Vêtement rules (Reglas de indumentaria)

2 ÍNDICE DE CONTENIDOS: 1. Resumen y palabras clave 2. Descripción de la idea que fundamenta el discurso 3. Trabajos previos que avalen el proyecto actual 4. Descripción del proceso plástico 5. Descripción del proceso teórico-conceptual 6. Documentación gráfica de la obra 7. Cronograma 8. Presupuesto 9. Bibliografía 3 4 5 6 15 19 61 62 64 1. RESUMEN Y PALABRAS CLAVE: Vêtement rules comienza siendo un proyecto escultórico e instalativo pero las necesidades conceptuales y formales me han conducido a una ampliación de las fronteras hacia lo multidisciplinar, con la introducción en el proceso de la fotografía y el vídeo. La idea parte de un interés por las consecuencias de un consumismo masivo, es decir, por un hecho prototípico de nuestra cultura postcapitalista occidental del siglo XXI. En mi caso, me posiciono con el objetivo de llamar la atención sobre esta situación mediante una serie de recursos como son el exceso, lo absurdo, el ridículo, la seducción, etc. Los materiales que utilizo son chucherías. Con ellas construyo piezas de indumentaria que interactúan con distintos sujetos por medio de performances, vídeos o fotografías. Palabras clave: identidad, consumo, apariencias, convenciones. Vêtement rules begins being a sculpture and installative project but the theorical and practical necessities have open the project´s barriers towards a multidisciplinar work with the introduction of photography and video. The main idea is originated from the interest in our current massive consumerism and its consequences, which is a prototypical fact of the post-capitalist and occidental culture. In this case, my aim is to highlight this situation through a series of resources such as excess, absurd, ridiculous, seduction, etc. The materials that I use are sweets. With them I build clothing scultures which interact with different subjects through videos, performances or photographies. Keywords: identity, consumerism, appearances, conventions. 3 4 Las esculturas que realizo son elementos de indumentaria de todo tipo. A partir de ellas genero una narración que se desarrolla tanto en el vídeo como en la fotografía por medio de la interacción entre la pieza escultórica y uno o varios actores. Utilizo las chucherías a modo de material de construcción. Es importante con respecto a la elaboración de las piezas la cuestión de la verosimilitud, pues todas ellas pretenden dar la sensación de ser tejidos normales. Es esto lo que me lleva a una elección de material distinta para cada escultura, teniendo en cuenta para ello su color, forma, brillo, textura y combinación. Con ello, en mi proyecto trato de poner el foco de atención en cuestiones surgidas a raíz de la evolución de nuestra actual sociedad occidental de consumo. Filósofos como Guy Debord hablan en relación con la sociedad del espectáculo de la aniquilación del individuo a través de su comparación a un objeto de consumo. Me interesa, así pues, la identidad bajo esa mirada de nuestra época. Para hablar a este respecto utilizo la ironía, el contraste o el exceso. Me valgo también de la referencia a las convenciones, reglas y estereoptipos que rigen nuestros comportamientos sociales, pero me aproximo a ellos desde el punto de vista de lo absurdo y lo ridículo. 2. DESCRIPCIÓN DETALLADA Y RAZONADA DE LA IDEA QUE FUNDAMENTA EL DISCURSO: 3. TRABAJOS PREVIOS QUE AVALEN EL PROYECTO ACTUAL. Los inicios de mi proyecto Vêtement rules se encuentran en Theirs I y Theirs II, realizados en las asignaturas de Proyectos I y Proyectos II. -En Theirs I comienzo a trabajar en el ámbito de la escultura, utilizando objetos variados de pequeño tamaño. Construyo las piezas con una intención de verosimilitud y engaño visual al espectador. Lo realizado en este caso son elementos pertenecientes al ámbito de la indumentaria femenina. Reflexión acerca de la identidad y de los productos de consumo. (Figuras 1 y 2). -A partir de Theirs II se producen cambios bastante significativos. En este caso, las piezas construidas son menos rígidas que las realizadas con objetos plásticos, y permitían la interacción con una persona. Esto da lugar a un giro del proyecto hacia el vídeo y la performance (Figura 3). Figura 02. Pieza Casus belli, 2014. Figura 3. Pieza Una cuestión de tiempo, 2015. Figura 01. Pieza Victorian Sponge, 2014. 