónico” (tesis doctoral, Departamento de Proyectos Arquitectónicos, Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, 2012), 191 Imagen 35. Primeros diseños revolucionarios del diseñador Issey Miyake durante la transición de la moda femenina que realza la figura a la deconstrucción y movimiento. SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 40 Estos arquitectos, fueron los pioneros en el mundo de la antimoda o moda arquitectónica al fusionar la tecnología vanguardista con su cultura y tradiciones japonesas, con gran importancia la técnica de elaboración de los kimonos y su ligereza y liberación al portador de ellos, tanto hombres como mujeres. Desde este punto, empezaron a deconstruir las prendas de ropa hacia una sencillez total, incluso sin costuras y dobleces que molestaran a quien lo llevase. Como último punto de desarrollo de encuentros entre arquitectura y moda, nos referiremos brevemente a dos exposiciones que se han llevado a cabo ya en nuestro siglo, una de carácter internacional y otra nacional. La primera exposición de la que hablamos es “Skin and Bones” desarrollada en las ciudades de Los Ángeles, Nueva York y Londres. Recoge el trabajo de más de 50 diseñadores y arquitectos como Alexander McQueen, Yohji Yamamoto, Frank Gehry o Zaha Hadid. Esta exposición exhibe el progreso de la moda y la arquitectura, y propone un contagio cruzado permitiendo a ambas disciplinas crear nuevas y sugestivas formas para que el cuerpo ocupe tanto el espacio público como el espacio privado31. Todos los sugerentes cambios que hemos podido contemplar en las últimas décadas nos adelantan los interesantes hilos que aún están por conectar en años no tan futuros. Recientemente la segunda, a finales del año 2018 se ha desarrollado en la ciudad de Madrid un showroom denominado “Templos de Moda” en donde se han recogido 11 diseños arquitectónicos con ubicaciones variadas desde Nueva York a Tokio o Seúl, realizando análisis comparativos de sus estilos y semejanzas con diseños de moda actuales (imagenes 36 y 37). Hoy en día, todas las investigaciones llevadas a cabo terminan en el mismo punto, confirmando la atractiva relación entre arquitectos y diseñadores de moda que trabajan en procesos de diseño muy parecidos: escala, geometría, color, textura, decoración, volúmenes, llenos, vacíos y, sobre todo tecnología. El proceso creativo del diseño surge del mismo modo, dibujando, creando el patrón, sintiendo su forma, aplicando la materia, cortando, uniéndolo todo para que cobre vida y se mueva.32 31 Domosidi Ergina-Elena, “FOLDED TERRITORIES: A Parallel Symbiosis of Architecture & Fashion”Trajes espaciales “ (tesis doctoral, Scuola di Architettura Urbanistica Ingegneria delle Costruzioni , 2012), 188 32 Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y Saberes (dir.). Fely Campo. Introspección, The Way Here. (Exposición celebrada en Salamanca, 09 de enero al 03 de marzo del 2019) Imagen 36 . Edificio de Givenchy en Seúl, analizado en la exposición Templos de Moda en Madrid por la recreación de sus tejidos en la piel exterior de la boutique. Imagen 37. Edificio de la casa comercial Louis Vuitton en la ciudad de París diseñada por el arquitecto Frank Gehry como un vestido blanco puro en movimiento. En la exposición se pueden observar los numerosos diseñadores de moda, la mayoría de alta gama (Vuitton, Givenchy, Dior, Hermés, Armani o Chanel), que cada vez le confian a los arquitectos un diseño minimalista y relacionado con la arquitectura moderna para construir un referente mundial relacionado con sus prendas de vestir o joyería. Imagen 39. Museo Guggenheim de Nueva York de F. Gehry y Table Dress AW2000 de Hussein Chalayan Imagen 41. Instalación de Golden Balloon en la exposición Tokyo Mot 2014 por AMID.CERO9 y colección Action Action Haute Couture AW17 por Viktor y Rol Imagen 38. Escalera interior en la residencia de Boston diseñada por Steven Harris Architects y la colección Rossie Assoulin Resort 2015 Imagen 40. Torres gemelas Al Bahr en Abu Dhabi de Aedas Architects y la colección SS16 Ready-to-Wear de Iris Van Herpen SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 49 El pliegue como principio estructurante La base para el diseño, tanto arquitectónico como de moda, es el trazado y la moldería (proceso de traslado a la tela el diseño dibujado en plano). Para llegar a construir un edificio se necesitan de unos planos que marquen todas las especificaciones y, para ver a una persona con un atuendo colocado en su cuerpo es necesario moldear el prototipo en papel mediante trazados y patrones que respondan al diseño imaginado. Para ello son varias las técnicas que permiten moldear estos cuerpos de manera más sencilla, como el pliegue, siendo el espejo de las pasiones del diseñador o arquitecto La técnica del plegado ha sido utilizada en concordancia por arquitectos y diseñadores de moda con el objetivo de aportar “más sensaciones” a sus diseños, además de tener un papel importante en la capacidad estructurante del diseño. Convierte un objeto bidimensional en uno 3D aportando la capacidad portante al material. El pliegue, por su juego de superposiciones y de cambios de plano, organiza un juego de luces y sombras.38 Añade espacios anexos, volumenes cóncavos y convexos con diferente apreciación desde el interior que desde el exterior y, aporta una mayor capacidad de soporte de cargas. La función que cumple el pliegue en la vida cotidiana es la resistencia que aporta por la forma originada a partir de una superficie bidimensional en vez de por la cantidad de material utilizado. En arquitectura, plegar fachadas o cubiertas generando formas quebradas produciendo un juego interesante de luces y sombras, llenos y vacíos, dentro y fuera que requiere de un estudio profundizado para producir el efecto deseado y no conseguir el contrario. Origina formas que incitan a visitar y recorrer el edificio exterior e interiormente para conocer y eperimentar todos los recovecos y misterios con los que se ha construido. Los arquitectos, son capaces de provocar ilusiones ópticas para “engañar” al espectador y producir un mayor asombro cuando se visita. 38 Jean-Charles Genevaux, Chloé Genevaux y Guillaume Bounoure, El arte del plegado. Volumen 2. (Barcelona, 2017): 11 Imagen 49. Pliegues en zin-zag en la fachada de la Planta de autogeneración eléctrica Argos por MGP. Imagen 50. Juegos de luces y sombras en el interior de la Planta de autogeneración eléctrica Argos SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 50 Por el contrario, en el diseño de indumentaria, el pliegue se está utilizando en formas cada vez más complejas para aumentar el volumen y, dar estabilidad estructuralmente y forma a la construcción de prendas39. A la vez, los diseños en los que se incopora técnicas como plegado o plisado, les proporciona mayor movimiento y libertad. Esta técnica ayuda a proporcionar más volumen a la ropa sin necesidad de incorporar elementos estructurales más incómodos y pesados para la persona, como varillas, corsés o láminas de plástico de la misma forma que añade fluidez y flexibilidad adaptándose al cuerpo. “El pliegue se puede explicar cómo una unión entre el interior y el exterior, la profundidad y la superficie, el ser y el aspecto”40 Las técnicas para la manipulación del papel son infinitas y, más en una práctica como ésta, en la que la única regla es no cortar. Existen varias formas de plegar el papel que darán distintos pliegues según la dirección, la distancia, el largo, etc. Algunas de ellas son el valle o montaña, el pliegue invertido, hundimiento, zig-zag, oreja de conejo…No existe una clasificación única y precisa de los técnicas de plegado. La información más clara de la que disponemos es de algunas publicaciones hechas recientemente como el libro de Paul Jackson41. La clasificación más exacta para desarrollar los plegados japoneses es la que tiene que ver con los tipos de pliegues que existen, sobre los cuales se pueden hacer cientos de modificaciones para el diseño final. Los dos tipos principales son el pliegue recto, el cual sigue una línea recta y el pliegue curvado que sigue una forma curva generando caras arqueadas en la forma resultante (imágenes 51-53). A partir de estos dos pliegues se pueden resolver y realizar paralelamente unos a otros, creciente o decrecientemente desde un punto base o radial del centro de la figura. Esta manipulación, puede llevarse paralelamente a tejidos, fuertes y rígido o más ligeros, y a materiales de construcción desde el hormigón hasta el acero corten. El proceso para conseguir los pliegues en una escala mayor, es exactamente el mismo que al realizarlos sobre una hoja de papel, por lo que se puede probar la resistencia y capacidad de carga que soporta cada uno con una pequeña hoja. 39 Gwyn Miles (dir.). Skin & Bones. Parallel Practices in Fashion and Architecture (traducción propia en el trabajo). (Exposición celebrada en Los Ángeles, 24 de abril al 10 de Agosto del 2008) 40 Domosidi Ergina-Elena, “FOLDED TERRITORIES: A Parallel Symbiosis of Architecture & Fashion”Trajes espaciales “ (tesis doctoral, Scuola di Architettura Urbanistica Ingegneria delle Costruzioni , 2012), 63-67 41 Paul Jackson, Enciclopedia del origami y artesanía del papel (Barcelona, 1998), 20 Imagen 51. Pliegue lineal siguiendo una linea recta. Imagen 52. Pliegue curvado siguiendo un ángulo. Imagen 53. Variaciones del pliegue recto y curvado SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 51 Origami. Origen y desarrollo En primer lugar cabe ubicar la palabra origami como la suma de los vocablos japoneses “oru” (plegar) y “kami” (papel). Es el arte basado en la manipulación del papel con el objetivo de conseguir pliegues y geometrías estrictas para la creación de figuras. Sin embargo, no queda claro si el origen es japonés, chino o coreano ya que según los datos históricos el arte de doblar papel aparece en China a lo largo de los primeros siglos d.C y, en Japón algún siglo más tarde, siendo en éste último donde se afianzó su uso y expansión en la tradición cultural. En la primera etapa de su desarrollo se denominaba Kami por la semejanza que aplicaban de papel a los espíritus de los dioses. Posteriormente tomó el nombre de Orikata con un significado más cercano al actual “ejercicios de doblado” y no fue hasta la Era Showa hacia 1880 cuando se desarrolló la palabra origami. A Occidente y en especial a España llegó a principios del siglo XX siendo más conocido como papiroflexia. Paul Jackson afirma que sus reglas estrictas no permiten cortar, engomar ni decorar el papel: la hoja de papel sólo puede ser doblada42. En un principio esta práctica se vinculaba más a propósitos de entretenimiento, imaginación, creación y simbolismos, tanto para adultos como niños, en la realización de figuras, animales y geometrías para su uso decorativo. Esta práctica se convirtió en un arte mundialmente conocido y usado cuando en 1930 el japonés Akira Yoshizawa dedicaba todo su tiempo a la realización de nuevas formas, más complejas y asombrosas (imagen 54). Desde aquel momento se han diseñado y patentado miles de diseños diferentes transformando la hoja de papel, partiendo de una base inicial cuadrada o rectangular, en formas de distintos tamaños desde modelos sencillos hasta de gran complejidad formal. El arte del plegado se ha industrializado de tal manera que ha llegado al diseño de la indumentaria y de la arquitectura de forma inminente como inspiración para cientos de diseños creativos de ambas disciplinas. 