Influencias del diseño en Francia y su reflejo en la película "Ratatouille"

UNIVERSIDAD DE VALLADOLID ESCUELA DE INGENIERÍAS INDUSTRIALES Grado en ingeniería de diseño industrial y desarrollo de producto Influencias del diseño en Francia y su reflejo en la película "Ratatouille" Autor: Santiago Guadilla Pérez Tutor(es): Víctor Antonio Lafuente Sánchez Urbanismo y representación de la arquitectura Valladolid, Junio 2023 PROYECTO TRABAJO DE FIN DE GRADO SANTIAGO GUADILLA PEREZ UNIVERSIDAD DE VALLADOLID ESCUELA DE INGENIERIAS INDUSTRIALES 2 Este trabajo se enfoca en el papel fundamental del diseño en la industria del cine y su impacto en la creación de elementos estéticos y funcionales que se ven en la pantalla. Implica la creación de bocetos, planos y maquetas para visualizar y comunicar ideas al equipo de producción. A pesar de su relevancia, el diseño en el cine a menudo carece de la valoración adecuada y su labor de investigación rara vez está documentada. Por lo tanto, este proyecto tiene como objetivo dar a conocer la importancia y el análisis detrás del diseño de producción en la industria cinematográfica. La investigación se centra en la introducción y contribución cultural en Francia, así como en su influencia en las costumbres y el diseño industrial parisino utilizando como base la película “Ratatouille”. 3 RESUMEN PALABRAS CLAVE: Diseño, cine, análisis, Francia, Ratatouille. 4 INDICE INTRODUCCIÓN. OBJETIVOS Y METODOLOGÍA 1. COLONIA DE RATAS. EL REFLEJO DE LAS MINORÍAS SOCIALES 1.1. PERSONAJES 1.1.1. REMY. BÚSQUEDA DE UNA ESCALA SOCIAL 1.1.2. EMILE. REPRESENTACIÓN DE LA NECESIDAD 1.1.3. DJANGO. FIGURA DEL PATRIARCA 1.1.4. EL CLAN. ESTUDIOS DE COLISIÓN 1.2. MANOUCHES. ASENTAMIENTO Y EVOLUCIÓN EN FRANCIA 1.2.1. ORGULLO GITANO. ARTE E INFLUENCIA 1.2.2. VESTIMENTA. EL CROMATISMO Y SU SIGNIFICADO SOCIAL 1.3. APLICACIÓN A RATATOUILLE 1.3.1. LA COLONIA. REFLEJO DE LA ETNIA GITANA 1.3.2. VIVIENDAS. LAS CIUDADES DE EMERGENCIA 1.3.4. DESRATIZADORES. EL FIN DE LAS PLAGAS 1.4. EMBARCACIONES. HISTORIA Y DISEÑO NAVAL 1.5. BELLEZA OCULTA. 2. LA COCINA. AMBIENTACIÓN, ESTILO Y MOBILIARIO 2.1. PERSONAJES 2.1.1. ALFREDO LINGUINI. EL ESFUERZO Y EL TALENTO 2.1.2. AUGUSTE GUSTEAU. LA GRANDEZA Y LA DELICADEZA 2.1.3. CHEF SKINNER. EL CAMBIO A LA NECESIDAD 2.1.4. COLETTE. LA TRADICIÓN Y LA INNOVACIÓN 2.1.5. EL RESTO DE LA BRIGADA. EL EQUIPO DE DISEÑO 2.1.6. ANTÓN EGO. EL CLIENTE 5 8 60 62 66 52 56 48 16 18 20 12 27 30 36 38 44 48 46 27 22 12 10 24 26 2.3. APLICACIÓN A RATATOUILLE 2.3.1. PAUL BOCUSE COMO FUENTE DE INSPIRACIÓN 2.3.2. APLICACIÓN DE METÁFORAS VISUALES 2.3.3. TÉCNICAS DE TEXTURAS E ILUMINACIÓN 2.4. COCINA 2.4.1. DISPOSICIÓN 2.4.2. MOBILIARIO. DECORACIÓN Y UTILIDAD 2.4.3. UTENSILIOS. MATERIALES Y ART DECÓ 2.5. L'ART DE VIVRE 3. PARÍS. AMBIENTACIÓN, ARQUITECTURA Y DISEÑO 3.1. URBANISMO 3.1.1. HISTORIA. NACIMIENTO DE LA CIUDAD 3.1.2. LA IMPORTANTE REFORMA DE HAUSSMANN 3.1.3. LA TORRE EIFFEL. ICONO INDUSTRIAL. ICONO DE LA CIUDAD 3.2. DISEÑO INDUSTRIAL 3.3.1. HISTORIA 3.2.2. METRO DE HECTOR GUIMARD. REPRESENTACIÓN DEL ART NEVEU 3.3. APLICACIÓN A RATATOUILLE 3.3.1. TEJADOS. ESTILO MANSARDA 3.3.2. EDIFICIOS Y FACHADAS 2.2. PRECURSORES. GRANDES FIGURAS EN LA CULTURA CULINARIA 2.2.1. CATALINA DE MÉDICI 2.2.2. FRANÇOIS-PIERRE DE LA VARENNE 2.2.3. MARIÉ-ANTOINE CARÉME 2.2.4. GEORGES AUGUSTE ESCOFFIER 2.2.5 PAUL BOCUSE 6 76 80 82 72 73 74 70 71 84 88 92 100 102 104 118 120 108 110 70 76 84 96 98 100 116 108 3.3.3. LAS CALLES. COSTUMBRISMO PARISINO 3.3.4. EL RIO SENA. SIMBOLISMO E INSPIRACIÓN 3.4. RESIDENCIAS. AMBIENTACIÓN Y DISEÑO INDUSTRIAL 3.4.1. CASAS DE CAMPO. ESTILO PROVENZAL 3.4.2. APARTAMENTOS. EVOLUCIÓN DE LA SOCIEDAD Y VIVIENDA 3.4.3. MANSIONES. ESTILO CHÂTEAU Y HÔTELS PARTICULIERS 3.5. C'EST CHEZ A VOUS CONCLUSIONES BIBLIOGRAFÍA 7 124 132 134 136 144 150 158 161 162 En la industria del cine el diseño desempeña un papel fundamental, construye y da vida a los elementos estéticos y funcionales que se ven en la pantalla, desde la escenografía y el vestuario hasta los efectos visuales y la dirección artística. Una de las funciones más destacadas es la de los diseñadores de producción, que trabajan para desarrollar un concepto visual coherente y transmitir la atmósfera y el tono deseados de la película. Esto implica la creación de bocetos, planos y maquetas para visualizar y comunicar las ideas a todo el equipo de producción. Esta función también incluye la selección y creación de los decorados, así como el diseño de vestuario, que se encarga de crear los trajes y la indumentaria. Es esencial para establecer la ambientación y la estética visual de la película, contribuyendo a la narrativa y al desarrollo de los personajes. Los trajes ayudan a construir la apariencia visual de cada personaje y reflejar su personalidad, estado de ánimo, época y contexto cultural. Además, pueden transmitir información importante sobre la historia y la trama de la película. Pese a todo la información que existe sobre la implicación del diseño en el cine, parece que esta disciplina no está suficientemente valorada, y su sacrificado trabajo de investigación no suele estar muy documentado. Este proyecto pretende dar a conocer el papel del diseño de producción y el análisis que se realiza antes de producir una película. La investigación se ha centrado en la introducción y aportación cultural en Francia, y la manera de afectar a las costumbres y al diseño industrial parisino, así como las similitudes y los puntos en común que presentan. Utilizando como base la película de Ratatouille, se tratará el diseño de ambientes, espacios, arquitectura, mobiliario, instrumentos y personajes de la ciudad de París. Para ello, se irá realizando un recorrido por la historia de Francia, incidiendo en el diseño industrial y los movimientos más representativos, el diseño urbanístico, analizando obras que cambiaron y potenciaron la imagen artística y cultural de París y la representación de elementos gastronómicos. Los objetivos de este trabajo son los siguientes: 1. Estudiar el desarrollo del diseño industrial en el entorno comprendido durante la primera mitad del siglo XX en Francia dentro de un contexto sociocultural, así como su implementación en la producción de Ratatouille. 2. Analizar el papel de la historia y diseño en la construcción de los personajes de Ratatouille, su apariencia física, vestuario y accesorios, y las herramientas que ayudan a transmitirles su propia personalidad. 3. Investigar el diseño de escenarios y la creación de atmósferas en Ratatouille, utilizando elementos visuales como la iluminación y el estudio cromático, y demostrar su influencia en la narrativa y ambientación de la historia. 4. Explorar la relación entre el diseño urbano de Ratatouille y la ciudad de París, analizando los elementos más representativos y la forma de reflejarlos en la película. 5. Evaluar la influencia del diseño en la experiencia visual y emocional de Ratatouille, considerando cómo la estética y la calidad del diseño impactan en la inmersión y conexión con la película. 6. Demostrar la importancia de un análisis exhaustivo previo a la producción de una película ambientada y basada en la cultura de un país. INTRODUCCION, OBJETIVOS Y METODOLOGIA 8 Gusteaus's, Ratatouille, 2007. Harley Jessup, 2003, digital. Storyboard, Roug Frankel, 2002, digital. Robert Kondo, 2002, digital y lápiz 15 Emile es un personaje simpático, leal y alegre, hermano mayor y mejor amigo de Remy. Durante la película, cumple el papel de acompañante de Remy, ayudandolo y protegiendolo, incluso si eso significa arriesgar su propia seguridad. Es una rata de gran tamaño, de pelaje marrón y ojos pequeños y amables. Contrasta perfectamente con Remy, que es ambicioso y tiene un don excepcional para la comida. Pixar decidió que tuviera el morro hacia arriba, para distinguirlo de Remy, y una nariz mucho más pequeña, pues su olfato no le importa demasiado, pero una barriga mucho mayor dada su capacidad de comer cualquier cosa. El diseño de su personaje casi no fue modificado desde su creación, y su desarrollo durante la película no experimenta ningún cambio significativo. Su personalidad se sustenta en un gran apetito por la comida, que disfruta con pasión y entusiasmo. Tiene una actitud cálida, cariñosa, amigable y despreocupada, que a veces lo hace ser torpe y descuidado. Es parte integral de la historia, y uno de los personajes secundarios más queridos de la película. Emile es una de las razones principales por las que Remy es capaz de seguir su sueño de convertirse en chef. Emile lo alienta y apoya, incluso cuando eso signifique contrariar a su padre y dar la espalda a la colonia. EMILE. REPRESENTACION DE LA NECESIDAD Estudio de iluminación, Dominique Louis, 2003, digital sobre escultura. Esculturas, Greg Dykstra, 2002 y 2003, aceite de arcilla 16 Bocetos, Matt Nolte, 2005, lápiz. Arte de animación, Matt Nolte, 2005, lápiz 17 Django es el padre de Remy y Emile, y responsable de toda la colonia. Como patriarca, debe de velar por la seguridad de los suyos y liderarlos cuando aparezcan problemas. Su apariencia es la de una rata vieja, sabia y pragmática, con una mirada astuta y cautelosa con respecto al mundo de los humanos. Se caracteriza por las grandes cejas que le tapan practicamente los ojos y un morro chato. En este caso, Pixar le dotó de una anatomía que le da aspecto de estar soportando una pesada carga como responsable del clan. Las rodillas están situadas muy abajo, como si llevara caídos los pantalones. Su sabiduría proviene de experiencias previas con humanos, y durante la película, existe un debate continuo sobre el trato con ellos. En varias ocasiones, la pasión y entusiasmo de Remy por conocerlos más, rivalizan con la opinión de Django, que piensa que cuanto menos relación haya, mejor para la colonia. La confrotación de padre e hijo llevarán a Remy a ocultarle su verdadera pasión a Django, y este a su vez, experimenta un cambio de mentalidad según va transcurriendo los hechos. Finalmente, aceptará los deseos de su hijo y comprenderá que cada uno debe de seguir su propio camino. DJANGO. Figura del patriarCa Conversación, Ratatouille, 2007. Merienda, Ratatouille, 2007 18 Bocetos. Carter Goodrich, 2001, lápiz 19 Con respecto al resto de la colonia, no existe un gran