París, capital de la vanguardia, 1900-1930

FACULTAD DE CIENCIAS SOCIALES, JURÍDICAS Y DE LA COMUNICACIÓN Grado en Publicidad y Relaciones Públicas TRABAJO DE FIN DE GRADO PARÍS, CAPITAL DE LA VANGUARDIA, 1900-1930 Presentado por Elena Ballesteros Plaza Tutelado por Jesús Félix Pascual Molina Segovia, Julio de 2019 1 A mi padre. 2 Agradecimientos A mis padres por su insistencia en la importancia de los estudios como fuente de conocimiento y motor del desarrollo de las capacidades. A mi tutor, Jesús Félix, por su disponibilidad, su interés y dedicación. 3 RESUMEN Este proyecto tiene el objetivo de realizar un análisis objetivo del periodo de los años veinte en la ciudad que se situaba a la cabeza de la Europa del momento: París, tratando de resaltar la importancia de un lugar entendido como punto de encuentro de la cultura, el arte y las vanguardias. La investigación nos sitúa en el contexto histórico social del momento, las circunstancias que concurrieron, mostrando cómo la ciudad resultó ser el núcleo de la liberación de las gentes en un contexto de grandes dificultades posteriores a la Primera Guerra Mundial. A continuación se analizan algunas de las disciplinas artísticas más destacadas del momento. PALABRAS CLAVE Años veinte, París, Arte, Vanguardia, Cine. ABSTRACT This project aims to perform an objective analysis of the period of the twenties in the city that was the head of Europe: Paris, trying to highlight the importance of a place understood as a meeting point of culture, art and the avant garde movements. The investigation places us in the historical social context of the moment, the circumstances that concurred, showing how the city turned out to be the nucleus of the liberation of the people in a context of great difficulties after the First World War. Then, some of the most outstanding artistic disciplines of the moment are analyzed. KEYWORDS The twenties, Paris, Art, Avant Garde, Cinema. 4 ÍNDICE INTRODUCCIÓN………………………………………………………………………...… 6 OBJETIVOS……………………………………………………………………………....… 8 CAPÍTULO 1: LA CIUDAD DE PARÍS EN LOS AÑOS 20………..…………………… 9 CAPÍTULO 2: PARÍS Y LAS VANGUARDIAS…………………....…………...………. 19 2.1 Cubismo………………………………………………….…………………. 21 2.2 Dadaísmo……………………………………………………............……… 23 2.3 Surrealismo………………………………………...………....…….……… 27 2.4 Art Déco……………………………....…………………………………….. 30 CAPÍTULO 3: PARÍS Y EL CINE……………………….………………………....……. 36 CONCLUSIÓN………………………………..…………………………………………… 44 REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS Y ELECTRÓNICAS……………………….….. 47 5 INTRODUCCIÓN El objeto de estudio para la realización del siguiente Trabajo de Fin de Grado de Publicidad y Relaciones Públicas responde al tema de la época de los “locos años veinte” en la ciudad de París, Francia, en el periodo comprendido aproximadamente entre los años 1900 y 1930 del siglo XX, o como en ocasiones se denomina les années folles  . Gracias a mi formación paralela en los grados de Publicidad y Relaciones Públicas y Turismo, la investigación con la que confecciono el proyecto supone un acercamiento a la ciudad desde la cultura visual y destacando su atractivo turístico singular, viajando por una época de ensueño. Este trabajo pretende realizar un estudio del nivel cultural que se daba en la ciudad en cuanto a diferentes disciplinas se refiere. El tiempo para las vanguardias, los inicios del cine, y por supuesto, la publicidad que se difundía en aquellos años. El inicio del trabajo situará al lector en el contexto histórico social en el que nos encontramos, cómo surge esta década de desenfreno, los cambios más significativos. La Primera Guerra Mundial ha provocado muchas pérdidas y solo ha dejado dolor y sufrimiento, es preciso un cambio. A continuación se expone un análisis sobre algunas de las vanguardias más señaladas y relevantes que también tuvieron lugar en el contexto que se abarca. En los siguientes capítulos se realiza un análisis sobre o el cine que empieza a desarrollarse. Resulta interesante realizar el análisis de una época que ha pasado a la historia marcando muchas de las que ahora son nuestras bases sociales y artísticas. Analizar la historia de nuestra sociedad en un momento como el del periodo de los años veinte muestra cómo el ser humano a la largo de su existencia ha desarrollado y manifestado siempre la necesidad de la búsqueda de la felicidad, la búsqueda de “más” la expresión de la incansable necesidad de descubrir y de responder, de cuestionarse y de experimentar para siempre tratar de llenar un vacío que es el que nos aporta ese estado de felicidad, de plenitud, de satisfacción con uno mismo. Claro que son muchas las ocasiones en las que esta satisfacción no llega nunca a la cumbre, pero en esta persistente búsqueda han quedado muchos de los principios de lo que hoy en día somos y conocemos. 