42 Paul Jackson, Enciclopedia del origami y artesanía del papel (Barcelona, 1998), 16-27 Imagen 54. Exposición realizada en Zaragoza sobre los archivos de Akira Yoshizawa SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 52 Hablar de diseñadores de moda implica también, hablar de arquitectos que con dicha titulación se dedicaron al mundo de la moda más que a la construcción y hoy en día, son conocidos por sus diseños de indumentaria. Por ello, veo necesario la realización de un listado de algunos de los diseñadores con renombre que son o fueron arquitectos. Frank Gehry – arquitecto, diseñador de zapatos para la firma de zapatos JM Weston y para Prada, diseñador de joyas para la firma Tiffany & Co Oscar Niemeyer – arquitecto y diseñador de joyas para la casa internacional de joyería H.Stern Zaha Hadid – arquitecta, diseñadora de joyas para la casa Georg Jensen, Aziz & Walid Mouzannar, Caspita y Swaroski, de bolsos para Louis Vuitton y Fendi, de zapatos para United Nude, Lacoste y Melissa y Adidas. Francisco Rabaneda (Paco Rabanne) – licenciado en arquitectura y es diseñador de moda Gianni Versace (Versace) – licenciado en arquitectura y es diseñador de moda Gianfranco Ferré – licenciado en arquitectura y es diseñador de moda Pierre Cardin – licenciado en arquitectura y es diseñador de moda Tom Ford - licenciado en arquitectura y es diseñador de moda Pierre Balmain – comenzó los estudios en arquitectura y es diseñador de moda Aplicación del pliegue en la indumentaria SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 53 Este listado, ampliable a muchos más profesionales, es de una serie de arquitectos que después de estudiar la carrera, no se han dedicado a la construcción arquitectónica volcándose únicamente al diseño de moda o han compaginado ambas disciplinas trabajando para numerosas marcas de moda aplicando sus conocimientos volumétricos y geométricos en los diseños. Asociada, a lo femenino, lo frívolo y lo irracional, con lo ilusorio y lo sensorial, la moda se ha apoderado de todos los valores de los que la arquitectura moderna pretendía prescindir.43 Grandes arquitectos de la historia como, Frank Lloyd Wright, Otto Wagner, Henry Van de Velde o Ray Eames (imagen 55) diseñaron ropa para ellos mismos, para sus mujeres, uniformes de trabajo, mobiliario para las viviendas que construían e incluso vestuario para escenas teatrales, en un momento en el que la arquitectura y la moda se encontraban vinculados fuertemente por las vanguardias europeas. El cambio revolucionario en las creaciones de los diseñadores de moda se produjo en los años 90 cuando éstos continuaban buscando formas variadas para sus creaciones44. Las nuevas tecnologías propulsaron la experimentación con nuevos tejidos y métodos que dieran forma a la ropa sin necesidad de incorporar demasiados elementos añadidos, es decir, se buscaban técnicas que con una sola pieza textil se pudiera conseguir el diseño completo con formas complejas y gran volumen. “Los arquitectos y los diseñadores de zapatos nos parecemos en que ambos trabajamos con estructura y forma45” (Frank Gehry) En la moda el pliegue está en una continua evolución, desde los imponentes volantes y vestidos armados de la edad media, hasta los pliegues actuales de líneas puntiagudas y secretas de Issey Miyake. Hay dos tipos de pliegue que se utilizan en la confección: uno es el “clásico pliegue” que puso en funcionamiento el diseñador Mariano Fortuny en 1909 con la túnica “Delphos”46 (imagen 55) con gran inspiración en la indumentaria griega, y el segundo es el origami originario de los diseñadores japoneses en fechas un poco más avanzadas. Ambos estilos coinciden en el uso de materiales ligeros como la seda, el punto o el algodón con facilidad en su manejo y estructuración de la pieza. 43 ISEM Comunicación, “Encuentros y desencuentros entre arquitectura y moda” https://fashionandbusinessreport.com/investigacion-ytendencias-de-moda/encuentros-arquitectura-moda/ (consultada el 2 de febrero de 2019) 44 Akiko Fukai y otros, Moda. Una historia de siglo XVIII al siglo XX (lugar publicacion, 2018), 444 45 La vida al bies, “Una lección de arquitectura orgánica” https://blog.rtve.es/moda/2014/04/zapatos-de-delpozo-tendencias-deprimavera-y-verano-2014.html (consultada el 24 de enero de 2019) 46 Ibid., 444 Imagen 55. Diseño de Ray Eames desde sus inicios Imagen 56. Vestido Delphos del diseñador Mariano Fortuny SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 54 El vestido emblemático de Mariano Fortuny se compone de pequeños pliegues de diminuto tamaño a lo largo de todo el vestido adaptándose al cuerpo humano que lo lleve permitiendo un movimiento libre y elegante con una caída hasta el suelo. (imagen de delphos) En cuanto a plisados también destaca el diseñador japonés Issey Miyake, uno de los diseñadores que más ha sabido incorporar la tecnología a sus diseños textiles desterrando casi por completo el uso de botones, costuras, cierres, tijeras, pegamento y otros elementos ajenos a la esencia de la prenda. Uno de los primeros diseños que sacó a la luz recoge el concepto básico de la indumentaria, principalmente japonesa en los primeros años, “a piece of cloth”47 (un solo trozo de tela). Tras varias líneas de ropa inspiradas en el vestido Delphos de Mariano Fortuny, A-POC48, Pleats Please (pliegues por favor) o HaaT (imagen 57), presenta una serie de productos funcionales confeccionados a partir de poliéster plisado, introduciendo texturas y volúmenes esculturales al material textil y otorgando relevante flexibilidad al material, fruto de su investigación pionera con técnicas de pliego.49 La última colección que ha llevado a cabo destaca por ser una de las más innovadoras e impactantes fundamentada en el origami como procedimiento de creación. A partir de un una figura básica en 2D, sin costuras ni cortes genera una prenda de ropa en 3D. Sin embargo, el plegado japonés (origami) evoluciona de la técnica primitiva de los plisados basándose ahora en pliegues geometrizados de mayor tamaño y rigidez que incorporan a la pieza mayor volumen y forma partiendo de patrones con formas básicas (cuadrado, rectángulo, círculo o triángulo). Desde finales del siglo XX son múltiples los diseñadores que se basan en las técnicas del origami para la creación de sus colecciones de moda. Es ahora, a partir de la década de 1990 cuando toman auge materiales sintéticos como el papel y la tela no tejida50, apareciendo en los desfiles de moda de todo el mundo como una retrospectiva a los años sesenta y con resultado de aire futuristas. Hasta entonces, la ropa se diseñaba sobre tejidos más caros asociados a la alta burguesía. La innovación de tejer sobre nuevos materiales fue el principio de la aplicación de las técnicas del origami japonés en 47 Akiko Fukai y otros, Moda. Una historia de siglo XVIII al siglo XX (lugar publicacion, 2018), 445 48 A-POC: A Piece Of Cloth 49 Patricia de Mello Souza, “Moda e arquitetura: relações que delineiam espaços habitáveis” (traducción propia en el trabajo), revista D´obras (2014): 92 50 Aclaración: Es un tipo de textil producido al formar una red con fibras unidas por procedimientos mecánicos, térmicos o químicos, pero sin ser tejidas y sin que sea necesario convertir las fibras en hilo. Un ejemplo es el fieltro. https://es.wikipedia.org/wiki/Textil_no_tejido (consultada el 4 de febrero de 2019) Imagen 57. Colección Pleats Please del diseñador Issey Miyake, basado y referenciado en el prototipo Delphos de M. Fortuny. SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 55 la indumentaria, que sigue creciendo hasta la actualidad proponiendo construcciones más rápidas, funcionales y con mayor carga estética. El uso del papel en la indumentaria surge en los años 60, gracias a la compañía estadounidense Scott Paper, llevando a cabo una multitudinaria campaña promocionando vestidos de papel por 1,25 dólares (imagen 58). Numerosas compradoras y firmas de ropa se unieron a esta iniciativa volviéndose viral en gran parte de otros países, ayudado por el estilo pop art y la búsqueda incansable de innovación y originalidad por parte de los diseñadores. Esta tendencia estuvo en auge más de veinte años, hasta que se disipó por la cantidad de residuos que originaba. Sin embargo, los diseñadores japoneses se quedaron con la copla del uso del papel como base para la composición y, años más tarde plantearon una reinvención de aquellos modelos de los años 60. Este periodo es conocido por la gran influencia de los diseñadores japoneses, en especial Rei Kawakubo, Issey Miyake y Yohji Yamamoto. Estos diseñadores asombraron al público por sus proporciones exageradas, su indiferencia respecto a la distinción de sexos y el predominio del color negro51. En 1994 el KCI52 exhibió en la ciudad de Kyoto la exposición denominada “El japonismo en la moda”. La exhibición formaba parte del objetivo de mostrar una pequeña historia de la influencia que ha ejercido Japón en el mundo de la moda, que desde el punto de vista de este trabajo es de gran índole. Rei Kawakubo explora las formas geométricas en la construcción de los patrones. Sin embargo, cuando el diseño se lleva a vestir al cuerpo, en numerosas ocasiones la geometría de la que partió el traje se vuelve invisible, “debido a la ocupación del espacio de la forma por el cuerpo y el corte del tejido mediante la acción de la gravedad”53. A partir de este concepto, aparece la diseñadora con su colección “Comme des Garçons”, en contraposición a la prenda típica occidental, en el que la esencia de los vestidos estaba en la utilización de las plantillas de papel para los estarcidos como base de la composición del diseño. Aparece indumentaria asimétrica, sin una forma definida donde piel y textil se fusionan. 51 Dorling Kindersley y otros, Moda. Historia y estilos (Gran Bretaña, 2012), 400 52 KCI: The Kyoto Costume Institute 53 Patricia de Mello Souza, “Moda e arquitetura: relações que delineiam espaços habitáveis” (traducción propia en el trabajo), revista D´obras (2014): 92 Imagen 58. Vestidos de papel en la campaña publicitaria realizada por la empresa Scott Paper revolucionando el mundo de la moda con el uso del papel en la moda por un precio muy asequible. Imagen 59. Traje de Kansai Yamamoto con predominio del color negro y formas desmesuradas. SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 56 Las formas esculturales y volumétricas configuradas por los pliegues y plisados a partir de una geometría básica, influenciaron una diversidad de proyectos arquitectónicos, pudiendo destacar entre otros el Max Reinhardt Haus (imagen 60), de Eisenman Architects, y el Walt Disney Concert Hall, de Frank O ‘Gehry. Ambas construcciones predominan por la libertad en el uso del acero como material buscando formas orgánicas, que se adapten al solar donde se encuentran y construyen recovecos con ángulos puntiagudos. Lawsom (2011) relata que los estudios realizados durante años en el Martin Centre Cambridge demuestran que la geometría se puede utilizar para la comprensión de las posibilidades formales abstractas y concretas, constituyendo así un significativo instrumento para la creación de formas innovadoras que pueden agregar conceptos espaciales y estructurales a la simple estética formal. Como se ha visto en capítulos anteriores, las conexiones entre diseñadores de moda y arquitectura son variadas. Sin embargo, uno de los aspectos más influyentes es la base arquitectónica que sirve a los modistos para realizar sus diseños. En este aspecto, en nuestro país destaca el diseñador Cristóbal Balenciaga, bautizado por Hubert de Givenchy como “el arquitecto de la alta costura”. Sus vestidos destacaban por volúmenes en los hombros, caderas, mangas y bajos, adaptándose al cuerpo humano y a la vez permitiendo gran movimiento (imagen 61). No se apreciaban costuras, ni malos cortes. “Un modisto debe ser arquitecto para los patrones, escultor para las formas, pintor para el color, músico para la armonía y filósofo en el sentido de la medida”54 (Cristóbal Balenciaga) Más actual, encontramos a la arquitecta Zaha Hadid que sus grandes obras arquitectónicas fueron su principal fuente de inspiración para los numerosos diseños de joyas, zapatos, incluso vestimenta para diferentes y reconocidas firmas. Joyas y zapatos basados en líneas curvas, orgánicas que buscan el infinito y que a la vez se adapten al cuerpo humano. La inspiración de la moda en el origami, permite la mutabilidad del diseño, la ampliación o recesión de la forma y ofrece la posibilidad de dar sentido a una forma material sin ayuda de otras auxiliares. 