La Serigrafia: de la Bidimensionalidad a la Tridimensionalidad en materiales alternativos al papel

1 2 3 4 “Incluso un camino sinuoso, difícil, nos puede conducir a la meta si no lo abandonamos hasta el final” Coelho, Paulo 5 6 Quiero expresar mis agradecimientos A Doctor Fernando Evangelio Rodríguez por su generosidad al posibilitar la oportunidad de recurrir a su capacidad y experiencia artística y científica fundamentales para la concreción de este trabajo. A Doctor Manuel Silvestre Visa por sus sugerencias y acertados aportes durante la fase inicial de este proyecto. A profesores y compañeros que en su momento me echaran una mano. Al Ayuntamiento de Valencia en la persona del Sr. D. Tono Herrero Director del Espacio Cultural Biblioteca Casa de La Reina. A mis padres y mi hermano. Sin ellos nada seria posible tal y como es. Gracias por permitirme errar y apoyarme para aprender y seguir en delante. Gracias por la confianza. Gracias por la total disponibilidad. Gracias por vuestro amor incondicional. A Carlos por su siempre mirada crítica y por la comprensión con que enfrentó este longo tiempo de estudio y trabajo, con momentos de ausencia, cansancio y angustia. Gracias por tu presencia para compartir. Aunque lejos estuviste siempre conmigo. Muito Obrigado! 7 8 Agradecimientos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . I Índice . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 7 II Presentación . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 9 III Investigación Conceptual_Referentes Histórico-Artísticos . . . 13 III.I Dan Graham . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 14 III.II Eva Hesse . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 17 III.III Ron Mueck . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 19 III.IV Michal Macku. . . . . . . . . . . . . . . . . . . 21 IV Desarrollo del Trabajo Práctico . . . . . . . . . . . . . . 25 IV.I Memoria Conceptual . . . . . . . . . . . . . . . . .25 IV.II Memoria técnica . . . . . . . . . . . . . . . . . . 27 IV.III Proceso de trabajo . . . . . . . . . . . . . . . . 30 IV.III.I Serie Plásticos . . . . . . . . . . . . . . . . . 33 IV.III.I.I Reproducciones . . . . . . . . . . . . . . . 34 IV.III.II Serie Ceras . . . . . . . . . . . . . . . . . . 41 IV.III.II.I Reproducciones. . . . . . . . . . . . . . . 42 IV.III.III Serie Acrílicos . . . . . . . . . . . . . . . . . 49 IV.III.III.I Reproducciones. . . . . . . . . . . . . . .50 IV.III.IV Serie Vidrios . . . . . . . . . . . . . . . . . .55 IV.III.IV.I Reproducciones. . . . . . . . . . . . . . .56 V Exposición del Proyecto . . . . . . . . . . . . . . . . . 63 V.I Registro fotográfico de la exposición. . . . . . . . . . . 65 VI Presupuesto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 69 VII Conclusiones . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .71 9 III.I Dan Graham Dan Graham, nacido en Urbana, Illinois en 1942, es un artista conceptual que actualmente vive y trabaja en Nueva York. A lo largo de su carrera, iniciada en los años sesenta, ejerce funciones de galerista y critico de arte, colaborador en revistas especializadas, performer, cineasta y escultor. Encajando su obra en la constante relación bellas artes - cultura popular, Dan Graham se pretende situar en el núcleo del contexto artístico de las décadas de setenta y ochenta, cuestionando el sistema del arte, la obra y su autonomía, la representación y percepción que origina. “Explora diversos territorios combinando distintos parámetros relacionados con el mundo real y el ámbito del arte […] alejándose de la finalidad primordial de los soportes, plantea una nueva manera de afrontar la actividad artística”3. Desde el inicio de su carrera hasta ahora, se podría afirmar que su obra es un híbrido entre arte y arquitectura. Ha realizado trabajos de urbanismo y arquitectura urbana en espacios como galerías comerciales o edificios corporativos, instalaciones y intervenciones en museos y fundaciones, abordando su obra en relación con el paisajismo histórico y el diseño de parques urbanos. Se dedica también a escribir ensayos teóricos sobre la función histórica, social y ideológica de los sistemas culturales contemporáneos. En su discurso, la arquitectura, la música popular,el video y la televisión, son el tema central de sus ensayos, 3 Maure, Gloria, 1998. Fundació Tàpies, Programación. Consultado en Diciembre 2010, en Fundació Tàpies: http://www.fundaciotapies.org/site/spip.php?rubrique220 16 performances, instalaciones, videos y diseños arquitectónicos y escultóricos. Por utilizar materiales de la vida cotidiana, esencialmente cristales y espejos, economizando y apuntando a la intención y al interés plástico, por jugar con la interacción obra-sujeto, Dan Graham es uno de los primeros referentes en lo que corresponde a los trabajos previos a La Serigrafia: de la Bidimensionalidad a la Tridimensionalidad, en materiales alternativos al papel producidos en la época de especialidad en Escultura. En obras como “Two Adjacent Pavilions”, Graham crea “sus dispositivos para ser vistos y para ver, en los que el sujeto , transparente y reflejado por el cristal, espejo y pantalla, explora y experimenta simultáneamente la libertad de esa transparencia y el vértigo de sus efectos”4. Piezas como esta demuestran la capacidad sugerente del vidrio y su poder para transformar la realidad espacial a través de la transparencia, los reflejos o sutiles actuaciones superficiales, particularidades buscadas en este Proyecto Final de Máster FIG.I Graham, Dan, “Two Adjacent Pavilions”, Documenta 7, Cassel 1982. 