desarrollo de los personajes que la componen, aunque sí cabe destacar la presencia de una rata grande y musculosa que aparece en diversas ocasiones. Para Pixar, lo más complicado fue utilizar adecuadamente el limitado rango de colores que habían escogido para el pelaje de los roedores. Mientras en la vida real las ratas tienen un apariencia hecha para no ser vistas y poder camuflarse, en la película debían destacar al resto del entorno. Se acabó utilizando un rica paleta de colores que iban desde el azul metálico, de tonos canelas o violeta grisáceo. Igualmente, el equipo de iluminación realizó un excelente trabajo para que la presencia de las ratas fuera mayor. Los técnicos de efectos visuales implantaron una nueva herramienta de trabajo para que los objetos en la escena al chocarse se comportaran acorde a sus características materiales. Se hizo un estudio de colisión del cuerpo de las ratas para crear imágenes más realistas. El Clan. Estudios de Colision Esculturas, Jerome Ranft, 2003-2004, aceite de arcilla. Estudio de pelaje, Belinda Van Valkenburg, 2005, digital 20 Estudios de animación, Mark Walsh, 2004, bolígrafo 21 La presencia de los gitanos en Francia se remonta al siglo XV, cuando llegaron por primera vez desde el este de Europa. “Manouches” es cómo se les denomina en Francia a los venidos de Alemania e Italia, “Roms” a los procedentes de Europa Oriental y “Gitans“, a los vinculados con España. Durante el siglo X, partieron del río Indo con el objetivo de entretener al rey Behram de Persia. Este recibió a 12.000 juglares, a los que los asignó tierras, trigo y animales para poder vivir a cambio de divertir gratuitamente al pueblo. Al transcurrir el año, éstos habían malgastado los recursos y el rey les ordenó recoger sus intrumentos y recorrer el país, ganándose el dinero por medio de la música. Tras una larga estancia en esa región, y ya descritos como un pueblo que rechazaba vivir de la agricultura, se esparcieron en dos grupos, uno hacia el sudoeste y Egipto, otro hacia el noroeste y Europa. En 1561, se emitió el Edicto de Roussillon, que obligaba a los gitanos a abandonar sus prácticas nómadas y establecerse en un lugar. Las leyes se volvieron más restrictivas, limitando su capacidad para trabajar, casarse y viajar. Los gitanos se encontraron cada vez más marginados de la sociedad francesa y crearon campamentos para ellos. En el siglo XIX, los gitanos fueron blanco de la ley de expulsión de 1885, que autorizaba la deportación de los gitanos de origen extranjero. Esta ley se mantuvo en vigor hasta 1912, donde se abolió la esclavitud y el Estado empezó a distinguir entre los “nómadas” y los otros franceses e instauró el “carnet anthropométrique” para identificar y vigilar los desplazamientos de los gitanos. . ManouChes. CreCimiento y asentamiento en FranCia Llegada de los gitanos a Europa, National Geographic. Carros zíngaros, fotografías 22 Durante la Segunda Guerra Mundial, fueron perseguidos por los nazis y sus colaboradores franceses. Alrededor de 6,000 gitanos fueron deportados a campos de concentración y exterminio. La persecución de los gitanos continuó después de la guerra, y no fue hasta 1969 que se derogó la última ley discriminatoria contra ellos. En la década de 1970, los gitanos franceses comenzaron a luchar por sus derechos y a organizarse en asociaciones y grupos de presión. La mayoría los gitanos no itinerantes viven en los barrios de chabolas ilegales llamados campos, donde es difícil acceder a servicios de salud, no hay agua, sanitarios o recogida de desechos. La propagación de las enfermedades es rápida especialmente con los niños. En 2009, el Comité europeo de Derechos Sociales declaró que Francia había violado sus derechos de residencia, protección contra la pobreza y exclusión social, así como la protección familiar de la población gitana. En resumen, la historia de los gitanos en Francia ha sido marcada por la discriminación y la marginación, pero también por la resistencia y la lucha por los derechos. Aunque todavía enfrentan muchos desafíos en la actualidad, los gitanos han dejado una huella indeleble en la cultura francesa y en la historia del país. Campo de concetración, carnet anthropométrique y chabolas parisinas, fotografías 23 A pesar de las dificultades, los gitanos han contribuido significativamente a la cultura francesa, especialmente en el ámbito musical. La música gitana, con su vibrante mezcla de influencias de todo el mundo, ha tenido un impacto duradero en la música francesa y mundial. Jean ‘Django’ Reinhardt fue un músico conocido por realizar “jazz manouche” ( (jazz gitano), nacido en Bélgica en 1910, se instaló en un asentamiento a las afueras de París. Un acordeonista parisino, Guerino, lo invitó a formar un dúo para actuar en los garitos de la Rue Monge con 13 años y llegó a ser muy influyente en el jazz francés. Tristan Tzara fue un poeta y ensayista nacido en 1896, padre fundador del dadaísmo y miembro del influyente movimiento surrealista junto a André Breton o Louis Aragon. En París organizó espectáculos callejeros plenos de absurdismo para escandalizar a la burgesía. Django Reinhardt, portada del disco "jazz manouche" junto con Stephane Crapelli Tristan Tzara, portada del poema "agua salvaje" de Tristan Tzara, 1923 ORGULlO GITANO. aRTE E INFLUENCIA 24 Ilustraciones de alcantarillas en París, Dominique Louis, diseño por Daniel Arriaga, 2003, pintura digital sobre render. 31 El sistema de alcantarillado de París es considerado uno de los más antiguos y complejos del mundo. A lo largo del tiempo, se ha visto sometido a diversos cambios, y han servido para aliviar a la ciudad de sus desperdicios y evitar enfremedades. En 1370, el rey Carlos V ordenó la construcción de las primeras alcantarillas en el centro de París. Estas primeras cloacas se construyeron con piedra y madera y tenían un sistema de drenaje que las llevaba al río Sena. En el siglo XVII, el rey Luis XIV encargó la construcción de un sistema de alcantarillado más avanzado para la ciudad, y en 1662, se creó una comisión para estudiar el sistema de alcantarillado de la ciudad y se contrató a un ingeniero llamado Héricart de Thury para diseñar el nuevo sistema. La construcción de las alcantarillas modernas se inició en 1735 bajo la dirección de los ingenieros George Bralle y Roland Le Vau y en 1805, se construyó un sistema de túneles subterráneos que permitió el acceso a las alcantarillas para su mantenimiento. Han pasado por numerosos cambios y mejoras para adaptarse a la creciente población y las nuevas tecnologías, y para la película se realizó un análisis exhaustivo del terreno. Un equipo de Pixar tomó fotografias y referencias para diseñar el refugio de las ratas. Alcantarillas de París, fotografías, Pixar Animation Studios 32 Alcantarillas, Dominique Louis, 2003, digital. Estudio de color, Harley Jessup, 2004, digital 33 Se realizó una combinación de escenarios, mezclando grandes escenarios de ópera con la red de alcantarillas que recorren París, tomando como referencia la visión de París de “Los miserables“ de Victor Hugo y “El fantasma de la ópera“ de Gastón Leroux. Igualmente sirvieron de inspiración las obras del italiano Giovanni Battista Piranesi, un arquitecto grabador del siglo XVIII, con una capacidad única de plasmar escenarios clásicos llenos de ruinas, arcos y cadenas colgantes, parecidos a las redes de tuberias de París. "El fantasma de la ópera", 2004, película adaptación de la obra de Gastón Leroux. Tuberías, Dominique Louis, 2003, digital Tuberías, Robert Kondo, 2003, digital. "Carceri VII", 1746, Giovanni Battista Piranesi. 34 Dominique Louis, diseño de Daniel Arriaga, 2004, digital sobre render. Cañerías, Dominique Louis, diseño de Harley Jessup, 2002, pastel. Dominique Louis, diseño de Harley Jessup, 2002, pastel 35 Los roedores llegaron a París de Oriente con la peste bubónica, se trasladaron por los puertos fluviales de la Edad Media huyendo de la hambruna y adueñándose de las cloacas. Se crearon leyendas sobre el tamaño de las ratas, y su gusto por devorar niños. Durante el siglo XIX, Carlos Adriano París y Edine Frege formaron París y Frege, una compañia que duró 10 años, encargada de hacer desratizaciones en París. En 1849, las autoridades, apoyados por dos mercaderes de guantes de Grenoble, prometieron recompensas de 100 francos por millar, que desencadenó una persecución masiva de ratas que se utilizaron para la elaboración de dichos guantes. "Gazette des tribunaux", periódico de jurisprudencia y debates judiciales, 27-12-1843, n. 5209 p. 196 y 328 "Marchand de mort-aux-rats", 1846, Paul Gavarni , Ilustraciones para la revista "Le Magasin pittoresque" desratizadores. El fin de las plagas 36 Storyboard, Daniel Arriaga, 2006, lápiz, 11 x 17 ". Escenas de la película, 2007. 