5 6 4. DESCRIPCIÓN DEL PROCESO DE INVESTIGACIÓN PLÁSTICA. En Vêtement Rules parto del punto de haber trabajado tanto con esculturas puramente objetuales como con piezas más interactivas, y desde un primer momento me interesa no perder estas dos posibilidades de trabajo. Además, el tipo de pieza que realizo se refiere siempre a indumentarias de todo tipo. En el comienzo no tenía aún del todo claro los materiales con los que trabajaría de tal manera que lo primero que hago son pruebas de material, bocetos y maquetas. El lento y laborioso proceso de construcción de cada una de las piezas es también parte fundamental del proceso, puesto que es este tiempo invertido el que me permite analizar y tomar decisiones. Las primeras maquetas son dos pequeñas chaquetas que realizo para probar dos materiales diferentes: una de ellas está hecha con chicles y la otra con pipas. En ambos casos utilicé una estructura de alambre sobre la cual construir. Estas primeras tomas de contacto con los materiales me llevan a decidir un campo semántico concreto de materiales con los que trabajar, los relativos a las chucherías y lo lúdico, aunque siempre teniendo muy en cuenta que fueran verosímiles a la hora de realizar cada pieza. Para estas primeras piezas continué revisando a autores que ya anteriormente me habían sido de utilidad como Jim Delvoye, Jan Fabre o Joana Vasconcelos. De artistas como Joana Vasconcelos me seguía interesando su uso de objetos con un significado ya propio para crear piezas cuya fuerza nacía del objeto empleado para construir combinado con el elemento construido. Creo que muy especialmente esto lo podemos ver en su obra The bride ( “la novia”) (Figura 04). Figura 04. Joana Vasconcelos. The bride (detalle), 2001. Figura 05. Jim Delvoye. Marble Floor #102, 2000. Jan Fabre. Las piezas de este artista me influyen especialmente por la técnica y los inusuales materiales con los que está construidos, tales como semillas o escarabajos de intensos colores que combina sacando partido también a su cromatismo. Utiliza estos elementos para crear variadas esculturas que van desde calaveras hasta armaduras. Desde que comencé a trabajar con objetos también ha tenido un papel importante para mi proyecto la obra de Jim Delvoye en tanto en cuanto, al igual que Vasconcelos, construye sus piezas con objetos que al mismo tiempo comparten una cierta relación de verosimilitud con el material con el que la pieza original se construiría pero que por el contraste que incorporan dan lugar a una visión irónica. Así pues, de la misma manera que en La novia, Vasconcelos utiliza los tampones para simular las perlas de la lámpara, en algunas de sus obras Delvoye imita un suelo de mármol utilizando lonchas de embutidos, de tal manera que transforma diametralmente los significados por medio de la resignificación. Su obra Marble Floor #102 (Figura 05) es un ejemplo de ello. Prosigo dentro de lo puramente objetual con los mismos presupuestos técnicos que en las pruebas, es decir, construyendo mediante esqueleto metálico (Figura 06). La primera pieza de gran envergadura que realicé fue un abrigo con gusanitos de maiz (Figura 07). El proceso de elaboración fue complejo y tuve que investigar distintos tipos de materiales adhesivos para conseguir levantarlo, pues los gusanitos eran demasiado porosos e inmediatamente se separaban. Finalmente conseguí encontrar el pegamento de corcho como la mejor solución. Durante el proceso de construcción de esta primera