4 Pagé, Suzanne, en texto publicado en el catálogo de la exposición DAN GRAHAM, del ARC Musée d'Art Moderne de la Ville de París. 17 FIG.II Graham, Dan, “Two Adjacent Pavilions”, Documenta 7, Cassel 1982. “En Two Adjacent Pavilions(1978-1982) estudia la reflexión sobre dos módulos realizados con vidrio de espejo reflectante. Uno de los pabellones está tapado con un techo de vidrio transparente y el otro opaco. Con esta diferencia Graham consigue que percibamos a través de la incidencia de la luz solar en el interior de los módulos, todo el universo de semitransparencias que se pueden producir” 5. 5 Tectonica 10,Vidrio (I), 2010. Monografias de arquitectura, tecnología y construcción. Sugerencias. Consultado en Febrero 2011, en Tectonica: http://www.tectonica.es/arquitectura/vidrio/sugerencias.html 18 III.II Eva Hesse Eva Hesse (11 de enero de 1936 a 29 de mayo de 1970), fue una escultora estadounidense dedicada a montar instalaciones. Nacida en Alemania, es conocida por su trabajo precursor en materiales como el látex, la fibra de vidrio y el plástico. Perteneciente a una familia judía de Hamburgo, vivió un tiempo en Inglaterra, pero creció y estudió en Nueva York y Yale, donde había emigrado con sus padres y su hermana. Se casa en 1961 con el también escultor Tom Doyle y entre 1964 y 1965 estuvieron viviendo en un molino textil abandonado en Alemania, hecho que influyó la obra de Hesse una vez que ahí comenzó a producir esculturas con los materiales que allí habían sido abandonados de la fabricación textil. Su carrera como artista solamente dura una década, dado que se muere como consecuencia de un tumor cerebral en 1970. Hesse tiene su primera etapa de creación entre el año de 1960 y el de 1964 donde se concentra sobre todo en pintura. Su trayectoria da para muchos análisis, siempre experimentando con nuevos materiales que ponen en contraposición al arte minimal vigente. El látex y el vidrio, así como materiales de deshecho, son bienvenidos en su complicada reflexión y diálogo con el arte del momento. Su obra se analizó durante años, siguiendo los intrincados caminos de una existencia marcada por la huida de Alemania y la pérdida de gran parte de su familia en campos de exterminio. Varios fueron los artículos de análisis publicados después de su muerte, como es el caso del de Barbara Rose en que decía que Hesse era una “hermosa y valiente mujer que produjo en pocos años una de las más imponentemente originales obras del reciente arte norteamericano”6. Dejó una obra en la que se combinan materiales duros y blandos destacando las cualidades sensuales del material en unas obras de enorme sensibilidad, vigorosas en su aparente fragilidad y fugacidad, y 6 Rose, Barbara, A Special Woman, Her Surprise Art, Revista Vogue, Marzo de 1973 pp 50. 19 que imponen sus formas al espectador. La artista consideraba que sus frágiles obras se perderían con el tiempo, por lo tanto quien coleccionara sus composiciones se quedaría sin nada. De esta manera comprendía el valor del arte elaborado con materiales no convencionales. Como su obra, eminentemente frágil y efímera, fue su vida desde los tiempos de huida de su familia judía de Alemania, culminando con su prematura muerte. FIG.III Hesse, Eva, “Sin Titulo”, 1968 Instalación en Yale University Art Gallery ,1992; FIG.IV Hesse, Eva, “Contingent”, 1969 Instalación de estopilla, látex y fibra de vidrio (variable)7. 7 En IX.II Anexo, declaración de Eva Hesse sobre “Contingent”. 20 III.III Ron Mueck Ron Mueck, nacido en 1958, es un escultor australiano que actualmente vive y trabaja en Inglaterra. Artista contemporáneo, autor de obras hiperrrealistas, a veces de formato pequeño y otras en dimensiones gigantes. Los personajes creados por Ron Mueck aparecen como congelados en momentos corrientes de la vida, que son efímeros, pero que tienen la fuerza de cambiar o influenciar nuestra existencia. Tiene como origen profesional los efectos especiales para el cine trabajando con Jim Henson, importante artista de marionetas, pero ya había dado un paso hacia el mundo del arte explotando su talento para crear figuras plásticas de un sorprendente realismo. Después de fijar su residencia en Londres donde funda su empresa de creación de componentes y “animatronics” para la publicidad, Mueck desea cada vez más producir piezas que pudieran ser observadas desde todos ángulos. Ansiaba crear esculturas y no los trabajos diseñados para ser fotografiados desde una determinada perspectiva que ocultaba el desorden inacabado de otro ángulo de la misma pieza. Entra en el mundo del arte de mano de su suegra, la pintora portuguesa Paula Rego, que le presenta a galeristas y personas del medio. Las esculturas del artista representan fielmente detalles del cuerpo humano jugando con la escala para crear figuras que nos impactan: “Nunca hice figuras de tamaño natural porque nunca me ha parecido interesante. Todos los días vemos gente a tamaño natural.”8 Trabaja con resina de poliéster, silicona y otros materiales sintéticos, que luego va uniendo y a los que aplica el tinte que desea, según la 8 Entrevista con Ron Mueck, Artista, Sculpture Magazine, Julio 2003. 