6 ¿Cuanto tiene que sufrir la humanidad para decididamente revelarse contra ella misma? La Primera Guerra Mundial, fruto de los conflictos Europeos, originada, concebida y creada por la propia humanidad hace que ésta misma se vea sumergida en penurias y miserias. La respuesta a dicho sufrimiento es esa revelación, ese giro, ese manifiesto de libertad, eso que se da durante los años veinte en la ciudad de París. La búsqueda del saciar la necesidad de ser libres, felices y completos en el sentido artístico e intelectual. Vislumbramos con este estudio que el ser humano tiende por inercia natural a la sobrevivencia emocional. Los años veinte, se trata de una década en la que las gentes buscan el estado anímico de la felicidad constante. Para ello, la experimentación resulta ser un componente fundamental. Los estimulantes recreativos, como el alcohol o las drogas, la experimentación de nuevos placeres sexuales, como la homosexualidad, la ruptura de las cadenas con el cambio radical en las vestimentas femeninas o la exhibición de cuerpos desnudos o con la expresión artística más extravagante y grotesca, o incluso escritos sin tapujos. Para saciar la inmensa cantidad de necesidades que van surgiendo en esta época surgen nuevas formas de entender el mundo y es en ese momento en el que se crean las vanguardias, como fuente de creación de una nueva tendencia del momento. Cada una de las vanguardias vendrá determinada por unas características concretas que responden a las necesidades que van apareciendo según el paso de los años y el momento en el que la sociedad se encuentra. Sin embargo, todas tienen la característica común de ser fruto de una exigencia de cambio y ruptura con lo anteriormente establecido. Los años veinte en París son un referente en la actualidad para la comprensión de los movimientos artísticos, sociales y psicológicos. Por ello se muestra interesante la elaboración de este trabajo, con el fin de ser un poco más consciente de lo que el arte expresa y necesita y de lo que el ser humano ha ido experimentando artística y psicológicamente. 7 OBJETIVOS Tal y como se recoge en la guía de la asignatura del TFG en el Grado en Publicidad y Relaciones Públicas, los trabajos de disertación presentan como principal objetivo el desarrollo de la capacidad investigadora. Asimismo, en el documento Verifica se incluye que entre los aprendizajes adquiridos por el estudiante que realiza el TFG se encuentra el de realizar un trabajo personal que aplique e integre los conocimientos adquiridos en la titulación, tanto teóricos como técnicos. Partiendo de esto, el principal objetivo de este trabajo consiste en realizar un acercamiento a la ciudad de París en el periodo en torno 1900 y 1930, en lo que respecta a la cultura y los movimientos artísticos vinculados a la ciudad. Des esta manera, los objetivos específicos serán: - Realizar un acercamiento a la ciudad de París en torno a los años 20, contextualizando el momento y conociendo el marco cultural. - Realizar una aproximación al mundo del arte desarrollado en el momento, especialmente las artes plásticas y sobre todo la pintura y el cine. Dar cuenta de los diferentes movimientos artísticos que nacen en este periodo e indagar en los orígenes del cine como disciplina artística - Realizar un ensayo personal sobre el tema, partiendo de los conocimientos adquiridos en la titulación. 8 Imagen 4. Gráfica publicitaria Savon la Perdrix. Fuente: http://literaturesociete.debrouillons-nous.fr/imageetsociete/noirscolonisation/les_noirs_pendant_la_colonisatio n.html  . Imagen 5: Gráfica publicitaria Le Savon Dirtoff. Fuente: https://originalvintagemovieposters.com/le-savon-dirtoff-original-1930s-french-advertisement-poster/ Algunas otras gráficas publicitarias como la adjunta aquí debajo de Chocolat Félix Potin son realmente escalofriantes pues a sus slogans tampoco les sobra humanidad. Battu et content  , “golpear y contento”. Imagen 6. Gráfica publicitaria Chocolat Félix Potin. Fuente: http://literaturesociete.debrouillons-nous.fr/imageetsociete/noirscolonisation/les_noirs_pendant_la_colonisatio n.html 15 Ara Konomi (2010) relata que con tan solo diecinueve años Joséphine Baker triunfa en París. Fue la primera mujer de color que nació aquí. Se le descubre en el teatro de los Champs Elysées donde hacía su show nocturno. En el cartel Revue Nègre au Music-Hall la artista protagoniza la portada como la nueva vedette del momento. Pues sus números eran sensacionales y arrasaban ya que tenía una fuerte potencia erótica en todos sus movimientos que deslumbraba a cualquier espectador, además su cuerpo semidesnudo asombraba y embelesaba a todo el mundo. Su pieza estrella fue una famosa falda confeccionada con bananas que “descubrió al mundo una nueva zona de deseo” pues sus caderas eran pura alegría. Los movimientos de sus caderas y sus muecas característicamente cómicas hacían un perfecto matrimonio entre el sexo y el sensualismo con la risa y la diversión. “La bailarina, cantante y actriz fue la mujer más fotografiada en los años 20, y una estrella que rompió estereotipos en su época” (López, 2017/ s.p.). Imagen 7. Cartel del musical Revue Nègre au Music-hall. Fuente:  http://literaturesociete.debrouillons-nous.fr/imageetsociete/noirscolonisation/les_noirs_pendant_la_col onisation.html El “arte negro” cobra vida con Baker y todos los vanguardistas del momento se disputaban por ella. Años después, pasada la década de los años veinte, Baker adquirió la nacionalidad francesa y colaboró con la resistencia ayudando a las víctimas de la crisis que azotaba Francia. Los locos años 20 le hicieron sentirse realmente parisina (Gil, 2017). 