54 ISEM Comunicación, “Encuentros y desencuentros entre arquitectura y moda” https://fashionandbusinessreport.com/investigacion-ytendencias-de-moda/encuentros-arquitectura-moda/ (consultada el 2 de febrero de 2019) Imagen 60. Diagramas del proceso constructivo del Max Reinhardt Haus de Eisenman Architects Imagen 61. Vestido de Cristóbal Balenciaga ceñido en el cuerpo y con un añadido de tela en la parte posterior SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 57 Aplicación del pliegue en edificios El pliegue tiene en la arquitectura tantas funciones como en la naturaleza: organizar, englobar, desplegar.55 Surge en el momento de bocetar un espacio interior a partir de un muro que se va doblando para generar un espacio habitable, una línea continua que se quiebra y retuerce. Sin embargo en el exterior, los pliegues en fachada o en cubierta pueden tener diversas funciones: desde actuar como fachada portante hasta desempeñar una doble piel independiente de la estructura principal o como generador de un ámbito vividero del edificio marcando el ritmo del volumen interior para la introducción de la luz. Estas son algunas de las múltiples posibilidades que ofrece un sencillo gesto como una doblez en un plano. La utilización del pliegue en edificios nos lleva a adentrarnos en un difuso espacio interior, el cual está en constante transformación convirtiendo el suelo en cubierta (imagen 62) o la pared en techo, fundiéndose todo en un solo elemento incitando a la observación. El concepto de estancia se mezcla con el de envolvente tanto exterior como interior56. Ambos espacios se combinan por las líneas quebradas y trianguladas, la superposición de capas, el juego de luces y sombras que conlleva, el edificio se adapta y se expande al lugar, se quiebra buscando el hueco y la forma para asentarse. Desaparece la idea de un exterior claramente marcado y diferenciado de un interior. De este modo la arquitectura nos permite manipular la visión del espectador para mostrar ilusiones ópticas, de infinito y cambio. Desde principios de los años 1990, los pliegues se han utilizado por arquitectos como un dispositivo para crear mayor interés visual por medio de efectos de luz y sombra (imagen 63) en el exterior y para manipular las formas volumétricas en el interior57. 55 Jean-Charles Genevaux, Chloé Genevaux y Guillaume Bounoure, El arte del plegado. Volumen 2. (Barcelona, 2017): 126 56 Miguel San Millán Escribano, “Arquitectura óptima. Cuatro medios prácticos para optimizar proyectos de arquitectura” (tesis doctoral, Departamento de Proyectos Arquitectónicos, Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, 2011), 48 57 Brooke Hodge, “Skin + Bones: Parallel Practices in Fashion and Architecture”, (London, 2007): 247-249 Imagen 62. Nanyang Technological University, Singapur. Cubierta vegetal plegada y convertida en suelo. Imagen 63 . Ïnterior del Museo Provincial de Zamora con pliegues en cubierta para la introducción de luz SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 64 Vestido / Amaya Arzuaga – Hotel Bodegas Marqués de Riscal / Frank Gehry DISEÑO VESTIDO 1 DISEÑADOR Amaya Arzuaga FECHA Colección Primavera - Verano 2016 UBICACIÓN Mercedes Benz Fashion Week. Madrid, España USO Vestido femenino de sisa y corte por encima de la rodilla TÉCNICA Plegado y superposición de volantes MATERIAL Crepé negro CRITERIOS DE ANÁLISIS Geometría, plegado, estructura y volumen Imagen 70. Vestido diseñado por Amaya Arzuaga y expuesto en la Mercedes Benz Fashion Week de Madrid La colección primavera verano lanzada por la diseñadora Amaya Arzuaga es una reinterpretación de lo que llevaba años intentando revindicar en sus creaciones: la moda como una extensión textil de la arquitectura.61 Este repertorio de diseños mostrados para la colección del 2016 destaca por la utilización masiva de la ondulación, la curva, la superposición de telas y los pliegues. Según la diseñadora española, su gran admiración por el arquitecto finlandés Eero Saarinen, fue su fuente de inspiración para la elaboración de estas prendas. El material utilizado por la creadora para esta colección es principalmente la tela crepé en colores pastel, blanco o negro, la rejilla transparente, así como la ayuda de la tela de tul plisada para el aumento del volumen de sus piezas. 61 Telva, “Madrid Fashion Week. Amaya Arzuaga Primavera-Verano” http://www.telva.com/2015/09/19/pasarelas/1442674678.html (consultada el 5 de febrero de 2019) SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 65 OBRA HOTEL BODEGAS MARQUÉS DE RISCAL ARQUITECTO Frank Gehry FECHA 2003 - 2007 UBICACIÓN Álava, La Rioja, España USO Hotel y bodegas TÉCNICA Plegado y superposición de canopies MATERIAL Acero inoxidable y titanio CRITERIOS DE ANÁLISIS Geometría, plegado, estructura y volumen Imagen 71. Fachada de acceso hotel Marqués de Riscal diseñado por Frank Gehry La evolución arquitectónica del arquitecto Frank O. Gehry comprende el paso de la construcción a la deconstrucción. El particular lenguaje del arquitecto dinamitó con la creación del museo Guggenheim de Bilbao acogiendo a miles de turistas cada año para observar la elocuente obra escultórica de grandes volúmenes, líneas curvas, delgadas, retorcidas y brillantes. Tras el éxito obtenido en esta obra se pone en marcha la elaboración del hotel Marqués de Riscal junto a la bodega más antigua y tradicional de la Rioja. La totalidad del edificio, interior y exterior fue diseñado por Gehry Partners con la colaboración del estudio de arquitectura e ingeniería IDOM, el cual ya participó en el museo de Bilbao. SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 66 El vestido elegido para su estudio es uno de los grandes representantes de la colección primavera - verano donde analíticamente se puede aplicar todas las materias de investigación, trasladables de igual manera al resto de prendas de ropa de la firma, donde la propia diseñadora dió un vuelco a su estilo. La elaboración de dicho prototipo fue realizado con la tela crepé en color negro, con el objetivo de intentar proponer un elemento estable y dinámico al mismo tiempo. Este tejido añade gran firmeza a la prenda sin necesidad de incorporar estructuras auxiliares para crear la forma o añadir un mayor volumen, y a la vez ligereza para la actividad libre y diaria de la persona acompañando a sus movimientos naturales. La parte delantera del diseño es completamente simétrica, sin embargo en la parte de atrás se busca la asimetría, dejando la espalda totalmente al descubierto, arrancando los volantes desde la cadera. El vestido se ciñe en el coxis para afianzar el diseño al cuerpo. En cuanto a la confección del patrón, esta constituido por una sola pieza repetida a lo largo de toda la longitud del vestido. Con la tela crepé se construye el diseño por completo sin necesidad de encajar diversas partes. Es un único modelo con repeticiones seriadas que gracias a las cualidades del material utilizado proporciona la estructura necesaria para su porte. El vestido está compuesto por una serie de elementos superpuestos unos encima de los otros, manteniendo la primera línea en la parte superior de los hombros y la más baja por encima de las rodillas. Consigue una composición similiar a la figura de un triángulo isósceles, conformando cada pieza de mayor longitud según va descendiendo el diseño, generando un mayor ajuste en el pecho y una mayor fluidez en las piernas. Vestido Amaya Arzuaga Imagen 72. Dibujo de la autora de la parte delantera del vestido de volantes de la diseñadora Amaya Arzuaga SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 67 Frente a la aparente organicidad de la prenda, la geometría para realizar cada uno de los volantes parte de una forma básica: dos círculos concéntricos perfectos, que tras cortes, manipulado, doblado y estirado se consigue la forma final del volante orgánico. Cuanto mayor sea el círculo central mayor será el recorrido, la longitud de la pieza y más voluminosos y llamativos quedarán los volantes cuando se incorporen a la prenda final. La primera decisión es elegir el ancho de cada volante, una dimensión que debe mantenerse adecuada a la materialidad. Es decir, la firmeza que aporta el tejido permite que el volante tenga una dimensión entre media y grande ya que va a soportar su encaje sin que parezcan deprimidos. La segunda decisión es calcular el solape de cada uno de ellos, ya que cuanto más solape se aplique el volumen es mayor y puede proporcionar la visión de un vestido recargado que impida ver líneas limpias y sencillas en el diseño. El proceso de construcción es sencillo, partiendo de tantos círculos como volantes vayan a aparecer en el vestido y cortes simultáneos. El círculo se corta transversalmente por un punto aleatorio y se van colocando unos con otros mediante solapes en diferentes capas, generando cada uno de los volantes finales. Al desplegar cada módulo de volante, la diseñadora se encuentra con varias piezas independientes que se unirán en la construcción final mediante costuras ocultas y una cremallera invisible en la parte lateral de un costado. Se inicia con una pieza de tela en 2D que tras un corte y un estirado se pliega generando una sucesión de volantes en 3D. Si los círculos de los que parte el diseño no fueran estirados para generar cada volante, el vestido sería una figura plana sin apenas volumen ni movimiento, únicamente manteniendo la superposición de cada tela. Hoy en día se conocen distintos métodos para conseguir volumen en el diseño de prendas, desde la utilización de elementos auxiliares, como las varillas, hasta la manipulación natural de la tela base con pliegues. El material seleccionado para la elaboración de un vestido completo de volantes es imprescindible para conseguir el resultado final. Dado la cantidad de tela utilizada para cada una de las superposiciones es necesario una ligereza mínima sin tener un peso excesivo para comodidad, al igual que debe aportar estructura por sí sola para no introducir tejidos a mayores como la tela de tul para la forma cóncava de la falda o varillas metálicas que mantengan el volumen. Por todo ello, el conocimiento de las cualidad de los materiales a utilizar son imprescindibles para cada diseño que se vaya a ejecutar. Imagen 73. Dibujo de la autora de la parte trasera del vestido de volantes de la diseñadora Amaya Arzuaga Imagen 74. Dibujos de la autora analizando la construcción y composición de las piezas del vestido de volantes de la diseñadora Amaya Arzuaga Cortar Desplegar Mayor longitud Menor longitud Composición triangular Aumenta patrón de arriba a abajo Composición simétrica Tela