21 coloración de la carne, para finalmente añadirles cuidadosamente el pelo, que puede ser humano, de caballo o de fibra acrílica. Una de sus primeras obras, y de las más impactantes es Dead Dad (Papá Muerto) de 1996-97, en la que representa el cuerpo de su padre muerto, en una hiperrealista y impresionante escultura de silicona y otros materiales en la escala de aproximadamente dos tercios del tamaño natural. Es la única obra de Ron Mueck en que este usa su proprio pelo para la obra final. Aquí lo más escalofriante es el rigor con que retrata la apariencia de la muerte. FIG.V Mueck, Ron, “Dead Dad”, 1996 Aproximadamente dos tercios del tamaño natural, silicona y tinta acrílica. Es a partir de la exposición Sensation,9 que causó polémica y otras reacciones extremas entre los críticos y el público, que se proyecta en el mundo de la arte. 9 Para mejor comprender el impacto de Sensation, consultar el IX.III Anexo. 22 III.IV Michal Macku Michal Macku es un fotógrafo Checoslovaco, nacido en 1963, que empieza e trabajar como artista freelance en 1992. También mantiene interés en la escultura, el dibujo y la gráfica. En 1989 crea su técnica personal, por la cual es especialmente reconocido, a la que llama Gellage que sigue trabajando y desarrollando. Su actual trabajo se desarrolla entre las Gellages, los Carbon Print y los Glass Objects. Exceptuando algunos casos, el cuerpo presente en sus piezas es el suyo. A partir de este auto-conocimiento de su cuerpo se expresa con gran eficacia. Con esta auto-búsqueda incrementa su interés por aspectos religiosos y filosóficos en un dualismo de corporeidad y espiritualidad. El artista nos comenta: “Utilizo el cuerpo humano desnudo (sobre todo el mío propio) en mis fotografías. Con el proceso fotográfico del “Gellage”, se obliga a este cuerpo humano concreto a unirse con el entorno y distorsiones abstractas. Esta conexión es la más emocionante para mí y me ayuda a encontrar nuevos niveles de humanidad en el trabajo resultante. Estoy siempre buscando nuevos medios de expresión y, paso a paso, voy descubriendo casi ilimitadas posibilidades por mi trabajo con la gelatina afloja”.10 10 Traducción propia del original de MACKU, Michal, 2007. About Technique:Gellage. Consultado en Diciembre 2010, en Michal Macku: http://www.michal-macku.eu/ "I use the nude human body (mostly my own) in my pictures. Through the photographic process [of Gellage], this concrete human body is compelled to meet with abstract surroundings and distortions. This connection is most exciting for me and helps me to find new levels of humanness in the resulting work. I am always seeking new means of expression and, step by step, I am discovering almost unlimited possibilities through my work with loosened gelatin” 23 La clave de la técnica de las Gellages ( mezcla entre collage y gelatina fotográfica) reside en transformar la emulsión fotográfica expuesta y fijada en su soporte original de papel. Destacada esta película transparente y plástica de la gelatina, Macku monta y reforma las imágenes dotándolas con nuevos significados. Reposando de nuevo en papel fotográfico de alta calidad, las Gellages son impresiones duraderas y de resultado satisfactorio para exhibir. Este arduo método, en el que incluso utiliza más de un negativo por imagen, dificulta la creación de impresiones iguales, o sea, cada Gellage es una obra de arte única. A pesar de todo el artista hace por lo menos doce impresiones numeradas y firmadas de cada imagen, dado que según sus propias palabras “uno crea para comunicar lo que no puede expresar de ninguna otra manera. Entonces surge la necesidad de describir, de definir.”11 FIG.VI Macku, Michal, “Sin Título - Gellage nr. 107” (66x79cm) FIG.VII Macku, Michal, “Sin Título - Gellage nr. 20” (66x79cm) 11 Traducción propia del original de MACKU, Michal, 2010. About Technique:Gellage. Consultado en Diciembre 2010, en Michal Macku: http://www.michal-macku.eu/ “One creates to communicate what can not be expressed in any other way. Then comes the need to describe, to define.” 24 A pesar de que son las Gellages lo que más reconocimiento le traen, esta no es la única técnica que Michal Macku desarrolla. Otra de ellas son los Carbon Print que empieza a experimentar a partir de 2000. Después de probar Heliograbado, Platinum y Kallitype, se especializa en el dominio del Carbon Print. Tuvo la oportunidad de trabajar con negativos originales del conocido Frantisek Drtikol12, leyenda de la fotografía Checoslovaquia y maestro en esta técnica. Los Carbon Print no se desligan de la Gellage, es decir, ambas técnicas pueden coincidir en la misma obra. Para el artista, las impresiones al Carbón pueden ser “virtualmente indistinguibles a las impresiones de plata.”13 Estos Carbon Print son aparentemente más nítidas que las impresiones de plata debido a su perceptible relieve. La calidad y estabilidad de conservación de esta técnica es superior a las derivadas de plata. La estabilidad del carbón, al ser un mineral inerte está limitada sólo por la compañía de la gelatina y su base de papel, por ello es el más estable de todos los procesos fotográficos. FIG.VIII Macku, Michal, “Sin Título – Carbon Print nr. 57” (35x44cm) FIG.IX Macku, Michal,“Sin Título - Carbon Print nr. 44” (33x35cm) 12 Frantisek Drtikol (03 de Marzo de 1883 Pribram – 13 de Enero de 1961 Prague) fue un fotógrafo Checo de renombre internacional. Es especialmente conocido por sus características fotografías épicas, a menudo desnudos y retratos; 13 Expresión del artista. 