37 En París es conocido el problema de plagas, y en ocasiones es necesario acudir a especialistas para combatirlas. Se introduce al inspector de sanidad, un pequeño detalle que muestra la importancia de su función y sirve para caracterizar aún más el ambiente de la película. Continuamente, Remy y su padre discrepan acerca del contacto de los humanos. Para hacerle entrar en razón, le muestra los instrumentos de caza para acabar con las ratas, demostrando el daño que pueden infringirle las personas si se confía. Con el fin de desplazarse y transportar mercancías sobre lagos y ríos, el transporte fluvial se ha ido desarrollando a lo largo de los siglos gracias a las técnicas de construcción naval. En Francia, la industria marítima y de transporte es una parte importante de la economía. Es uno de los principales países exportadores de productos marítimos. En el siglo XV, por el desarrollo y novedades que trajeron los arquitectos y constructores franceses comienzan a construirse los canales, aumentando el trafico fluvial entre las diferentes zonas y desarrollando la navegación fluvial. En el siglo XVII, el primer canal de reparto fue el Canal de Briare, que unía por vía navegable los ríos Loira y Sena. En 1681, Pierre Paul Riquet creó el Canal de Midi y el primero en crear un estanque para alimentar su canal. A partir del siglo XVIII, la navegación fluvial se desarrolla gracias a los canales de unión, que permiten crear una unión entre ríos de dos regiones diferentes y remplazar la circulación marítima de mercancías por transportes fluviales interiores. En el siglo XIX, el canal se convierte en una red estratégica y una necesidad económica. Empieza a unir países y a favorecer enormemente los intercambios comerciales en el territorio europeo. La invención del embalse permitió canalizar grandes y pequeños ríos e incrementar la red de vías navegables. A partir del siglo XX, después de la Primera Guerra Mundial, las vías fluviales comienzan a interesar el sector del turismo, por su carácter cultural y educativo. Las embarcaciones fluviales empiezan a ser utilizadas para el transporte de pasajeros en ríos y canales, ofreciendo vistas panorámicas de la hermosa campiña francesa en un ambiente relajado. De igual manera, Francia cuenta con una amplia gama de embarcaciones de transporte público en las ciudades, como los botes autobús y las barcazas que se utilizan para cruzar los ríos y canales de la ciudad. Estas embarcaciones ofrecen una alternativa conveniente y eficiente al transporte terrestre. EmbarCaCiones. Historia y diseno naval Embarcación fluvial, fotografía 38 Embarcaciones fluviales, fotografías 39 Retirada de Dunkerque, 1940, National Geographic, fotografías. Storyboard, Louis Gonzales, 2005, digital En algunos casos, cuando la situación se vuelve peligrosa, es mejor retroceder y huir si es posible. Durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918), Francia tuvo una flota importante, aunque no tuvo un papel decisivo en el conflicto. Sin embargo, durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), la flota francesa fue derrotada por los alemanes y las tropas francesas, británicas, belgas y canadienses tuvieron que replegarse y huir de las playas donde se encontraban. Durante el film, cuando Remy y su hermano son descubiertos dentro de una casa humana, la dueña intenta deshacerse de ambos, encontrando casualmente una colonia de ratas viviendo sobre su techo. Esto produce una huida masiva que hace que las ratas tengan utilizar unos barcos fabricados por ellas, hechos de objetos y materiales en desuso. Se tuvieron que tomar diferentes ideas sobre cómo las ratas podrían usar la basura para construir sus casas, balsas y el entorno. Pixar no buscaba que se pensara que estaba construido para las ratas, sino que estuvieran construido por las ratas. 40 Personajes Alfredo Linguini. el ESFUERZO Y EL TALENTo Linguini es el semejante de Remy en el mundo de los humanos. Huérfano de madre, inquieto e inútil, nervioso, anímicamente inestable y sin ningún ápice de carácter. Antes de morir, su madre lo envía al restaurante de Gusteau, con el fin de conseguir labrarse un porvenir. Sin embargo, el chef Skinner busca su ruina tras enterarse de que es el único heredero de Gusteau. Tendrá que hacerse respetar por medio de la alta cocina francesa con la ayuda de Remy. La personalidad del personaje esta implícita en su diseño, en este caso torpe, desgarbado y raro. Suele estar sumergido en su mundo, de ahí esos grandes ojos saltones y esa característica tan suya de parecer siempre sorprendido o preocupado. Su personalidad le jugará malas pasadas y el personaje irá evolucionando respecto a los acontecimientos de la película. Se realizó un gran estudio de diseño y definición 3D. Linguini es un personaje con una serie de rasgos que lo hacen tanto interesante y admirable como descuidado y un desastre. Posee un espíritu trabajador y una voluntad de aprender que lo hacen una figura inspiradora. Aun teniendo una gran falta de de experiencia y habilidad, se esfuerza por dar lo mejor de sí mismo, demostrando una gran lealtad y determinación. Durante la producción, con el fin de mejorar las expresiones de los personajes, se preguntaban si podrían contar la escena sin ningún tipo de diálogo. Y desde que las ratas pueden entender a los humanos, pero no viceversa, hubo que encontrar la manera de que Remy se comunicara con Linguini. Esta relación es probablemente la chispa de la película. Estudio de iluminación, Robert Kondo, 2003, pintura digital sobre escultura de Greg Stryka, Jason Dreamer, 2003, lápiz y rotulador, escultura de Greg Stryka, 2004, aceite de arcilla 48 Carter Goodrich, 2000, lápiz. Estudio de sombreado, Randy Berret, 2003, digital sobre escultura. Eureka!, Ratatouille, 2007 49 Compañeros, Ratattouille, 2007. Estudio de iluminación, Sharon Calahan, 2006, digital sobre render 50 Estudio de iluminación, Sharon Calahan, 2006, digital sobre render. Sorprendido, Ratatouille, 2007. Fama, Ratatouille, 2007 51 Al principio de la película, se introduce al personaje de Auguste Gusteau, el Chef más famoso de toda Francia, y que siguiendo la filosofía de cualquiera puede cocinar, triunfa en el mundo de la cocina y posiciona a su exitoso restaurante “Gusteaus’s“ con cinco estrellas como el más famoso de todo París. Para Remy, Gusteau es su referente culinario, del que aprende por medio de un recetario escrito por el Chef. Sin embargo, debido a las críticas recibidas por el crítico Antón Ego, el restaurante comienza a perder estrellas, lo que lleva a la desgracia al Chef, que acaba falleciendo del disgusto. De aparencia, Gusteau es un hombre de alta estatura y complexión grande. Su tamaño marida con una actitud refinada y delicada, que le hace un hombre elegante, amable a la vez que serio y autoritario. Su desarrollo dentro de la película es a través de las conversaciones como conciencia que tiene con Remy, que van marcándo las preocupaciones y evolución personal que experimenta la rata durante la trama. De alguna forma, Gusteau está representado dentro de la película como la cocina en sí misma, el alma y pasión de todo cocinero, que busca hacerse un hueco y destacar con respecto al resto. Incluso dentro del restaurante, aparecen imágenes de Gusteau visto como Zeus, representándole como un dios culinario. Auguste Gusteau. La grandeza y la deliCadeza Jason Demeros, estudios de movilidad, 2004 52 Dominique Louis, diseño de personaje de Robert Kondo, 2004, digital. Escultura, Greg Dykstra, 2004, aceite de arcilla. Estudio de movilidad, 2005, Daniel Aririaga 53 Dominique Louis, diseño de personaje de Daniel Arriaga, 2004, digital sobre render. Carter Goodrich, 2000, lápiz. Randy Berret, Mark Holmes y Maria Lee, 2006, digital 54 Estudio de color, Harley Jessup, 2005, digital. Randy Berret, 2004, digital. Bocetos, Carter Goodrich, 2004, lápiz 55 El Chef Skinner es el antagonista principal de la película y jefe de cocina del famoso restaurante “Gusteau’s”, una vez que fallece Gusteau. Continuamente dispuesto a enfrentarse a Linguini y a Remy, Skinner está obsesionado con mantener el control y reputación del restaurante y, en lugar de permitir que los cocineros experimenten con nuevas ideas, insiste en seguir las mismas recetas una y otra vez, para no correr riesgo alguno. Es un hombre pequeño, menudo y de piernas cortas. Tiene unas orejas extremadamente grandes, el pelo pegado a la frente y un bigotillo casi innapreciable. El contraste con Linguini o con el gran Gusteau lo hace parecer un personaje mucho más cómico, cuya imagen causa menos grandeza que cualquiera de los anteriores. Con los parpados caídos y una mirada analizadora, Skinner pronto se convierte en la pesadilla de Linguini, al que no le da ni medio respiro. La personalidad del personaje prima por su astucia y ambición. Skinner es arrogante, desconfiado y codicioso. Su obsesión con mejorar su propia imagen y la del propio restaurante hace que quiera convertirlo en una cadena de comida rápida. A lo largo de la película, tendrá que enfrentarse a su falta de habilidades culinarias, mientras intenta descubrir la relación entre Linguini y Remy. El antagonista pequeño y astuto es una figura muy utilizada en películas y libros de dibujos animados, tales como Lucius Detritus en el comic “Asterix y Obelix: La cizaña“. Skinner sirvió de referencia para Quasimodo Wilson, antagonista y Chef de cocina de la película “Hotel Transylvania”. En resumen, Skinner representa la idea de que tradición e imagen son más importantes que la creatividad y la innovación en la cocina. Su obsesión por el control lo llevan a subestimar al resto, para finalmente demostrar que estas nuevas actitudes pueden y deben coexistir con los valores tradicionales de la cocina. Chef SkinNer. El Cambio a la neCesidad Escultura, Greg Dykstra, 2004, aceite de arcilla. Dan lee, 2003, digital. Carter Goodrich, 2000, lápiz 56 Carter Goodrich, 2002, lápiz 63 Estudio de sombras, Ernesto Nemesio, 2004, digital sobre escultura. Escultura, Jerome Ranft, 2003, aceite de arcilla. Estudio de sombras, Belinda Van Valkenburg, 2003, digital sobre escultura, diseño de Greg Dykstra. Estudio de color, Harley Jessup, diseño de Jason Katz, 2005, digital sobre storyboard. Escultura, Jerome Ranft, 2004, aceite de arcilla. Escultura, Jerome Ranft, 2003, aceite de arcilla 64 Estudios de iluminación, Sharon Calahan, 2005, digital sobre render. Brigada de cocina, Ratatouille, 2007. Brigada de cocina, Ratatouille, 2007. 