base inferior para cosido SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 69 Hotel - Bodegas Marqués de Riscal El proyecto vanguardista genera un movimiento del edificio que contrapone la solidez del edificio residencial frente a la ligereza de la envolvente que se eleva de los cimientos y se asoma al paisaje existente. La envolvente tan trabajada del exterior, no solo es decorativa y llamativa para su acceso al edificio, sino que se construye con la finalidad de retener la gran radiación solar que llega a la construcción por su elevado emplazamiento en la ciudad de la Rioja. La elección de esta obra para su comparativa con el vestido de Amaya Arzuaga, no sólo es por sus similitudes volumétricas del exterior, sino por la utilización de mismas técnicas de diseño, constructivas, estructurales y geométricas. Formalmente, la primera impresión del edificio es el exhaustivo uso de la curva en la envolvente, de tamaño y longitud irregulares en toda la fachada principal. Los materiales aplicados para la construcción del edificio tienen un sentido simbólico con el lugar donde se sitúa, diferenciando el sustento de la envolvente. Se dispone una transventilación de la fachada a través de piedra caliza española de color beige claro en la base del conjunto arquitectónico, junto a la madera oscura para los ventanales, de formas variadas desde rectangulares hasta trapezoidales o romboidales, referenciando la arquitectura tradicional y rural del lugar de la implantación62.Por el contrario, los canopies de la envolvente, objeto de estudio, se construyen mediante vigas estructurales curvas por medio de perfiles de acero revestidos de chapas de acero inoxidable, espejo y titanio. Las planchas de titanio incorporan una capa de oxidación que permite conseguir el color rosado, plateado y dorado que se observa en la fachada mediante un proceso electrolítico. Los colores que se obtienen responden a la semejanza de la tonalidad rojiza del vino tinto Marqués de Riscal. 62 Frank Gehry, El Croquis 117 (1996 – 2003): 176-183 Pesadez - basamento Liviano - envolvente Imagen 75. Dibujo comparatibo de la autora entre los sistemas constructivos utilizados SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 70 Estos materiales, piedra y acero, son los mismos que el arquitecto utilizó en el museo Guggenheim, su principal referente para este nuevo diseño. La construcción tiene forma alargada, localizando la fachada principal enmarcada por el acceso peatonal en uno de los lados largos. La implantación del edificio hace que se produzca una ruptura de continuidad de la envolvente en todo su recorrido. La fachada de piedra y madera de los alzados de menor dimensión quedan al descubierto, sin embargo las fachadas principales quedan completamente embebidas en el interior de las ondulaciones. La asimetría en este diseño reina en toda su construcción. No hay ninguna pieza que sea igual a otra, lo que añade una dificultad más a la hora de confeccionarlo sin posibilidad de industrializar el modelo. El arquitecto se siente influenciado por Aalvar Alto, por la utilización del ladrillo para conseguir formas libres, curvas, que generen un completo artificio arquitectónico con fluidez. En el vestido de Amaya Arzuaga, los volantes componían un único patrón, el cual sólo variaba para adaptar el tamaño, sin embargo en este edificio se varía el tamaño, longitud, material y plegado. La superposición de las curvas se realiza de abajo a arriba, disponiendo una estructura auxiliar, que se convierte en el principal sustento de toda la compleja envolvente, con tres triples vigas tipo HEB ancladas al terreno en la planta baja y, otras vigas de la misma familia anclada a las plantas intermedias. Sus formas curvilíneas dotan al edificio de tensión estructural provocando una sensación de movimiento continuo y, una acción del viento plasmado en las formas orgánicas de su piel exterior. Sin embargo, estas piezas metálicas surgen de aplicar la técnica del plegado. Se consigue mediante la colocación de la estructura inferior metálica con forma curvilínea obteniendo el radio de curvatura deseado sin mayor complicación. Sobre estos tubos se colocarán las chapas metálica que será lo que se aprecie desde el exterior. La geometría de diseño es básica, la colocación de las chapas de titanio se realiza mediante láminas rectangulares de dimensiones manejables, las cuales se van solapando a modo de escamas fijándose a los tubos inferiores mediante remaches de acero inoxidable. Al tener cada chapa un tamaño reducido facilita su colocación. La imagen global del sistema no aprecia la superposición de todas y cada una de las láminas generando una visión de una chapa continua en todo su recorrido. Imagen 76 .Imagen de las bodegas hotel completamente implantadas en la situación de la ciudad. Fachadas largas - canopies envolventes Plegar Multiplicar Estructura Fachadas cortas - piedra vista sin envolvente Construcción canopies Acceso por fachada alargada Imagen 77. Dibujos de la autora analizando la construcción y composición de las bodegas - hotel Marqués ed Riscal del arquitecto Frank Gehry SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 72 La técnica del plegado del material permite a los arquitectos y diseñadores conseguir un mayor volumen en sus diseños con variaciones de luces y sombras, entrantes y salientes que proporcionan juegos visuales e incluso una estructura independiente capaz de soportarse por sí sola gracias a la firmeza que aportan las plegaduras al material, permitiendo su sujección sin otros añadidos formales ni estructurales. Los pliegues del material cumplen función estructural, formal, decorativa, volumétrica y constructiva ayudando al diseño a un mejor comportamiento. El material textil o constructivo elegido en cada caso se adapta a las mejores cualidades estructurales, de maleabilidad y dinamismo necesarias para poder realizar la forma aparente final. Se puede hacer una equivalencia en la estructura que soporta ambos diseños, la superposición de los volantes del vestido de consigue gracias a la sujeción y costura de cada uno de ellos a una tela base firme, mientras que en el hotel la forma ondulada y plegada de los canopies afianza su anclaje al suelo o a los cuerpos suspendidos del edificio para su inmovilización. Conclusiones SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 80 de un material blanco, suave que recordara a las toiles65 de algodón blanco que trabaja”66 comenta Christian de Portzamparc. La principal razón por la que se ha escogido esta obra arquitectónica para su análisis comparativo es por su gran carga simbólica en referencia al diseño de moda. Retrata de manera clara las miradas cruzadas entre ambas disciplinas y se puede apreciar la inspiración del arquitecto para su proyecto. Es un edificio formalmente dinámico con grandes curvas orgánicas y tensión entre ellas, con forma alargada tanto en planta como en alzado, sin embargo la gran dimensión de 20 metros de alto produce una sensación de longitudinalidad. Se concibe mediante 11 volutas recordando a las velas de un barco en movimiento, independientes y dispares entre ellas, con un molde y patrón desiguales en cada caso. Cada una de estas piezas se fabrican, previamente en taller, de color blanco puro con resina, yeso y lienzo, y transportándolas prefabricadas al lugar de construcción. Una vez colocadas todas las piezas envolventes de la boutique recuerda a una réplica de un vestido monumental, un vestido en movimiento, abullonado en el cuello y hombros y ceñido en las rodillas. Cada pliegue blanco de la fachada mantiene una ranura entre pieza y pieza, cosiéndose mediante muros cortina de fibra de vidrio o mallas metálicas. Críticos de moda, señalan los vestidos de Dior Cyclone y Cocotte de 1948 como la referencia directa a plasmar en la tienda de Seúl, sin embargo, la comparación con el vestido saco de Balenciaga en este ensayo se realiza por la misma utilización del pliegue del tejido. La parte inferior se configura con un corte recto y entallado, mientras que a medida que se asciende el material se duplica plegándolo sobre el mismo generando las ondulaciones. A diferencia del vestido saco de Cristóbal Balenciaga, en el edificio de Dior se aprecia su completa asimetría en todo el diseño, ninguna pieza es igual a otra. En primer lugar por los distintos pliegues, en cuanto a tamaño y forma que componen toda la envolvente y segundo, por las franjas que separan cada lienzo blanco. Los muros cortina se disimulan en el cambio de orientación del edificio, pero en la entrada principal se manifiestan con más ímpetu y protagonismo marcando y priorizando la entrada a la tienda. 65 Toile: Concepto de origen francés que en moda hace referencia al boceto que se realiza en un trozo de tela en crudo plasmando el patrón inicial con posibilidad de variarlo cortando, dibujando, cosiendo y descosiendo en él hasta conseguir la figura final sin preocupación por dañar el material. 66 Iconno estudio showroom (dir.). Arquitectos de la moda (Exposición celebrada en Madrid, 18 de Octubre del 2018) Imagen 86. Dibujo de la autora del vestido Cocotte diseñado por la firma Dior. Imagen 85. Dibujo de la autora del vestido Cyclone diseñado por la firma Dior. Imagen 87. Dibujos de la autora analizando la construcción y composición de la boutique Casa Dior de la firma Dior Despiece de volutas que conforman el edificio Molde madera Vigas metálicas doble dirección Tablero final blanco Contracción Expansión SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 82 En ambos ejemplos estudiados se ha utilizado el plegado para conseguir el volumen superior abriendo el vestido y/o el edificio como si se tratara de una flor en crecimiento. Sin embargo en la boutique de Dior, la técnica no se puede aplicar directamente ya que su imagen final es fruto de la combinación de varios materiales que necesitan de una estructura auxiliar como base, llevada a cabo en taller sobre la que se va generando la ondulación deseada. Por el contrario en el vestido de C. Balenciaga el pliegue de la tela se obtiene de manera más inmediata mediante la utilización de un tejido rígido que únicamente requiere de una cantidad mayor de tela para producir el doblado de los hombros consiguiendo el mismo efecto que en el edificio. La diferencia principal se aprecia en que el edificio está formado por una serie de piezas previamente plegadas que no están unidas, como si fuera una serie de petálos unidos en la base y desplegados en lo más alto. En la construcción final, la estructura que soporta ambos diseños es el material por sí solo, no requiere de elementos añadidos que hagan que el diseño se mantenga en pie, ya que el doblado proporciona una mayor consistencia y robustez que impide el desplome de la forma. Conclusiones SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 84 Vestido 132 5 / Issey Miyake – Blommberg Pavilion / Akihisa Hirata DISEÑO VESTIDO 132 5 DISEÑADOR Issey Miyake FECHA 2010 UBICACIÓN Tokyo, Japón USO Vestido femenino de tirantes TÉCNICA Origami MATERIAL Poliéster reciclada CRITERIOS DE ANÁLISIS Geometría, plegado, estructura y volumen Imagen 88. Vestido 132 5 desplegado diseñado por Issey Miyake Issey Miyake es uno de los grandes diseñadores japoneses que a través de la tecnología y una técnica tradicional depurada ha conseguido dar un giro de 360 grados en el mundo de la confección. Su ropa definida como arquitectura del arte, con gran prestigio en Asia y cada vez más en el resto de continentes, predomina por sus cualidades materiales, la desaparición de costuras y