25 IV.III Proceso de trabajo Claramente desde el inicio de la realización de la componente práctica de La Serigrafia: de la Bidimensionalidad a la Tridimensionalidad, en materiales alternativos al papel, se manifiesta la idea de desarrollar el proyecto en series; de catalogar las piezas según los diferentes soportes y materiales en que se elaboran. Así las piezas están en este punto agrupadas en cuatro series finales que fueran siendo producidas a la vez. La secuencia se divide en Serie Plásticos, Serie Ceras, Serie Acrílicos y Serie Vidrios. En este orden se va exponer su proceso de trabajo, reiterando que no tienen esta ordenación cronológica dado que se fueron produciendo a la vez piezas de una serie y de otra. Aunque el fundamento, el propósito sea llegar a la tridimensionalidad, algunas de las series tienen piezas que “aparentemente” son bidimensionales no obstante que la tridimensionalidad está en el núcleo de la pieza, cuestión que más adelante en otro punto de este apartado será justificada. En lo que concierne al proceso de trabajo de las imágenes, estas son procesadas en Photoshop CS4 y atraviesan un largo tratamiento hasta llegar a la fragmentación deseada y adecuada. Ejemplo del tratamiento de una imagen hasta llegar al resultado final para imprimir a partir de Serigrafia en los soportes elegidos: FIG.XII Fotografía de manos original. Recortada. 32 FIG.XIII Fragmentos de la imagen y proyectada yuxtaposición final . 33 34 IV.III.I Serie Plásticos Esta primera serie esta formada por siete piezas de pared, citadas antes como aparentemente bidimensionales. Dentro de esta serie se pueden distinguir dos grupos: las piezas de uno o de dos materiales. Cada uno de estos trabajos está compuesto por siete láminas. En cinco de ellas se encuentran impresos los cinco fragmentos que componen la imagen. Piezas formadas por siete láminas de celofán o cuatro de celofán y tres de acetato. Las piezas con acetato son más “formales”, es decir, tienen forma fija, y las compuestas solamente por celofán son más maleables. El celofán actúa también como aislante y unificador de estas láminas en una sola. Aquí la “tridimensionalidad” esta patente en el centro de la pieza, donde los fragmentos de imagen se funden en una volumetria que deja entrever una atmósfera envolvente. Como tema Emociones/Sentimientos de los cuales Calma, Confianza, Furia y Rabia. Estas Emociones/Sentimientos provienen de la observación de acciones del cotidiano y también son reflejo de sensaciones procedentes del desarrollo de las piezas y del Proyecto en general. 35 IV.III.I.I Reproducciones 36 FIG. XIV “Sin Título”, Serie Plásticos, 48x48cm, 2010. 37 FIG. XV “Sin Título”, Serie Plásticos, 48x48cm, 2010. 38 FIG. XVI “Sin Título”, Serie Plásticos, 48x48cm, 2010. 39 FIG. XVII “Sin Título”, Serie Plásticos, 48x48cm, 2010. 40 FIG. XVIII “Sin Título”, Serie Plásticos, 59x42cm, 2010. FIG. XIX “Sin Título”, Serie Plásticos, 59x42cm, 2010. 41 FIG.XXIV “Sin Título”, Serie Ceras, 2=10x16cm, 2011. 48 FIG.XXV “Sin Título”, Serie Ceras,, 4=29x20cm, 2011. 49 FIG.XXVI “Sin Título”, Serie Ceras, 10x16cm, 2010. 50 IV.III.III Serie Acrílicos Componen esta serie cuatro piezas en acrílico en el que la temática es Manos. Este tipo de resultado es lo que más se asemeja al esperado, pretendido y conseguido con los vidrios. Aquí ya es evidente la tridimensionalidad. Cada una de estas piezas esta construida por tres planchas de acrílico transparente de tres milímetros; cada plancha tiene cuatro orificios en sus extremidades donde están clavadas anillas; para unir las planchas, un tornillo en rosca sin cabeza ni punta, atraviesa las anillas unificando la pieza y formando un bloque con las planchas separadas cerca de un centímetro y medio unas de las otras. En esta serie cada imagen depende de la lectura de cuatro fragmentos de esa misma figura, impresos de la siguiente manera: en la cara interior de las dos planchas exteriores y en las dos caras de la plancha intermedia. La cuarta pieza y ultima de esta serie se presenta de una manera totalmente distinta a las restantes y de la manera más adecuada y plásticamente mejor resuelta. En el lugar de las anillas y del tornillo está un tubo en el mismo material: acrílico. Esta solución permite una mayor unificación de la pieza. Solamente se presenta así una pieza porque utilizar el tubo de acrílico como alternativa, solo fue posible cerca de la finalización del Proyecto. En esta serie figuran Manos. Con y a partir de las manos llega la a dádiva. La empatía. La unificación. La complicidad con otras personas y a la realización de un sin fin de movimientos. 51 IV.III.III.I Reproducciones 52 FIG.XXVII “Sin Título”, Serie Acrílicos, 50x35x6cm, 2010. 53 FIG.XXVIII “Sin Título”, Serie Acrílicos, 25x34x6cm, 2010. 54 FIG.XXIX “Sin Título”, Serie Acrílicos, 50x35x6cm, 2010. 