65 Antón Ego es el ángel de la muerte en el mundo de la cocina, aparece durante la película como un crítico sofisticado y culto, seco y afilado que no aprecia la comida si no está excelentemente realizada. Al principio de la película, tras realizar una crítica devastadora, consigue la ruina del aclamado chef Gusteau, que, poco después, fallece de disgusto. En el momento que se entera de la presencia de Linguini, que comienza a sacar de nuevo a flote el restaurante, pretende acabar de igual manera con él. El físico del crítico es preocupante, alto y estirado, con una ligera encorvación, que le podría asemejar a la imagen de un buitre. Sus grandes y penetrantes ojos y su aguileña nariz son también características que lo hacen más imponente y terrorífico. De tez pálida, y como modo de acentuar más su personalidad, Ego va vestido únicamente con prendas negras o muy oscuras, que le podrían asemejar al propio Conde Drácula. La profesión de crítico es complicada y muchas veces rechazada. Ego es un hombre serio y solitario, que conoce la importancia de sus valoraciones, que aprovecha para intimidar al resto. Sin embargo, también es un hombre inteligente y culto, que aprecia la buena comida y el arte en general. A medida que avanza la película, se descubre que detrás de su fachada dura y distante, hay un hombre que siente pasión por la comida y que está dispuesto a reconocer el talento cuando lo encuentra. Anton Ego es un personaje complejo y fundamental, donde tras su apariencia seria y formal esconde una personalidad apasionada y exigente. Su cambio de actitud hacia el final de la película es uno de los momentos más emotivos y significativos de la trama, y que potencia el mensaje de que la belleza se encuentra en los lugares más inesperados. Anton Ego. El Cliente Storyboard, Louis Gonzalez, 2005 66 Carter Goodrich, 2001, lápiz, Dan Lee, 2003, digital. Carter Goodrich, 2001, lápiz 67 Críticas, Ratatouille, 2007. Conde Drácula, ilustración. Autoretrato, Ratatouille, 2007. Enfado, Ratatouille, 2007 68 Infancia, Ratatouille, 2007. Dan Lee, 2005, digital 69 "Una mañana a las puertas del Louvre", Edouard Debat-Ponsan, siglo XIX, Still-life with parrot, George Flegel, cubiertos, fotografía. PRECURSORES. Grandes figuras de la Cultura Culinaria Catalina de MediCi Aunque son muchas las eminencias culinarias francesas, unos pocos revolucionaron la cocina francesa hasta el día de hoy. En primer lugar, aún sin ser de origen francés, Catalina de Médici ha sido considerada como la auténtica fundadora de la revolución culinaria del país. Redefinió la pastelería francesa e introdujo el uso de utensilios de cocina durante el siglo XVI. El tenedor fue introducido por mercaderes venecianos y causó revuelo entre la población, que lo tachó de refinado y pretencioso. Sin embargo, gracias a la gran habilidad de Médici de imponer tendencias en la gastronomía, el tenedor acabó por adquirir gran popularidad entre la población. Para principios del siglo XVII el instrumento eliminó por completo la costumbre de comer con las manos. Impuso grandes mesas de postres e implementó flores para la decoración de mesas para las fiestas que ofrecía dentro de la corte. Introdujo gran variedad de ingredientes, recetas y tendencias, tales como el aceite de oliva, las alcachofas, las espinacas o la pasta. Fue la primera noble en introducir el helado a la gastronomía. 70 François-Pierre de La Varenne, representa el punto de partida de la cocina francesa. Inició su carrera en la cocina siendo un niño en las cocinas de Maria de Médicis, esposa de Enrique IV de Francia en 1533. Se le atribuye la creación de la salsa bechamel o los guisantes a la francesa. Fue encargado de las cocinas del marqués de Uxelles y escribió uno de los primeros libros planificadas sistemáticamente en la cocina, con recetas que figuran en orden alfabético, ‘La Cuisinier François’(1651). Su lema en la comida era “Santé, la moderación, raffinement” (la salud, la moderación, el refinamiento). También escribió ‘Le Patissier François’ y ‘Le François Confiseur’, y muchas de sus recetas se siguen utilizando en la actualidad. Introdujo las primeras instrucciones escritas sobre la cocción de verduras, evolucionando la gastronomía francesa a la era moderna, y estableció las bases de uno de los fundamentos de la cocina francesa. Se le considera como el primer investigador gastronómico, en relación a las propiedades de los ingredientes, el modo y sistema de cocinar, la naturaleza de las materias primas en crudo y el correcto uso de las especias. FranCois-PierRe de La VarenNe François Pierre de la Varenne "Le Cuisiner François", 1651. "The hunt lunch", 1737, François Lemoine 71 Durante el siglo XIX, el cocinero Marie-Antoine Carême introdujo en Francia el uso del uniforme en las cocinas. Las cocinas profesionales son lugares pulcros, limpios, con estrictas medidas de seguridad alimentaria que garantizan los niveles de higiene necesarios. Chaqueta, pelo recogido y gorro son, como muchas aportaciones gastronómicas, una costumbre que nació en Francia. Trabajó en el restaurante La Fricasé de Lapin siendo niño, con 16 años, contando con una larga experiencia en cocinas, se dedicó a la pastelería de la mano del prestigioso Bailly, que lo impulsó a seguir aprendiendo en sus ratos libres. Estudió diseños, grabados y obras de arquitectura clásica, que influenciarion su versión de la gastronomía, que consideraba un arte, junto con otros campos como la pintura, la música y la arquitectura. En 1814, mientras se encontraba al frente de los grandes banquetes de su época, al servicio de nobles ingleses, franceses, galeses y vieneses, los ejércitos de la alianza antinapoleónica se instalaron en París , y Carême pasó a formar parte del servicio del Zar de Rusia Alejandro I. Se retiró en 1829, y escribió los libros que han guiado el camino a la cocina moderna. En “L’art de la cuisine français” explica todas sus ideas y categorías culinarias, que superan los clásicos recetarios y tratados de cocina que había en la época. Los libros de Carême analizan la organización de los platos y alimentos. Marie-Antonie Careme Maire Antoine Careme. Pièce Montée. " Le maître d'hôtel français", Maire Antoine Careme. 72 Paul Bocuse, fotografía Entrevista, Ratatouille, 2007. Apertura de "Les Chefs de France", 1982, fotografía. Estudio de iluminación, Sharon Calahan, 2006, digital 79 Para conocer a fondo cómo trabajan en una cocina profesional, la función de cada cocinero y la diligencia y orden que lleva la elaboración de los platos, Pixar requirió ayuda externa, y varios animadores asistieron a clases de cocina en diferentes escuelas de San Francisco. Incluso Thomas Keller, un famoso Chef especializado en gastronomía francesa, permitió al productor internarse en la cocina en el restaurante French Laundry. Durante varios días, el equipo de animación estuvo visitando París, y algunos de sus mejores restaurantes, con el fin de plasmar fielmente su trabajo. La fachada del restaurante Gusteau’s, se basó en la del La Tour d’Argent, un reconocido restaurante parisino, y el restaurante final que dirigen Linguini y Colette en el Procope de París. Para un mayor realismo expresivo, el equipo técnico estudió gran número de películas clásicas francesas, analizando los conceptos y hábitos “más franceses posibles”, sobre todo los movimientos bucales al hablar. Actores franceses como Brigitte Bardot o Serge Gainsbourg sirvieron como inspiración para la creación de los personajes. Con objeto de completar la ilusión, el conjunto de música, diálogo y el arte abstracto ligado a los nuevos sabores que va experimentando Remy, se representan unas sensaciones mentales, unas “métaforas visuales“, inspiradas en las obras de Oskar Fischinger y Norman McLaren Thomas Keller, fotografía. Creación de Ratatouille, fotografía. Elaboración de Ratatouille, 2007, Ratatouille apliCaCiOn DE MeTAFORAS VISUALES 80 Dominique Louis, diseño de Harley Jessup, 2004, digital. La Tour d'Argent, fotografía. Court Métrage d'Animation, 1955, Norman Mclaren. Kreise (Circles), 1933-34, Oskar Fischinger. Remy degustando, 2007, Ratatouille 81 Según el productor, una cocina no difiere mucho de un estudio de animación, hay que ordenar las ideas, organizar a los animadores y cuidar hasta el más mínimo detalle. Y siguiendo con esa filosofía, se buscó la excelencia a la hora de elaborar animaciones digitales de alimentos con un aspecto delicioso. En el departamento de modelado, utilizando tecnología de sombras y efectos crearon frutas y vegetales, basadas en la misma técnica de dispersión de luz utilizada sobre la piel en Los Increíbles, y le dieron un toque de textura orgánica y movimiento a los alimentos. Para crear una pila de abono orgánico realista, el departamento de arte fotografió quince clases distintas de productos en descomposición. Para representar las fantasías culinarias de Remy y ese mundo idílico de comida, Pixar se inspiró en la obra “el Cascanueces” de Chaikovski, cuando en la actuación, las bailarinas se mueven mientras los copos de nieve van cayendo. Los animadores fueron cautelosos con la apariencia de los alimentos, pues demasiada decoración y retoque podían dar sensación de falsedad y mucho realismo convertirlos en alimentos poco apetitosos. El fin era remover el apetito del espectador, creando alimentos suculentos como si de estrellas de cine se tratara. Para ello la comida tenía que ser más estilosa e interesante que la real, más pomposa y jugosa, con colores vivos y suaves sombras. El climax aparece cuando Remy elabora el Ratatouille, pues sin ser un plato muy elaborado, hubo que convertirlo en el plato perfecto, único y con una apariencia deliciosa. Dominique Louis, diseño de Harley Jessup, 2003, digital. "El Cascanueces", adapatación, fotografía, Dominique Louis, 2003, digital TeCniCas de textura e iluminaCion 82 Dominique Louis, diseño de Harley Jessup, 2003, digital. Jason Deamer, 2005, digital. Sarah Fowler y Raymond Wong, 2006, digital sobre render. Athena Xenalkis y Raymond Wong, 2005, digital sobre render 83 CoCina DisposiCion La disposición en una cocina es igual de fundamental que la gente que trabaja en ella. Se debe permitir un fácil acceso a todas las áreas de trabajo, y al mismo tiempo, crear un ambiente acogedor. Es bastante común que las cocinas se dispongan en forma de U, y el mobiliario se disponga enfocado a la funcionalidad, sin perder la elegancia y la eficiencia para la correcta preparación de los platos. Las mesas de trabajo son de gran tamaño, espaciosas para permitir elaborar recetas complejas, y el fregadero suele situarse en el centro de la cocina, para que sea accesible desde cualquier puesto de trabajo. En cuanto a la iluminación, como punto importante de la cocina, siempre que se pueda, es adecuado tener luz natural. Las cocinas tradicionales a menudo cuentan con lámparas colgantes y apliques de pared para iluminar las zonas de trabajo. Por otro lado, el almacenamiento es clave en la cocina. Deben exisitir armarios y estantes diseñados para almacenar desde platos y utensilios, hasta ingredientes y especias.El espacio es primordial y suele existir una despensa para guardar los alimentos que no se van a consumir en ese momento, así como unos muebles de cocina que integren en ellos los electrodomésticos, como el horno, el lavaplatos o la nevera. Harley Jessup, 2002, lápiz y rotulador 84 En la película, cuando Remy observa desde el tragaluz, nos presenta a los personajes y los distintos puestos de la cocina. Dentro de la zona considerada cocina, se encuentra el despacho del Chef, una