botones y, por recrear una alegoría a la liviandad y exotismo. El proceso para crear sus diseños es opuesto al nacimiento de una idea para su posterior desarrollo, en este caso se resumen en: escoger un tejido, pensar en qué aporta ese tejido a la moda, crear un patrón sobre el tejido, cortar y coser y, por último plisar y plegar la tela hasta conseguir la figura deseada.67 67 Akiko Fukai y otros, Moda. Una historia de siglo XVIII al siglo XX (lugar publicacion, 2018), 567 SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 85 OBRA BLOOMBERG PAVILION ARQUITECTO Akihisa Hirata FECHA 2011 UBICACIÓN Tokyo, Japón USO Exposiciones temporales TÉCNICA Origami MATERIAL Metal blanco CRITERIOS DE ANÁLISIS Geometría, plegado, estructura y volumen Imagen 89. Bloomberg Pavilion diseñado por Akihisa Hirata Akihisa Hirata es un arquitecto japonés, discípulo de Toyo Ito, con quien estuvo trabajando siete años en su estudio.Conocido por el diseño constructivo de una arquitectura extensiva, que recuerda el crecimiento orgánico de elementos de la naturaleza, mediante pliegues, aberturas, ángulos y composiciones. Para él los árboles son iconos simbólicos para la arquitectura, que los plasma en sus propuestas por la capacidad de crecimiento, extensión en todas las direcciones o la posibilidad de arrojar sombra en la idealización de un refugio de descanso para los habitantes. SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 86 El vestido que se está estudiando pertenece a la nueva colección elaborada entre 2007 y 2010 por Miyake Design Studio (MDS), en la que se elaboraron 10 prototipos denominados 132 568, que trabaja a partir de la formalización de un trozo de tela en una dimensión hasta convertirla en tres dimensiones únicamente mediante plegados sucesivos.69 En una entrevista que se realizó al diseñador Issey Miyake por parte de la revista digital CNN Style, comentaba que la referencia a partir de la cual comenzó a elaborar este nuevo diseño fue: “Mi fascinación ha sido el espacio entre la tela y el cuerpo, y usar un elemento bidimensional para vestir una forma tridimensional. Si miras hacia atrás a lo largo de la historia, desde los antiguos egipcios en adelante, la mayoría de las culturas comenzaron a hacer ropa a partir de una premisa muy básica: una sola pieza de tela. Quería tomar un elemento tan simple como éste y explorar las posibilidades utilizando diferentes artesanías, telas y tecnologías”70. El tejido material para elaborar estos diseños es poliéster reciclado a través de varios procesos de mejora y reactivación del producto. Se reutilizan tejidos de poliéster y otras telas de polietileno tereftalato (PET) haciendo un guiño a la cultura mundial del reciclaje sostenible para demostrar el abanico de posibilidades que permiten estos 68 132 5: evolución del diseño de los vestidos de esta colección: una pieza de tela (1D) adquiere la forma tridimensional (3D) que luego se dobla en una superficie plana (2D) y la forma se transforma en una presencia que trasciende el tiempo y las dimensiones (5D). Issey Miyake https://www.isseymiyake.com/en/brands/1325 (consultada el 21 de febrero) 69 Iciar Bravo, “El origami como estructura de la prenda. La fusión de técnicas de plegado oriental a la moldería occidental” (trabajo final de grado, Departamento de Diseño y Producción de objetos, espacios e imágenes, Facultad de diseño y comunicación de la Universidad de Palermo, 2012), 58-59 70 CNN Style, “An entire collection from one piece of cloth? Why Issey Miyake is one of fashion’s most gifted technicians” (traducción propia en el trabajo) https://edition.cnn.com/style/article/issey-miyake-japan-exhibition/index.html (consultada el 21 de febrero de 2019) Vestido 132 5 / Issey Miyake Imagen 90. Dibujo de la autora de montaje del vestido de análisis como falda larga (multiposiciones) SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 87 materiales. Estos diseños además de su intuición ecológica, están diseñados y pensados para su rápido y asequible almacenamiento en un mínimo espacio. La mezcla final de materiales tiene la suficiente rigidez para mantener en pie la forma plegada y a la vez proporciona la ductilidad suficiente para el movimiento. Los vestidos no requieren de una forma angulosa excesiva que visibilice el origami del que se parte, ya que solo se aprecian las líneas de doblado de la forma geométrica inicial, las cuales por sí sola permiten la rotación del cuerpo generando el volumen tridimensional. Se utiliza una paleta monocroma: el blanco y el negro y, sobre ellos le aplica varios tintes, más llamativos como el verde, plateado o bronce, contribuyendo a aportar el matiz brillante y metálico que ilumina la oscuridad del negro. Esta prenda tiene variedad de usos con una simple modificación del patrón, perfectamente asumible y realizable por la persona que lo adquiere, desde un vestido hasta una camisa eliminando ciertos pliegues para disminuir la altura, mangas abullonadas variando el tamaño del elemento base o una falda larga con ajuste en la cadera en vez de en el cuello y hombros. Los colores permiten su uso en cualquier momento del día o de la noche. Esta versatilidad es la que pretendía conseguir el diseñador para que los clientes reutilizaran la ropa tras varias temporadas promoviendo la sostenibilidad y reutilización del material. El patrón del vestido nace del plano bidimensional aplicando la técnica del origami, al mismo tiempo que se ocasiona un proceso de experimentación de ilusiones ópticas angulosas plasmadas en el indumento. Un trozo de tela con geometría sencilla como un cuadrado, un rectángulo o un círculo empieza a transformarse en un elemento tridimensional, mediante líneas rectas y quebradas desde las esquinas hacia el centro de la composición suscitando una espiral que vaya superponiendo los pliegues tanto en horizontal como en vertical, hasta conseguir la altura que se desee. De esta forma con una sola pieza de tela se genera todo el volumen, sin necesidad de ocultar costuras al coser la pieza delantera y la trasera y sin existir simetría o asimetría en el figurín. Para su configuración se parte de un plegado incremental en espiral. Hoy en día, esta colección representa el modelo de ropa por antonomasia, en el uso del origami aplicado a la indumentaria, el cual produce una disminución del precio a la venta por la mínima cantidad de tejido utilizado así como una gran versatilidad. Imagen 91. Dibujos de la autora de varios diseños de la colección 132 5 con cada patrón en 2D. Imagen 92. Dibujos de la autora analizando la construcción y composición de los vestidos de la colección 123 5 del diseñador Issey Miyake Sucesión de diferentes patrones de vestidos SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 89 Bloomberg Pavilion / Akihisa Hirata Formalmente la construcción recuerda más a una obra escultórica que a un proyecto arquitectónico, más aún cuando en realidad no representa una función constructiva ni estructural para el uso interior, ya que es una piel envolvente a un pabellón de planta triangular. Sin embargo, el significado de este artificio generado en torno al espacio expositivo interior, además de enmarcar el acceso y recoger el espacio previo, es atraer a las nuevas generaciones de artistas promoviendo la difusión de sus obras y que sean visibles para el resto de creadores. El estudio comparativo con los diseños de Issey Miyake parte de la técnica generadora del origami para la elaboración de la volumetría final. La primera impresión produce una incertidumbre sobre la complejización de la construcción de dicha envolvente, por la gran cantidad de planos en diferentes direcciones que se aprecian, pero en realidad se construye en base a juntar numerosos triángulos equiláteross por sus aristas, que una vez doblados y solapados alargan sus proporciones, alcanzando un conjunto más complicado visualmente desde una forma geométrica básica. La superposición de los triángulos hasta conseguir la piel exterior no es fruto de una decisión sin fundamento, sino que siguiendo con sus referencias naturales en toda su obra arquitectónica, vuelve a recurrir al organicismo del crecimiento natural de los árboles como alusión al conjunto arquitectónicos. El volumen propositivo habla por sí solo, recordando a numerosas referencias como un papel arrugado o incluso a una manipulación del papel mediante la técnica del origami, pero su verdadero cimiento creativo, según el arquitecto, es un árbol que crece del interior del terreno y se ramifica en torno al edificio construido sobre sus raíces. Imagen 93. Dibujos de la autora del crecimiento natural de los árboles, objeto de referencia al proyecto SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 96 OBRA TORRE TURNING TORSO ARQUITECTO Santiago Calatrava FECHA 2005 UBICACIÓN Malmö, Suecia USO Rascacielos comercial y residencial TÉCNICA Torsión MATERIAL Paneles de vidrio y aluminio CRITERIOS DE ANÁLISIS Geometría, plegado, estructura y volumen Imagen 98. Torre Turning Torso diseñado por Santiago Calatrava Santiago Calatrava es un arquitecto, ingeniero civil y escultor español con numerosas obras arquitectónicas – escultóricas principalmente en España, aunque también cuenta con un repertorio en ciudades como Venecia, Roma, Lisboa, Zúrich, Basilea, Atenas o Dublín entre otras. Ha recibido numerosos premios y reconocimientos por sus arriesgados diseños y correcto uso de los materiales, sin embargo también ha sido centro de numerosas críticas por importantes fallos estructurales y funcionales en sus construcciones. SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 98 Comenzó diseñando su propia ropa y, tras recibir el premio internacional de la arquitectura, fueron numerosas las colaboraciones que realizó con grandes firmas de moda, teniendo el primer contacto directo con Karl Lagerfeld en 2011, quién la llamó personalmente para proponerle el diseño de la pasarela de moda y escenografía de Chanel para la Semana de la Moda de París. En 2016 poco antes de su fallecimiento, se vincula con Georg Jensen y crea la colección Lamellae formada por cinco anillos y tres brazaletes de diseño exclusivo, siendo uno de éstos el elemento de estudio. Los materiales utilizados en su fabricación son plata, como el ejemplo que se llevará a cabo en este apartado, oro, rodio negro revestido de plata esterlina72 con diamantes negros incrustados. Según la arquitecta, su referencia primordial a la hora de elaborar estas piezas fueron las torres que ella misma construyó en China en 2014, Wangjing SOHO T3, con un revestimiento exterior continuo alrededor de todos los edificios de chapas metálicas de aluminio intercaladas con vidrio. “A menudo observamos la coherencia y la lógica de los sistemas naturales cuando trabajamos para crear entornos. Nuestro desafío era traducir eso en algo que se pueda usar para reinterpretar la rica historia y tradición del enfoque de George Jensen en algo nuevo”.73 Sus diseños tienen la referencia clara: la traducción de sus edificios hechos joyas. Este brazalete hace eco de las sugestivas curvas y formas escultóricas que se dejan ver en sus obras arquitectónicas con un contorno natural y fluido 72 Se utiliza la plata esterlina como sustitutiva de la plata pura por aportar mayor durabilidad y resistencia gracias a su aleación con otros metales como el cobre. 