55 56 IV.III.IV Serie Vidrios Son seis las piezas de esta última serie, dedicada a Acciones. Como en la Serie Plásticos estas Acciones provienen de lo cotidiano y también del proceso de realización del Proyecto. Acciones de meditación, trabajo, descanso y reposo, sensaciones de cumplido. Esta es la serie final de este proyecto, en la cual, aunque toda está realizada en vidrio (láminas de vidrio), se admiten más variaciones: de tipo de vidrio, de espesuras y de formatos (tamaños). Es en este conjunto de trabajos en el que se refleja la intención y el propósito de la realización de este proyecto práctico con dos piezas especiales que plasman todas las intenciones y máximo resultado18. Aquí se muestra de la manera más precisa lo concebido como “Contenedor de Memoria”. Estas piezas en formato bloque, a partir de las impresiones en su caras interiores, son el espacio donde vive la figura; en espacio donde discurre cualquier acción; local integrante donde, además, se incluye el espectador a través de su reflejo. Aquí desaparece el concepto de soporte como simple base para alguna otra cosa. Se puede dividir la serie esencialmente en dos grupos: bloques con y sin cera. En los bloques sin cera, encontramos imágenes nítidamente suspensas en un momento, en cuanto que la presencia de la cera confiere una especie de veladuras, de resguardo a las figuras representadas. 18 Como objecto de curiosidad, en la exposición, estas dos piezas fueran apellidadas por más de un visitante como las “piezas estrella” del conjunto expuesto. 57 FIG.XXXV “Sin Título”, Serie Vidrios, 15x15x2,5cm, 2011. 64 V Exposición del Proyecto Después de realizado el proyecto, las piezas terminadas se muestran en una exposición individual con el título: GESTOGRAFIAS_Registro de Movimientos. El espacio seleccionado es la Sala de Exposiciones del Espacio Cultural Biblioteca Casa de La Reina, situada en la Calle de la Reina, en El Cabanyal, gentilmente cedida por el Ayuntamiento de Valencia. Es un local donde co-existen bien las piezas de pared y las piezas que necesitan peanas. Una sala de aproximadamente catorce por cinco metros y cerca de cuatro metros de altura, en la que fueron montadas veintitrés piezas, siendo catorce de pared y nueve en peanas. Los trabajos de la Serie Plásticos están suspendidos en la pared, sin marcos y simplemente sostenidos por pinzas. Las piezas de Serie Ceras están enmarcadas en una base blanca de cartón pluma. Serie Acrílicos e Serie Vidrios se exponen sobre peanas permitiendo su observación por todos ángulos, asumiendo su identidad de Escultura.. En la exposición, junto con las tarjetas de contacto y del libro de presencias, se podía leer el siguiente texto de presentación: Juliana Ferreira (n. 1985, Portugal) es Licenciada en Artes Plásticas con especialidad en Escultura y frecuenta el Máster en Producción Artística de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, con especial enfoque en Obra Gráfica. En el contexto del Proyecto Final de Máster surgen los trabajos que componen la Exposición. GESTOGRAFIAS_Registro de Movimientos es un recorrido por determinadas acciones, actitudes y sentimientos de las personas en el devenir cotidiano, sin negar el cuerpo como instrumento y parte integrante de esas actuaciones. En solitario o acompañados, vamos a cada 65 momento y en múltiples circunstancias, registrando hechos que se acumulan creando así nuestra memoria. Piezas realizadas entre 2010 y 2011, distribuidas en cuatro series, conjugando la Gráfica – Serigrafia, con materiales alternativos al papel, trayendo la técnica al nivel de la Escultura. Materiales tan diversos como vidrio, acrílicos, polímeros o ceras, anteriormente explorados en sus Esculturas, pero que convergen en algunas características similares: transparencia, translucidez, reflejos... permitiendo la superposición de varios fragmentos para la construcción de una imagen. FIG.XXXVI Cartel/Invitación realizado para la divulgación de la exposición. Como repercusión de la exposición, fue publicada en el Periódico Digital Globedia19 (grupo HispaVista), una entrevista sobre las obras expuestas y recurriendo el proceso de creación y realización. Forman el artículo la entrevista y algunas fotos del reportero20. 19 http://es.globedia.com/; 20 Se presenta el artículo completo en IX.IV Anexo. 66 V.I Registro fotográfico de la exposición 67 FIG.XXXVII Vista General del espacio de la exposición. 68 FIG.XXXVIII Vista General del espacio de la exposición. 69 FIG.XXXIX Pormenor del espacio de la exposición. FIG.XL Pormenor del espacio de la exposición. 70 VI Presupuesto 71 72 VII Conclusiones El gran desafío de La Serigrafia: de la Bidimensionalidad a la Tridimensionalidad en materiales alternativos al papel era llegar al nivel de la Escultura teniendo como punto de partida la Serigrafia, técnica Gráfica con aplicaciones tradicionalmente bidimensionales. Uno de los objetivos principales para la realización de este Proyecto Final de Máster, estaba en la creación de piezas Gráficas a tres dimensiones, que reflejen acciones y sentimientos de la vida humana en su vertiente más natural y común. En el desarrollo de este Proyecto Final de Máster esta idea estuvo siempre presente, tanto en el discurso de la investigación teórica contrastando variados referentes histórico-artísticos como en la investigación práctica y de taller a través de la búsqueda y creación/impresión de imágenes y su adecuación/integración en un material de la presentada “familia de vidrios”. Este objetivo fue planteado y alcanzado en las diferentes piezas de las diversas series. Pronto se reveló apropiada la intención de añadir al Proyecto materiales diferentes al vidrio, una vez que estos permitieran extraer más y diferentes resultados visuales a la técnica