despensa y un patio exterior donde se encuentran las basuras y por dónde entran los camiones de reparto. Debido a la cantidad de acción que se lleva a cabo en la cocina, los animadores buscaron dar al espacio una buena e interesante apariencia, donde los espacios de trabajo, que parecen estar hechos a mano, contrastan con otras zonas más orgánicas, como el suelo hecho de baldosas irregulares o la pared de ladrillo. La combinación de texturas y superficies hechas por el equipo de animación invita al espectador a observar con detenimiento e interés la cocina. Cocina, fotografías. Dominique Louis,, 2004, digital sobre render 85 Robert Kondo, 2003, digital. Estudio de iluminación, Sharon Calhan, 2005, digital sobre render. Dominique Louis, 2004, digital sobre render. Storyboard, Mike Cachuela, 2002, digital 86 Cocina, fotografías. Dominique Louis,, 2004, digital sobre render 87 La historia de la estética y mobiliario de cocina francés se remontan a la época medieval, cuando eran consideradas el corazón de los hogares nobles, con una función principalmente utilitaria donde no se prestaba atención al detalle. Los muebles de cocina eran rudimentarios y se componían principalmente de mesas de madera y estantes para almacenar utensilios y alimentos. Durante los siglos XVII y XVIII, con el desarrollo culinario, la decoración se volvió más elegante, con detalles ornamentados en el mobiliario y la vajilla, armarios y estantes más elaborados y se comenzaron a utilizar materiales como la porcelana, el vidrio y la plata para la presentación de los alimentos. Se desarrolló una nueva forma de cocina llamada “haute cuisine” que se centraba en la presentación artística de la comida, y los chefs comenzaron a decorar los platos con flores y otros adornos, prestando atención a la armonía entre colores y sabores. El diseño del mobiliario se vio influenciado por el estilo rococó, caracterizado por la exuberancia y la ornamentación. En el siglo XIX, con el auge de la Revolución Industrial, la producción de muebles de cocina se industrializó y se comenzaron a utilizar materiales más resistentes y duraderos, como el hierro y el acero. Esto llevó a la creación de las cocinas en línea, que permitían una mayor eficiencia y funcionalidad en la preparación de los platos. Durante el siglo XX, la cocina francesa se consolidó como una de las más importantes del mundo y los diseñadores comenzaron a prestar más atención al aspecto estético de los muebles de cocina. Se crearon diseños más elegantes y sofisticados, utilizando materiales como el acero inoxidable y la madera maciza. Uno de los diseñadores más famosos del siglo fue Jean Prouvé, quien se especializó en la creación de muebles de acero y aluminio, y, en la década de 1970, la compañía francesa Mobalpa se convirtió en uno de los principales fabricantes de muebles de cocina en Europa, gracias a su enfoque en la innovación y el diseño. Mobiliario. DeCoraCion y utilidad Dominique Louis, 2004, digital sobre render 88 Por último, los juegos de platos que aparece en la película es una vajillla francesa Art Decó de los años 30. En un restaurante de la categoría de Gusteau’s, el diseño y presentación de los platos es de igual manera importante. La vajilla francesa Art Deco desarrolló un estilo caracterizado por sus formas geométricas, sus líneas elegantes y su enfoque en la modernidad y la sofisticación. Se produjo en grandes cantidades durante la década de 1920 y 1930, y se caracterizó por su elegancia y simplicidad. Entre los diseñadores más famosos se encontraban figuras destacadas como René Lalique, Jean Dunand y Maurice Dufrene. Estos diseñadores experimentaron con materiales como el vidrio, la porcelana y el metal, creando piezas únicas y hermosas que se han convertido en iconos del diseño. La vajilla Art Deco francesa se utilizó en hogares y restaurantes de todo el mundo y su influencia se extendió más allá de Francia a países como Estados Unidos y Alemania. Perdió popularidad a medida que el mundo se adentraba en la Segunda Guerra Mundial, pero su legado ha perdurado hasta la actualidad. Hoy en día, es muy valorada por coleccionistas y amantes del diseño. Las piezas originales son consideradas auténticos tesoros y se han convertido en objetos de colección buscados en todo el mundo. Vajilla de James Seignolles, fotografía. Salsa equivocada, Ratatouille, 2007. Sopera, Ratatouille, 2007. Sopera con bandeja del siglo XIX, fotografía 95 L’art de vivre “El placer de vivir”, en francés significa la forma y comportamiento de una persona a adaptarse a los usos y costumbres de otros países o culturas, fue el motor que impulsó la cocina francesa durante el siglo XVI. Según va transcurriendo la película, Remy va transformando su olfato y conocimiento culinario, es capaz de distinguir los alimentos que ingiere y comienza a realizar sus primeros platos sin que nadie más aparte de Linguini lo sepa. Cuando saborea la comida, Remy explica perfectamente los cambios de sabor que van apareciendo en su boca, y se los trata de explicar a su colonia. De alguna forma, se transmite también el mensaje de L’art de vivre, pues Remy y por defecto el resto de la colonia, comienza a adaptarse a los alimentos humanos, a sus elaboraciones y sabores. Poco a poco, las ratas empiezan a dejar sus hábitos más primarios y comienzan a evolucionar, hasta que casi al final de la película, son las propias ratas las que se encargan de la elaboración de los platos y disfrutan de una cena como si de humanos se trataran. Y este es el mensaje que Remy defiende, las ganas de vivir y experimentar, conocer otra forma de vivir en lugar de resignarse y aceptar su condición de roedor, tan desagradable par la sociedad y tan perseguidas por el mundo humano. Harley Jessup, diseño de Enrico Casarosa, 2005, digital 96 Colette y Linguini, Ratatouille, 2007. Remy descansando, Ratatouille, 2007. Organización, Ratatouille, 2007. Storyboard, Ted Mathot y Andrew Jimenez, 2006, digital 97 PARIS PARIS Urbanismo Historia. NaCimiento de LA CIUDAD París es una de las ciudades más ricas y diversas del mundo. Fundada por los celtas en la isla de la Cité en el siglo III a.C., la ciudad ha sido testigo de numerosos cambios políticos, sociales y culturales, reflejados en la arquitectura de la ciudad y que la han hecho evolucionar hasta convertirse en una metrópolis vibrante y cosmopolita. La ciudad comenzó como un asentamiento galo llamado Lutecia, y conquistado por los romanos en el siglo I a.C. Durante el período medieval de París, se construyeron inmensos edificios como la Catedral de Notre-Dame, la Basílica de Saint-Denis, o el Louvre, conocido como fortaleza en el siglo XII y convertido en residencia real en el siglo XIV. Durante el Renacimiento francés, la ciudad se renovó, construyendo numerosos palacios y mansiones para la nobleza. París se convirtió en la capital del reino de Francia y en un centro importante para la religión, la cultura y la política en el siglo XVI, y durante el reinado de Luis XIV vió la construcción de la plaza de la Concordia, el Palacio de Versalles y la Place des Vosges, edificios de un estilo barroco elaborado, con fachadas ornamentadas y detalles extravagantes. En el siglo XVIII, la Revolución Francesa transformó radicalmente la ciudad, derrocando la monarquía y estableciendo la Primera República Francesa. Apareció un cambio hacia un estilo más elegante y sobrio, conocido como el estilo rococó. El Arco del Triunfo y la Ópera Garnier son ejemplos notables de este período. En el siglo XIX, París se convirtió en el centro del arte y la cultura europeos, con artistas como Monet, Renoir y Van Gogh estableciendo sus estudios en la ciudad. París experimentó una revolución arquitectónica con la construcción de los grandes bulevares y los edificios públicos masivos, incluida la Torre Eiffel, que fue construida para la Exposición Universal de 1889, el Palacio de la Bolsa o el Ayuntamiento de París. Catedral de Notre Dame, fotografía 100 El siglo XX fue un período de gran diversidad arquitectónica en París. Durante la Segunda Guerra Mundial, la ciudad sufrió graves daños, y después, París se sometió a una importante reconstrucción y modernización. Se construyeron edificios gubernamentales y de negocios de gran altura, como la Torre Montparnasse y el Centro Pompidou. Durante la Belle Époque, después de la guerra, París se convirtió en un centro de la cultura y la moda, con diseñadores como Coco Chanel y Yves Saint Laurent estableciendo sus casas de moda en la ciudad. Se construyeron muchos de los edificios art nouveau más bellos de la ciudad, como la Casa de la Ópera y la Maison de Verre. Hoy en día, París sigue siendo una ciudad importante en Europa, con una historia arquitectónica rica y diversa, con ejemplos notables de la mayoría de los estilos arquitectónicos importantes de los últimos mil años. La ciudad es famosa por sus monumentos históricos, su gastronomía, su moda y su arte. Es un tesoro para cualquier amante de la arquitectura y una fuente de inspiración y admiración para todos los que visitan. Vista de París, fotografía. Arco del Triunfo, fotografía. La isla de Cité, fotografía 101 La Reforma de Haussmann fue un ambicioso programa de renovación urbana llevado a cabo en París entre 1853 y 1870, durante el reinado de Napoleón III. El objetivo principal de la reforma era modernizar y embellecer la ciudad, al tiempo que se mejoraba la salud pública y se facilitaba la movilidad. El prefecto de París, Georges-Eugène Haussmann, fue el encargado de llevar a cabo esta gran transformación urbana. Su plan incluyó la construcción de amplias avenidas, plazas y parques, así como la eliminación de los callejones estrechos y oscuros de la ciudad medieval. Para ello, se llevaron a cabo demoliciones masivas de edificios antiguos y se crearon nuevos espacios urbanos. Las nuevas avenidas, como los bulevares de Saint-Germain y Saint-Michel, se construyeron con amplias aceras, lo que permitió el tránsito peatonal y mejoró la circulación de carruajes y automóviles. Se crearon parques y jardines, como el Bois de Boulogne y el Bois de Vincennes, que proporcionaron espacios verdes y de recreación para los ciudadanos. El plan de Haussmann incluyó también una altura uniforme de los edificios y puntos de referencia como el Arco del