pieza pude sacar conclusiones relativas a la construcción y posibles mejoras en lo relativo a los materiales. Figura 06. Esqueleto de alambre. Figura 07. Proceso de construcción de la pieza Nice and warm. 7 8 Lo que observaba al analizar las piezas ya construidas era que todas ellas eran muy rígidas, lo cual tenía que ver con utilizar el esqueleto de alambre para levantarlas. Estas piezas estaban destinadas a ser solo objetuales de tal manera que esa rigidez no era perjudicial, pero en el momento en que ideara las piezas para interactuar con el cuerpo esto se convertía en una desventaja: si hacía las piezas rígidas a la hora de realizar los vídeos con los actores sería prácticamente imposible el movimiento de estos. Para ello miré otros autores que ya no solo trabajaban con objetos sino también combinándolos con otro tipo de materiales. Tambien observé aquellos que, además, realizaban piezas escultóricas para interactuar con el cuerpo humano, de modo que la acción o performance era parte indispensable de la obra. R. Horn, D. Salcedo y Jana Sterback me aportaron, en este punto del proyecto, interesantes posibilidades técnicas y constructivas. Además, en la obra de Sterback y Horn, lo que construyen en realidad son objetos performativos que no se entienden sin la interacción con el cuerpo humano. Escultura/ cuerpo. Rebecca Horn. De esta artista alemana me interesan sus trajes corporales que modifican el cuerpo. Al igual que Sterback, construye piezas escultóricas que necesitan para completarse de la interacción con el cuerpo humano y cuya finalidad, de hecho, suele ser la de extender o reducir los límites de este. En la mayor parte de los casos Horn consigue esta unión por medio de performances. Arm extensions (1968). Es una de sus primeras performances en las que comienza a trabajar con la prolongación de los límites de su cuerpo. Pencil Mask. Esta obra también resulta sugerente porque en cierto modo me parece que tiene algo de siniestro (Figura 08). Figura 08. Rebeca Horn. Pencil Mask, 1972. Figura 9. Jana Sterback. Vanitas, 1987. Doris Salcedo. La obra de la artista es amplia pero es su proyecto Atrabilarios el que considero más importante con respecto a mi trabajo. En ella cuenta historias a través de zapatos de distintas mujeres. Los objetos no se muestran al desnudo, sobre una peana sin más, sino que están colocados en un agujero en la pared y cubiertos por una película traslúcida hecha de vejiga de vaca. El contraste, así mismo, entre los materiales que utiliza y cómo cose a la pared esta piel me resulta muy sugerente. Jana Sterback. La artista canadiense es famosa por sus esculturas conceptuales que está hechas para interactuar con el cuerpo. La gran variedad de materiales que emplea para su trabajo tienen que ver con expresar distintos significados a través de ellos. De esta artista me interesa pues su empleo de materiales no convencionales, fuera de la historia del arte, así como la interacción con el cuerpo que se establece en sus esculturas. En su pieza Vanitas (Figura 09) las implicaciones simbólicas y emocionales relativas a la muerte adquieren sentido al ser precisamente vestido por una mujer. Se denomina así porque en la obra se establece un contraste entre la vanidad y la descomposición del cuerpo. Muestra la muerte y la decadencia, tal y como hacen los vanitas tradicionalmente. Me interesa ese contraste entre la belleza perseguida y la vanidad con respecto a la podredumbre, y la progresiva transformación que se produce en la pieza a medida que se va cayendo. La observación de sus propuestas me permitieron ver el gran interés que podía tener el propio material estructural con el que construía las piezas y que, incluso, no tenía por qué esconderlo, puesto que podía llegar a formar parte de la propia escultura. A continuación, comencé a utilizar diversos materiales para construir, todos ellos más adaptables al cuerpo que el