de Estampación Serigráfica,. Diferentes texturas posibilitan distintos efectos en la impresión, así como la textura y apariencia que la propia tinta toma en los diferentes materiales. De esta forma la representación de una figura a partir de la yuxtaposición de variados fragmentos de una misma imagen, otro de los objetivos, tuve resultados dispares dependiendo del material de soporte. Con todo, las solución de los siguientes objetivos se ven planteadas de maneras específicas en cada un de ellos: La fusión entre impresión y soporte esta presente en la Serie Plásticos e la Serie Acrílicos siendo evidente en la Serie Vidrios, bien como la 73 IX ANEXOS IX.I Anexo Especialidad Escultura Para mejor comprender mi trayectoria y el interés por trabajar con vidrio, se presentan a continuación dos ejemplos de piezas realizadas en el periodo de especialidad en Escultura de la Licenciatura. FIG.XLI “Através”, Caja en vidrio de 5mm, tubos de aluminio de 50mm de diámetro, 120x60x60cm, 2005. 80 FIG.XLII “Dentro Do Lado De Fora”, vidrio de 4mm, MDF de 5mm, 180x50x40cm, 2006. 81 IX.II Anexo Declaración Eva Hesse La pieza Contingent” de Eva Hesse fue mostrada en “Art in Process IV” del Finch College en el otoño de 1969. Antes de instalar la pieza en Finch, Hesse había pasado once días en cama, y aunque asistió a la inauguración, estuvo de regreso en el hospital concluida la Navidad. Entre “Contingent” y su entrada final al hospital, ella hizo sus tres últimas piezas. La declaración del catálogo de “Art in Process IV” de Hesse dice: Colgadura. Tela recubierta de hule, suelta, abierta. Fibra de vidrio —plástico reforzado. Empezada en algún lugar en noviembre-diciembre, 1968. Trabajada. Colapsada el 6 de abril de 1969. He estado muy mal. Declaración. Reanudado el trabajo en la pieza, he completado una desde entonces. Declaración, 15 de octubre de 1969, fuera del hospital, corta estadía esta vez, la tercera vez. El mismo día, los estudiantes y Douglas Johns empezaron a trabajar. DÍA DE LA MORATORIA La pieza está en muchas partes. Cada una en sí misma en una declaración completa, juntas no estoy segura de cómo funcionarán. La realidad. No puedo estar segura todavía. puede ser de enfermedad, puede ser de honestidad. irregulares, bordes, de seis a siete pies de largo. texturas toscas, ásperas, cambiantes. vistas a través, no vistas a través, consistentes, inconsistentes, 82 encerradas fuertemente por el vidrio como el embalaje que cuelga justo allí. luego más, otras. ¿colgarán allí de la misma manera? intento una fluidez continua. intento algunas espaciadas estrechamente al azar. intento algunas espaciadas a mucha distancia. son ajustadas y formales pero muy etéreas, sensitivas, frágiles. se ven a través en su mayoría. ni pintura, ni escultura. Sin embargo está allí. recuerdo que yo quería lograr el no arte, lo no connotativo, lo no antropomórfico, lo no geométrico, lo no, nada, todo, pero de otra clase, visión, orden. desde de un punto de vista totalmente diferente. ¿es posible? he aprendido que todo es posible. lo sé. esa visión o concepto harán evidente el riesgo total, la libertad, la disciplina. lo haré. hoy, otra etapa, en dos hojas que ponemos en el vidrio. las hicimos de manera diferente. una fue vaciada –vertida en plástico duro, irregular, grueso; otra con panel divisorio, arrugada. todas serán diferentes. tanto las hojas de caucho como la fibra de vidrio. las longitudes y anchuras. ¿me pregunto cómo y por qué ponerlas juntas? ¿puede ser diferente cada vez? ¿por qué no? ¿cómo realizar mediante la no realización? ¿cómo hacer no haciendo? en eso está todo. no es lo nuevo. es lo que todavía no es conocido, pensado, visto, tocado pero realmente lo que no existe. y eso es. 83 IX.III Anexo Sensation La exposición Sensation, 1997 en la Royal Academy de Londres, mostró por primera vez la colección de Charles Saatchi, com obras de jóvenes artistas poco ortodoxos que trabajaban en Inglaterra -entre los que estaba Ron Mueck-, más tarde apellidados de Generación Sensation o YBA – Young British Artists. Esta muestra contribuyó para consolidar Saatchi entre los coleccionistas británicos de arte contemporáneo y revelar artistas como Damien Hirst, Tracey Emin, Gary Hume, Gavin Turk, Mona Hatoum, Rachel Whitered, Ofili, Mark Wallinger o Richard Billingham. Fue una exposición polémica y controvertida para el público y un desmedido suceso y escándalo para los medios de comunicación. Con ella, se puede afirmar que Saatchi situó Inglaterra en el centro del mundo del arte. “La inauguración estuvo acompañada de protestas, dimisiones de miembros de la Academia y de ataques vandálicos contra algunas de las obras. En 1999, cuando la muestra viajó a Nueva York, Rudolph Giuliani, entonces alcalde de la ciudad, amenazó con retirar su apoyo financiero a la institución que la acogió, el Brooklyn Museum. Desde el primer momento, columnistas y dibujantes de prensa, expertos televisivos, arzobispos y políticos se sintieron legitimados para juzgarla. Ni adrede habría podido el magnate de la publicidad y coleccionista Charles Saatchi inventarse un anuncio mejor. Esta vez, el arte le hizo el trabajo.”21 La polémica y las reacciones extremas que Sensation causó se deben a la presencia de algunas obras poco ortodoxas y no convencionales, acreditamos que fácilmente incomodas y provocativas. 