16 París era un carval. El travestismo era libre, divertido y estaba de moda, y buena contribución para ello fue obra del famoso Paul Poiret, “el rey de la moda”. Francia era el único lugar que no había instalado una ley reprimiendo la homosexualidad. Por lo cual París se convirtió en un verdadero refugio para las personas homosexuales. Destaca Lulu de Montparnasse, dueña de un local donde solo de aceptaban mujeres con traje. Asimismo, la homosexualidad está de moda entre la alta sociedad francesa, como un ambiente de experimentación, muy ligado con el champagne y la cocaína. La gentes tenían ansias de experimentar y vivir nuevas sensaciones, es por eso que los límites no alcanzaban ni a las drogas ni a la sexualidad. Las noches se caracterizaban por “la fina flor y la mala hierba” (Culturas de Norta, 2016). A pesar de toda esta movilización de los años locos, llenos de fiestas, bailes y frenesí, resulta realmente imprescindible comentar que no toda la sociedad parisina disfrutaba de estos lujos. Las gentes con una renta económica más baja no iba a las piscinas del Lido ni a Deauville a veranear, se conformaban con refrescarse en los ríos y pantanos de la ciudad. La periferia de París era como retroceder al pasado, inclusive antes de la electricidad, el agua o el automóvil. Destacaba la miseria, los que sobrevivían lo hacían entre barro y basura. La situación económica era mala, y cada vez tenía peor pinta. Después del armisticio, una crisis económica irrumpía, la inflación batía récords y las colas en los comedores sociales cada vez eran más largas. Se perdería la época dorada para siempre, se avecinaba la Segunda Guerra Mundial (1939-1945). El 23 de noviembre de 1924, casi medio millón de personas aproximadamente atravesaban en silencio la ciudad de París. Parecía mentira que el verano de ese mismo año se habían celebrado con tanta alegría los Juegos Olímpicos. Jean Jaurès, el padre fundador del socialismo que luchó con anhelo contra las injusticias había sido asesinado, convirtiéndolo en mártir. 17 Las tensiones políticas de la época provocaron violentos enfrentamientos. La extrema derecha, Action Française liderada por Charles Maurras contra los socialistas pacifistas y anticlericales. El museo de cera Grévin no daba a basto. 9 En 1929 los locos años se volvieron débiles y se abandonaron. El 24 de octubre del mismo año, pasaría a la historia como el jueves negro de Wall Street, el mayor crack económico de los Estados Unidos que tuvo como consecuencias miseria, paro laboral y quiebras. Los ilusos y risueños estadounidenses que vinieron a vivir París hicieron las maletas, ya no podían sostener económicamente la vida parisina de fiestas y locuras. Estaban arruinados. Los locos años 20 desaparecieron, sólo quedaban recuerdos. La Burguesía quiso recrear la Belle Époque, pero la magia había desaparecido. El auge de los totalitarismos, el camino hacia la Segunda Guerra Mundial y el estallido de esta, ya en los años 30, pusieron fin a esta época. Imagen 8: Kiki en ‘Noire et Blanche’ de Man Ray, 1926. Fuente: https://img.culturacolectiva.com/featured_image/2018/04/06/1523034786859/j52gravuresmask.jpe 9El museo de cera Grèvin hacia figuras de todas sus glorias nacionales. Pero con la inestabilidad política del momento y los cambios de líderes políticos, resultaba imposible abarcar dicha tarea. 18 CAPÍTULO 2: PARÍS Y LAS VANGUARDIAS Desde del siglo XIX, París se había afianzado como la ciudad de referencia para la modernidad en el arte. Todos los artistas del mundo acudían a la ciudad para aprender y tratar de triunfar. En la ciudad se desarrollaron nuevas formas de ver el arte, abandonando el academicismo tradicional. Surgieron, en el último cuarto del siglo, nuevos estilos a caballo entre la tradición y la modernidad, como el Impresionismo, que celebró su primera exposición en 1874. Si bien seguía representando la realidad, su forma anunciaba aspectos de la vanguardia, como el triunfo del color sobre el dibujo. La exposición de los impresionistas se celebró en el estudio del fotógrafo Félix Nadar. Y es precisamente la fotografía una nueva manifestación que vendrá a revolucionar la práctica artística, pues representaba la realidad mejor y más rápidamente que la pintura. Si esta quería triunfar, tenía que evolucionar por otro camino. Es en la primera década de 1900 cuando surgen las primeras vanguardias, fruto entre otros factores de la coincidencia de artistas en la ciudad. Todo aquel que estuviera destinado o predispuesto a formar parte del mundo de la Vanguardia estaba en París o al menos paso por ella en torno a 1900, pues la ciudad era un hervidero artístico. El primer cuarto del siglo XX fue, en lo que al arte se refiere una auténtica “edad de oro” (Pascual, 2017). "El término de Vanguardias Históricas llegó a convertirse en sinónimo de autenticidad y originalidad, produciéndose una perpetua discusión entre los diferentes movimientos que se consideraban verdaderos herederos del término" (Tejeda, 2008, p. 81). Se aplica generalmente al conjunto de manifestaciones artísticas surgidas a comienzos del siglo XX y que revolucionaron el panorama artístico, rompiendo con la tradición y sentando las bases de nuevos lenguajes. Los ismos  , como se les suele denominar también, están muy ligados a la ciudad de París. No todos nacieron en ella, pero sí jugó un papel fundamental en su desarrollo. Dos zonas de París aglutinaban a los artistas que recalaban en ella: Montmartre y Montparnasse. Especialmente el primer barrio adquirió notoriedad como lugar bohemio, 