73 Zaha Hadid Architects, “LAmellae Collection for Georg Jensen” http://www.zaha-hadid.com/design/lamellae-collection-for-georg-jensen/ (consultada el 2 de febrero de 2019) Brazalete / Zaha Hadid Imagen 99. Coleción completa Lamellae de 3 brazaletas y 5 anillos de la arquitecta y diseñadora Zaha Hadid. SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 99 controlando la tensión entre los extremos, la proporción y la escala de forma que se mantenga ligero en la anatomía de la mujer asociándose a la forma y a los movimientos naturales como una segunda piel. Las estrías que se observan en toda la colección de anillos y brazaletes rompen el diseño, suavizan las líneas angulosas y aligeran la contundencia pesada del material. Hace referencia en moda, al tejido canalé elástico y en arquitectura, a la subestructura de montantes y travesaños presente en las fachadas de los edificios aligerando la pesadez de la fachada portante. Las formas sinuosas y ergonómicas de las piezas de joyería fueron posibles gracias a su modelado en tres dimensiones, mediante programas de diseño paramétrico, hoy en día necesarios para la construcción de diseños orgánicos de escala mayor tanto de arquitectura como en otras artes como la joyería. El brazalete presenta una total simetría en su composición, que permite su utilización en el brazo de manera libre, ya que se genera a partir de una espiral ovalada torsionada por el punto central de enganche. Sin embargo, en cuanto a las estrías generadoras del conjunto, únicamente las encontramos en la zona visible de la pieza, siendo plana, lisa y continua por la superficie interior coplanaria con la piel humana ayudando al deslizamiento por el cuerpo. El diseño se genera a partir de un elemento ondulado en el plano bidimensional, que tras un estirado y girado se conforma una joya tridimensional adaptada al cuerpo humano. Se aplica un plegado espiral al modelo en papel para permitir su adaptación al cuerpo. La imagen formal de las torres que la arquitecta proyecta en China demuestran la aplicación a menor escala en los diseños de la coleción Lamellae. Estéticamente el material utilizado en ambos diseños es semejante en cuanto a tonalidad (acero - plata de ley) y los vacíos que se producen entre cada estructura generan los planos de sombra que resaltan la construcción estriada. Imagen 101 . Dibujo de la autora de las torres Soho T3 en China por Zaha Hadid, referente de la colección de joyería Imagen 100. Dibujo de la autora del brazalete de estudio en comparación con un proyecto arquitectónico de la arquitecta. Fluidez y dinamismo Pesadez del material sólido Estrías que aligeran el material Torsión y estirado Doble simetría Imagen 102. Dibujos de la autora analizando la construcción y composición de las piezas del brazalete diseñado por Zaha Hadid en la coleción Lamellae SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 101 El arquitecto pretendía marcar un hito vanguardista en Torrevieja, referenciando a la laguna de tono rosado con altas concentraciones de sal con depósito de lodo en el fondo, que se utilizaban con grandes beneficios para la práctica de talasoterapia74. Con ello propone tres edificios singulares diluyendo los límites entre lo natural y lo artificial, la naturaleza y la arquitectura. El Ayuntamiento promovió dicho proyecto con el objeto de crear un Parque de relajación en el borde de la laguna, para la realización de actividades terapéuticas en convivencia con el paisaje, la naturaleza y el bienestar alejado de la muchedumbre del pleno centro de la ciudad. Las alusiones a la naturaleza no sólo se representan de manera simbólica, sino que se reconstruye una pequeña colina de pendiente suave y topografía ondulada donde se sitúan los tres edificios envueltos en un paisaje verde de árboles y plantaciones vegetales, y materiales como tierra, arena y piedras del lugar, haciéndose eco del entorno de la laguna de Torrevieja y estableciendo un diálogo entre ellos. Las distintas actividades que se proponen en el interior de cada edificio se afianzan y amplían por el exterior del parque generando distintos recorridos para el disfrute del paisaje y la laguna. Aparecen otros aspectos que forman el edificio, emocionales y sensoriales que involucran la construcción tanto interior como paisajística. Las caracolas se incrustan en la topografía como si fueran restos de crustáceos tras el paso del agua por la arena, dejando visible una parte de la construcción y enterrando la otra. Las líneas estructurales constantes de la caracola generan juegos de luces y sombras, protección solar y paso del viento de la orilla refrigerando el interior. La localización en la laguna, la vegetación inmersa en todo el complejo y la tranquilidad del lugar establece la localización más apropiada para la relajación y descanso de los visitantes. 74 Toyo Ito, El Croquis 123 (2001 – 2005): 188 - 205 Parque de la relajación / Toyo Ito Imagen 103. Dibujo de lal autora de la situación de las 3 caracolas iniciales respecto a la laguna SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 102 Constructivamente, el proyecto supuso un proceso experimental tanto para el arquitecto como para los ingenieros que lo calcularon, que según sus propias palabras el proyecto consistía más en investigar sobre nuevas técnicas estructurales y dar rienda suelta a la imaginación, que plasmar una gran obra meditada. La idea de crear las caracolas habitables se formalizó a partir de cinco espirales de acero de gran dimensión y altura variable que se torsionan generando la estructura principal donde apoyar el recubrimiento exterior. La estructura se transformó en una cáscara sostenida por presión entre el interior y el exterior. Masahiro Ikeda, el ingeniero estructural del proyecto define el germen del proyecto como “la espiral”. Los tubos de acero retorcidos actúan como costillas estructurales ancladas a unos cimientos base de dos muros de hormigón armado bajo el terreno (fuste y basamento). Sin embargo, necesita de una plataforma horizontal donde realizar las actividades, que sirva de estabilizador de todo el conjunto. La piel exterior se compone de un entrevigado de madera transversal a los tubos de acero, incrustando entre ellas tableros contrachapados y un revestimiento final a base de chapas de cobre pre-oxidado. Las costillas de madera rompen con la brutalidad de la caracola, generando grietas por donde permitir la entrada de luz al interior, con un ritmo continuo a lo largo de cada una de las espirales retorcidas y adaptando el revestimiento exterior a la forma curva de cada una de ellas. Hace alusión a la estrías del brazalete de Zaha Hadid antes comentado en un escala menor. Este proyecto, con intención de convertirse en un referente internacional para la ciudad de Torrevieja, por la singularidad de los volúmenes helicoidales, sólo se consiguió construir una de las tres piezas propuestas por problemas de gestión urbanística y, hoy en día se encuentra abandonado tras sufrir un incendio que arrasó con todo el revestimiento, con un aspecto desagradable y a trozos para la ciudad. Aun así el autor del proyecto, Toyo Ito, se mostró completamente agradecido a la ciudad por haberle permitido la elaboración de dicho proyecto y poder experimentar el sistema estructural de las espirales de acero. La construcción se forma a partir de unas costillas de acero con forma geométrica de espiral, que tras girarlas, estirarlas y anclándolas al terreno forma un espacio habitable en su interior. El plegado espiral aumenta sus luces en el centro de la construcción y las disminuye en las entradas a ella. Imagen 105. Dibujo de la autora de la sección característica de las caracolas apoyadas sobre muros de hormigón Imagen 104 . Dibujo de la autora de la incrustación de las caracolas en la topografía Imagen 106. Dibujos de la autora analizando la construcción y composición de las caracolas habitables del Parque de Relajación del arquitecto Toyo Ito Sucesión espirales Estirado Irregularidad Plataforma de apoyo entre espirales Espirales - costillas de madera Tablero de madera Planchas de cobre Introducción luz entre espiralesRitmo constante Planchas de acero Tablero de madera Costillas de madera maciza Travesaños de acero SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 104 Turning Torso / Santiago Calatrava El edificio de apartamentos Turning Torso, construcción de mayor altura en Escandinavia, nace del intenso interés del arquitecto por la escultura, abriendo una nueva línea de investigación en la trayectoria del nombrado arquitecto: la construcción vertical y la función residencial. El diseño se concibe como un monumento escultórico haciendo referencia a una figura75 realizada por él mismo anteriormente y con la silueta del cuerpo humano masculino. La escultura inicial está compuesta por siete cubos dispuestos alrededor de un soporte de acero central para engendrar una estructura espiral que recuerda a una espina dorsal humana girada sobre sí misma.76 El traslado referencial al edificio se representa mediante nueve cajas residenciales con forma en planta de un pentágono irregular, con seis niveles habitables en cada una de ellas, girando en espiral a partir de un núcleo central que acoge las escaleras, los ascensores de comunicación, las instalaciones y los servicios comunes. La torsión que se realiza desde la primera caja hasta la última alcanza los 90º de variación, pero manteniendo en todas ellas las líneas de fachada facilitando una continuidad visual de suelo a cubierta. Además del giro de las piezas residenciales, las fachadas están ligeramente inclinadas respecto la verticalidad provocando un recorrido curvo. Una visión lejana aprecia una columna vertebral en movimiento y, una visión cercana valora una tensión estructural de gran torsión como si fuera a precipitarse. 75 La referencia que aplica el arquitecto a este rascacielos de viviendas es el diseño de la escultura “Twisting Male Torso” elaborada en 1999 en mármol blanco. 76 Philip Jodidio, Calatrava (Barcelona, 2007), 75 Imagen 107. Dibujo de la autora de la comparativa entre la inicial escultura, el edificio y la anatomía humana. SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 105 La planta baja, el basamento del rascacielos, se compone de un cuerpo de vidrio retranqueado de la planta superior para producir una sensación de ingravidez del conjunto residencial, como si levitara. Entre caja y caja se generan una serie de grietas de una altura similar a algo más de media planta para aligerar todo el conjunto y crear planos de sombra, los cuales no dispone la fachada de las viviendas por su carácter monótono y, las paredes de cada cubo de cinco plantas van disminuyendo su altura conforme crece el edificio. En el exterior de la construcción hay un exoesqueleto de acero que a modo de “espina dorsal” recorre toda la fachada, reforzado con tensores diagonales y horizontales que se unen al núcleo central de hormigón transfiriéndoles las fuerzas de cizallamiento y aportando estabilidad ante los fuertes vientos. Todos los materiales utilizados provienen de la prefabricación en taller para facilitar la construcción en obra y reducir los tiempos de ejecución. La fachada se componen de paneles de aluminio transventilados y las losas de los forjados de hormigón se generan mediante unas plataformas prefabricadas con el perímetro de cada caja donde se incluye el hormigón in situ. Los paneles de aluminio son curvos y los de vidrio son planos debido a la doble curvatura que retuerce la edificación. Las ventanas también están inclinadas hacia dentro o hacia fuera dependiendo del lado en el que se encuentren entre 1 y 7 grados. La única simetría que se aprecia en el edificio es la disposición de las ventanas en cada planta residencial apareciendo el mismo número en cada lado del