21 ADRIAN, Searle, 2010. Sensation, 1997. Consultado en Julio 2011, en El Cultural: http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/27466/Sensation_1997 84 Para que se entienda mejor se transcribe un artículo del jefe del departamento de critica de arte del The Guardian (periódico británico), Adrian Searl publicado en El Cultural (revista de actualidad cultural): “Sensation, 1997 Con la inauguración de la exposición en la Royal Academy londinense se abrió la puerta a una nueva generación de artistas británicos poco ortodoxos: el arte se mezcla así con el escándalo y el marqueting. Hitos del arte reciente: 1997. El arte como marca Adrian SEARLE | Publicado el 25/06/2010 Fue polémica y controvertida para el gran público y un enorme succès de scandale para los medios de comunicación. La exposición Sensation fue la responsable del fenómeno Young British Artists, un grupo de artistas, acogido por el magnate publicitario Charles Saatchi, que consiguió situar a Inglaterra en el centro del mundo del arte. En el mes de septiembre de 1997 abría sus puertas en la Royal Academy de Londres la exposición Sensation: Young British Artists From the Saatchi Collection. La inauguración estuvo acompañada de protestas, dimisiones de miembros de la Academia y de ataques vandálicos contra algunas de las obras. En 1999, cuando la muestra viajó a Nueva York, Rudolph Giuliani, entonces alcalde de la ciudad, amenazó con retirar su apoyo financiero a la institución que la acogió, el Brooklyn Museum. Desde el primer momento, columnistas y dibujantes de prensa, expertos televisivos, arzobispos y políticos se sintieron legitimados para juzgarla. Ni adrede habría podido el magnate de la publicidad y coleccionista Charles Saatchi inventarse un anuncio mejor. Esta vez, el arte le hizo el trabajo. 85 La obra más controvertida fue un enorme retrato de la tristemente célebre Myra Hindley quien, en los años sesenta, había sido autora, junto a Ian Brady, de la violación y el asesinato de cinco niños cuyos cadáveres luego sepultaron en un humedal próximo a Manchester. El gigantesco cuadro de Marcus Harvey, basado en una fotografía de Hindley tomada por la policía en 1965, reproducida hasta la saciedad por los medios de comunicación británicos y conocida por cualquier persona adulta del país, se pintó utilizando como plantilla huellas de palmas de manos infantiles. Era inevitable que, tarde o temprano, un artista la usara, como lo era tambien que la presencia del cuadro en la Royal Academy desencadenara el debate. Hubo hasta quien pensó que Harvey glorificaba a la asesina del pantano. La controversia sobre aquella obra, y sobre otras expuestas en la muestra, resultó ciertamente agotadora, pero al menos demostró que las imágenes todavía conservaban algún tipo de poder. En el Reino Unido y en Nueva York más tarde, la pintura de Chris Ofili de una Virgen María negra que descansa sobre bolas de excrementos secos de elefante e incluye toda una serie de elementos recortados y collages procedentes de revistas pornográficas enfureció a algunos católicos. De los maniquíes de Jake y Dinos Chapman, con sus naricespene y sus rostros-vagina, se interpretó que incitaban al sexo con menores; una acusación a la que los artistas respondieron: “No se trata de abusos a niños: son abusos a maniquíes”. Nada de lo que Marcus Harvey ha hecho desde entonces ha conseguido suscitar siquiera un murmullo, al contrario que Jake y Dinos Chapman, habituales de los medios de comunicación, aunque tanto por ser Jake y Dinos como por su arte. Ofili acabaría siendo el primer artista británico negro (es hijo de nigerianos) en representar al Reino Unido en la Bienal de Venecia y en la actualidad es objeto de una gran retrospectiva en la Tate Britain, donde su cuadro de la Virgen ha vuelto a exponerse, pero esta vez sin provocar el más mínimo comentario. 86 El sello Saatchi Otras obras de Sensation -en particular la tienda de campaña de Tracey Emin, con los nombres de todas las personas con las que se había acostado grabadas sobre su superficiefueron objeto de escarnio y de comentarios negativos. La tienda fue una de las piezas de un amplio espectro de artistas, que incluye a los hermanos Chapman, destruida en un incendio declarado en 2004 en las instalaciones de los importantes almacenes de arte MoMart. Sensation puso por primera vez ante los ojos del gran público británico la colección de Charles Saatchi de obras realizadas por jóvenes artistas del país. Pero Saatchi ya era un personaje conocido. Junto a su hermano Maurice había planeado y organizado la campaña publicitaria que llevó al Partido Conservador y a Margaret Thatcher a ganar las elecciones de 1979. “Labour Isn't Working” (El laborismo no funciona), rezaba su cartel electoral de 1979, que mostraba una serpenteante cola de personas avanzando hacia la oficina del paro. Largas colas se formaron también ante Sensation, cuya inauguración coincidió con la euforia de los primeros meses de gobierno del Nuevo Laborismo de Tony Blair tras dieciocho años de ininterrumpida gestión conservadora. Sensation fue toda una sensación y contribuyó a consolidar la preeminencia de Saatchi entre los coleccionistas británicos de arte contemporáneo. Unos coleccionistas que, en cualquier caso, eran poquísimos: en este país, las personas con posibles prefieren derrochar su dinero de otra forma. La identificación de Saatchi con la promoción del