19 residencia de artistas y lugar poblado de cafés y locales de espectáculos, como el Moulin Rouge  , a finales del siglo XIX y su ambiente quedó recogido en la obra de numerosos artistas del momento (VV.AA., 2018). Y allí vivió por ejemplo Picasso hasta 1909 (Crespelle, 1978). En este barrio se encontraba el Bateau Lavoir, inmueble en el que vivieron y crearon sus obras algunos de los más importantes nombres de la vanguardia. Montmartre Montparnasse tomó el relevo y se convirtió en el centro artístico e intelectual especialmente en la década de 1920. París fue también la ciudad donde se asentaron algunos de los galeristas, marchantes y coleccionistas de arte más importantes para el desarrollo de las vanguardias. Así, por ejemplo, destacaron Daniel-Henry Kahnweiler, cuya galería exhibió la obra de cubistas y surrealistas; o Ambroise Vollard, que fue muy importante para pintores como Cézanne, Gauguin o Picasso, además de para los expresionistas (Assouline, 2007; Vollard, 2007). La labor de estos galeristas sirvió para promocionar a los jóvenes artistas en el París del momento y su confianza en las novedades fue sin duda clave para el desarrollo de la vanguardia. Entre los coleccionistas es interesante llamar la atención sobre el papel de dos mujeres: Peggy Guggenheim y Gertrude Stein. La primera, amiga de los artistas instalados en Montparnasse, fue clave para la difusión de la vanguardia europea en los Estados Unidos (Jiménez Blanco y Mack, 2010). Mientras que Stein, probablemente la más conocida de los coleccionistas americanos en París a comienzos del siglo XX (Jiménez Blanco y Mack, 2010), no solo coleccionó obras de Matisse o Picasso, sino que las reuniones semanales celebradas en su casa parisina, entre 1905 y 1913, supusieron un “foro de debate y catalizador de muchas de las ideas más innovadoras del arte de su tiempo” (Jiménez Blanco y MAck, 2010, p. 294). Imagen 9: Lágrimas de Man Ray. Fuente:  https://historia-arte.com/obras/lagrimas-de-man-ray 20 2.1 Cubismo La aparición del Cubismo, es uno de los fenómenos culturales más revolucionarios de todo el siglo XX y una de las formas de expresión plástica más originales e innovadoras. Es un movimiento que está íntimamente ligado a la figura de Pablo Picasso, quien da a conocer el nuevo estilo a partir de una obra que se convertirá en el manifiesto de esta nueva tendencia: Las señoritas de Avignon  (1907). Pascual (2017) relata cómo con el Cubismo se inaugura una nueva forma de concebir la pintura y de cambiarla completamente y este giro, que va de la mano de Picasso y Las señoritas de Avignon  , comienza un nuevo capítulo de la Historia del Arte que pone a París en el epicentro de dicha reforma artística. Imagen 10: Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso, 1907. Fuente: https://historia-arte.com/obras/las-senoritas-de-avignon La tesis fundamental del Cubismo es lo opuesto a las teorías de los impresionistas y fovistas para los que primaba el valor cromático por encima de la valoración de las formas y para quienes la realidad se apoya esencialmente en una apreciación visual de las cosas, de ahí que defendiera la idea de que los objetos y figuras varían según cómo incide la luz en ellas (Martínez, 2010). Para los cubistas, sin embargo, esa no es la verdadera realidad, pues es falso que las cosas varíen por efecto de la luz, a pesar de que esta cambie, las formas y las estructuras no varían. Son precisamente estas formas por las que se interesan los cubistas, y no solo en cómo se ven sino en cómo sabemos que son, su esencia, aquello que ha hace siempre iguales por más que cambie la luz. De esta manera, el artista cubista se ve obligado a 21 reducir los objetos representados a las formas geométricas, referencia de esta nueva tendencia es Cézanne, sin el cual no se podría explicar el cubismo. También es característico de esta vanguardia la representación absoluta de los objetos, es decir, la visión del propio objeto plasmada desde todos los puntos de vista simultáneamente, obligando a que la figura se descomponga en múltiples elementos prismáticos que nos permiten contemplar una misma figura desde todas sus partes. Pero para transmitir una visión absolutamente total de las cosas, se introduce la cuarta dimensión, el tiempo. Para ello se representa la sucesión múltiple de visiones que un objeto experimenta en distintos momentos. Por todo ello, Martínez (2010) afirma que el Cubismo refleja la realidad mental e intelectual de los cuerpos y de esta manera su representación no se hace a través de la imágen que conocemos de ellos al mirarlos, si no que se divide en planos y múltiples puntos de vista desde los cuáles se pueden apreciar sus diferentes formas, añadiendo el progresivo tiempo que hace, a su vez, que varíen; por lo tanto, es una realidad intelectual. Los cubistas aunaron en su práctica la influencia de la pintura de Cézanne, cuya exposición retrospectiva de 1907 marcó a los jóvenes pintores, como Braque y Picasso, con referencias al arte africano o Mediterráneo arcaico. Su estilo no caló hondo desde el primer momento, al contrario: ni siquiera Picasso confiaba de pleno en su propio logro. Pero el apoyo del círculo de Gertrude Stein o galeristas como Henry Kahnweiler, permitió al Cubismo despegar. Con todo, el desarrollo del movimiento en el tiempo no fue especialmente