edificio y del mismo tamaño, pero al conformarse las cajas con las paredes circulares, unas cóncavas y otras convexas, no se puede establecer ningun otro tipo de simetría en la fachada, ni en sección ni en planta. La construcción es sencilla, desde el punto de vista geométrico, ya que todas la piezas son cuadrados o pentágonos, configurando el resultado final mediante una torsión de cada elemento respecto de un punto central. Imagen 108. Dibujo de la autora marcando el exoesqueleto exterior de soporte y el nucleo de comunicación interior, también estructural Línea continua generadora de los zapatos Ideas generales Elevación vertical Tacones de diseño Imagen 114. Dibujos de la autora analizando la construcción y composición de los zapatos diseñados por el diseñador Tea Petrovic Plegado del material Continuidad correa superior e inferior SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 113 Auditorio “Adán Martín” / Santiago Calatrava El auditorio caracterizado por su “forma de ola” de la cubierta y sin una fachada definida, constituye una obra escultural completa, donde la cubierta se convierte en fachada y la fachada en suelo como una síntesis abstracta entre una forma antropomórfica y zoomórfica. Presenta dos características simbólicas: La primera es su apertura completa al exterior, tanto al mar como a la ciudad, con terrazas y paseos peatonales que recorren toda la construcción interior y exteriormente y, la segunda es que el edificio conserva siempre el oleaje de la música. Según el autor es “un paseo arquitectónico por una escultura en la que se puede escuchar música” complementando los ritmos musicales de la orquesta con conceptos como ritmo, armonía y proporción en el exterior del edificio. Al alejarse de la construcción y ubicándola en el horizonte entre el mar y el cielo, el auditorio recuerda a una montaña de espuma a punto de chocar contra las rocas de la costa. Presenta dos terrazas principales en el exterior bajo la silueta de la ola de hormigón, una con vistas infinitas al océano Atlántico y otra con vistas al fondo urbano de la ciudad de Tenerife. La ola, principio activo de la construcción, se encuentra sustentada en un lateral por las plataformas horizontales del basamento donde se incorporan los servicios anexos de estacionamiento y equipamientos, y suspendida en el otro extremo quedando inmóvil en el aire afilándose hasta acabar en punta arropando la totalidad de la construcción en su sentido longitudinal. La columna vertebral está compuesta de una estructura metálica de chapas de acero con un entramado de vigas del mismo material y el recubrimiento de todo el edificio es de hormigón blanco con una alta proporción de arena y dióxido de titanio para aumentar la blancura de la mezcla. Posteriormente del fraguado, se decora toda la envolvente con trencadís blanco para afianzar la pureza del color y conseguir su permanencia durante muchos años después. Imagen 115. Dibujo de la autora del auditorio como una ola en el mar. Imagen 116. Dibujo de la autora de las dos terrazas que dispone en auditoril SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 114 La decisión de la utilización un material tan pesado como el hormigón para la gran cubierta, reside en la facilidad de moldearlo para conseguir la forma triangular curva deseada, al igual que le ocurrió a Tea Petrovic con la utilización de las láminas de plástico en la creación de las maquetas. La separación entre las plataformas horizontal y los cuerpos curvos ovalados superiores de la sala principal de la orquesta se soluciona mediante amplias vidrieras que proporcionen el contraste necesario entre los diferentes cuerpos. La simetría en la composición formal y estructural es completa marcada por la distribución interior del edificio y en particular de la sala principal de la orquesta. La simetría permite a la construcción estabilidad en las formas curvas de la cubierta, disponiendo los pivotes de apoyo equidistantes del punto central de la composición. En la vista frontal a la fachada corta del edificio se aprecia perfectamente la perfecta simetría y el ritmo estructural. A pesar de la aparente extravagancia de las formas esculturas exteriores fruto de la construcción de un icono simbólico en la ciudad de Tenerife, la distribución y composición interior del auditorio demuestra la funcionalidad de la construcción lejos de ser únicamente una escultura para su disfrute visual. La forma curva de la ola longitudinal y las velas laterales de la sala de orquesta son la referencia principal de los zapatos de tacón del diseñador Tea Petrovic, relacionando la suspensión de la fachada - cubierta del auditorio con la suela del zapato de tacón. Desafiar las leyes de la gravedad en un edificio a gran escala y su traslado a una escala menor pero sufrida por el cuerpo humano. El plegado de la envolvente se produce gracias a la estructura auxiliar e interna que tiene la construcción, ya que el hormigón por sí solo no sería capaz de sostener una forma tan orgánica de gran dmensión. Sin embargo, la ductilidad de este material ayuda a la construcción curvada por sus capacidades técnicas. Imagen 117. Dibujos de la autora del proceso de plegado del hormigón para la formación de la cubierta Imagen 118 . Dibujos de la autora analizando la construcción y composición del auditorio construido por el arquitecto Santiago Calatrava Ritmo entre plataforma y olas separado por vidrio Simetría total en planta y en alzados Proceso de construcción cubierta curva Vigas doble sentido Travesaños de madera Tablero madera superior e inferior Planchas acero SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 116 Los dos ejemplos estudiados paralelamente se componen mediante el doblado de piezas constructivas moldeables para conseguir la forma exhaustiva exterior siendo el material utilizado el que permite forjar el perfil característico del diseño. La suspensión en voladizo de la suela del zapato y la cubierta curva del auditorio es conseguida gracias a la colocación de una estructura portante rigidizada mediante la técnica del doblado y rotación, ayudada de una estructura auxiliar interna de mayor aguante y sujección. La composición final de cada diseño ofrece un uso del elemento más allá de la mera creación visual. Las técnicas basadas en plegar y doblar materiales de construcción o diseño aportan múltiples ventajas a la composición formal, donde no existe una separación inicial del material y conexión posterior, realizándose únicamente una deformación plástica del mismo para dar la imagen deseada. La evolución tecnológica de los programas de cálculo ha permitido la elaboración de diseños más sofisticados cada vez con menos estructura pesada aparente y con más Conclusiones DISEÑO PRÁCTICO CAPÍTULO 05 SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 118 “Plasmar una idea, no es sólo pensarla, es moldearla, darle forma, en definitiva crearla. Ser capaz de sentir su textura, su composición, apasionarte por lo que llegará a ser sin perder el rumbo”1 Fely Campo, 2019 1 Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y Saberes (dir.). Fely Campo. Introspección, The Way Here. (Exposición celebrada en Salamanca, 09 de enero al 03 de marzo del 2019) SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 119 La idea de la elaboración de un diseño personal surge de la investigación previa de los tipos de pliegue en la asignatura Geometría descriptiva del curso 2014 -2015 en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valladolid.. Tras el estudio y manejo de diversos plegados apliqué uno de ellos, repeticiones simétricas en una dirección y traslación en la otra, a la construcción de un collar. El patrón se conforma a partir de un cuadrado, de dimensiones diferentes según el diseño y la escala, marcando las diagonales en montaña y el eje de simetría vertical en valle (imagen 119). A partir de ahí. la figura se repite las veces necesarias a los lados. Este pliegue permite la elaboración de formas geométricas variadas con una curvatura cóncava originada por la anexión de varias filas de doblado. Como punto final a este trabajo final de grado, se ha propuesto la construcción de un “top joya” formado por el patrón básico de un top ceñido sin mangas y el patrón del collar realizado previamente en la asignatura de primer curso. En este diseño se plasman las técnicas de construcción en moda y arquitectura analizadas anteriormente en los casos de estudio, construyendo un único patrón con referentes del mundo de la moda y de la arquitectura actual. En primer lugar, se estudian a diversos diseñadores de moda que en los últimos daños han presentado en las pasarelas, colecciones basadas en el arte oriental del plegado del papel dando forma a diseños únicos y volumétricos. Eva Soto Conde, es una joyen diseñadora que en el año 2013 junta geometría y naturaleza en la elaboración de vestidos, tops y faldas singulares plegando las telas hasta conseguir la estructura necesaria para su soporte. “Entiendo la moda como si fuera un arte, y el arte como si fuera moda”78. La pasarela que presento en la Madrid Fashion Week 2013 destacaba por pliegues de pequeño tamaño, lineales, radiales y rotativos, en torno al cuerpo superior del top (imagen 120). Más recientemente, la firma española Devota & Lomba, formada por el diseñador Modesto Lomba y el arquitecto fallecido José Luis Devota, presentó para la colección primavera / verano 2016 una serie de vestidos inspirados en el ritmo y la geometría de la arquitectura asemejándose a la técnica de plegado de papel y el origami, creando composiciones volumétricas sobre un patrón sencillo y liso (imagen 121). Como última diseñadora a destacar en los referentes para el diseño propuesto es Jule Waibel, una joven alemana que ha creado una colección de 25 vestidos para la firma española Berskha totalmente plegados contrayéndose y 78 Fashion Network, “La alta costura de Eva Soto hace revivir la pasarela” https://es.fashionnetwork.com/news/La-alta-costura-de-Eva-Sotohace-revivir-la-pasarela,356516.html#.XQuzgegzaM8l (consultada el 20 de junio de 2019) Imagen 119. Patrón de la sucesión de cuadrados para el diseño del plegado en valle y montaña. Imagen 120. Vestido con top realizado con pliegues en su totalidad, delante y detrás, presentado por Eva Soto en la pasarela del 2013. Imagen 121. Vestidos de la colección primavera verano 2016 de la firma de moda Devota & Lomba. SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 120 expandiéndose adaptándose a la actividad de la persona que lo porta, enfatizando cada movimiento y gesto. Todos los ejemplos expuestos se desarrollan manualmente por el diseñador realizando cada uno de los pliegues hasta conformar el tallaje final de la prenda. En arquitectura, encontramos tanto construcciones efímeras como perdurables en el tiempo con la aplicación del pliegue de sus materiales para proporcionar un mayor aguante a la construcción por sí sola, o para soportar otros esfuerzos derivados de la incorporación de una actividad en su interior o sobre ello. El primer ejemplo referente en cuanto a la combinación de dos tipos de plegado, el principal del cuerpo superior y el inferior derivado de las necesidades de sujección al suelo, es una construcción para una exposición temporal (imagen 122). Mediante paneles de madera se emula el pliegue continuo de un papel siguiendo una misma dirección tanto en horizontal como en vertical. La estructura es la propia construcción, autoportante por el aumento de solicitaciones capaz de aguantar gracias a los pliegues de cada pieza. De