alambre que antes empleaba. Igualmente, en lugar de pegar siempre unos materiales con otros me planteé el interés de conectar el material entre sí cosiéndolo. Esto también eliminaría rigidez y haría que estuvieran más cercanas a una tela. En primer lugar hice un vestido con lenguas azucaradas (Figura 10). El planteamiento de esta pieza partía del hecho de que tenía que ser vestido por una persona, de tal manera que planteé su construcción como si se tratara de una tela. Empecé a utilizar al mismo tiempo una especie de red para realizar las estructuras que era más flexible que el alambre. Me permitía, además, trabajar por patrones: recortando las distintas partes de las piezas y después pegándolas y entrelazándolas entre sí sobre un patrón de plástico. 9 16 -Guy Debord y La sociedad del espectáculo. “El dominio autocrático de la economía mercantil que había alcanzado un status de soberanía irresponsable y el conjunto de las nuevas técnicas de gobierno que acompañan ese dominio” (Debord, 1967, p.14). ¿Cuáles son esas técnicas?: “convertir en mundo la falsificación y hacer la falsificación del mundo” (Debord, 1967, p.21). Guy Debord expresa en este texto cómo para él el mundo se divide entre una minoría perversa que domina a través de la desinformación y los ingenuos que la aceptan. Son tan solo tres o cuatro individuos los que controlan todos los resortes de la sociedad espectacular para mantener la supremacía de la economía mercantil. -Lipovetsky y Serroy. La estetización del mundo. En este libro el dúo describe una economía que ya no se rige por el oportunismo de la oferta y la demanda, sino por una lógica basada en la dinámica de la moda. Hablan de la seducción de la mercancía que tiene que ver con cuestiones que introduzco en mi proyecto a través del empleo de un material industruial y producido en serie (chucherías) edulcorado y embellecido para la venta. -Bárbara Krueguer. Mando a distancia: poder, cultura y el mundo de las apariencias. Me interesa este libro que supone una recopilación de una serie de ensayos de la autora en los que habla de las imágenes y de los textos en relación con el poder. Al igual que el trabajo teórico, también me interesa la obra plástica de la autora, en la que aparecen palabras y tenemos que descifrar las imágenes, con un mensaje siempre de fuerte compromiso social y crítica al poder y a sus sistemas de manipulación. (Figura 25) Figura 23. Fotografía perteneciente a la pieza Mademoiselle Margueritte. Figura 24. Fotografía Royal guest (detalle). Estos intereses conceptuales están presentes desde los comienzos del proyecto pero es cuando decido definitivamente el material de trabajo (comida/chucherías) cuando surgen otras implicaciones. -Por un lado el contraste: lo infantil, la gula, la diversión... relacionado con el ámbito de las chucherías, en contraste con lo serio, lo establecido y la etiqueta de ciertas prendas de vestir. -Este contraste de objetos que se produce genera la ironía, el humor y nos lleva hasta lo absurdo. En lo relativo al lenguaje irónico Joana Vasconcelos y Jim Delvoye fueron importantes referentes conceptuales por el modo de pensar sus obras en las cuales el empleo de un determinado objeto para la construcción de una pieza tiene una clara finalidad irónica. También lo absurdo alcanza un papel fundamental dentro de mi trabajo. A este respecto hay una serie de artistas referentes: -Jan Svankmajer. Introduce en su obra el humor y lo absurdo. Obras como Picnic with Weissmann (Figura 26) me han interesado especialmente. -Pierrick Sorin fue otro de los artistas revisados. Es un humorista y artista que hace vídeos e instalaciones multimedia plenamente influenciado del cine mudo de Leaton, Mélies... así como del surrealismo. (Figura 27). Figura 25. Barbara Krueguer. Money can buy you love. 1985 Figura 27. Pierrick Sorin. Mélies, 2008. Figura 26. Jan Svankmajer. Picnic with Weissmann, 1968. 