extenso. Desde la fase inicial (1907-1910, aproximadamente), el Cubismo se configuró como tal y dio lugar al denominado período analítico (1910-1912, aproximadamente) y este dio paso al Cubismo sintético (1912-1915, aproximadamente). Con el distanciamiento de Picasso y Braque, el movimiento comenzó su dispersión y transformación. Sin embargo, algunos artistas siguieron practicando el estilo, especialmente en su vertiente sintética, hasta la década de los años 30. El Cubismo fue un movimiento estrictamente pictórico, si bien tuvo cierta repercusión en manifestaciones como la literatura, a través de los caligramas de Apollinaire, o el cine. En 22 esta vanguardia, de alguna forma Méliès resulta ser bastante infuyente, como por ejemplo en elementos como la repetida aparición de un mismo sujeto realizando dos acciones que resultarían imposible de poner en práctica de forma simultánea en el mismo espacio y tiempo; o también en la aparición de sujetos que llevan a cabo acciones que resultan estar enlazadas sin ninguna continuidad del espacio ni del tiempo, como la fragmentación. En definitiva, antecedentes del cubismo son la presencia de múltiples puntos de vista o la combinación de planos independientes de Méliès. Bien es cierto que no hubo cine cubista propiamente dicho, pero sí que hubo varios intentos de llevar la pintura al cine por parte de Picasso o Fernand Léger (Pascual, 2017). Dos ejemplos cinematográficos son el Ballet Mécanique (1924), dirigido por Fernand Léger y Le rythme coloré (1913) concebido por Léopold Survage y aunque nunca llegó a materializarse era una novedosa aportación para la época, la pintura en movimiento propiamente dicho (Tejeda, 2008). En 1909, Marinetti publicaba en Le Figaro el manifiesto del movimiento futurista, derivado directamente en sus inicios pictóricos del Cubismo, llegando a concebirse como un “Cubismo dinamizado”. La publicación de este texto en París, y no en una ciudad italiana, da una idea de la importancia de la ciudad como centro difusor de la vanguardia y del peso que el Cubismo tendría en los estilos posteriores. Así, por ejemplo, en el París del Cubismo encontramos también a jóvenes como Piet Mondrian o Theo Van Doesburg, holandeses, quienes desde el nuevo estilo evolucionaron hacia una abstracción geométrica que cristalizaría en la fundación de De Stijl  , el movimiento del Neoplasticismo holandés. Con estas relaciones con nuevas vanguardias, París se había convertido en el epicentro de la renovación artística. 2.2 Dadaísmo “Dadá no significa nada; queremos cambiar el mundo con nada” (Richard Huelsenbeck en Elger, 2009, pp 17). Así se presenta una de las vanguardias más rompedoras del siglo XX. 23 El dadaísmo surge en Zurich, Suiza con el local de variedades del Cabaret Voltaire epicentro del estilo, proclamador del amor por la vida sin mañana, la vida de hoy. Iniciado por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas, posteriormente, se unió a él el rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del Dadaísmo (Arte Contemporáneo. Dadaísmo y surrealismo, s./f.). Esta vanguardia resulta ser una de las más radicales al cuestionarse lo que se venía conociendo históricamente como arte. La Primera Guerra Mundial hizo que muchos artistas perdieran definitivamente la confianza en los valores que habían sustentado la civilización occidental y que en última instancia no habían servido más que para llevar a la sociedad a la destrucción y el caos. El Dadá será además el precedente de otras varias grandes e importantes vanguardias que van a surgir con el paso del tiempo como el Surrealismo o el Arte conceptual. Según Arte España (septiembre, 2005), el dadaísmo nace para destruir los códigos establecidos en el arte, como un rechazo a toda tradición, cuestionando la existencia del arte, la literatura y la poesía. En un momento de gran revuelo social como fue la primera gran conflagración se alimenta profundamente el espíritu de agresión hacia todo lo que signifique tradición (Tejeda, 2008). Este movimiento fue, el más radical de las vanguardias, podría decirse que fue el movimiento artístico más revolucionario del siglo XX. El cúmulo de energías que Dadá irradió se puso de manifiesto en nuevas formas, en nuevos materiales, en nuevas ideas, en nuevas tendencias y en nuevos hombres, que apelaron a un público nuevo (Richter, citado en Burgos Rodríguez, 2009). “Lo que llamamos dadá es un juego de locos nacido de la nada, en el que se entrecruzan todas las cuestiones primordiales…” señalaba Hugo Ball (citado por Elger, 2009, pp 15). Los dadaístas rechazan todo lo que se considera inmutable, la lógica, la razón, la ética… su profundo desencanto les lleva a un nihilismo radical que a su vez desemboca en una nueva concepción del arte basada en la provocación al espectador y a su versión de los valores plásticos tradicionales en un constante ejercicio de oposición y de contradicción sistemática. (Martínez, 2010). 