una construcción temporal se pasa a analizar una arquitectura origami en su totalidad. Un edificio ubicado en Rotterdam formado por casas cubo individuales que paisajísticamente estan macladas por los laterales formando un bosque urbano, y las aristas inclnadas hacia el cielo hacen referencia a los pliegues de una hoja de papel (imagen 123). A partir de estas referencias de arquitectura y moda, recientemente construidas, con alusión a la técnica oriental del pliegue del papel se ha procedido a la elaboración de un diseño personal evocando dichas elaboraciones. La construcción comienza con la creación por separado del patrón básico de un top ceñido sin mangas, adaptado a las medidas de la autora, y con el diseño del plegado del collar según las medidas del top. A partir de ahí, se debe conseguir juntar los dos patrones en uno solo para formar el delantero del top joya de una sola pieza. En el figurín trasero no se realizará ninguna modificación ya que se mantiene las medidas originales del patrón básico. El plegado del collar supone un aumento considerable de papel/tela por lo que primero se debe realizar todos los pliegues en un papel extenso, variando la dimensión de cada cuadrado y/o aumentando/ disminuyendo las filas y columnas hasta conseguir el diseño adecuado. Posteriormente se dibuja la figura del top una vez que se conoce la superficie total del collar y se junta con el modelo base trasero (imagen 124). Imagen 122. Construcción temporal de madera con pliegues en toda su forma en las cuatro caras. Imagen 123. Edificio de viviendas cubo en la ciudad de Rotterdam del arquitecto Piet Blom. Imagen 124. Dibujos e imágenes de la autora sobre el proceso constructivo del top joya propuesto como resultado final del trabajo. 28 35,5 31 15 10,80 28,36 13 5 10 22 4 5 R16,60 R15,65 13 5 10 27 47 10,79 15 34,26 R22,15 R24,45 15 33 151515 9 Corte Patrones básicos iniciales 16 9 12 10 47 24 36 40 76 17 20 10 13 5 10 27 47 15 34,26 R24,45 10,8 16 23,5 R28,57 28 Patron final delantero Patrón final trasero Patrón collar SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 128 Funcionalmente, ropa y edificio se superponen en un mundo en continuo cambio donde son más que una estimulación visual, recuperando la experiencia de pertenecer a la sociedad de manera fija, adecuada a las peticiones y deseos de cada momento, aportando a los habitantes un paisaje del que disfrutar y formar parte delimitando las relaciones privadas y públicas e incitando a la creación de nuevos espacios adaptados a sus cualidades. Por otro lado son dos disciplinas que exploran la materialidad, la tecnología, la superficialidad y la espacialidad desvelando las limitaciones y las contingencias de cada ser. Las escalas de trabajo son diferentes, la moda construye un refugio y cobijo para un cuerpo, una segunda piel que encierra y protege al ser humano, mientras que la arquitectura rodea tanto al cuerpo huamano como al espacio donde se encuentralo recreando la escena para un conjunto de personas que pasan tiempo allí. Vivir en un edificio u otro y, vestir de una forma o de otra es lo que diferencia a una persona de otra. Uno, dentro de otro funcionan como la cadena de alimentos en la supervivencia, unos dependen de otros y crean especies mucho mayores. Los arquitectos recrean las pieles envolventes y plegadas de la ropa en edificios de mayor tamaño como espacios habitables y emocionales. Permiten un recorrido visual y experimental que producen prácticas emocionales y sensoriales. Arquitectura y moda son dos elementos disciplinares igualmente protagonistas de nuestra vida cotidiana. Es importante entender que ambas disciplinas basan sus creaciones en un proceso geométrico configurando una pieza tridimensional a partir de una forma bidimensional en un plano. La ideación surge de un pensamiento imaginario de lo que el autor quiere llegar a construir y, trasladándolo a un boceto surge la forma final. Se puede afirmar que tanto arquitectos como diseñadores disponen de los conocimiento y técnicas geométricas necesarias para su construcción real, llegando a asemejar sus procesos constructivos. Un edificio surge en un papel con una idea que caracterice el proyecto y tras estudios y pruebas acierto-error se eleabora una documentación básica donde se dejen claras las especificaciones de cada elemento que lo compone. Se traslada al material deseado mediante procesos de corte, doblado, soldado, moldeado, estirado... Paralelamente, una prenda de vestir surge de la misma forma, a partir de una idea de diseño que con varios bocetos y pruebas se elaboran los figurines y patrones con las aclaraciones necesarias para su traslado al tejido de construcción y procesos de corte, doblado, cosido, moldeado, estirado...Otras estrategias compositivas comunes a ambas disciplinas, según lo analizado en los distintos casos de estudio, son el equilibrio, el ritmo y la simetría definiendo puntos de referencia y objetivos variados en lo referente al dinamismo (asimetría) o al estatismo (simetría) manejando variadas sensaciones hacia el espectador y estableciendo una armónica coherencia constructiva. SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 129 El cuerpo humano es la fundamento estructural necesario para incorporar una vestimenta posteriormente, estructura y ropa actúan conjuntamente perdiendo el sentido sin la presencia de una o la otra. En arquitectura, la condición simbiótica es la misma, siendo igualmente imprescindible una estructura portante que estabilice el conjunto edificatorio y actúe de anclaje a las pieles envolventes de fachada o cubierta que se deseen. El historicismo de basamento, fuste y capitel se traslada a los ediifcios y diseños actuales clasificando cada una de sus partes y evolucionando paralelamente a los diferentes movimientos artísticos. El deconstructivismo afianza las conexiones en la arquitectura y en la moda con la intencionalidad de alejar la sociedad de los estilos traidicionales contribuyendo a formas más fluidas, acogedoras y cercanas a la sociedad liberando toda actitud y pensamiento reprimidos. Sin embargo, existe una diferencia inevitable entre ambas artes, la cual no impide el consiguiente trabajo conjunto, que es el hecho de la temporalidad y permanencia. El diseño de moda se luce en el momento viviendo cada situación actual con trajes diferentes en cada temporada de verano e invierno en auge durante unos pocos meses o un año a lo sumo y desechandóse para la próxima. Por el contrario, la arquitectura tiene una permanencia más longeva, con unas características y cualidades semieternas, las cuales sólo son afectadas por condiciones climatólogicas. Conjuntamente la opinión de los seres humanos respecto un edificio y un traje es similar, si un vestido tiene un estampado de otra temporada o un corte antiguo es un vestido pasado de moda y, si un edificio tiene un sistema constructivo antepasado o una fachada escueta parece que no se adapta a la moda actual. Tras el estudio realizado, se puede concluir que tanto arquitectos como diseñadores están influenciados por la situación cultural, social y política trabajando continuamente para aumentar su creatividad e innovación artística trabajando de la mano para direccionar sus diseños hacia un estadio más inventivo y creando un amplio abanico de posibilidades apto para el trabajo de ambos profesionales. Los edificios cada vez más fluidos y los trajes cada vez más estructuralmente arquitectónicos satisfacen las necesidades de las personas y el punto de vista estético de cada uno de ellos. La construcción es la que permite la deconstrucción y reconstrucción tanto de los tejidos de una prenda como los nuevos materiales para un edificio, por lo que la conexión entre ambas disciplinas es más que evidente y fortalece el trabajo de arquitectos y diseñadores. Además, los plegados del material en fachada, cubierta elementos de acabado interior o de los tejidos refuerzan la relación entre ellos, permitiendo elaboraciones diseñadas en 2D que recobran fuerza al construirse en 3D. NOTAS Y BIBLIOGRAFÍA CAPÍTULO 07 SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 133 Imágenes 01. Imagen obtenida de Kerr, Gordon. 2012. Art Deco Fashion / Masterpieces of Art, p. 128 02. Imagen obtenida de Kindersley, Dorling y otros. 2012. Moda. Historia y estiloss, p. 204 03. Imagen extraída de https://www.houzz.es/fotos/artsy-crafts-cottage-phvw-vp~3303988 (consultada el 06 de mayo de 2019) 04. Imagen extraida de https://www.elledecor.com/ es/arquitectura/g20882193/red-house-william-morrisarquitectura-arts-crafts/?slide=12 (consultada el 06 de mayo de 2019). 05. Imagen obtenida de Kindersley, Dorling y otros. 2012. Moda. Historia y estiloss, p. 258 06. Imagen extraída de https://es.wikiarquitectura.com/ edificio/casa-tassel/# (consultada el 06 de mayo de 2019) 07. Imagen extraída de https://es.wikiarquitectura.com/ edificio/casa-tassel/# (consultada el 06 de mayo de 2019) 08. Imagen obtenida de Kerr, Gordon. 2012. Art Deco Fashion / Masterpieces of Art, p¡. 59 09. Imagen extraída de https://es.wikipedia.org/wiki/ Art_d%C3%A9co (consultada el 06 de mayo de 2019) 10. Imagen extraída de http://www.jmhdezhdez. com/2013/07/rascacielos-estilo-art-deco-skyscrapers. html (consultada el 06 de mayo de 2019) 11. Imagen obtenida de Kindersley, Dorling y otros. 2012. Moda. Historia y estiloss, p. 316 12. Imagen extraída de https://www.google.com/ (consultada el 04 de febrero de 2019). Arquitecta y fundadora de FormFollowsFashion Victoria Al. Lytras 13. Imagen obtenida de Norberg-Schulz, Christian, 1980. Global Architecture. Jorn Utzon. Sydney Opera House, Sydney, Australia. 1957 -73, p.18 14. Imagen extraida de https://formfollowsfashion.gr/?utm_ medium=website&utm_source=plataformaarquitectura.cl 15. Imagen obtenida de Nakamichi, Tomoko. 2012. Pattern Magic vol. !., p. 83 16. Dibujo de la autora realizado en la asignatura de Análisis de Formas IV en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valladolid 17. Imagen obtenida de Cohen, Jean-Louis. 2007. Le Corbusier, p.51 18. Imagen obtenida de Wigley, Mark. 2013. La Policía de la Moda, p. 11 19. Imagen obtenida de Miles, Gwyn (dir.). Skin & Bones. Parallel Practices in Fashion and Architecture. (guía de la exposición celebrada en Los Ángeles en el año 2008). 20. Ibidem,. 21. Imagen obtenida de Simon, Linda. 2011. Coco Chanel, p. 153 22. Ibid., p. 95 23. Imagen obtenida de Fogg, Marnie. 2011. Diseñadores de Moda de la A a la Z, p. 56 24. Ibidem. 25. Imagen extraída de http://www.rtve.es/ SIMBIOSIS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA. APLICACIÓN DEL PLEGADO JAPONÉS 134 noticias/20170501/rei-kawakubo-lleva-su-modamet/1534900.shtml (consultada el 04 de mayo de 2019) 26. Imagen extraída de http://vistelacalle. com/32306/moda-arquitectura/ (consultada el 04 de mayo de 2019) 27. Imagen obtenida de Thames & Judson, 2017. The Complete Zaha Hadid, p.164 28. Ibid,. p.165 29. Imagen extraída de http://www.arquitecturaviva. com/es/Info/News/Details/4826 (consultada el 04 de mayo de 2019) 30. Imagen extraída de http://www.aokijun.com/en/ works/louis-vuitton-hong-kong-landmark/ (consultada el 25 de marzo de 2019) 31. ibidem. 32. Imagen obtenida de Parga, Marcos. 2015. Vestirsi e’ facile, p.281 33. Ibid., p. 283 34. Ibid., p. 283 35. Imagen extraída de https://www.dsigno.es/ blog/diseno-de-moda/issey-miyake-y-el-disenotecnologico (consultada el 04 de mayo de 2019) 36. Imagen obtenida de la gúia de la exposición Templos de Moda de Madrid, p. 12 37. Ibid., p. 23 38-41. 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