Triunfo y el Gran Palacio de la Ópera. Incluyó mejoras en la infraestructura urbana, como la construcción de sistemas de alcantarillado y agua potable, lo que mejoró las condiciones de vida de los parisinos y redujo la propagación de enfermedades. Tuvo un gran impacto en la ciudad de París y se convirtió en un modelo para la planificación urbana en todo el mundo. Pero, además de conseguir sus objetivos de mejoras sanitarias y de comunicación, la renovación sirvió para finalidades políticas. Y por ello la obra de Haussmann fue especialmente aplaudida por las clases enriquecidas, mientras que parte del pueblo parisino sintió que las obras de Haussmann destruían sus raíces y conexiones sociales. La importante Reforma de HausSmanN Barón Haussmann, 1857, fotografía. La Place de l'Etoile, fotografía 102 El nuevo plan de la ciudad dificultaba revueltas como las de 1830 y 1848, pues impedía físicamente la colocación de barricadas (fácil en estrechas callejuelas medievales pero difícil en avenidas anchas) y facilitaba la labor de las fuerzas del orden a través del rápido desplazamiento por las calles. Contribuyó así a la rápida represión de la comuna de París en 1871. Aunque la reforma fue criticada por algunos en su momento, en la actualidad es vista como una de las mayores contribuciones a la ciudad de París y su patrimonio urbano y arquitectónico. Ciudades como Londres, Viena, Florencia o Bruselas realizaron cambios urbanísticos animados por París. Combate frente al ayuntamiento, 1830, Jean Victor Schnetz. Construcción de la Ópera, fotografía. Vista de París, fotografía 103 La Torre Eiffel es un monumento icónico de París y una de las estructuras más reconocidas en el mundo. Fue construida en 1889 para la Exposición Universal de París, que conmemoraba el centenario de la Revolución Francesa. El arquitecto Gustave Eiffel ganó la competición para diseñar y construir un monumento que simbolizara la modernidad de Francia. Originalmente estaba prevista para ser desmantelada después de la exposición, sin embargo, la torre se convirtió en una atracción turística popular y se salvó de la demolición. La construcción de la Torre Eiffel comenzó en 1887 y fue completada en poco más de dos años, en 1889, utilizando más de 18,000 piezas de hierro y más de 2 millones de remaches para construirla. La construcción fue un desafío técnico, ya que la torre tenía que ser lo suficientemente resistente para soportar el viento y lo suficientemente ligera para no hundirse en el suelo. La torre se eleva a 324 metros de altura y fue la estructura más alta del mundo hasta la construcción del Empire State Building en Nueva York en 1930. A lo largo de los años, la Torre Eiffel ha tenido muchos usos y funciones, y ha tenido que ser renovada y restaurada varias veces a lo largo de los años para mantener su estructura. Fue criticada por algunos intelectuales y artistas franceses, sin embargo pronto se convirtió en un icono de la ciudad de París y en uno de los monumentos más visitados del mundo. Hoy en día, es un lugar turístico muy popular, con tres plataformas de observación que ofrecen vistas impresionantes de París. Es un punto de referencia para los visitantes de todo el mundo que quieren experimentar la belleza de la ciudad desde lo alto de la torre más famosa del mundo. torRe EifFel. NaCimiento de la revoluCion industrial. ICono de una Ciudad Operarios construyedno la torre Eiffel, 1889, fotografía 104 Segundo proyecto para la educación A, elevación lateral, 1900, diseño de la agencia Guimard. Dibujo de un séquito descubierto de la línea 2, 1902, André Mignard. Estación de l'Etoile, Hector Guimard, fotografía. Esquemas de estación de metro, plumilla, Hector Guimard 111 Partes modulares de la estación de Monceau, fotografías Guimard diseñó dos opciones para las entradas al metro, unas con un tejado de cristal y otras sin éste. El arquitecto estaba muy inspirado en las formas de la naturaleza y, tal como hizo en otras obras, las plasmó en este proyecto. A partir de su diseño se construyeron, entre 1900 y 1912, 141 entradas al metro, de las que todavía hoy se conservan 86. El tipo de entrada con cubierta de cristal, llamada édicules, muestra un diseño en forma de abanico abierto. Algunas de las estaciones también incluían un panel opaco decorado con motivos florales y enredaderas. Las entradas más bonitas se construyeron en las paradas de Étoile y de Bastille. Hoy en día solo se pueden ver tres entradas de metro que incluyen la édicule. Dos de ellas son originales, la de la Porte Dauphine y la de Abbesses, trasladada en 1974 desde Hôtel de Ville. La tercera se trata de una réplica hecha en el año 2000 en Châtelet. El modelo más simple de entrada, sin cubierta de cristal, incluye un letrero en el que se puede leer “Métropolitain” entre dos lámparas con formas orgánicas, como si de tallos de flores se tratara, donde la lámpara naranja en forma de gota está envuelta por una hoja, a semejanza de los lirios del valle y otras flores. Dado que el proyecto se plantea desde en un principio a escala urbana, éste se compone de varios módulos, facilitando así su montaje y réplica en las diferentes estaciones de la ciudad. Por ello, los principales materiales utilizados son el hierro forjado y el cristal. El ornamento del acceso a la estación de metro Abbesses es uno de los tres santuarios visibles de las cubiertas realizadas por Guimard en París, conjuntamente con la Porte Dauphine y la Place SainteOpportune. Se trata de una estructura abierta formada por un dosel a dos aguas creado sobre un marco de hierro cubierto con cristal y balustradas de hierro fundido, con motivos vegetales y una estilizada M de metro en la parte inferior, rodeando la escalera de acceso y creando un ambiente típico del Art Nouveau 112 Estación de Monceau, fotografía. Esquemas de ensamblaje de la estación de Monceau, bocetos 113 Porte Dauphine, fotografía. Hotel de Ville, fotografía. Porte Dauphine, fotografía 114 Vista aérea de la entrada B en la estación Porte Dauphine, fotografía. Consola trasera izquierda de la estación de Abbesses Consola, fotografía. Traseras derecha e izquierda de la entrada de la estación Abbesses, fotografías 115 ApliCaCion a ratatouilLe Cuando Remy sale de las alcantarillas movido por el hambre, descubre que se encuentra viviendo debajo de París. experimentando una vista cautivadora de la ciudad, que combina su arquitectura histórica con la vida urbana. París es una ciudad icónica que rebosa de historia y romance, donde las agujas de las catedrales y basílicas se alzan imponentes en el paisaje urbano, destacándose entre los tejados de los edificios. La silueta de la Torre Eiffel, majestuosa y elegante, se alza en medio de la ciudad como símbolo emblemático que representa la grandeza y la belleza de París. El río Sena serpentea a través de la ciudad, agregando un toque sereno a la imagen general. Los puentes arqueados que atraviesan el río se extienden majestuosamente, conectando los distintos barrios de París y ofreciendo una vista espectacular tanto de día como de noche, cuando las luces de la ciudad se reflejan en el agua. Los tejados característicos de París se extienden a lo largo y ancho, creando un mosaico de colores y formas. Las chimeneas puntiagudas y las cúpulas de los edificios, acompañdas de tejas envejecidas por el tiempo adornadas de gárgolas evocan la esencia del pasado de París. Los bulevares amplios y arbolados se despliegan como elegantes avenidas, marcando las principales arterias de la ciudad. Desde una perspectiva elevada, Remy observa la forma de vida parisina, con personas paseando por las calles, los cafés animados y los mercados locales que llenan las plazas. La energía de la ciudad fluye constantemente, con una sinfonía visual y auditiva, donde arte, cultura e historia convergen en cada rincón Con el aroma del pan recién horneado y los deliciosos platos que se sirven en los restaurantes parisinos flotando en el aire, Remy despierta sus sentidos y se ve tentado de avanzar hacia el restaurante más cercano. Portada de la película, Ratatouille, 2007 116 Dominique Louis, diseño de Harley Jessup, 2002, pastel. Dibujo mate, Dominique Louis, 2005, digital. Dominique Louis, diseño de Harley Jessup, 2002, pastel 117 A lo largo de los años, los tejados de París han sido testigos de cambios arquitectónicos, innovaciones técnicas y transformaciones urbanas. Durante la Edad Media, los tejados estaban compuestos por tejas planas de arcilla, conocidas como “tuiles”. En el Renacimiento, se comenzaron a utilizar tejas de pizarra que permitían una mayor durabilidad y resistencia a los elementos. Durante el período barroco y rococó, los tejados de París se volvieron más elaborados y decorativos, añadiendo elementos decorativos en los tejados, como gárgolas, estatuas y ornamentación en hierro forjado que se convirtieron en parte integral de la estética de los edificios. Bajo la dirección del Barón Haussmann se promovió la construcción de edificios de estilo neoclásico con tejados a mansarda, como parte de su visión de modernización y embellecimiento de la ciudad, que no solo proporcionaban espacio adicional para viviendas en el ático, sino que también contribuían a la estética arquitectónica general de los edificios. Los tejados de estilo mansarda, son un tipo distintivo de cubierta de techo que se encuentra en París, y deben su nombre a François Mansart, un famoso arquitecto francés del siglo XVII que popularizó este diseño. Se caracterizan por tener un perfil inclinado con una serie de ventanas empotradas en la pendiente del techo, proporcionan luz natural y ventilación a los espacios interiores ubicados debajo del tejado y permiten aprovechar al máximo el espacio habitable en el ático o el último piso de un edificio. Existen dos tipos, la mansarda exterior, donde la línea de la cubierta del tejado es plana y horizontal, y las ventanas están empotradas en la pendiente del tejado, dando una apariencia uniforme y elegante desde el exterior, y, la mansarda interior, cuya línea de la cubierta del tejado tiene un perfil inclinado y las ventanas están empotradas en la parte inferior de la pendiente del tejado, creando un espacio habitable con techos inclinados en el interior del ático. La vista de los tejados parisinos, que han