24 Imagen 14: Vista parcial de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales.. Fuente: http://enateneo.blogspot.com/2013/07/actualidad-parisiense-la-exposicion.html Durante las décadas de los años veinte y treinta se realizaron diversas exposiciones que dieron a este movimiento la oportunidad de expresarse y exhibirse. Arquitectos y diseñadores de la época colaboraban para dichas exposiciones, donde también había cabida para pintores y escultores. Los artistas gráficos también tuvieron su lugar dentro de este movimiento, a partir de carteles o catálogos. El Art Déco –abreviatura del francés Décoratif  – o Estilo 1925 es como se denominaría años después al nuevo estilo tendencia que se estaba gestando, que resulta ser clave en los años veinte. En él encontramos al artista muy relacionado con el mundo industrial pero que antepone su carácter artístico antes que la de técnico o investigador. Para el desarrollo de este formato Art Déco los colores y las influencias de diversas culturas, las formas geométricas y esquemáticas que buscan la reducción a la mínima potencia de todo, la simplificación, determinada por la innovación del momento, las líneas aerodinámicas, el uso de la simetría, formas geométricas inspiradas en los avances de la aviación moderna, la iluminación eléctrica o la radio; resultan muy significativas. Además del uso de nuevos materiales, como el aluminio, el acero inoxidable, la laca, la madera embutida, las pieles de animales, como los tiburones o las cebras, o el marfil de elefante. Los artistas absorbieron las ideas del Cubismo y Futurismo para crear sus propias innovaciones útiles y funcionales que tuvieran un fin específico y práctico. La tipografía del momento da un giro respecto a la anterior característica del Art Nouveau  , se establece el uso de la negrita, Sans Serif o palo seco, es decir, líneas rectas. Nace un nuevo tipo de tipografía, la libre, que resultó ser una revolución, de forma dinámica en vez de lineal, que convertían 31 los textos en formas visuales, ejemplos de algunas tipografías diseñadas por Morris Fuller Benton son Broadway o Parisian Style  . También en la fotografía y el cine del momento encontramos la estructuración geométrica. Destacar al director de Metrópolis Fritz Lang, creando la obra cinematográfica más exponencial del estilo Art Déco  . Imagen 15: Película Metrópolis. Fuente:  https://www.filmaffinity.com/co/film282386.html Sin embargo, nos encontramos con un estilo que resulta, en ocasiones espontáneo, sobrecargado y paródico (Maenz, 1976). Es un estilo exagerado en contra de la austeridad forzada que venía estando establecida como resultado de la Primera Guerra Mundial. Se requiere construir las ciudades y para ello se piensa de forma económica pero también moderna y renovada. En el año 1922 Howard Carter descubre la tumba del faraón egipcio Tutankamón (Maenz, 1976) y obviamente este descubrimiento resulta ser un gran acontecimiento científico pero también gran influencia para la vanguardia del Art Déco  , los colores oro, lapislázuli y ocre, los escarabajos o los peinados cleopátricos. Además de esta, la cultura Inca también tiene su influencia en este movimiento, las junglas, selvas, los rituales mágicos, la fantasía se refleja en los cactus y las palmeras, el cristal de jade y el ónice de Brasil, zig zags y serpientes están de moda. También la pirámide escalonada en Yucatán fue gran inspiradora, como en el mausoleo de Lenin o el Empire State. De hecho, en los Estados Unidos existe un claro reflejo de cómo la arquitectura Art Déco floreció acogiendo al mayor número de arquitectos que trabajaban este estilo (Weber, 1993). 32 El Art Déco fue un estilo que utilizó nuevos y ricos materiales para su puesta en marcha dando lugar a un amplio abanico de medios de expresión, claro está, esta arquitectura resulta ser de un coste muy elevado, por este motivo seguramente , el Art Déco tuvo una vida relativamente corta, pues el lujo que se desprendía se vio bruscamente afectado con la quiebra de la bolsa en 1929. En un momento en el que todo son grandes cambios y liberaciones resulta necesario mencionar, en el tema de la moda, la liberación de las mujeres, en cuanto a las vestimentas se refiere. Hoy en día existe aún cierta confusión entre quien fue con exactitud el o la autora de esta gran liberación de corsés y grandes e incómodas faldas, lo que sí podemos afirmar es que tanto Coco Chanel como Paul Poiret son iconos de la moda Art Déco. Imagen 14: Ilustración de Gonzalo Muiño, Paul Poiret y Coco Chanel para el libro 'De qué hablamos cuando hablamos de estilo' de Lorenzo Caprile. Fuente:  https://www.pinterest.es/pin/380976449704534972/?lp=true “No tengo que decir quién soy, inevitablemente sé que todo el mundo sabe quién soy y que hago, por fin lo puedo decir, yo siempre tuve presente que lo más difícil de mi profesión era tener que lidiar con toda la opresión que llevaba la mujer, mi gran reto y mi logro, conceder a todas nosotras las mujeres poder tener esta libertad de movimiento , adoptando el minimalismo, la elegancia y lo más importante que no nos sintiéramos disfrazadas , de hecho, que nuestra manera de ser no cambiará con tan solo el vestido que 33 tuviera puesto.Nunca quise pelear por esto, ni mucho menos quise pasar palabras contigo porque sin duda el hecho de que te hayas robado mi triunfo eso ya me deja mucho que decir, siempre quise desahogarme sacar ese león que llevo en mi , o lo admiras, le temes, lo cazas o lo dominas, y en este caso ni me provoca.Espero nunca me olvides y sé que no lo harás porque llevas en ti mi logro” (Entretejidos, 2015). Cassandre fue un diseñador gráfico francés de origen ucraniano.Se le atribuye a él el mérito del invento o creación