17 18 A lo largo del proyecto el recurso a lo absurdo y a lo ridículo siempre tiene relación con las reglas, las normas establecidas y los estereotipos de la sociedad de consumo a la que aludo. Creo que es especialmente al realizar el primero de los vídeos y analizarlo cuando me doy cuenta de esta relación que estaba llevando a cabo por medio de las narraciones. Dentro de este interés que desarrollo por el cuestionamiento de las reglas me interesan los mecanismos que utiliza el artista Carles Congost para aludir a los estereotipos, jerarquías e ideologías. Sus críticas son contundentes pero al mismo tiempo están realizadas con humor. A medida que iba avanzando en el proyecto algunas nociones comenzaron a estar más presentes. Así bien, la presencia de lo ridículo por medio del recurso al exceso y a lo melodramático fue algo que adquirió importancia más adelante en el proceso. Es especialmente en los vídeos donde me propuse potenciar una estética más forzada, que sintonizara con el carácter producido e industrial de las propias chucherías. -En estos momentos las películas de Rainer Werner Fassbinder, especialmente las de su segunda etapa, los llamados “Melodramas distanciados” (Figura 28), me resultaron muy inspiradoras. El efecto teatral, melodramático y exagerado que genera en sus obras tienen que ver con lo ridículo y lo absurdo de la sociedad. -Jesper Just es también un importante referente. Lo que más me interesa del trabajo de Just es que sus vídeos son siempre melodramas hiperbólicos que se sitúan en la cuerda floja entre lo conmovedor y lo ridículo (Figura 29). Al igual que en los melodramas fassbinderianos, estas son obras de gran densidad emocional. Just consigue desconcertar al espectador al intercalar momentos de gran altura estética y de gran fuerza dramática con otros que rozan la payasada. Figura 29. Jesper Just. A question of Silence, 2002. Figura 28. Rainer Werner Fassbinder. Las amargas lágrimas de Petra Von Kant, 1989. 6. DOCUMENTACIÓN GRÁFICA DE LA OBRA FINAL. FICHAS TÉCNICAS: Nice and warm. Construcción de gusanitos de maiz por medio de hilo y adhesivo. 110 x 90 x 45cm. 2015 19 20 Glamourous (“Glamurosa”) Impresión cromogénica 71 x 47 cm. 2015 21 22 Gentleman ("Caballero") Construcción de pipas mediante adhesivo de cianurocrilato. 25 x 25 x 15 cm 2015 Idyllic (“Idílico”) Técnica mixta 160 x 240 x 70 cm 2016 23 24 Countryside walk (“Paseo por el campo”) Impresión cromogénica 40 x 70 cm 2015 25 32 Pink and lovely snack (“Merienda rosa y encantadora”) Vídeo monocanal. 18´19´´ 2016 Enlace a youtube: https://www.youtube.com/watch?v=OAEmWZRRlrk&feature=youtu.be Vestido para la ocasión Construcción de regalices negros por medio de hilo 160 x 90 x 70 cm. 2016 33 34 El cóctel de las ocho. Impresión cromogénica 50 x 75 cm. 2016. 35 36 Elegant man (“Hombre elegante”) Impresión cromogénica 50 x 75 cm. 2015. The cocktail party (“El cóctel”) Vídeo monocanal 13´22´ 2016 Enlace youtube: https://www.youtube.com/watch?v=kvVnThnDoCs&feature=youtu.be 37 38 Discreetly (“Discretamente”) Pipas cosidas a tejido de lino 160 x 80 x 70 cm. 2016. 39 40 Never-ending luxury (“Lujo eterno”) Técnica mixta 150 x 80 x 50 cm 2016 41 48 The afternoon tea (“El te de la tarde”) 14´25´´ Vídeo monocanal 2016 Enlace a Vimeo: https://vimeo.com/170053396 Waiting in the Room of the Sea (“Esperando en la habitaón del mar”) Impresión cromogénica 60 x 75 cm 2016 49 50 Norweian Boots ("Botas noruegas”) Técnica mixta 145 x 120 x 60 cm 2016 51 52 Mademoiselle Margueritte ("Señorita Margarita") Técnica mixta 130 x 75 x 100 cm 2016 53 54 La dama Técnica mixta. 170cm x 90cm x 35cm. 2016. 55 56 Admiring Beauty ("Admirando la belleza") Impresión cromogénica 50 x 65 cm 2016 57 64 9. BIBLIOGRAFÍA: BANKS, Russell. Beneath the Roses: Gregory Crewdson. Ed. Abrams. Nueva York, 2008. BAUDRILLARD, Jean. Cultura y simulacro. Ed. Kairós. 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