grupo de artistas que a partir de entonces comenzó a conocerse como Young British Artists, o YBA, y la sensación generalizada de que poseía el poder de lanzar o destrozar carreras, le habían granjeado ya una cierta reputación. La compra a precio de saldo de estudios enteros repletos de 87 obras que apenas mostraba y que luego dejaba caer sobre las casas de subastas se convirtió en su imagen de marca. Pero no se limitó a garantizar la supervivencia económica de una generación de artistas: para algunas galerías privadas era igual de esencial tenerlo como cliente. Y aunque Sensation mostraba obras de Damien Hirst, Tracey Emin, Gary Hume o Gavin Turk, muchos otros artistas de la exposición, como Mona Hatoum, Rachel Whiteread, Ofili, Mark Wallinger o el fotógrafo Richard Billingham, nunca fueron vistos como YBA, una etiqueta que, en cualquier caso, nunca quiso decir gran cosa. Con la perspectiva que nos da el tiempo, Sensation no fue ni radical ni propuso una revisión coherente del arte británico existente en 1997. Y, sin embargo, al poco de la inauguración se extendió la certeza de que las artes plásticas y la música británicas estaban conquistando el mundo. Los hermanos Gallagher, de Oasis, tomaban champán en Downing Street, el Britpop y el Britart causaban furor, Tony Blair era todavía el niño bonito que dejó de ser cuando comenzó la “guerra contra el terror”^ A pesar de todo, “Cool Brittania”, el eslogan turístico ideado para acompañar este retorno al vibrante Londres de los sesenta, pronto acabaría muerto y bien muerto por su propia estupidez. Generación efímera Yo apoyé Sensation y a sus artistas; y lo hice en parte para contrarrestar las críticas vertidas sobre el arte contemporáneo, que se resumían en la idea de que los artistas no eran más que unos farsantes que el poder e influencia únicos de Saatchi y la ayuda de una camarilla corrupta de críticos, comisarios y directores de museos imponían sobre el público. En esos días escribí que me alegraba “de vivir en la cultura que acogía obras como Ghost de Rachel Whiteread o A Thousand Years de Damien Hirst, con su tiburón dentro de una urna y su oveja”. Hoy, todo parece muy lejano. Algunos de aquellos artistas han 88 desaparecido; otros, como Tracey Emin, son miembros de la misma Royal Academy o de una generación de edad mediana y bien establecida, que los jóvenes creadores, más que imitar, tratan de evitar. Myra Hindley está muerta y ha caído el gobierno del New Labour. Mientras, Charles Saatchi continúa comprando y vendiendo y montando, en su centro de arte de Chelsea, una exposición tras otra de “nuevo esto y nuevo aquello”. Como vemos, todo muy poco sensacional.” 89 IX Índice de figuras FIG.I Graham, Dan, “Two Adjacent Pavilions”, Documenta 7, Cassel 1982; FIG.II Graham, Dan, “Two Adjacent Pavilions”, Documenta 7, Cassel 1982; FIG.III Hesse, Eva, “Sin Titulo”, 1968, Instalación en Yale University Art Gallery ,1992; FIG.IV Hesse, Eva, “Contingent”, 1969, Instalación de estopilla, látex y fibra de vidrio (variable); FIG.V Mueck, Ron, “Dead Dad”, 1996, Aproximadamente dos tercios del tamaño natural, silicona y tinta acrílica; FIG.VI Macku, Michal, “Sin Título - Gellage nr. 107” (66x79cm); FIG.VII Macku, Michal, “Sin Título - Gellage nr. 20” (66x79cm); FIG.VIII Macku, Michal, “Sin Título – Carbon Print nr. 57” (35x44cm); FIG.IX Macku, Michal,“Sin Título - Carbon Print nr. 44” (33x35cm); FIG.X Macku, Michal, “Glass Gellage nr. III” (38x31x4cm); FIG.XI Macku, Michal, “Glass Gellage nr. IV” (38x31x4cm); FIG.XII Fotografía de manos original. Recortada; FIG.XIII Fragmentos de la imagen y proyectada yuxtaposición final; . FIG. XIV “Sin Título”, Serie Plásticos, 48x48cm, 2010; FIG. XV “Sin Título”, Serie Plásticos, 48x48cm, 2010; FIG. XV “Sin Título”, Serie Plásticos, 48x48cm, 2010; FIG. XVI “Sin Título”, Serie Plásticos, 48x48cm, 2010; FIG. XVII “Sin Título”, Serie Plásticos, 48x48cm, 2010; FIG. XVIII “Sin Título”, Serie Plásticos, 59x42cm, 2010; FIG. XIX “Sin Título”, Serie Plásticos, 59x42cm, 2010; FIG. XX “Sin Título”, Serie Plásticos, 59x42cm, 2010; FIG.XXI “Sin Título”, Serie Ceras, 10x16cm, 2010; FIG.XXII “Sin Título”, Serie Ceras, 10x16cm, 2010; FIG.XXIII “Sin Título”, Serie Ceras, 10x16cm, 2010; FIG.XXIV “Sin Título”, Serie Ceras, 2=10x16cm, 2011; 96 FIG.XXV “Sin Título”, Serie Ceras,, 4=29x20cm, 2011; FIG.XXVI “Sin Título”, Serie Ceras, 10x16cm, 2010; FIG.XXVII “Sin Título”, Serie Acrílicos, 50x35x6cm, 2010; FIG.XXVIII “Sin Título”, Serie Acrílicos, 25x34x6cm, 2010; FIG.XXIX “Sin Título”, Serie Acrílicos, 50x35x6cm, 2010; FIG.XXX “Sin Título”, Serie Vidrios, 15x15x2,5cm, 2011; FIG.XXXI “Sin Título”, Serie Vidrios, 15x15x2,5cm, 2011; FIG.XXXII “Sin Título”, Serie Vidrios, 15x15x2,5cm, 2011; FIG.XXXIII “Sin Título”, Serie Vidrios, 42x30x3,5cm, 2011; FIG.XXXIV “Sin Título”, Serie Vidrios, 28x21x3,5cm, 2011; FIG.XXXV “Sin Título”, Serie Vidrios, 15x15x2,5cm, 2011; FIG.XXXVI Cartel/Invitación realizado para la divulgación de la exposición; FIG.XXXVII Vista General del espacio de la exposición; FIG.XXXVIII Vista General del espacio de la exposición; FIG.XXXIX Pormenor del espacio de la exposición; FIG.XL Pormenor del espacio de la exposición; FIG.XLI “Através”, Caja en vidrio de 5mm, tubos de aluminio de 50mm de diámetro, 120x60x60cm, 2005; FIG.XLII “Dentro Do Lado De Fora”, vidrio de 4mm, MDF de 5mm, 180x50x40cm, 2006. 97 98 99