del cartel moderno, rompiendo las barreras que existían entre las imágenes y los textos (Díaz, 2018). Sus conocidas obras son un icono del Art Déco aunque si bien es cierto tiene gran influencia cubista, futurista, constructivistas y toques racionalistas originarios de la Bauhaus. El diseñador se dedicó principalmente a la publicidad, la cartelería y la tipografía; creó su propia escuela de diseño gráfico y su agencia de publicidad. Su trágico suicidio descubre cómo el cambio hacia el Pop Art o el nuevo realismo vencieron a su tajante estilo propio (Hazhistoria, s.f.) Imagen 13:  A.M. CassandreLithograph, Normandie. Fuente: https://www.foxvintageart.com/products/a-m-cassandre-normandie En cuanto a la pintura de no podemos pasar por alto a la ruso-polaca Tamara de Lempicka que destacó en Europa y Estados Unidos por sus desnudos al estilo Art Déco. La 34 pintora tuvo influencias del Renacimiento en Italia durante su estancia en Roma, del pintor Jean-Auguste-Dominique Ingres y también de la vanguardia cubista por André Lhote que fue su maestro. La estética de sus cuadros es personal, quizá un poco decadente. Fue una mujer que tuvo mucha relación con importantes coleccionistas del momento sin embargo no tuvo tanto éxito entre los responsables de los museos del momento. Vivió en diferentes países desde Moscú, San Petersburgo hasta Lausana, Copenhague, Roma, París, La Habana, Beverly Hills, Nueva York, Boston y Cuernavaca, donde finalmente falleció. Para esta artista el arte era su vida, con sus luces y sus sombras, fue una estrella en su época para después caer en el olvido aunque resucitada en París de 1973, en la exposición de Alain Blondel y a día de hoy Lempicka es fuente de inspiración para muchos grandes diseñadores de moda, como Prada, Dolce & Gabanna, Versace o Elie Saab (Hermosos, 2018). 35 CAPÍTULO 3: PARÍS Y EL CINE Cómo señala Gubern (1989, pp 13): “El mito de la reproducción gráfica de movimiento -que eso y no otra cosa es el cinenace, en la noche remota de los tiempos, en el cerebro del hombre primitivo. Esto no es una conjetura sino una constatación. Acérquese, quien lo dude a las santanderinas cuevas de Altamira y contemple en el techo de la Capilla Sixtina del arte cuaternario un bello ejemplar de jabalí polícromo, que muestra la curiosisima particularidad de tener ocho patas. Pero no se trata -a juicio de los arqueólogos más competentesde una de esas monstruosidades en las que a veces es pródiga la naturaleza. La explicación es más simple. El anónimo cavernícola (...) debió encontrar (...) una imperfección: la realidad que le rodeaba no era estática, sino que que se movía, cambiaba. Entonces el artista decidió fijar en la piedra otros dos pares de patas, como actitudes sucesivas de las extremidades del animal en movimiento. Esto, ciertamente, no es cine, pero sí es pintura con vocación cinematográfica (...)”. Imagen 14: jabalí de ocho patas en las cuevas de altamira. Fuente: https://www.abc.es/play/cine/noticias/abci-cavernicola-encendio-chispa-cine-cuevas-altamira-201707060235_n oticia.html La inicial utilización de imágen fotográfica con sensación de movimiento fue obra de Jules Duboscq. A raíz de aquí, "la inagotable sucesión de experimentos con la finalidad de 36 crear ilusión de movimiento provoca la emergencia de una nueva meta: unir la imagen fotográfica a una cadencia fija de disparos que capten un movimiento continuo" (Tejeda, 2008 pp 59). Imagen 15: Man in pelvis cloth is starting for a run (Animal Locomotion, 1887, Plate 59). Fuente: https://www.1000museums.com/art_works/eadweard-muybridge-man-in-pelvis-cloth-is-starting-for-a-run-anim al-locomotion-1887-plate-59 "El paso de la cronofotografía al cinematógrafo es inmediato; solo queda resolver la dificultad del arrastre o tracción del film, (...) hasta el logro de las 24 imágenes por segundo, se sucederán una serie de hallazgos y perfeccionamientos, que fueron aportando diferentes soluciones al desarrollo del cinematógrafo" (Tejeda, 2008, pp 68). El cine, da pasos de gigantes. Los hermanos Auguste y Louis Lumière le dieron al original kinetoscopio de Thomas Edison una solución más adecuada y versátil para el arrastre de la película. Tejeda (2008) nos cuenta que los historiadores consideran como la primera proyección cinematográfica la del 28 de diciembre de 1895 en París. Aunque inicialmente se tomó como un espectáculo circense, barato y popular, despertó tanto interés este arte que pronto surgieron numerosas publicaciones y artículos en las que los intelectuales del momento comenzaron a clasificar dichas proyecciones como arte, defendiendo sus virtudes como inédito espacio de expresión (Tejeda, 2008). 