mantenido en gran medida su apariencia, estilo, formas y colores es una de las características más icónicas, reconocibles y pintorescas de la ciudad. Harley Jessup, 2005, digital. Edificios con tejados a mansarda, fotografía Tejados. estilo mansarda 118 Tejados, fotografía. Mansardas, fotografía. Robert Kondo, 2006, tinta y digital 119 Las fachadas de París son una parte esencial de la arquitectura y contribuyen en gran medida al encanto y belleza distintivos de la ciudad, que goza de diferentes estilos plasmados ene ellas. Durante la renovación urbana, se impulsó una regulación sobre los edificios, tratando a la manzana como un conjunto y logrando una imagen homogénea, donde compartían las mismas cualidades, con fachadas organizadas a partir de ejes horizontales marcados por los niveles, alineando balcones y cornisas, y utilizando piedra caliza luteciana local de color crema. Se construyeron numerosos edificios en estilo haussmanniano, que presentan una estructura simétrica, con ventanas y balcones en cada piso y cuyas fachadas se caracterizan por su elegancia y uniformidad. Se utilizan materiales como la piedra de cantera o el hierro forjado, que son detallados ornamentalmente, como las molduras y los frontones decorativos. La planta baja es donde se ubican tiendas y oficinas, el segundo piso es de uso residencial, el tercer y cuarto piso se ornamentaba menos y podía no tener balcones, mientras que en el quinto piso se conformaba un único balcón continuo sin decoraciones. Los edificios se remataban con un techo abuhardillado y ventanas, originalmente destinado a residentes de menor ingreso. Este estilo se encuentra plasmado tanto en el edificio del restaurante de Gusteau’s como en el resto de edificios que aparecen en Ratatouille. La escala de grises que caracterizan a estos edificios, sirven a Pixar para realizar unos grandes contrastes con la vegetación, o las personas que aparecen, utilizando colores mucho más vivos como el rojo o el verde. Explorar las calles de París significa disfrutar de variedad de fachadas que evocan diferentes estilos, creando una experiencia visualmente cautivadora, que capturan la esencia de la historia y el arte. EdifiCios y faChadas. estilo HausSmanNiano Harley Jessup, 2003, digital y rotulador. Harley Jessup, 2004, digital y lápiz 120 Robert Kondo, 2003, digital. Robert Kondo, 2003, digital. Diseños de color, Harley Jessup, 2005, digital 127 El costumbrismo parisino se centra específicamente en retratar la vida y las costumbres de la ciudad de París. Es un movimiento artístico y literario que floreció durante el siglo XIX y principios del siglo XX, y capturó la esencia de la vida urbana parisina en sus diversas facetas. Alguno de los artistas más destacados son Édouard Manet y Henri Toulouse-Lautrec. Se buscaba representar la vida diaria de los parisinos, tanto de las clases altas como de las clases trabajadoras, explorando temas como el trabajo, el ocio, la moda, la gastronomía, los cafés, las calles y los mercados. También reflejaba los cambios sociales y culturales que se producían en la ciudad. Las costumbres son otra forma de conocer la ciudad y a sus habitantes, van apareciendo en escena actividades y acciones que terminan de dar vida a París, desde el tentador vendedor de pan recién horneado que recorre las calles, a pequeñas cafeterías acogedoras en cada esquina. Parisinos elegantes, turistas que disfrutan de un ritmo más tranquilo, vendedores ambulantes ofrecen sus productos, callejones estrechos y puentes que cruzan el río Sena, ofreciendo vistas impresionantes de la ciudad. Los restaurantes, cafés y bistros son lugares populares para socializar y saborear croissants, baguettes, queso y vino. Una terraza al aire libre es una costumbre arraigada en la ciudad, al igual que los mercados callejeros, donde los parisinos acuden regularmente para comprar productos frescos, como frutas, verduras, quesos, pan y flores. Además, se enorgullecen de su estilo elegante y sofisticado. La ciudad ofrece una rica mezcla de historia, arte, gastronomía y estilo de vida, que la convierten en un lugar único y apreciado por sus residentes y visitantes. En el café, 1878, Édouard Manet. En el Moulin Rouge, 1892, Henri de Toulouse-Lautrec. 128 Ego Ratatouille, 2007. Panadero, Ratatouille, 2007. Café en el Sena, Ratatouille, 2007 129 Los mercados callejeros son un importante centro de comercio y arte integral de la vida diaria de los parisinos. Durante la Edad Media, eran lugares animados y bulliciosos donde los comerciantes vendían una amplia variedad de productos. Se ubicaban en plazas y calles céntricas de la ciudad y eran puntos de encuentro clave para la comunidad. En el siglo XIX, se introdujeron los mercados cubiertos, grandes edificios de hierro y vidrio, para proteger comerciantes y productos de las inclemencias del tiempo, y se convirtieron en lugares emblemáticos de la ciudad. Posteriormente se llevaron a cabo renovaciones y modernizaciones por medio de nuevas infraestructuras para adaptarse a las nuevas necesidades y especialización de los mercados. Los mercados de París siguen siendo lugares vibrantes y animados, donde se acude a comprar productos frescos, socializar y disfrutar de la auténtica experiencia de mercado. Son una parte importante de la cultura y la vida cotidiana, y reflejan la rica historia y la diversidad de la ciudad. Harley Jessup, 2002, lápiz y rotulador. Dominique Louis, diseño de Robert Kondo, 2003, digital 130 Harley Jessup, 2002, lápiz. Harley Jessup, 2002, lápiz y rotulador. 131 El rio Sena. Simbolismo e inspiraCion Otra parte importante de París, es el río Sena, que tiene un profundo simbolismo que se extiende más allá de su función como una vía fluvial importante. Es considerado una fuente de vida y vitalidad para la ciudad, pues es el eje central que atraviesa la ciudad y proporciona agua para el riego, el consumo humano y la agricultura, y contribuye a la biodiversidad de la región. El Sena conecta las dos orillas de París, la orilla derecha e izquierda, salpicadas de paseos peatonales, terrazas de cafés, parques y monumentos icónicos, que lo convierten en un lugar popular para pasear, relajarse y disfrutar. Los numerosos puentes que cruzan el río representan la conexión entre diferentes partes de la ciudad y las personas, y se considera un símbolo de unidad y cohesión. Los primeros puentes eran de madera y piedra, y debido a conflictos militares, muchos fueron destruidos o dañados. El puente más antiguo y emblemático es el Pont Neuf, construido entre 1578 y 1607. Durante los siglos XVIII y XIX, se llevaron a cabo importantes proyectos de construcción de puentes, más grandes y duraderos, gracias a los avances en la ingeniería y la arquitectura. El Sena, es un rio que ha sido testigo de eventos históricos y culturales parisinos a lo largo de los siglos, convirtiéndose en un símbolo tangible del patrimonio de la ciudad, y una fuente de inspiración para artistas, escritores y poetas. En general, simboliza la esencia de París, su encanto, su historia y su identidad. Es un lugar de encuentro, belleza y conexión que refleja la vida y el espíritu de la ciudad. Dominique Louis, diseño de Robert Kondo, 2003, digital 132 Vista del Sena, Ratatouille, 2007. Colette y Linguini, Ratatouille, 2007. El Sena, Ratatouille, 2007. Persecución por el Sena, Ratatouille, 2007. Puente de Sully, fotografía 133 El diseño de interiores francés nace en la época medieval, cuando castillos y palacios comenzaron a ser decorados con tapices, alfombras y muebles lujosos y decorados. Durante el siglo XVIII, Francia se convirtió en el epicentro del diseño de interiores, con la creación de estilos como el rococó y el neoclásico, apoyado por la Académie Royale d’Architecture y de la Manufacture des Gobelins, que fomentaron la formación de artesanos y diseñadores. Diseñadores franceses como Jean-François Oeben y Jean-Henri Riesener crearon muebles con formas curvas y elegantes, con detalles tallados y dorados. Introdujeron formas curvas, patas de cabriolé, y el uso de materiales lujosos como la madera de caoba y el bronce dorado. Posteriormente, inspirados por la arquitectura y diseño de la Antigua Roma, se empezaron a utilizar materiales como el mármol o el bronce, y los muebles mostraban detalles dorados y motivos geométricos. A mediados del siglo XIX, influenciado por el movimiento Arts and Crafts, que abogaba por la producción de objetos de diseño artesanales y de alta calidad, se comenzó a experimentar con nuevos materiales y técnicas, creando piezas de mobiliario y objetos de decoración más minimalistas y funcionales, con líneas limpias y sencillas. Durante el siglo XX, el diseño de interiores francés se mantuvo a la vanguardia de las tendencias internacionales, con la creación de estilos como el Art Deco y el modernismo. Los diseñadores franceses, como Le Corbusier, Charlotte Perriand y Jean Prouvé, jugaron un papel importante en la creación de objetos de diseño de vanguardia que combinaban la estética con la funcionalidad. En la actualidad, el diseño de interiores francés sigue siendo muy valorado en todo el mundo por su elegancia, sofisticación y atención al detalle. Existe una continua experimentación con nuevos materiales y técnicas, que crean ambientes únicos y personalizados, combinando lo clásico con lo contemporáneo. ResidenCias. AmbientaCion y diseno industrial Hotel de Varengeville, 1704, fotografía 134 Escritorio Luis XV, Jean Fraçois Oeben. Escritorio, Jean Françios Oeben y Jean Henri Riesener. Harley Jessup, 2005, lápiz y digital 135 El estilo de campo francés, también conocido como estilo Provenzal, es un estilo de diseño de interiores que se inspira en las casas de campo rurales del sur de Francia. Es conocido por su aspecto relajado y rústico, y es muy popular en todo el mundo por su elegancia casual y su encanto tradicional. Sus características distintivas incluyen paredes de piedra, techos con vigas de madera, muebles rústicos, textiles naturales y una paleta de colores cálidos y suaves. Las telas son de lino o algodón en tonos naturales o pastel. También se caracteriza por el uso de elementos decorativos tradicionales, como cerámica, vidrio soplado y hierro forjado. Viviendo en el campo, las necesidades arquitectónicas de la vivienda son