37 Las películas que realizaron los hermanos Lumière se podrían considerar de un gran valor íntimo de la época, las gentes, los gustos, las modas, los trajes, los trabajos y las máquinas. Se trata de películas testimonio, reflejo de una realidad social ingrata y un intento de otra más deseable, aquí comienza la trascendencia sociológica de este invento (Gubern, 1989). Gubern (1989) nos cuenta que La salida de los obreros de la fábrica Lumière fue la primera película que rodaron los autores de la cual se sintieron muy orgullosos. Además fue con esta película con la que quedó inaugurada la publicidad cinematográfica. Entre los espectadores Se hallaba el que aún era un completo desconocido, Georges Méliès. Con treinta y cinco años, tercer hijo de un adinerado fabricante de zapatos, mago e ilusionista por vocación, director del teatro Robert Houdin en el que ofrecía espectáculos de sombras chinescas junto a las típicas atracciones de ilusionismo y acrobacia. Prestigiador, imaginativo, habilidoso y con excelentes dotes para el dibujo y la pintura atrajo al público deseoso de novedades y antes de convertirse en uno de los pioneros del séptimo arte, diseñó todo tipo de ingenios y trucajes que posteriormente aplicaría a sus películas, llegando a crear innovadoras técnicas cinematográficas para la época como el travelling o la superposición de imágenes (Tejeda, 2008). Si bien es cierto, fue La llegada del tren la que causó un mayor éxito entre el público por la realista sensación que les causo que la locomotora pareciera que se saliera de la pantalla. Técnicamente hablando esta película se grabó en cámara fija pero contiene todos los encuadres de una película moderna, desde el plano general hasta el primer plano. Muy pronto las gentes se apelotonaban en las puertas del Grand Café para ver las primeras películas cómicas de la historia del cine, en el Salon Indien los parisinos fueron testigos de las primeras resoluciones de los trucajes cinematográficos quedando asombrados, aunque estas no fueron la particularidad de los Lumière (Gubern, 1989). Las primeras grabaciones de Méliès siguieron el estilo que trazaron los hermanos Lumière, escenas naturales, con trenes, salidas de fábricas… Películas muy corrientes que 38 poco tienen que ver con su posterior producción, una vez que el cineasta descubre el cinematógrafo.  A partir de este momento, el autor comienza a ofrecer “un catálogo de trucos y efectos especiales, mezclando teatro y cine, aprovechándose de las posibilidades creativas de este último y prefigurando lo que serían después géneros como la ciencia ficción o el terror” (Pascual, 2017, pp 53-78). Como cuenta Gubern (1989, pp 39) "las creaciones de Mèliés son el fruto del encuentro de dos técnicas distintas: la del fotógrafo y la del hombre de teatro e ilusionista". Su obra más citada y conocida es Le voyage dans la Lune  , 1902. La cual ha sido relacionada con el Expresionismo Alemán, con el surrealismo y con directores de cine de todo el mundo (Pascual, 2017). Imagen 16: Le voyage dans la Lune, 1902 de Méliès. Fuente: https://mdenapole.wordpress.com/2011/10/22/le-voyage-dans-la-lune-el-primer-sci-fi/ Para resumir la gran y compleja aportación de Méliès al cine podríamos utilizar las palabras del encabezado de su catálogo americano de 1903 “Georges Mèliés ha sido la primera persona que ha realizado películas cinematográficas con escenas artificialmente preparadas y mediante esta innovación ha dado vida a un comercio agonizante. Ha sido también el creador de películas con temas fantásticos o mágicos y sus obras han sido imitadas después, sin éxito, en todos los países” (Gubern, 1989, pp 41-42). 39 Por todo el mundo se extendía el arte, y pronto el cine francés predominará a nivel mundial, se convierte en el primer país productor del mundo en la realización de cine pornográfico, algunas de las películas que más éxito tuvieron en el momento fueron Tentación oVas a recibir un azote  . Más tarde, cine estadounidense ganará posiciones, Hollywood se instala como cumbre del arte cinematográfico. Como dice Antonin Artaud citado en Tejeda (2008, pp 81), “el cine llega precisamente en un momento de giro del pensamiento humano, en el momento preciso en el que el lenguaje usado pierde su poder de símbolo, en el que el espíritu está cansado del juego de las representaciones”. El cine era sinónimo del progreso, la tecnología, el futuro, era una herramienta que permitía jugar con las imágenes mezclandolas para narrar de una forma que antes era inimaginable sorprendiendo y cautivando al espectador (Pascual, 2017). La dinámica que esta disciplina artística ofrecía, rápidamente llamó la atención de otros artistas como Wassily Kandinsky que buscaba traducir las emociones con ayuda del simbolismo del color. Incluso el propio Picasso llegó a plantearse realizar una pintura móvil. (Tejeda, 2008). Pascual (2017) nos cuenta que muchos artistas combinaron los pinceles con las cámaras. Es el caso de Man Ray fue uno de los mayores experimentadores de la imágen. Su obra cinematográfica, aunque solamente se componga de cuatro títulos acabados representa el puente entre el dadaísmo y el surrealismo, sus películas constituyen un abanico de posibilidades experimentales. 40 REFERENCIAS BIBLIOGRAFÍA Y ELECTRÓNICAS Aburto, T. (04/12/2014, 11:29 horas). Cuando el racismo vende  . El Mundo. Assouline, P. (2007). D. H. Kahnweiler. En el nombre del arte. Barcelona: Galería Miquel Alzueta. Aparences. La escuela de París. Recuperado de: https://www.aparences.net/es/periodos/arte-moderno/la-escuela-de-paris/ Último acceso: 05/06/2019 Ara, K.(30/03/2010). Josephine Baker: A Chanteuse and a Fighter  . Journal of Transnational American Studies, 2(1). Arte Contemporáneo. Dadaísmo y surrealismo Recuperado de: https://www.setandgo.org/moodle22/pluginfile.php/3300/mod_resource/content/1/dad aismo.pdf Último acceso:04/06/2019 Arte España. Dadaísmo. Introducción al movimiento artístico del Dadaísmo. 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