diferentes de las de ciudad. Se incorpora pizarra y colores apagados en su arquitectura exterior con fachadas de ladrillo o piedra, techos inclinados y empinados y ventanas altas y arqueadas. Los muebles, también conocidos como muebles rústicos franceses, se caracterizan por su aspecto simple y funcional, se fabricaban principalmente con madera maciza con acabados envejecidos o patinados, y se diseñaban para ser duraderos y resistentes al uso diario. Muchos de ellos presentan detalles de tallado a mano y adornos simples, como tiradores de hierro forjado o herrajes de latón. Este estilo es un ejemplo de cómo la arquitectura y el diseño de interiores pueden estar influenciados por la cultura y la geografía de un lugar. Se ha popularizado en todo el mundo por su encanto campestre y su elegancia relajada, y sigue siendo un estilo muy apreciado por quienes buscan una estética hogareña y acogedora. Casa de campo, fotografía Casas de Campo. estilo provenzal 136 Recreación de la casa de campo, Dimas Vian para Art Station. Cafetera, Ratatouille, 2007. Sillón Art Decó, 1920, fotografía. Lámpara de pie, Ratatouille, 2007. Cafetera Art Decó, fotografía. Lámpara de pie Charleston, fotografía. Televisión antigua, Ratatouille, 2007 143 Apartamentos. evoluCion de la soCiedad y vivienda en Paris En París, los apartamentos abarcan varios siglos de desarrollo urbano y evolución social. Durante el siglo XVII, París experimentó un crecimiento significativo de su población, lo que generó una mayor demanda de viviendas. En esta época, los apartamentos eran considerados una forma de alojamiento de lujo reservada para la aristocracia y la alta burguesía. Durante el siglo XIX, se construyeron edificios de apartamentos más grandes y se popularizó el concepto de la propiedad inmobiliaria. Los apartamentos empezaron a estar divididos en unidades más pequeñas y se alquilaban a diferentes inquilinos. Nace en 1830 el término de “Chambres de Bonne”, pequeñas habitaciones en la última planta de los edificios que alojaban a las empleadas domésticas, mientras los ricos vivían en los amplios pisos de abajo. Hacia finales de siglo, por miedo a las enfermedades contagiosas como la tuberculosis, se restablecen las leyes y los trabajadores comienzan a hospedarse en la misma planta que los patrones, a la vez que los minúsculos apartamentos empezaron a ser objeto de regulaciones sanitarias para preservar la calidad de vida y salud del ocupante. Aunque es importante tener en cuenta que la regulación y legislación sobre viviendas y apartamentos en París han cambiado a lo largo del tiempo, buscando garantizar la calidad de las viviendas y proteger a los inquilinos, a causa de sus connotaciones negativas, con frecuencia los propietarios de diminutas viviendas las anuncian bajo el término “studettes” (diminutivo de estudio, apartamento de una sola habitación). A principios del siglo XX, la construcción de apartamentos se intensificó para satisfacer la creciente demanda de viviendas en París, apareciendo diferentes estilos arquitectónicos, como el Art Nouveau y el Art Deco. En la actualidad, la ciudad cuenta con una gran diversidad de apartamentos, desde pequeñas unidades tipo estudio hasta amplios áticos. Le Pauvre Poète, obra de Carl Spitzweg (1839) 144 Chambre de bonne, fotografía. Tejados de París, fotografía. Vistazo del aparatamento, Ratatouille, 2007. Chambre de bonne, fotografía. Disposición del apartamento de Linguini, digital 145 En un momento de la película, Linguini ofrece cobijo a Remy a cambio de que ésta le enseñe a cocinar, un lugar similar a su personalidad, descuidado y diminuto. El pequeño apartamento adapta la disposición maximizando la funcionalidad y comodidad de los muebles, diseñado como una pequeña habitación independiente, que cuenta con un sofá, un armario y un pequeño lavabo. Dispone también de una pequeña cocina básica para poder preparar sus propias comidas. El sofá que utiliza también de cama se ubica en un extremo de la habitación, contra una pared para aprovechar el espacio y crear un área de descanso. Una pequeña estancia situada al extremo del apartamento cumple la función de armario, donde guarda ropa y otros objetos personales. Esto también ayuda a maximizar el espacio disponible. La mesa se sitúa cerca de la ventana para aprovechar la luz natural, junto a la silla, creando un área de comedor o de trabajo funcional sin ocupar demasiado espacio. Al posicionarlo pegado a una pared, brinda comodidad y facilidad para trabajar o estudiar. Por último, utiliza estantes flotantes en las paredes, para aprovechar el espacio vertical, y almacenar libros, objetos decorativos y otros elementos personales sin ocupar espacio adicional en el suelo. Incluso con unas condiciones de vivienda justas, aparece la deslumbrante vista de París desde el único ventanal de la estancia, que casi hace olvidar al espectador el apartamento. De nuevo Pixar demuestra que hasta en los lugares más insólitos se puede encontrar belleza, un mensaje que se potencia durante toda la película. Recreación del apartamento de Linguini, Dimas Vian para Art Station 146 Robert Kondo, 2006, digital y lápiz. Desayuno, Ratatouille, 2007. Estudio de iluminación, Sharon Calahan, diseño de Josh Cooley, 2005, digital sobre storyboard 147 Robert Kondo, 2006, lápiz. Sofá modelo, Daniel Arriaga, 2006, digital y lápiz Los muebles de un apartamento de este tamaño tienden generalmente a ser compactos y funcionales debido al espacio limitado disponible. La cama es uno de los elementos principales, y, se opta por individuales o sofás cama que se pueden convertir en una cama para ahorrar espacio durante el día. El almacenamiento es esencial. Un armario o cómoda proporciona espacio para guardar la ropa y otros objetos personales. En algunos casos, se utilizan soluciones de almacenamiento adicionales, como cajas o contenedores debajo de la cama. Al igual, una pequeña mesa con sillas plegables es práctica y se puede utilizar como área de comedor o como espacio de trabajo. Dependiendo del tamaño de la habitación, se puede incluir un escritorio o una mesa de trabajo acompañada de estanterías o estantes flotantes, que proporcionan un espacio adicional para almacenar libros, objetos decorativos y elementos personales. Incluso en algunos apartamentos, se pueden instalar electrodomésticos básicos como una nevera, un horno de microondas o una cafetera, dependiendo de las necesidades y comodidades posibles. Pixar se esforzó desde el principio en alejarse de líneas rectas y encuadre perfecto a la hora de diseñar los muebles. Los objetos puestos en escena tenían que parecer hechos artesanalmente y, el hecho de tener que miniaturizar o sobreescalar la película, dependiendo del punto de vista de la cámara, hizo que se mirara más minuciosamente todos los detalles. Los modelos que se tomaban para realizar el mobiliario tenían que lucir perfectamente imperfectos e irregulares. 148 Lámparas pendiente de metal en verde industrial, fotografía. Estudio de iluminación, Sharon Calahan, 2006, digital sobre render. Recreación del apartamento de Linguini, Dimas Vian para Art Station 149 Mansiones. Estilo Chateau y hotels partiCuliers El estilo “château” se refiere a la estética y diseño de los castillos y palacios franceses, más en concreto en los châteaux del período renacentista y barroco, que se caracterizan por su elegancia, opulencia y detalles ornamentados. Con una arquitectura imponente y majestuosa, se caracterizan por fachadas simétricas, torres y almenas, grandes ventanales y techos altos, con molduras, frescos, estucos y adornos detallados que pueden ser abovedados, con vigas expuestas o con pinturas ornamentales. Con detalles arquitectónicos elaborados, como frontones, columnas y frisos decorativos, se utilizan materiales de alta calidad y lujo, como la piedra, el mármol y la madera tallada para los suelos, paredes y escaleras. Todos estos detalles aportan riqueza y sofisticación a los espacios. El mobiliario es elegante y refinado y se utilizan piezas grandes y ornamentadas, como sillas y sofás tapizados, mesas de comedor con tallados y aparadores ricamente decorados. Los colores utilizados en el estilo château son ricos y cálidos, como el dorado, el rojo, el azul profundo, el verde oscuro y el marrón, que crean una atmósfera lujosa y acogedora. Combina elementos arquitectónicos imponentes, detalles ornamentados y mobiliario lujoso para crear un ambiente majestuoso y sofisticado. Comenzó a desaparecer tras el cambio del siglo XX y desapareció completamente en edificios de nueva construcción desde la década de 1930. Castillo de Pierrefonds, fotografía. 150 Castillo de Saumur, fotografía. Castillo de Chenonceau, fotografía. Castillo de Chambord, fotografía. 151 De la mano de este estilo, surgen los hôtels particuliers en Paris como residencias privadas de la nobleza y alta burgesía. Durante los siglos XV y XVI, eran mansiones urbanas rodeadas de altos muros que tenían una estructura defensiva para proteger a sus residentes. Con el Renacimiento, experimentaron una transformación arquitectónica significativa, adaptando un estilo más italiano,elegante y refinado, adoptando fachadas ornamentadas, techos altos, patios interiores y jardines. Durante el reinado de Luis XIV, los hôtels particuliers reflejaron el esplendor del Barroco francés que se caracterizaba por fachadas ornamentadas, columnas salomónicas, detalles escultóricos y amplios espacios interiores. En el siglo XVIII, se adoptó el estilo rococó, y se caracterizaban por su elegancia y ornamentación exuberante, con fachadas asimétricas, líneas curvas y detalles decorativos elaborados. Durante el periodo neoclásico, a principios del XIX, algunos hôtels adoptaron un estilo más sobrio y clásico, inspirados por la arquitectura griega y romana, con fachadas simétricas, columnas corintias y frontones. El Hôtel de Talleyrand y el Hôtel de la Païva son ejemplos notables del neoclasicismo en los hôtels particuliers. Con el tiempo, muchos han sido modificados o convertidos en embajadas o museos, sin embargo, estos edificios históricos siguen siendo apreciados como testigos de la rica historia y arquitectura francesa, y algunos han sido restaurados y conservados como parte del patrimonio cultural del país. Hôtel Hérouet, fotografía. 152